Nasze czasy charakteryzują się szybkimi zmianami cykli mody. Wyznaczką procesu rozwoju mody jest ich sezonowość: wiosna – lato i jesień – zima. W związku z tym obserwujemy szybką zmianę trendów w modzie, powstawanie nowych form odzieży. Źródłem wiedzy o zmianach form i wzorów jest przede wszystkim kostium historyczny, który był kształtowany i zatwierdzany przez wieki. Strój ludowy jest bezcenną, niezbywalną własnością kultury ludowej, gromadzoną przez wieki. Odzież, która przeszła długą drogę w swoim rozwoju, jest ściśle związana z historią i poglądy estetyczne twórcy Sztuka współczesnego stroju nie może rozwijać się w oderwaniu od tradycji ludowych, narodowych. Bez głębokiego studiowania tradycji postępowy rozwój jakiegokolwiek rodzaju i gatunku sztuki współczesnej jest niemożliwy.

Strój ludowy to nie tylko jasny, oryginalny element kultury, ale także synteza różne typy twórczość dekoracyjna, które do połowy XX wieku wnosiły tradycyjne elementy kroju, zdobnictwa, wykorzystania materiałów i dekoracji charakterystycznych dla dawnego ubioru rosyjskiego.

Na kształtowanie się cech kompozycyjnych, kroju i zdobnictwa stroju rosyjskiego wpływało środowisko geograficzne i warunki klimatyczne, struktura gospodarcza i poziom rozwoju sił wytwórczych. Istotnymi czynnikami były procesy historyczne i społeczne, które przyczyniły się do powstania specjalnych form ubioru, a rola lokalnych tradycji kulturowych była znacząca.

Koszula jest słusznie uważana za najstarszy rodzaj odzieży. Już w VI wieku. w stroju naszych przodków – Słowian – zajmował czołowe miejsce, a czasem był jedynym elementem ubioru. Koszula damska różniła się od męskiej właściwie jedynie długością i bogatszym zdobieniem.

Koszula najwyraźniej pochodzi od słowa „pocierać”, które w języku przodków oznaczało kawałek, skrawek materiału, ale jednocześnie służyło jako nazwa całego kompleksu. Chłop, mieszkaniec miasta i szlachcic nosili koszulę tego samego kroju, różnica polegała jedynie na jakości materiału.

Najpopularniejszym materiałem do dziś pozostaje len. W języku staroruskim istniały dwa terminy: „chlast” – „płótno”, „tlstina” – niebielona tkanina i „platno” – bielony len, oznaczający materiał podstawowy. Od czasów starożytnych kobiety zajmowały się przędzeniem i tkaniem lnu. Wierzyli, że tylko dobrze kobiece ręce Tym, którzy nie trzymali broni, można zaufać, że zrobią odzież, pierwszego obrońcę człowieka. Niemal wszystkie kobiety w rodzinach wiejskich, a początkowo miejskich, posiadały to rzemiosło.

Najstarsze koszule szyto z jednego długiego kawałka materiału złożonego na pół w ramionach. Po bokach wszyto klinowe wstawki, uzyskane poprzez wycięcie prostokąta po przekątnej, rozszerzając dół. Następnie wycinają szczelinę przy bramie i na środku skrzyni. Zatem po zakończeniu cięcia nie pozostał ani jeden dodatkowy kawałek.

Porządek zdobienia koszuli ukształtował się także w czasach pogańskich i do dziś jest ściśle przestrzegany w stroju ludowym. Starożytna Ruś Ubiór szlachty zdobiły perły, koraliki z kamieniami półszlachetnymi i kolorowym szkłem oraz drogie warkocze i sznurki. Ubrania większości ludności tradycyjnie zdobiono haftem ręcznym lub wzorzystą tkaniną. Ozdobne paski, a później wstążki, warkocze, aplikacje z zakupionych tkanin i kolorowe koronki umieszczano zawsze wzdłuż rąbka, brzegów rękawów, na ramionach, wzdłuż kołnierza i wzdłuż rozcięcia na piersi. Tak unikalny system linek ochronnych w połączeniu z pasem, którym zgodnie ze starożytnymi wierzeniami zawsze przepasywano każdą koszulę, chronił najważniejsze części ciała. Jednocześnie ozdoby umieszczone wzdłuż brzegów odzieży chroniły również odsłonięte części ciała przed złymi duchami.

Szczególnie bogato zdobione były koszule odświętne i rytualne noszone okazjonalnie. określone dni. Zatem pierwszego dnia zbioru ziół miała wyjść w „kosiu” z szerokim wzorzystym paskiem na rąbku. W święto żniw ubierali się w „żniwną” koszulę. W ostatnim tygodniu przed ślubem dziewczyny nosiły koszulę z 1 bardzo długie rękawy, zwany „zabójcą”. Panna młoda miała w nim płakać ze strachu przed tym, co miało nadejść. życie rodzinne w czyimś domu. Ale koszula ślubna została słusznie uznana za najpiękniejszą. Haftowano go wielobarwnymi wzorami, gdzie główne miejsce zajmowała czerwień. Młoda żona nosiła go jeszcze przez kilka lat podczas ważnych świąt, a następnie starannie przechowywała.

W rosyjskim stroju narodowym, podobnie jak w strojach innych narodowości, od wielu stuleci obowiązuje niepisana zasada: zwracaj większą uwagę na ubiór damski, ponieważ ma on przede wszystkim chronić zdrowie dalszej rodziny.

W regionach południowych prosty krój koszul był bardziej skomplikowany; wykonywano go za pomocą tzw. polików – wyciętych detali łączących przód i tył wzdłuż linii ramion. Poliki mogą być proste lub ukośne. Słupy o kształcie prostokątnym łączyły cztery panele płótna o szerokości 32-42 cm każdy. Ukośne paski (w kształcie trapezu) połączono szeroką bazą z rękawem i wąską bazą z lamówką pod szyją. Obydwa rozwiązania projektowe zostały podkreślone dekoracyjnie.

Sarafan (perska serapa, turecko-tatarska „od stóp do głów”) to strój narodowy Rosjanek. Zakłada się go na koszulę z bufiastymi rękawami. Jeśli odbywa się to przez głowę, na klatce piersiowej przyszytych jest kilka ozdobnych guzików. Sukienka może być również rozpięta z przodu.

Istnieje kilka różnych rodzajów sukienek, na krój i dekorację wpływały cechy regionu.

Najstarszy typ to skośny fason na pachach lub szerokich ramiączkach. Przedni i tylny panel tej sukienki połączono po bokach dodatkowymi klinami. Przedni prosty panel nie miał środkowego szwu. W prowincji Twerskiej nazywano go „kostolanem”, w regionach północnych – „garbusem”.

Sukienka miała inny krój w północno-zachodnich prowincjach (Nowogród, Ołoniec, Psków itp.). Był bardziej zamknięty, dlatego nazywano go „szuszunem” lub „cietrzewem”. Staroobrzędowcy nosili takie sukienki.

Ta sukienka została uszyta z tkaniny złożonej na ramionach, ze ściętymi klinami po bokach. Z tyłu wszyto długie, często fałszywe rękawy.

Skośna sukienka z rozcięciem z przodu, zapinana na guziki i szlufki.

Rozpowszechnił się w XIX wieku we wszystkich prowincjach środkowej Rosji. W prowincjach jarosławskim i twerskim nazywano go „feriazem”, w Moskwie – „sayanem”, w smoleńsku – „sroką”. Były też takie nazwy jak „goon”, „sinyatka”. Sukienkę uszyto w następujący sposób: dwa panele przednie i jeden panel tylny były proste, doszyto do nich mocno ścięte kliny, które poszerzały ubranie. Rozcięcie z przodu ozdobiono czerwonym warkoczem, warkoczem, frędzlami itp. Czasami rozcięcie z przodu zaszyto, a dla ozdoby pozostawiono guziki i pętelki. Czasami młode dziewczyny szyły takie sukienki z paskami.

Prostą lub okrągłą sukienkę uszyto z kilku prostych tkanin (od 4 do 7), nadmiar materiału na górze zebrano w mały marszczenie i przykryto wąską wstążką lub lamówką. Z tyłu wąskie, krótkie ramiączka zszyto razem, a z przodu osobno. Wzdłuż dołu i góry sukienki wykonano ozdoby w postaci ozdobnego haftu, warkocza itp. W prowincjach moskiewskich i włodzimierskich nazywano go futrem. Zarówno młode, jak i starsze kobiety nosiły taką sukienkę. Jedyną różnicą był kolor: młodzi ludzie szyli sukienki z jasnych tkanin, a starsi używali ciemnych kolorów.

Suknia z obcisłym stanikiem pojawiła się pod koniec XIX - na początku XX wieku. i była czymś w rodzaju półsukienki. Jego lufy zostały wycięte za pomocą skośnego gwintu.

Suknie ślubne były szczególnie różne. Na przykład w prowincji Ryazan panna młoda wyszła za mąż w czarnej sukience z białą chustą na głowie, którą zwykle noszono podczas żałoby. Pierwszego dnia życie razem młoda kobieta pojawiła się w swojej najlepszej sukience – najczęściej w różnych odcieniach czerwieni. W prowincjach Wołogdy i Kostroma niebiesko-różowe i karmazynowe sukienki wykonano z drogich tkanin. Ozdobione były splotem złota, warkoczami i perłami.

Warunki rozwój historyczny, począwszy od XII - XIII wieku. zidentyfikowane najbardziej charakterystyczny podział formy stroju rosyjskiego na północny i południowy. W XIII - XV wieku. regiony północne (Wołogda, Archangielsk, Wielki Ustyug, Nowogród, Włodzimierz itp.), W przeciwieństwie do południowych, nie zostały zniszczone najazdami nomadów. Tutaj rozwijały się intensywnie rzemiosło artystyczne, kwitł handel zagraniczny.

Od XVIII wieku. Północ znalazła się z dala od rozwijających się ośrodków przemysłowych i dlatego zachowała swoją integralność życie ludowe i kultura. Dlatego w rosyjskim stroju Północy cechy narodowe znaleźć swoje głębokie odbicie i nie doświadczać obcych wpływów.

Strój południowo-rosyjski (Ryazan, Tuła, Tambow, Woroneż, Penza, Orel, Kursk, Kaługa itp.) Jest znacznie bardziej zróżnicowany pod względem form ubioru. Powtarzające się przesiedlenia mieszkańców na skutek najazdów nomadów, a następnie w okresie formowania się Państwa Moskiewskiego, wpływy sąsiadujących narodów (Ukraińców, Białorusinów, ludów regionu Wołgi) doprowadziły do ​​częstszej zmiany form ubioru i różnorodności jego ubioru. typy.

W stroju południowo-rosyjskim zamiast sukienki szerzej stosowano ponewę - odzież do pasa wykonaną z wełnianej tkaniny, czasem podszytą płótnem. Tkanina używana do ponevy jest najczęściej ciemnoniebieska, czarna, czerwona, z wzorem w kratkę lub paski (z paskami ułożonymi poprzecznie). Codzienne ponevy wykończono skromnie: u dołu samodziałowym wełnianym wzorzystym warkoczem (paskiem). Świąteczne ponevy były bogato zdobione haftami, wzorzystymi warkoczami, wstawkami z czerwonej, barwionej, świecidełkowej koronki i błyskotkami. Szeroki poziomy pas u dołu połączono z przeszyciami i pionowymi kolorowymi wstawkami. Kolorystyka ponevów była szczególnie jasna i kolorowa ze względu na ich ciemne tło.

W rzeczywistości Poneva to także spódnica, tylko jej spódnice z reguły nie były szyte. Nazywano ją rastapolką, czyli wahadłową. Ponewę podtrzymywał gasnik (pas, lina, sznur, warkocz).

Wykonane z reguły z kraciastej wełny samodziałowej były „dobre”, „wędrowane”, „oddane” i „ostatnie”. Ponevy podzielono także na sinyatki (jednolity niebieski) i krasnyatki (czerwony) ze wzorem. Poneva najbardziej przypomina nasze proste spódnice.

Fartuch

Najbardziej dekoracyjną i ozdobną częścią stroju kobiecego, zarówno północnego, jak i południowego, był fartuch, czyli zasłona zakrywająca przód postaci kobiecej. Fartuch był zwykle wykonany z płótna i ozdobiony haftem, tkanymi wzorami, kolorowymi wstawkami i jedwabnymi wstążkami. Brzeg fartucha zdobiono ząbkami, koronką białą lub kolorową, frędzlami z nici jedwabnych lub wełnianych oraz falbankami o różnej szerokości.

Duszegrea

W ubiorze rosyjskiej północy starożytny rosyjski strój zachowuje „epanechki” i ocieplacze duszy, kożuchy pikowane watą i rękawami. Dushegreya to damska odzież bez rękawów, wykonana z drogich tkanin fabrycznych. W tych miejscach wykonano z brokatu podgrzewacze dusz. I została tak skrojona, że ​​tkanina z tyłu układała się w duże fałdy, a z przodu półki miały kształt trapezu. Podczas krojenia brokat wzmacniano (sklejano) grubym płótnem, czasem podklejano gazetą, aby zachować prosty kształt półek, na odwrocie znajdowały się fałdy. Na wąskich ramiączkach znajduje się wąski warkocz lub koronka. Podgrzewacz dusz zapinany był jedynie na broszkę, którą przypinano u góry lub przewiązywano kokardą z szerokich wstążek. Oznacza to, że była wcześniej noszona jako sukienka.

Wielowarstwowy charakter kostiumu, który posiadał różną długość jednocześnie noszonych koszul, ponewy, fartucha i śliniaczka, stworzył horyzontalny podział sylwetki, optycznie ją powiększając.

Kapelusze

W rosyjskim stroju ludowym zachowały się starożytne nakrycia głowy i sam zwyczaj. zamężna kobieta ukryj włosy; ​​w przypadku dziewczynki pozostaw je odkryte. Zwyczaj ten określa kształt nakrycia głowy kobiety w formie zamkniętej czapki, a dziewczynki w formie obręczy lub przepaski. Powszechne są kokoshniki, „sroki”, różne opaski na głowę i korony.

Używana biżuteria obejmowała perły, koraliki, bursztyn, naszyjniki z koralowca, wisiorki, koraliki i kolczyki.

Tkaniny, kolor, ozdoba

Głównymi materiałami używanymi na ludowe stroje chłopskie były płótno samodziałowe i wełna o prostym splocie płóciennym oraz pochodzące z połowy XIX wieku. - fabryczny jedwab, satyna, brokat z ozdobami z bujnych girland i bukietów kwiatowych, perkal, perkal, satyna, kolorowy kaszmir.

Głównymi metodami ozdabiania tkanin domowych były wzorzyste tkanie, hafty i materiały drukowane. Wzory w paski i kratkę są zróżnicowane pod względem kształtu i koloru. Technika tkania wzorów ludowych, a także haftu liczącego nitki, określiła prostoliniowe, geometryczne kontury i brak zaokrąglonych konturów we wzorze. Najczęstsze elementy ozdoby: romby, krzyże ukośne, gwiazdy ośmiokątne, rozety, jodły, krzewy, stylizowane postacie kobiety, ptaka, konia, jelenia. Wzory tkane i haftowane wykonywano z lnu, konopi, jedwabiu i wełniane nici, barwiony barwnikami roślinnymi, dający stonowane odcienie. Gama kolorów jest wielokolorowa: biały, czerwony, niebieski, czarny, brązowy, żółty, zielony. Najczęściej decydowano się na wielobarwność w oparciu o kolory biały, czerwony i niebieski (lub czarny).

Od połowy XIX wieku. tkaniny samodziałowe wypierane są przez tkaniny fabryczne z nadrukowanymi wzorami kwiatowymi, w kratkę i w paski.

Tradycje ludowe we współczesnym ubiorze

Sztuka ludowa pozostaje prawdziwym magazynem pomysłów dla projektantów i projektantów mody. W latach 70. ubiegłego wieku w kolekcjach projektantów odzieży ceniono przejawy „ducha narodowego”, ale nie w sensie etnograficznym, ale w kontekście „stylu międzynarodowego”: stylu rosyjskiego, stylu azjatyckiego itp. .

XXI wiek przyniósł nowe tradycje narodowe V nowoczesny design ubrania - estetyka postmodernizmu. Podczas tworzenia modelu odzieży stosuje się metodę „cytowania”. „Cytat” może być szczegółem strój narodowy, element dekoracyjny, powiększony lub zdeformowany motyw zdobniczy, krój lub kolorystyka. Łącząc różne „cytaty”, mieszając elementy strojów różnych narodów, projektantka tworzy nowy wizerunek, mający konkretne i rozpoznawalne źródło twórcze.

Odzież młodzieżowa w pewnym stopniu inspirowana jest modą „dorosłą”, nie charakteryzuje się jednak częstymi zmianami i radykalnymi rewolucjami. Jest bardziej stabilna, co wynika z jej budowy ciała grupy wiekowe dzieci. Główne wymagania dotyczące odzieży młodzieżowej (prostota kroju, wyjątkowa praktyczność kształtów, dźwięczność i świeżość zestawień kolorystycznych) są w pełni odzwierciedlone w stroje ludowe, gdzie piękno i funkcjonalność są ze sobą nierozerwalnie związane.

Harmonia kolorów

Warunek wstępny Piękno ubioru polega na zawartej w nim harmonii koloru, czyli konsekwencji, harmonii w zestawieniu barw. Tworząc garnitur (czyli dobierając tkaniny i materiały wykończeniowe) badaliśmy harmonię kolorów.

Kolor w ubraniach. Warunkiem koniecznym piękna ubioru jest harmonia w nim koloru, czyli konsekwencja, harmonia w zestawieniu kolorów.

Aby stworzyć harmonię kolorystyczną garnituru, ważna jest nie tylko umiejętność łączenia kolorów, rozróżnianie kolorów zgodnych i niezgodnych, ale także umiejętność ułożenia detali ubioru według kolorów i proporcji kolorystycznych w jedną całość .

Podstawy teorii koloru położył Newton, który jako pierwszy podjął próbę usystematyzowania świata kolorów, odkrywając związek między załamaniem światła a kolorem. Uważał, że światło białe, które przed nim uważano za jednorodne, po załamaniu w pryzmacie rozkłada się na wiele różnych fal świetlnych. Newton ułożył kolory swojego widma w błędne koło i dodał brakujący fiolet, który otrzymuje się przez zmieszanie czerwieni i fioletowe kwiaty i jest dodawany w celu płynnego przejścia od fioletu do czerwieni. Jeżeli kolory widmowe (od czerwonego do fioletowego) ułożone są kolejno w okręgu, powstaje okrąg chromatyczny.

Cała gama kolorów jest podzielona na dwie grupy - chromatyczną i achromatyczną.

Kolory achromatyczne to biel, czerń i wszystkie odcienie szarości – od bieli po czerń.

Kolory chromatyczne to kolory widmowe i magenta.

Istnieją trzy grupy kolorów oparte na kombinacji - powiązane, powiązane-kontrastujące i kontrastujące.

Kolory powiązane mają co najmniej jeden wspólny (główny) kolor. Istnieją cztery grupy powiązanych kolorów - żółto-czerwony, niebiesko-zielony i zielono-żółty. Starannie dobrane kolory pokrewne dają ogromne możliwości rozwiązań w zakresie kompozycji kolorystycznych. Na przykład zielony i zielono-niebieski są kolorami pokrewnymi; dobrze łączą się w kompozycji z plamami barwnymi o różnej wielkości. Dobrym rozwiązaniem jest duża ilość plam jednego koloru i niewielka ilość drugiego. Kiedy w kompozycji kostiumu stosuje się powiązane kolory, jeden lub oba z nich są zwykle wyciszone. Właściwą siłę koloru uzyskujemy poprzez taki dobór kolorów pokrewnych, aby nie były one zbyt jasne. Żółty i żółto-zielony, zielony i zielono-niebieski, niebieski i fioletowy, fioletowy i czerwony, czerwony i pomarańczowy itp. to kolory powiązane.

W kompozycji tonalnej silny efekt uzyskuje się poprzez różną jasność zastosowanych barw – poprzez wprowadzenie kontrastowych tonów jasnych i ciemnych. Harmonijne kombinacje powiązanych kolorów są reaktywne, spokojne i miękkie, zwłaszcza jeśli kolory są słabo nasycone i mają podobną jasność.

Odpowiednio kontrastujące kolory. Istnieją również grupy powiązanych ze sobą kontrastujących kolorów - żółto-czerwony i czerwono-niebieski, czerwono-niebieski i niebiesko-zielony, niebiesko-zielony i zielono-żółty, zielono-żółty i żółto-czerwony. Harmonia powiązanych kontrastujących kolorów jest bardziej aktywna i emocjonalna w porównaniu do pokrewnych.

Kontrastowe kolory. Są to żółto-czerwone, niebiesko-zielone, żółto-zielone i niebiesko-czerwone. Szczególnie aktywne jest połączenie harmonijnych kontrastujących kolorów, ponieważ kolory są podwójnie równoważone przez ich przeciwne cechy. Jednak nie wszystkie kontrastujące kolory są harmonijne. Na przykład żółto-czerwony i zielono-niebieskawy to nieharmonijne kontrastujące kolory.

W tworzeniu kompozycji kostiumu uczestniczą także kolory achromatyczne: biały, czarny, niebieski. Czerń i biel, pojedynczo lub w połączeniu, są postrzegane jako jasne, ponieważ kontrastują z tłem. I jedno i drugie - czarne i białe - wyglądają szlachetnie i korzystnie. Szarość efektownie prezentuje się w połączeniu z czernią i bielą. Czarny kolor wpływa na chromatykę, szczególnie średnią jasność i mocno nasyconą czerwień zielone kolory, najsilniejszy wpływ: te chromatyczne kolory rozjaśniają się, wzrasta ich nasycenie, wydają się świecić. Biały kolor, zwłaszcza zarysy chromatycznych barw, nadają kompozycji niepowtarzalnego smaczku: kolory stają się zwiewne, pastelowe; Biały kolor dodaje garniturowi elegancji.

Harmonijna kolorystyka garnituru zależy nie tylko od zestawienia kolorów, ale także od ich ilości i faktury materiału. Zalecanych kombinacji kolorystycznych nie należy jednak traktować jako obowiązkowych.

Wybór materiału na garnitur.

Do kostiumu scenicznego „Sudaruszka” wybraliśmy na koszulę białą satynową krepę, ponieważ biel pasuje do każdej kompozycji kolorystycznej, a w starym rosyjskim stroju koszula była zawsze biała.

Na sukienkę wybrano bogaty niebieski kolor i powiązane kolory dla głównych prac wykończeniowych: niebieski i jasnoniebieski.

Aby kostium był bardziej emocjonalny, do dekoracji dodano kontrastujące kolory: czerwony i zielony. Odrobina czerni doda bogactwa całemu garniturowi.

Wybór i uzasadnienie materiału.

Krepa, krepa-satyna. Zbiorcza nazwa wszystkich tkanin o ziarnistej, sękatej powierzchni, nabyta w wyniku skręcania przędzy krepowej, przeplatania nitek i wytłaczania tkaniny.

Krepa-satyna: splot satynowy, średnia podatność na gniecenie, dobra układalność, oddychalność, niska higroskopijność, średnie właściwości termoochronne. Średnie strzępienie zapewnia odporność, ponieważ charakteryzuje się silnym poślizgiem i dużą rozciągliwością nici w szwach. Podczas WTO należy wziąć pod uwagę reżim termiczny, ponieważ tkanina jest wykonana z włókien syntetycznych i sztucznych, a także ma błyszczącą, gładką powierzchnię, na której po zwilżeniu pozostają plamy.

Charakteryzuje się dobrą kolorystyką tkaniny, wyraźnym połyskiem i trwałą kolorystyką.

Analiza kostiumu.

Po przeanalizowaniu strojów ludowych przyjrzeliśmy się koszulom, sukienkom i ponevie. Postanowili zachować stary krój koszuli, ale wykorzystać go do wykończenia nowoczesne materiały. Szerokie sukienki i kucyki mają obszerny kształt, ale nie chcieliśmy podkreślać figury dziewczynki, wybraliśmy sukienkę z obszytymi beczkami.

Wybór modelu

Koszula: krój koszulowy, długie rękawy, koronkowe wykończenia.

Sukienka letnia: pół dopasowana do sylwetki, dopasowane beczki, lamówka - aplikacja, haftowany warkocz, tasiemka satynowa, taśma ukośna.

Wykończenie produktu

Koszula: wzdłuż podkrojów pach, u dołu rękawów i przy dekolcie, obszyta niebieskim haftem koronkowym.

Sukienka letnia: środkowa linia przodu, dolna linia - niebieski pasek wykonany z niebieskiej satyny krepowej. Aplikacja jest symetryczna od linii środkowej do dołu spódnicy. Kontrastowa lamówka z haftowanym warkoczem, warkoczem powój, tasiemką satynową.

Budowa

Konstrukcja rysunku podstawy produktu na ramię z jednoczęściowym rękawem.

Modelowanie, przygotowywanie szablonów do wycinania

Rękaw: od punktu B2 wzdłuż linii B2B5 odłożyć wymiary długości ramion + długość rękawa i z tego punktu utworzyć kąt prosty. Z punktu G1 narysuj linię równoległą do przecięcia.

Szyja: odłóż 2 cm od punktu B2, 6 cm od punktu B4, połącz je łukiem.

Wzory: odetnij rękaw przez punkty B1 i G2. Linie B1B6 Linia środkowa i zagięcie rękawa. Otrzymujemy trzy części: tył, półkę, rękaw.

Podkrój pachy: odsunąć 10 cm od punktu B2 (szerokość ramion). Połącz powstały punkt gładką linią z punktem T.

Szyja: odłóż 3 cm od punktu B2, 10 cm od punktu B4. Połącz gładką linią. Pogłębić kołnierz z tyłu o 2 cm.

Wzdłuż linii klatki piersiowej od środkowej linii wzoru, weź środek klatki piersiowej. Rysuj przez punkt linia pionowa od linii ramion do linii dołu.

Wzory: przód - część środkowa 1 szt., bok - 2 szt. (rozcinane po skosie); tył - część środkowa 1 szt., bok - 2 szt.

Rozszerzanie wzdłuż dolnej linii: rozszerzamy środkowe części przodu i tyłu wzdłuż dolnej linii od linii talii, boczne części rozszerzamy po obu stronach.

Technologia produkcji

Koszula: połącz szwy ramion z tyłu i z przodu, połącz je z rękawami, tworząc koronkową wstawkę. Wykończ dół rękawa marszczoną koronką. Przygotuj baski na gumkę. Wykończ dekolt marszczoną koronką. Przeszyj wzdłuż linii bocznej, zakończ dół ściegiem o zamkniętym kroju. Włóż gumkę wzdłuż brzegu rękawa.

Sukienka: przód: połącz środkową część z beczkami, przyszyj pasek materiału wykończeniowego wzdłuż linii środkowego przodu. Aplikacja po obu stronach z listwą wykończeniową.

Tył: połącz środkową część z beczkami.

Połącz części produktu, obszyj otwory na ramiona i dekolt czerwoną taśmą. Wykończ spód produktu paskiem tkaniny wykończeniowej. Przyszyj haftowany warkocz i czerwoną satynową tasiemkę wzdłuż linii dekoltu wzdłuż krawędzi pasków wykończeniowych.

Kalkulacja ekonomiczna

Materiał Cena Ilość Koszt

krepa - satyna 90 rub. 3 m. 270 rubli.

szycie koronek 24 rub. 4m. 56 rubli.

haftowany warkocz 8 rub. 5 m. 40 rubli.

wstążka satynowa 4 pocierać. 8 m. 32 rub.

Dublin 50 rub. 1 m. 50cm. 75 rubli.

wątki ( różne kolory) 10 rub. 6 rolek 60 rubli.

Razem: 533 rub.

Na uszycie garnituru wydaliśmy 533 ruble. Z tabeli wynika, że ​​główne koszty dotyczyły zakupu tkaniny. Do aplikacji użyliśmy resztek pozostałych po uszyciu innych produktów.

Każdy spektakl lub występ wykonywany na scenie ma na celu przynieść widzowi m.in. przyjemność estetyczną z tego, co widzi. Dlatego tak ważne jest, aby się ubierać aktorskie postacie w odpowiednich kostiumach teatralnych. Wtedy łatwo będzie poczuć ducha epoki dzieła, uchwycić charakter bohaterów i po prostu cieszyć się pięknem spektaklu.

Kostiumy teatralne od starożytności po czasy współczesne

Strój aktorów ulegał modyfikacjom od chwili powstania teatru aż do czasów współczesnych:

• Już w starożytności ludzie próbowali tworzyć obrazy sceniczne, eksperymentując z dostępnymi materiałami. Już w starożytnych Chinach i Japonii można było obserwować aktorów w specyficznych strojach, zwłaszcza podczas przedstawień świątecznych lub rytualnych. W starożytnych Indiach tancerze uliczni również nosili niezwykłe jasne sari, aby przyciągnąć uwagę. Wraz z pojawieniem się sztuki malowania naturalnymi barwnikami sari nie stały się monochromatyczne, ale wzorzyste.
• Kostium, który pojawił się w starożytnej Grecji, można nazwać „teatralnym”. Stosowano groteskowe maski i makijaż, a specyficzny kolor ubiorów bohaterów wskazywał na status lub zawód bohatera przedstawienia.
• Następnie Teatr europejski zaczęły się rozwijać w epoce feudalizmu, kiedy idee, tzw. „Tajemnice” przekazywali podróżujący artyści – histriony. Wygląd postaci wyróżniał się elegancją i bogatymi elementami dekoracji.
• Renesans ze swoimi komediami dell'arte charakteryzuje się groteskowością. Za pomocą elementów ubioru, fryzur i peruk, nakryć głowy, butów, masek i makijażu tworzono dowcipne obrazy, podkreślające cechy charakterystyczne konkretnych postaci, które były wyśmiewane lub podziwiane przez widza (fantastyczne pióra na czapkach, kolorowe spodnie).
• W kolejnych stuleciach w każdym państwie europejskim i wschodnim istniały takie czy inne teatry, salony muzyczne, opery, balety itp. Kostiumy stawały się coraz bardziej różnorodne, często oddając ducha epoki historycznej, stroje nowoczesne, uwalniając się od nadmiernej stylizacji. Dlatego na scenie można było zobaczyć zarówno znane widzowi obrazy, jak i odtworzone kostiumy historyczne, naturalistyczne stylizacje i fantazyjne makijaże.

Na szczególną uwagę zasługuje rosyjski kostium teatralny. Za jego pierwszych twórców uważa się bufony. Jasne koszule, kaftany z szarfami, łykowe buty, czapki z dzwoneczkami, naszywki na spodniach – wszystkie te elementy stroju przypominały stroje chłopskie, ale w przesadnie satyrycznej formie. Istniał teatr kościelny, gdzie performerzy ubrani byli na biało, niczym anioły. W teatry szkolne postacie miały swoje własne emblematy. I za cara Aleksieja Michajłowicza działał teatr zawodowy. Dlatego elementy stroju władcy nosiły znamiona królewskiej godności, stosowano niestandardowe hafty, a także ręcznie doszywano drogie kamienie i wykwintne ozdoby.

Gatunek

Zwyczajowo rozróżnia się trzy główne typy kostiumów:

1. Charakter. Ten typ jest kompozycją wizualno-plastyczną, która jest bezpośrednią częścią integralnego wizerunku odgrywanej roli. W garniturze postać często jest całkowicie ukryta. Aktor sam wprawia go w ruch i udziela głosu. Zatem Opera Pekińska charakteryzowała się wizerunkami świętej świątyni lub smoka.
2. Gra. Jest to sposób na zmianę wyglądu artysty i ważny element jego gry. Przemiana postaci w działaniach rytualnych i folklorystycznych często opierała się na zastosowaniu groteski i parodii, np. gdy młodzi mężczyźni przebierali się za dziewczęta.
3. Podobnie jak ubrania aktor. Jest podstawowy we współczesnych przedstawieniach, często dokładnie przypominając tradycyjny ubiór danej epoki akcji w przedstawieniu. Na podstawie takiego kostiumu tworzone są dwa wymienione powyżej typy.

Funkcje szycia

Szycie strojów scenicznych jest dość skomplikowane i kreatywny wygląd działalność. Należy dobrać odpowiednie materiały, dodatki, w razie potrzeby wykonać haft i aplikację. Kostium teatralny musi spełniać następujące wymagania:

• Precyzyjne ucieleśnienie epoki, biorąc pod uwagę historię, etnografię, cechy narodowe dzieła i bohaterowie.
• Zgodne z zamierzeniem reżysera, aby wyrazić istotę charakteru bohatera.
• Spraw, aby wizerunek aktora zrobił większe wrażenie w oczach widza.
• Dobrze dopasowuje się do sylwetki swojej właścicielki.
• Łatwość noszenia kostiumu (szczególnie ważne dla tancerzy biorących udział w przedstawieniach).

Ponieważ kostiumograf dobiera kostium teatralny do konkretnej roli i konkretnego aktora, konieczne jest jego dopasowanie do wymiarów. Aby to zrobić, lepiej zwrócić się do profesjonalistów. „Fabryka Krawiecka” to szwalnia w Moskwie i regionie moskiewskim, tutaj można zamówić krawiectwo kostiumów do spektakli, oper i baletów. Zostanie wybrany najlepsze materiały i stosowane są nowoczesne technologie szycia.

KOSTIUM TEATRALNY, element projektu wykonawczego. W historii teatru wyróżnia się trzy główne typy: kostium teatralny: charakter, gra i strój aktora. Te trzy główne typy kostiumów istnieją na wszystkich etapach sztuk performatywnych - od rytualnego i folklorystycznego przedteatru po współczesną praktykę artystyczną.

Kostium postaci to rodzaj wizualno-plastycznej kompozycji na sylwetce performera, wprawianej przez niego w ruch i udźwiękowionej (poprzez wymowę tekstu lub śpiew), czasami całkowicie zakrywającą jego postać, podobnie jak maska ​​zakrywała jego twarz. Przykłady strojów postaci w rytuałach i ceremoniach różne kraje pokój. Sylwetka stroju indyjskiego w kształcie dzwonu była parafrazą świątyni-namiotu z wieżą Nagara-sakhara i święta góra Menu (centrum i oś świata w mitologii hinduskiej). Chiński - swoją formą, wzorem, zdobnictwem i kolorem wyraża starożytną kosmologiczną symbolikę naturalnej przemiany Światła i Ciemności, połączenia Nieba i Ziemi w akcie stworzenia świata. Szamański kostium ludów Północy ucieleśnia wizerunki fantastycznego ptaka związanego z „wyższym światem” i bestią (mieszkańcem „niższego świata”). Południoworosyjski jest swego rodzaju modelem Wszechświata. W tradycyjne pomysły W Operze Pekińskiej kostium przedstawiał wizerunek groźnego smoka, w japońskim teatrze No – motywy natury, a w epoce baroku XVII wieku. – Sprawiedliwość lub pokój. Jeśli dla obrzędów rytualnych i działań folklorystycznych kostiumy postaci (podobnie jak wszystkie inne elementy scenografii) były owocem twórczości anonimowych twórców ludowych, to w XX wieku od samego początku zaczęto je komponować artyści: I. Bilibin – w opera Złoty Kogucik N. Rimski-Korsakow (1909), K. Frych – w Bure W. Szekspir (1913), W. Tatlin – w Car Maksymilian, P. Filonov - w tragedii Władimir Majakowski wreszcie K. Malewicz jest w projekcie Zwycięstwo nad słońcem(wszystkie trzy przedstawienia 1913). A potem, pod koniec lat 10. XX w. – pierwsza połowa lat 20. XX w. powstała cała seria strojów postaci włoscy futuryści E. Prampolini, F. Depero i inni, O. Schlemmer z niemieckiego Bauhausu, a w balecie – P. Picasso, który pokazał w groteskowych Menedżerach Parada E. Satie i F. Leger – Bóstwa murzyńskie w Stworzenie świata D.Millo. Wreszcie kubistyczna „architektura” kostiumowa A. Vesnina nabrała charakteru w przedstawieniach A. Tairowa - w zwiastowanie, własne kompozycje suprematyczne na temat postaci bohaterów Fedra. NA inne sceny - „kombinezony muszlowe” Yu Gaz G. Kaiser i A. Petritsky – w Wij, a także fantastyczne kolaże jako kostiumy postaci do spektaklu Inspektor, które zostały stworzone przez uczniów P. Filonowa (N. Jewgrafowa, A. Landsberga i A. Saszyna) na temat znaczków, herbów, pieczęci, kopert itp. - postać poczmistrza, przepisy kulinarne, podpisy, strzykawki, lewatywy, termometry - postać Doktora, butelki, kiełbaski, szynki, arbuzy itp. - postać Człowieka z Tawerny. W drugiej połowie XX wieku. kostiumy jako niezależne postacie wizualne, ukazane odrębnie od aktorów, jako element scenografii, stworzyli M. Kitaev i S. Stavtseva, a jako różnego rodzaju kompozycje na postaciach aktorów – K. Shimanovskaya, D. Mataiten, Y. Charikow.

Kostium aktorski to sposób na zmianę wyglądu aktora i jeden z elementów jego występu. W aktach rytualnych i folklorystycznych przemiana miała najczęściej charakter groteskowej parodii, gdy mężczyźni przebierali się za kobiety, kobiety za mężczyzn, młodzi mężczyźni za starców, piękności za czarownice lub gdy przedstawiali różne zwierzęta. Jednocześnie wykorzystywano wszystko, co było pod ręką: kurtkę, kożuch, osłonę, kożuch – zawsze wywrócony na lewą stronę, zabawniejszy i zabawniejszy, a także każdą inną, nieco śmieszną, „odwróconą” odzież, na przykład skrajnie skrócone spodnie, zbyt szeroka koszula, dziurawe pończochy, wszelkiego rodzaju szmaty, szmaty, szmaty, torby, liny; Wykorzystano wszystko, co dała natura: trawę, kwiaty, słomę, liście. Wreszcie do ozdabiania używano także różnych sztucznych dekoracji: kolorowego papieru, kory brzozowej, folii, szkła, wstążek, lusterek, dzwonków, piórek itp. Techniki groteskowego ubierania się przekształciły się w performansy starożytne komedie greckie, oraz do tradycyjnego teatru Wschodu, gdzie połączono je z urozmaiconą grą aktora z elementami jego kostiumu: długimi rękawami i bażantowymi piórami – w Operze Pekińskiej, trenami, ręcznikiem i wachlarzami – w japońskim Teatrze nr 1. Przedstawienia włoskiej komedii dell'arte, sztuk Szekspira i Lope de Vegi opierały się na niekończących się przebraniach i przebraniach. Pod koniec XVIII wieku. Emma Hart (Lady Hamilton) swój słynny taniec oparła na zabawie szalem, po czym podobne techniki (manipulacje chustami, narzutami, welonami i innymi podobnymi elementami ubioru) znalazły szerokie zastosowanie w teatrze baletowym XIX wieku, osiągając szczyt artystyczne szczyty w twórczości L.Baksta, którego szkice obrazów choreograficznych obejmowały dynamikę różnorodnych latających tkanin, pasków, szali, spódnic, szali, płaszczy, peleryn, wisiorków, podwiązek. Na scenie dramatycznej tradycję zabawy kostiumami w połączeniu z ruchami aktora kontynuowano – za pomocą kubofuturystycznej wyrazistości – w przedstawieniach A. Extera Teatr Kameralny Salome O. Wilde i Romeo i Julia W. Szekspir, a po niej jej uczeń P. Czeliszczew i inni mistrzowie początku lat 20. XX w.: W. Chodasiewicz i I. Niwiński, I. Rabinowicz i G. Jakułow, S. Eisenstein i G. Kozintsev, wreszcie znowu na scena baletowa, inscenizacja K. Goleizovsky'ego - B. Erdmana. Jeśli w tym okresie kostiumy zabawowe ukształtowały cały trend w scenografii, to w drugiej połowie XX wieku. Dość powszechnie wykorzystywali je także artyści i reżyserzy, ale z konieczności, jako element „palety” środków wyrazu, którymi dysponowali. Wśród autorów współczesnych kostiumów zabawowych znajdują się gruzińscy artyści Sameuli, G. Alexi-Meskhishvili i N. Ignatov; przykłady podobnego rodzaju można znaleźć w teatrach innych krajów: w Polsce, Czechach, Niemczech, Włoszech.

Kostium, podobnie jak ubiór postaci, często stanowi podstawę komponowania omówionych powyżej typów kostiumów (postaciowego i teatralnego), we wszystkich okresach historycznego rozwoju teatru, głównie lub w mniejszym stopniu na scenie ucieleśnia się to, co ludzie nosili w danym okresie. Tak było w starożytnych tragediach i tak jest w przedstawieniach naszych czasów. Jednocześnie ogólną ewolucję tego rodzaju ubioru charakteryzowało przejście od konwencjonalnych form prawdziwego ubioru (w epoce baroku i klasycyzmu) do jego rosnącej autentyczności historycznej, geograficznej, narodowej, dokładności i autentyczności. W teatrze naturalizmu i realizmu psychologicznego kostium staje się całkowicie adekwatny do charakteru bohatera, wyrażając nie tylko jego status społeczny, ale także stan psychiczny. Jednocześnie zarówno dziś, jak i w minionych wiekach kostium pozostaje przedmiotem szczególnej twórczości artystów (wśród których znajdują się najwybitniejsi mistrzowie sztuk pięknych i scenografii) i to oni go komponują (nawet pozornie codzienne stroje codziennego użytku, a nie wspomnieć fantastyczną), nie tylko jako osobne dzieło, ale jako istotny element spektaklu.

„Kostium to druga skorupa aktora, coś nierozerwalnie związanego z jego byciem, jest jego widoczną maską obraz sceniczny, który musi się z nim tak całościowo złączyć, aby stał się nierozłączny…” A. Ya Tairov. Kostium teatralny jest składnikiem scenicznego wizerunku aktora; są to zewnętrzne znaki i cechy portretowanej postaci, które pomagają aktorowi dokonać przemiany; środek artystycznego oddziaływania na widza. Dla aktora kostium jest materią, formą inspirowaną znaczeniem roli. Tak jak aktor słowem i gestem, ruchem i barwą głosu tworzy nowy byt obrazu scenicznego, wychodząc od tego, co podane w spektaklu, tak artysta, kierując się tymi samymi danymi ze spektaklu, ucieleśnia obraz za pomocą swojej sztuki.

Szycie kostiumów teatralnych Szycie kostiumów teatralnych to przede wszystkim tworzenie osobistego wizerunku artystycznego; zazwyczaj takie kostiumy mają bogate zdobienia, objętość w kształcie i detalach. Kostium ten bawi się samodzielnie i tworzy niezwykłą atmosferę. Profesjonalne krawiectwo strojów teatralnych i scenicznych nakłada dużą odpowiedzialność za dopasowanie stylu do scenerii - stroje do tańca kwadratowego, stroje bufonów, stroje historyczne (XVII, XVIII, XIX w.), stroje cyrkowe, stroje damskie i męskie z różnych czasów, z uwzględnieniem dokładnie środowisko, dla którego kombinezon jest przeznaczony. Strój sceniczny zawsze był i pozostaje jasny, ciekawy i niezwykły dla publiczności, co zaskakuje luksusem, szykiem i niezwykłością. Ale nie dla projektantów mody i prawdziwych rzemieślników. Ubrania sceniczne wymagają ciągłej inspiracji od projektanta mody, który wciela się w rolę artysty. Idealny projektant mody to artysta, który także nim jest dobry psycholog i doskonałą krawcową. Przecież tylko poprzez kontakt z aktorem lub klientem można stworzyć dokładnie taki obraz, jaki jest niezbędny przy szyciu teatralnego kostiumu scenicznego. Kostiumy teatralne szyte są profesjonalnie sprzęt do szycia co niewątpliwie wpływa na jakość kostiumów. Istnieje ręczne wykańczanie detali kostiumu. Garnitury szyte są według Twoich indywidualnych wzorów, dzięki czemu idealnie dopasują się do Twojej sylwetki.

Cechy kostiumów teatralnych Kostium teatralny musi być dopasowany i nie powodować niepokoju ani niedogodności dla aktora. Nad kostiumem pracuje wiele osób – reżyser, który daje ogólna charakterystyka pożądany wizerunek, projektanci, krojarki, szwaczki, które wcielają w życie ideę kostiumu. Zwykle przed uszyciem garnituru przeprowadza się więcej niż jedną przymiarkę. Na kilka tygodni przed wystawieniem przedstawienia na scenie aktorzy ćwiczą w kostiumach. Jest to konieczne, aby głębiej wczuli się w rolę, poczuli ją nie tylko duszą, ale także skórą. Kombinacja tkanin w kostiumie teatralnym może być bardzo różnorodna. Należą do nich kombinacje perkalu i płótna, satyny i dzianiny oraz części dziane. Wybór tkaniny zależy również od istoty przedstawienia, od jego wizerunków. Kostium teatralny nie powinien być przeładowany mnóstwem szczegółów. W końcu każda wstążka, każdy przycisk niesie ze sobą jakąś informację.

Na podstawie książki R. V. Zacharżewskiej „Historia kostiumu”

Wstyd się przyznać, ale należę do tych reżyserów i aktorów, dla których kostium sceniczny nie ma ogromne znaczenie. Naprawdę jest mi obojętne, co założę na scenę, a nawet najdokładniejszy kostium nie pomoże mi lepiej wczuć się w postać postaci, bo o wiele ważniejsze jest wewnętrzne zestrojenie się ze mną. Jako reżyser nigdy nie przywiązuję się do jakiegoś okresu ani scenerii, wolę myśleć, że to nie ma znaczenia i że historia, którą chcę opowiedzieć, mogła wydarzyć się gdziekolwiek i kiedykolwiek. Powodem mojej obojętności na komponent wizualny jest prawdopodobnie moja całkowita nieznajomość sztuk pięknych i słabo rozwinięta percepcja wzrokowa. Ale sama rozumiem, jak bardzo się mylę i ile moje produkcje przez to tracą.

Czym zatem jest kostium sceniczny i dlaczego jest ważny zarówno dla aktora, jak i dla całego przedstawienia? Kostium teatralny jest składnikiem scenicznego wizerunku aktora; są to zewnętrzne znaki i cechy portretowanej postaci, które pomagają aktorowi dokonać przemiany; środek artystycznego oddziaływania na widza. Błędem jest myśleć, że garnitur ogranicza się tylko do ubrania. Dotyczy to również makijażu, fryzury, butów, akcesoriów (parasole, szaliki, szaliki, teczki, torby, czapki, biżuteria). Tylko w takim kompleksie rzeczy koncepcja kostiumu jest kompletna.

Dla aktora kostium jest materią, formą inspirowaną znaczeniem roli. Claude Otant Lara, znany francuski reżyser filmowy, w artykule „Kostiumograf w kinie musi ubierać bohaterów” pisze: „Kostium jest jednym z podstawowych elementów przy realizacji filmów, nie tylko z historycznego punktu widzenia, ale także z punktu widzenia psychologiczny... Ubiór w większym stopniu niż krajobraz wyraża stan umysłu: poprzez niego każdy z nas odsłania jakąś część swojej osobowości, swoich nawyków, upodobań, poglądów, intencji... Kostium mówi, co ta osoba po prostu zrobiła, co zamierza zrobić, dlatego kostium w filmie powinien być przede wszystkim wskazówką psychologiczną…”

Wciąż w trakcie prace przygotowawcze nad sztuką lub filmem artysta kreśli szkice kostiumów, wychodząc od idei tkwiącej w dramaturgii, planu reżysera, decyzji stylistycznej przyszłej produkcji i oczywiście charakterystyki bohaterów. Szkic sugeruje sposób noszenia kostiumu, chód, przewiduje niezbędną deformację sylwetki, położenie głowy, ruch rąk i sposób ich trzymania, ostrość rysunku sylwetki, aktora w garnitur.

Zły kostium może zabić aktora; dobrym jest „wychowanie”, dawanie klucza do zrozumienia roli, do ujawnienia pewnych cech charakteru. Jeśli kostium jest niewygodny, jeśli odpada, rozrywa się, przylega do rekwizytów i scenografii, utrudnia ruch, to aktor (a wraz z nim widz) będzie przez to nieustannie rozpraszany, zapominając o linii roli. Jednocześnie dobry kostium, który oddaje charakter bohatera, pomoże lepiej oswoić się z rolą, poczuć prawdę, a nawet stworzyć wymagany stan emocjonalny.

Co więcej, widz jest także w stanie określić wiele cech postaci po prostu na podstawie jej wyglądu. Przypomnijmy sobie tylko Charliego Chaplina ze swoim słynnym włóczęgą. „Melonik, wąsy i laska mówią o dobrobycie, ale jakiego smutnego rozczarowania doświadczamy, gdy nasz wzrok przesuwa się po luźnym surducie i spodniach „cudzych” opadających na buty! Nie, życie nie było sukcesem! Tak umiejętnie rozegrane, skonstruowane kontrastowo części ubioru stworzyły niezapomniany obraz pod względem siły perswazji i siły oddziaływania, który stał się symbolem „ mały człowiek”».

Garnitur może wyrażać cechy psychologiczne bohater, tj. zdradzać cechy swojego charakteru (życzliwość, skąpstwo, arogancję, skromność, śmiałość, polot, kokieterię itp.) lub stan umysłu i nastrój. Charakter człowieka zawsze odzwierciedla się w jego charakterze wygląd. Sposób noszenia garnituru, jakie detale do niego dodaje się, w jakie zestawienia jest zestawiany – to wszystko cechy, które oddają charakter jego właścicielki. A aktor musi o tym pamiętać. Elegancka dama normalnie tego nie potrafi stan umysłu wykazać się nieostrożnością w garniturze. Odpowiedzialny funkcjonariusz nie może sobie pozwolić na niezapięcie wszystkich guzików swojego munduru. Z drugiej strony to właśnie takie odstępstwa od normy ujawnią szczególny stan emocjonalny bohatera.

Kostium może także wyrażać społeczne cechy bohatera. Po kostiumie widz bezbłędnie rozpoznaje bogatych i biednych, wojskowych i inteligencję, szlachtę i burżuazję.

Ponadto kostium na scenie może zmienić sylwetkę aktora, nie tylko ze względu na jego wizerunek i wiek, ale także zgodnie z modą. Deformacja jeśli o czym mówimy nie chodzi o plastyczną zmianę sylwetki poprzez grubość czy nakładki, lecz poprzez zmiany relacje proporcjonalne główne linie sylwetki i specjalny krój garnituru, przesuwająca linię talii, różne kształty stanika. Takie zmiany mogą bardzo pomóc w tworzeniu charakterystyczne role i bohaterowie żyjący w określonej epoce.

Dla aktora sam dobry kostium nie wystarczy. Pracują nad garniturem. Jest „zamieszkany”, „zestarzały”, „zużyty”. To także jest swego rodzaju praca psychologiczna z kostiumem, jednym z prawdziwych sposobów „ożywienia” i „uduchowienia” kostiumu. Już nawet nie mówię o tym, że do kostiumu trzeba się po prostu przyzwyczaić, bo im szybciej aktor znajdzie kostium, im szybciej zacznie w nim próby, tym lepiej. Zatem dokończenie tworzenia obrazu kostiumu pozostaje w gestii aktora: jak go zagra, jak się do tego przyzwyczai, jak będzie mógł go nosić.

Kostium oczywiście odzwierciedla czas i miejsce akcji. Jest to szczególnie ważne w codziennych i realistycznych przedstawieniach. Jeśli kostiumy będą nawiązywać do epoki lub będą pięknie stylizowane, publiczność będzie miała większą pewność tego, co dzieje się na scenie. Już nawet nie mówię o błędach w kostiumach w filmach, na których szczególnie żrący widzowie spędzają wtedy dużo czasu i z przyjemnością (można przeczytać przykłady).

Kostium, podobnie jak scenografia, zależy od stylu przedstawienia. „...Przychodzi taki moment, że reżyser nagle odkrywa, że ​​znalazł rozwiązanie spektaklu i od tej chwili będzie miał już klucz do każdego szczegółu. Znaleziony styl powie Ci, jak aktorzy powinni chodzić, jak siedzieć i czy powinni mówić w sposób romantyczny, optymistyczny czy przyziemny. Ten sam styl podpowie Ci, czy sceneria powinna być prosta, czy wyrafinowana, czy wyposażenie powinno być autentyczne, czy też wesoło pomalowane na tle; Czy kostiumy należy zestawiać w ostrych kontrastach kolorystycznych, czy też powinny być tego samego rodzaju?…” O cechach stylistycznych, w tonacji, w której decyduje spektakl, decyduje przede wszystkim stopień ich konieczności dla rozpoznania gatunku dzieła dramatycznego i ujawnienia jego istota. Dlatego na przykład kostiumy w „Hamlecie” Lubimowa, Niakrosjusza i Zeffirellego tak bardzo się od siebie różnią.

Czasami kostium może stać się samodzielnym symbolem, gdy widz nie postrzega go już po prostu jako ubrania bohatera, ale odczytuje zamysł reżysera, metaforę zawartą w kostiumie. Mówiłam już o tym, wspominając Charliego Chaplina, którego kostium stał się symbolem zarówno „małego człowieka”, jak i samego Chaplina. Czerwona suknia bohaterki spektaklu „Kalkwerk”, o którym mówię, nadaje jej pewne demoniczne rysy, jest postrzegana jako zagrożenie, niebezpieczeństwo. Co więcej, sama zmiana zwykłej szarej sukienki na jaskrawoczerwoną wskazuje na nierealność tego, co się dzieje, że to tylko sen stworzony przez chorą wyobraźnię bohatera.

Chciałem napisać jeszcze kilka praktyczne porady, ale już okazało się, że jest to „prześcieradło”. Oczywiście temat jest ciekawy i obszerny. Jestem dopiero na samym początku jej rozwoju, więc pewnie jeszcze nie raz do niej wrócę.

Podsumowując:

1. Kostium jest sposobem na ukazanie charakteru postaci.

2. Kostium może zmienić sylwetkę aktora.

3. Kostium odzwierciedla czas i miejsce akcji, styl epoki.

4. Kostium jest ważną częścią wyrazistego rozwiązania i stylu spektaklu lub filmu.

5. Kostium może stać się symbolem.