Test w kulturoznawstwie na temat:

Rodzaje i techniki sztuk plastycznych

a) GRAFIKA

b) MALOWANIE

c) RZEŹBA

3. Referencje

1. Rodzaje sztuk pięknych i ich cechy

Jednym z głównych zadań naszego społeczeństwa stojących przed systemem nowoczesna edukacja, jest kształtowanie kultury osobowości. Ważność tego zadania wiąże się z rewizją systemu życia i wartości artystycznych i estetycznych. Kształtowanie kultury młodszego pokolenia nie jest możliwe bez adresowania wartości artystyczne zgromadzonych przez społeczeństwo w trakcie jego istnienia. Oczywista staje się zatem potrzeba studiowania podstaw historii sztuki.

Aby jak najpełniej zrozumieć sztukę danej epoki, należy zapoznać się z terminologią historyczną sztuki. Poznaj i zrozum istotę każdej formy sztuki. Dopiero opanowanie systemu kategoryczno-pojęciowego pozwoli najpełniej zrozumieć wartość estetyczną zabytków sztuki.

Sztuka (twórcza refleksja, reprodukcja rzeczywistości w obrazach artystycznych.) istnieje i rozwija się jako system wzajemnie powiązanych gatunków, których różnorodność wynika z wszechstronności ( prawdziwy świat eksponowane w procesie twórczości artystycznej.

Rodzaje sztuki są formami ustalonymi historycznie działalność twórcza, posiadające zdolność artystycznego urzeczywistnienia treści życia i różniące się sposobami jego materialnego ucieleśnienia (słowo w literaturze, dźwięk w muzyce, materiały plastyczne i kolorystyczne w sztukach wizualnych itp.).

We współczesnej literaturze historii sztuki wykształcił się pewien schemat i system klasyfikacji sztuk, choć nadal nie ma jednego i wszystkie są względne. Najbardziej powszechnym schematem jest podzielenie go na trzy grupy.

Do pierwszej zaliczają się sztuki przestrzenne lub plastyczne. Dla tej grupy sztuk istotna jest struktura przestrzenna w ukazaniu obrazu artystycznego - sztuki piękne, sztuki dekoracyjne i stosowane, architektura, fotografia.

Druga grupa obejmuje tymczasowe lub dynamiczne widoki sztuka Kluczowe znaczenie nabiera w nich rozwijająca się w czasie kompozycja – Muzyka, Literatura.

Trzecią grupę reprezentują typy przestrzenno-czasowe, zwane także syntetycznymi lub sztuki performatywne- Choreografia, literatura, sztuka teatralna, kinematografia.

Istnienie różnych rodzajów sztuki wynika z faktu, że żadna z nich własnymi środkami nie jest w stanie dać artystycznego, całościowego obrazu świata. Taki obraz może stworzyć jedynie cała kultura artystyczna ludzkości jako całości, złożona z poszczególnych rodzajów sztuki.

Grupa Sztuk Pięknych rodzaje twórczości artystycznej odtwarzające wizualnie postrzeganą rzeczywistość. Dzieła sztuki mają formę obiektywną, niezmienną w czasie i przestrzeni. Do sztuk pięknych zalicza się: malarstwo, grafikę, rzeźbę.

GRAFIKA

Grafika (w tłumaczeniu z języka greckiego – „piszę, rysuję”) to przede wszystkim rysunki i druki artystyczne (rycina, litografia). Opiera się na możliwościach tworzenia wyrazistego formę artystyczną za pomocą linii, pociągnięć i plam o różnych kolorach naniesionych na powierzchnię arkusza.

Grafika poprzedziła malowanie. Najpierw człowiek nauczył się uchwycić kontury i plastyczne formy przedmiotów, następnie rozróżniać i odtwarzać ich kolory i odcienie. Opanowywanie koloru było procesem historycznym: nie wszystkie kolory udało się opanować od razu.

Specyfiką grafiki są zależności liniowe. Odwzorowując kształty przedmiotów, oddaje ich iluminację, stosunek światła do cienia itp. Malarstwo oddaje rzeczywiste relacje kolorów świata; kolorem i poprzez kolor wyraża istotę przedmiotów, ich wartość estetyczną, weryfikuje ich cel społeczny, zgodność lub sprzeczność z otoczeniem.

W procesie rozwoju historycznego kolor zaczął przenikać do grafiki rysunkowej i drukowanej, a obecnie do grafiki zalicza się rysowanie kolorową kredą - pastelami i kolororytowaniem oraz malowanie akwarelami - akwarelą i gwaszem. W różnych publikacjach z zakresu historii sztuki znajdują się różne punkty opinie na temat grafiki. W niektórych źródłach: grafika jest rodzajem malarstwa, w innych stanowi odrębny podtyp sztuk pięknych.

B) MALOWANIE

Malarstwo to płaska sztuka plastyczna, której specyfika polega na przedstawieniu za pomocą farb nałożonych na powierzchnię obrazu świata rzeczywistego, przetworzonego twórcza wyobraźnia artysta.

Malarstwo dzieli się na:

Monumentalny - fresk (z włoskiego Fresco) - obraz malowany na mokrym tynku farbami rozcieńczonymi w wodzie oraz mozaika (z francuskiego mosaiqe) obraz wykonany z kolorowych kamieni, smalty (Smalt - kolorowe szkło przezroczyste.), płytek ceramicznych.

Sztaluga (od słowa „maszyna”) - płótno tworzone na sztalugach.

Malarstwo reprezentowane jest przez różnorodne gatunki (gatunek (gatunek francuski, od łacińskiego rodzaju, dopełniacz generis - rodzaj, gatunek) to artystyczny, historycznie ustalony wewnętrzny podział we wszystkich rodzajach sztuki.):

Portret jest głównym zadaniem przekazania idei wyglądu zewnętrznego osoby, odsłaniania wewnętrznego świata osoby, podkreślania jej indywidualności, wizerunku psychologicznego i emocjonalnego.

Krajobraz - reprodukuje otaczający nas świat w całej różnorodności form. Obraz pejzażu morskiego definiuje się terminem marynizm.

Martwa natura - przedstawienie artykułów gospodarstwa domowego, narzędzi, kwiatów, owoców. Pomaga zrozumieć światopogląd i sposób życia danej epoki.

Gatunek historyczny– opowiada o historii ważne punktyżycie społeczeństwa.

Gatunek codzienny - odzwierciedla codzienne życie ludzi, charakter, zwyczaje, tradycje określonej grupy etnicznej.

Ikonografia (przetłumaczona z greckiego jako „obraz modlitewny”) jest głównym celem prowadzenia człowieka na ścieżce przemiany.

Animalizm to obraz zwierzęcia jako głównego bohatera dzieła sztuki.

W XX wieku charakter malarstwa zmienia się pod wpływem postępu technologicznego (pojawienie się sprzętu fotograficznego i wideo), co prowadzi do pojawienia się nowych form sztuki - sztuki multimedialnej.

B) RZEŹBA

Rzeźba to przestrzenna sztuka wizualna, eksplorująca świat w plastycznych obrazach.

Głównymi materiałami używanymi w rzeźbie są kamień, brąz, marmur i drewno. NA nowoczesna scena rozwój społeczeństwa, postęp technologiczny, wzrosła liczba materiałów używanych do tworzenia rzeźb: stali, tworzyw sztucznych, betonu i innych.

Istnieją dwa główne typy rzeźb: trójwymiarowa (okrągła) i reliefowa:

Wysoki relief - wysoki relief,

Płaskorzeźba - płaskorzeźba,

Przeciwrelief - relief wpuszczany.

Z definicji rzeźba może być monumentalna, dekoracyjna lub sztalugowa.

Monumentalny - używany do ozdabiania ulic i placów miast, oznaczania miejsc, wydarzeń o znaczeniu historycznym itp. Rzeźba monumentalna obejmuje:

Zabytki,

Zabytki,

Pamiętnik.

Sztaluga - przeznaczona do oglądania z bliskiej odległości i przeznaczona do dekoracji wnętrz.

Dekoracyjne - używane do dekoracji życia codziennego (drobne przedmioty plastikowe).

2. Techniki plastyczne

Technika malarska to zespół technik posługiwania się materiałami i środkami artystycznymi.

Tradycyjne techniki malarskie: enkaustyka, tempera, ściana (wapienna), klej i inne. Od XV wieku popularna stała się technika malowania farbami olejnymi; w XX wieku pojawiły się farby syntetyczne ze spoiwem polimerowym (akryl, winyl itp.). Do malarstwa zalicza się również gwasz, akwarelę, tusz chiński i technikę półrysunkową – pastel.

Akwarela

Akwarela - malowanie akwarelami. Główną cechą akwareli jest przezroczystość i zwiewność obrazu.

Akwarela to jedna z najbardziej skomplikowanych technik malarskich. Pozorna prostota i łatwość malowania akwarelami jest zwodnicza. Malowanie akwarelą wymaga opanowania pędzla, opanowania dostrzegania tonu i koloru, znajomości praw mieszania kolorów i nakładania warstwy farby na papier. Technik akwareli jest wiele: praca na suchym papierze, praca na mokrym papierze („A la Prima”), użycie ołówków akwarelowych, tuszy, malowanie wielowarstwowe, praca suchym pędzlem, wypełnianie, zmywanie, użycie szpachli , sól, zastosowanie media mieszane.

Akwarela, pomimo pozornej prostoty i łatwości rysowania, jest bardzo złożoną techniką malarską. Malowanie akwarelą wymaga opanowania pędzla, opanowania dostrzegania tonu i koloru, znajomości praw mieszania kolorów i nakładania warstwy farby na papier.

Dla prace akwarelowe papier jest jednym z najważniejszych materiałów. Istotna jest jego jakość, rodzaj, relief, gęstość, wielkość ziarna, granulacja. W zależności od jakości papieru farby akwarelowe Nakłada się je na papier różnymi sposobami, wchłania i suszy.

W akwareli jest ich wiele techniki artystyczne: praca na mokrym papierze („A la Prima”), praca na suchym papierze, wypełnianie, mycie, użycie kredek akwarelowych, tuszy, praca suchym pędzlem, szpachelką, sól, malowanie wielowarstwowe, technika mieszana.

Technika mokre na mokre wykorzystuje płynność akwareli i pozwala uzyskać niezwykłe efekty kolorystyczne. Stosowanie tej techniki wymaga znajomości poziomu wilgoci papieru i doświadczenia w stosowaniu samej techniki.

Wypełnienie - bardzo ciekawa technika w akwareli. Płynne przejścia kolorów pozwalają skutecznie przedstawić niebo, wodę i góry.

Nóż paletowy znajduje zastosowanie nie tylko w malarstwie olejnym, ale także w malarstwie akwarelowym. Za pomocą szpachelki możesz podkreślić kontury gór, kamieni, skał, chmur, fal morskich, a także przedstawić drzewa i kwiaty.

Chłonne właściwości soli pozwalają uzyskać ciekawe efekty w akwarelach. Za pomocą soli możesz ozdobić łąkę kwiatami, uzyskać na zdjęciu ruchome środowisko powietrzne, ruchome przejścia tonalne.

Malowanie wielowarstwowe jest bogate w kolory. Malarstwo wielowarstwowe wykorzystuje wszystkie techniki artystyczne pracy z akwarelą.

Ołówek

Ołówek to materiał do rysowania. Są czarne grafitowe i kolorowe kredki. Rysunki ołówkiem wykonywane są na papierze przy użyciu cieniowania, plam tonalnych oraz światła i cienia.

Kredki akwarelowe to rodzaj kredek rozpuszczalnych w wodzie. Techniki stosowania ołówków akwarelowych są różnorodne: rozcieranie rysunku ołówkiem akwarelowym wodą, praca ołówkiem akwarelowym nasączonym wodą, praca ołówkiem na mokrym papierze itp.

rysowanie jest trudniejsze.

Za pomocą ołówka można uzyskać nieskończenie wiele odcieni i gradacji tonów. W rysunku zastosowano ołówki o różnym stopniu miękkości.

Pracę nad rysunkiem graficznym rozpoczynamy od rysunku konstrukcyjnego, tj. rysowanie zewnętrznych konturów obiektu za pomocą linii konstrukcyjnych, zwykle średnio miękkim ołówkiem H, HB, B, F, a następnie rysunkiem tonowym, w którym nie ma już linii konturowych obiektów, a granice obiektów są oznaczone przez cieniowanie; jeśli to konieczne, użyj więcej miękkie ołówki. Najtrudniejszy to 9H, najłagodniejszy to 9B.

Rysując ołówkiem warto dokonać jak najmniejszej liczby poprawek i ostrożnie posługiwać się gumką, aby nie pozostawić plam, dzięki czemu rysunek będzie wyglądał świeżo i schludnie. Z tych samych powodów lepiej nie używać cieniowania na rysunku ołówkiem. Aby zastosować ton, stosuje się technikę cieniowania. Pociągnięcia mogą różnić się kierunkiem, długością, odstępami i naciskiem ołówka. Kierunek pociągnięcia (poziomy, pionowy, ukośny) zależy od kształtu, rozmiaru obiektu i ruchu powierzchni na rysunku.

Portret ołówkiem okazuje się bardzo realistyczny i wypełniony światłem. W końcu za pomocą ołówka możesz przekazać wiele odcieni, głębi i objętości obrazu oraz przejść światłocieniowych.

Rysunek ołówkiem utrwalony jest utrwalaczem, dzięki czemu rysunek nie traci wyrazistości, nie rozmazuje się nawet przy dotyku ręcznym i długo zachowuje trwałość.

Olej

Najpopularniejszą techniką malarską jest malarstwo olejne na płótnie. Malarstwo olejne daje mistrzowi nieograniczoną liczbę sposobów przedstawiania i przekazywania nastroju otaczającego świata. Pastowate lub zwiewne przezroczyste pociągnięcia, przez które widać płótno, tworzenie reliefu za pomocą szpachelki, szkliwienie, stosowanie przezroczystych lub nieprzezroczystych farb, różne warianty mieszania kolorów - cała ta różnorodność technik malarstwa olejnego pozwala artyście znaleźć i przekazać nastrój, objętość przedstawionych obiektów, środowisko powietrzne i tworzą iluzję przestrzeni, przekazują bogactwo odcieni otaczającego świata.

Malarstwo olejne ma swoją specyfikę - obraz jest malowany w kilku warstwach (2-3), każda warstwa musi schnąć przez kilka dni w zależności od użytych materiałów, dlatego zwykle obraz olejny maluje się od kilku dni do kilku tygodni.

Najbardziej odpowiedni dla malarstwo olejne to płótno lniane. Tkanina lniana jest trwała i ma żywą fakturę. Płótna lniane występują w różnych rozmiarach ziaren. Do portretów i szczegółowych obrazów używa się drobnoziarnistego, gładszego płótna. Płótno gruboziarniste nadaje się do malowania o wyraźnej fakturze (kamienie, skały, drzewa), malowania impasto oraz malowania szpachelką. Wcześniej w malarstwie stosowano technikę szkliwienia, nakładania farby cienkimi warstwami, dlatego szorstkość lnianej warstwy nadawała malarstwu elegancji. Obecnie w malarstwie często stosuje się technikę uderzeń impasto. Jednak dla wyrazistości obrazu ważna jest jakość płótna.

Płótno bawełniane to trwały i niedrogi materiał, nadający się do malowania pociągnięciami pasty.

W malarstwie olejnym wykorzystuje się także takie podłoża jak płótno, sklejka, płyta pilśniowa, metal, a nawet papier.

Płótna naciągane są na karton i na noszach. Płótna na tekturze są cienkie i zwykle nie występują w dużych rozmiarach i nie przekraczają 50*70. Są lekkie i łatwe w transporcie. Płótna na blejtramie są droższe, gotowe płótna na blejtramie mogą osiągać wymiary 1,2 m na 1,5 m. Gotowy obraz jest oprawiony w ramę.

Przed pracą z olejem płótna są klejone i gruntowane. Jest to konieczne, aby farba olejna nie zniszczyła płótna i aby farba dobrze przylegała do płótna.

Obrazy olejne najczęściej powstają poprzez umieszczenie płótna na sztaludze. W malarstwie olejnym zastosowano technikę szpachelki. Nóż paletowy to narzędzie wykonane z elastycznej stali w postaci noża lub szpatułki z zakrzywionym uchwytem. Inny kształt nóż do palet pomaga uzyskać różne tekstury, relief i objętość. Można również nakładać równe, gładkie pociągnięcia za pomocą noża paletowego. Ostrzem noża paletowego można także posłużyć się do tworzenia drobnych linii – pionowych, poziomych, chaotycznych.

Pastel

Pastele to jeden z bardzo nietypowych typów materiały wizualne. Malarstwo pastelowe jest zwiewne i delikatne. Subtelność i elegancja techniki pasteli nadaje obrazom żywy, czasem baśniowy i magiczny charakter. W technice pasteli „suchych” szeroko stosowana jest technika „cieniowania”, która daje efekt miękkich przejść i delikatności koloru. Pastel nakłada się na szorstki papier. Kolor papieru ma znaczenie. Kolor tła, pojawiający się poprzez pociągnięcia pastelu, wywołuje określony nastrój, osłabiając lub wzmacniając efekty kolorystyczne rysunku. Obrazy pastelowe utrwalane są utrwalaczem i przechowywane pod szkłem.

Technika pastelowa zyskała dużą popularność i osiągnęła swój szczyt w XVIII wieku. Pastel ma tę właściwość, że nadaje każdemu przedmiotowi niezwykłą miękkość i delikatność. Korzystając z tej techniki, możesz tworzyć dowolne tematy - od krajobrazów po rysunki ludzi.

Zaletami pastelu jest duża swoboda artysty: pozwala na usuwanie i zakrywanie całych warstw malarskich, przerywanie i wznawianie pracy w dowolnym momencie. Pastel łączy w sobie możliwości malarstwa i rysunku. Można nim rysować i pisać, pracować z cieniowaniem lub plamą malarską, suchym lub mokrym pędzlem.

Techniki pracy z pastelami są różnorodne. Pastelowe akcenty wciera się palcami, specjalnymi pędzlami, skórzanymi wałkami, jedwabnymi pędzlami kwadratowymi i miękkimi wacikami. Technika pasteli jest bardzo subtelna i złożona w swoich nakładach pastelowego „glazury” koloru na kolor. Pastel stosuje się punktowo, pociągnięciami i szkliwami.

Do pracy kredkami pastelowymi potrzebne są bazy, które utrzymają pastel i zapobiegną jego wypadaniu. Pastele stosuje się na szorstkich rodzajach papieru, takich jak torchon, papier whatman, papier ścierny, na luźnej, miękkiej tekturze, zamszu, pergaminie i płótnie. Najlepszą bazą jest zamsz, na którym niektóre zostały napisane dzieła klasyczne. Rysunki pastelami zabezpieczamy specjalnymi utrwalaczami, które zapobiegają odpadaniu pasteli.

Niezrównany mistrz pastelami był Edgar Degas. Degas miał bystre oko i niezawodny rysunek, co pozwoliło mu osiągnąć niespotykane dotąd efekty w pastelach. Nigdy wcześniej pastelowe rysunki nie były tak pełne czci, mistrzowsko nieostrożne i tak cenne w kolorze. W swoich późniejszych pracach, przypominających świąteczny kalejdoskop świateł, E. Degas miał obsesję na punkcie chęci oddania rytmu i ruchu sceny. Aby nadać farbom szczególny połysk i blask, artysta rozpuścił pastel w gorącej wodzie, zamieniając go w rodzaj farby olejnej i nakładając go pędzlem na płótno. W lutym 2007 roku na aukcji Sotheby’s w Londynie pastel Degasa „Trzej tancerze w fioletowych spódnicach” został sprzedany w Rosji za 7,87 miliona dolarów

pastele wykonywali tacy mistrzowie jak Repin, Serow, Lewitan, Kustodiew, Pietrow-Wodkin.

Sangina

Paleta kolorów sangwiny, materiału do rysowania, waha się od brązowego do bliskiego czerwieni. Sanguine dobrze przekazuje dźwięki ludzkie ciało, dzięki czemu portrety wykonane przez sangwinę wyglądają bardzo naturalnie. Technika czerpania z życia za pomocą optymizmu znana jest od czasów renesansu (Leonardo da Vinci, Rafael). Sanguine często łączy się z węglem drzewnym lub włoskim ołówkiem. Aby zapewnić większą trwałość, sangwiniczne rysunki utrwala się utrwalaczem lub umieszcza pod szkłem.

Sanguina znana jest od starożytności. To właśnie wtedy optymizm pozwolił na wprowadzenie do rysunku cielistości. Technika rysowania optymistycznego stała się powszechna w okresie renesansu. Artyści renesansu rozwinęli i powszechnie stosowali technikę „trzech ołówków”: malowali rysunek w kolorze sangwiny lub sepii i węglem na tonowanym papierze, a następnie zaznaczali pożądane obszary białą kredą.

Słowo „sangwina” pochodzi od łacińskiego słowa „sanguineus” – „krwawoczerwony”. To czerwono-brązowe ołówki. Sanguine wytwarzana jest z drobno zmielonej palonej sjeny i gliny. Podobnie jak pastel, węgiel drzewny i sos, sangwina jest miękkim materiałem, który podczas produkcji formuje się w czworościenne lub okrągłe kredki.

Za pomocą sangwiny odcienie ludzkiego ciała są dobrze oddane, dlatego portrety wykonane sangwiną wyglądają bardzo naturalnie.

Technika pracy z sangwiną charakteryzuje się połączeniem szerokich pociągnięć i cieniowania z pociągnięciami ostro zaostrzonych sangwinicznych bloków. Piękne rysunki sangwinę uzyskuje się na podbarwionym tle, zwłaszcza po dodaniu do materiału bazowego węgla drzewnego i kredy (technika „trzech ołówków”).

Do rysunku wybierz optymistyczny odcień, który lepiej pasuje do cech natury. Na przykład nagie ciało dobrze jest pomalować sangwiną czerwonawą, a pejzaż sangwiną w kolorze szarobrązowym lub sepii.

Czasami sangwinę łączy się z węglem drzewnym, co daje chłodne odcienie. Kontrast ciepłych i zimnych odcieni nadaje takim pracom szczególnego uroku.

Aby zapewnić większą trwałość, sangwiniczne projekty można zabezpieczyć utrwalaczem lub umieścić pod szkłem.

Tempera

Tempera (od łacińskiego „temperare” – łączyć) to spoiwo malarskie składające się z naturalnej lub sztucznej emulsji. Przed udoskonaleniem farb olejnych przez J. Van Eycka (XV w.) średniowieczna tempera jajeczna była jednym z najpopularniejszych i najbardziej rozpowszechnionych rodzajów malarstwa w Europie, jednak stopniowo traciła na znaczeniu.

W drugiej połowie XIX wieku rozczarowanie późniejszym malarstwem olejnym stało się początkiem poszukiwań nowych spoiw do farb, a zapomniana tempera, której dobrze zachowane dzieła mówią same za siebie, ponownie wzbudziła zainteresowanie .

W przeciwieństwie do malarstwa olejnego i starej tempery, nowa tempera nie wymaga od artysty posiadania określonego systemu malarskiego, dając mu w tym zakresie pełną swobodę, którą może on wykorzystać bez szkody dla wytrzymałości obrazu. Tempera w przeciwieństwie do oleju szybko schnie. Obrazy temperowe pokryte werniksem nie ustępują kolorystycznie obrazom olejnym, a pod względem niezmienności i trwałości farby temperowe wręcz przewyższają farby olejne.

Materiały i techniki graficzne są różnorodne, jednak z reguły podstawą jest kartka papieru. Dużą rolę odgrywa kolor i faktura papieru. Barwność materiałów i technik zależy od rodzaju grafiki.

Grafika sztaluga W zależności od charakteru techniki dzieli się ją na dwa rodzaje: grafikę i rysunek.

Grafika- od stempla francuskiego - stemplować, odciskać - odcisk na papierze. Obraz wyjściowy nie jest tworzony bezpośrednio na papierze, ale na płycie z jakiegoś stałego materiału, z którego następnie projekt jest drukowany lub odciskany za pomocą prasy. W tym przypadku można otrzymać nie tylko jeden egzemplarz wydruku, ale wiele, czyli replikę obrazu graficznego. Druk wykorzystuje się także w grafice użytkowej, plakatach, ilustracja książkowa. Ale tam płyta drukarska jest wykonana z oryginału, wykonanego przez artystę, fotomechanicznie, maszynowo. W grafice sztalugowej do druku forma drukowa jest tworzona przez samego artystę, dzięki czemu uzyskuje się liczbę egzemplarzy oryginalne dzieła

sztuka o jednakowej wartości artystycznej, w pełni zachowująca żywy i bezpośredni ślad praca twórcza autor.

Proces tworzenia formy drukarskiej z dowolnego twardego materiału - drewna, metalu, linoleum - nazywany jest grawerowaniem (od francuskiego słowa graver - wycinać). Rysunek powstaje poprzez nacięcie lub zarysowanie ostrym narzędziem - igłą, dłutem. Prace graficzne wydrukowane z płyty grawerskiej nazywane są rycinami.

grawerowanie płaskie- obraz i tło są na tym samym poziomie;

podwyższony grawer- farba pokrywa powierzchnię rysunku - rysunek znajduje się powyżej poziomu tła;

dogłębne grawerowanie- farba wypełnia wgłębienia, rysunek znajduje się poniżej poziomu tła.

W zależności od materiału, z którego tworzona jest forma drukowa, są one różne różne typy ryciny:

Litografia- formą druku jest powierzchnia kamienia (wapienia). Kamień jest bardzo gładko wypolerowany i odtłuszczony. Obraz nanosi się na kamień litograficzny specjalnym grubym tuszem litograficznym lub ołówkiem. Kamień zwilża się wodą, następnie wałkuje farbę, przyklejając się jedynie do wcześniej nałożonego wzoru. Litografię wynaleziono w 1798 r. W XIX wieku rozpowszechnił się w grafice sztalugowej i czasopismach o charakterze społecznie krytycznym. ( Artysta francuski Honoré Daumier: „Za kurtyną rozgrywa się farsa” 1834, „Rue Transnonen, 15 kwietnia 1834” 1834, od 1837 do 1851. - około 30 serii litograficznych - „Robert Manner”, „Typy paryskie”, „Szanowany Burżua”, „Przywódcy Sprawiedliwości”.)

Algrafia- druk płaski, technika wykonania przypomina litografię, z tą różnicą, że zamiast kamienia zastosowano płytę aluminiową.

Drzeworyt- grawer w drewnie, wycinany specjalnym nożem. Farbę nakładamy na płaszczyznę oryginalnej deski. Podczas drukowania na papierze obszary wycięte przez obcinarkę pozostają białe. Nadruki to rysunek konturowy z grubymi czarnymi liniami. Drzeworyty pojawiły się w średniowieczu w związku z potrzebą druku. (niemieccy artyści Albrecht Durer: „Czterej Jeźdźcy” 1498 i seria rycin Hansa Holbeina Młodszego „Obrazy Śmierci” 1524-1525)

Linoryt- grawerowanie na linoleum. Technika ta jest bardzo zbliżona do drzeworytu. Linoleum jest niedrogim i dostępnym materiałem. Linoryty są prostsze w wykonaniu w porównaniu do drzeworytów ze względu na syntetyczne pochodzenie użytego materiału (jednorodność, brak włókien sztucznych przeszkadzających w pracy wycinarki).

Grawerowanie metalu wykonywane na cynku, miedzi, żelazie, stali. Grawerowanie w metalu dzieli się na druk z trawieniem i bez trawienia. Technik tego typu grawerowania jest bardzo dużo – technika suchej iglicy (najbliższa grafice autorskiej, gdyż nie posiada duży nakład), mezzotinta („odbitka czarna”), akwaforta, akwatinta, werniks miękki (lub werniks pasmowy).

Akwaforta- z francuskiej eau-forte - kwas azotowy. Wzór wydrapywany jest igłą grawerską w warstwę kwasoodpornego lakieru pokrywającą metalową płytkę. Porysowane obszary są trawione kwasem, a powstały w ten sposób głęboki obraz jest wypełniany farbą i odciskany na papierze. (Francuski artysta Jacques Callot: seria „Wielkie katastrofy wojenne” 1633, seria „Inferior” 1622)

Sucha igła- wzór nanoszony jest bezpośrednio na metal poprzez pociągnięcia twardą igłą po powierzchni metalowej płytki.

Mezzotinta- z włoskiego mezzo - medium i tinto - malowane. Rodzaj głębokiego grawerowania, podczas którego powierzchnia metalowej tablicy jest szorstkowana za pomocą lapidarium, w wyniku czego po wydrukowaniu uzyskuje się jednolite czarne tło. Obszary deski odpowiadające jasnym obszarom wzoru są zeskrobywane, wygładzane i polerowane.

Akwatinta- z włoskiej akwatinty - metoda grawerowania polegająca na wytrawieniu kwasem powierzchni metalowej płytki za pomocą topionego asfaltu lub pyłu kalafonii i nałożeniu obrazu za pomocą pędzla werniksem kwasoodpornym. Ma ogromną liczbę odcieni od czerni do bieli.

Jeśli chodzi o technikę rzeźbiarską, jej rodzaje można pogrupować według różnych zasad. Według jednej zasady techniki rzeźbiarskie można podzielić na trzy grupy:

Kiedy ręka artysty zakończy całą pracę (obróbka gliny, kamienia, drewna).

Kiedy twórczość artysty kończy się ogniem (ceramika).

Kiedy artysta podaje jedynie model przyszłego posągu (odlany z brązu).

Według innej zasady technika rzeźbiarska dzieli się na trzy, ale różne główne grupy:

Modelowanie w miękkich materiałach (wosk, glina) to technika, którą w wąskim znaczeniu nazywamy „plastycznością”.

Obróbka twardych materiałów (drewno, kamień, kość słoniowa) czyli „rzeźba” w najprawdziwszym tego słowa znaczeniu.

Odlewanie i tłoczenie w metalu.

Referencje

1. A. V. Lunacharsky O sztukach pięknych

2. L. A. Nemenskaya Sztuki piękne. Sztuka w życiu człowieka

Korepetycje

Potrzebujesz pomocy w studiowaniu jakiegoś tematu?

Nasi specjaliści doradzą lub zapewnią korepetycje z interesujących Cię tematów.
Prześlij swoją aplikację wskazując temat już teraz, aby dowiedzieć się o możliwości uzyskania konsultacji.

Wstęp

Adekwatność tematu badań.

Każdy okres w historii ma swój własny aktualne tematy. Współczesny świat przeżywa trzecią rewolucję technologiczną. Reklama powstaje tutaj jako funkcja produkcji, jako przemysł produkcji obrazów. Nadaje towarom i usługom określone znaki oraz wyznacza normy prestiżowej konsumpcji.

Nadawanie znaczeń obrazowi reklamowemu koncentruje się tylko na jednym przedmiocie – reklamowanym produkcie. Poczucie rzeczywistości, jej zrozumienie osiąga się jedynie poprzez posiadanie reklamowanej rzeczy. Reklama to tekst ideologiczny, który ma na celu ukształtowanie, utrzymanie lub skorygowanie określonej ideologii - niekończącej się konsumpcji.

Szczególne znaczenie dla reklamy ma wykorzystanie środków i metod artystycznych. Sztuka zawsze była najważniejszym elementem reklamy i każdej innej sfery ludzkiej działalności. Sztuka to wielka umiejętność i wizja, która może tchnąć duszę w każde wcześniej martwe zjawisko. Sztuka była wykorzystywana w reklamie od samego początku tego typu działalności, dlatego dziś szczególnie ważne jest badanie doświadczeń związanych z wykorzystaniem sztuki w reklamie, aby w oparciu o ciągłość udoskonalać metody i techniki współczesnej reklamy.

Celem pracy jest identyfikacja relacji pomiędzy sztuką plastyczną a reklamą na przykładzie twórczości A. Toulouse-Lautreca i A. Muchy.

Aby osiągnąć ten cel, należy rozwiązać następujące zadania:

1) uwzględniać specyfikę sztuki plastycznej jako rodzaju działalności twórczej;

2) określić specyfikę malarstwa;

3) rozważyć historię interakcji sztuki pięknej i reklamy;

4) rozważyć twórczość znanych artystów w dziedzinie reklamy;

5) określić specyfikę twórczości A. Toulouse-Lautreca w reklamie;

6) określić specyfikę twórczości A. Muchy w reklamie.

Przedmiot badań - sztuki piękne w reklamie.

Przedmiotem opracowania jest twórczość A. Toulouse-Lautreca i A. Muchy w reklamie.

Praca składa się ze wstępu, rozdziału 1, rozdziału 2, zakończenia, spisu literatury. W pierwszym rozdziale omówiono specyfikę sztuki pięknej jako rodzaju działalności twórczej, zidentyfikowano specyfikę malarstwa, a także zbadano historię interakcji sztuki pięknej i reklamy. Rozdział 2 przybliża twórczość znanych artystów w dziedzinie reklamy, a także ukazuje specyfikę pracy A. Toulouse-Lautreca i A. Muchy w reklamie.

Specyfika sztuk pięknych

Sztuki plastyczne jako rodzaj działalności twórczej

Przyjrzyjmy się specyfice sztuk pięknych i określmy główne rodzaje sztuk pięknych.

„Sztuka jest formą kultury związaną ze zdolnością podmiotu do opanowania estetyki świat życia, jej reprodukcja w kluczu figuratywno-symbolicznym, w oparciu o zasoby twórczej wyobraźni” Kulturologia. XX wiek Encyklopedia. W 2 tomach. - T. 1 - St. Petersburg, 1998. - s. 274..

Kryteria definiowania sztuki są różne: zależą od specyfiki kultury, w obrębie której artysta tworzy, miejsca i czasu powstania oraz postrzegania dzieła.

W najszerszym znaczeniu pojęcie „sztuka” używane jest w dwóch znaczeniach:

1. Sztuka to umiejętność, umiejętność, umiejętność, zręczność, wysoka ocena zdolności do wykonania jakiejkolwiek pracy. Często tak oceniają osobę, która nie tylko wykonuje swoją pracę profesjonalnie, ale robi to pięknie, łatwo lub w jakiś szczególnie natchniony sposób. Dlatego woźny rozrzucający liście może czuć się lub być postrzegany przez innych jako poeta.

2. Sztuka jest działalnością twórczą, której celem jest tworzenie dzieła sztuki, estetycznie wyraziste formy.

Jeśli połączysz te dwie wartości, otrzymasz następującą definicję:

Sztuka jest działalność artystyczna, bazując na umiejętnościach i zdolnościach Ryklina M. Sztuka jako przeszkoda. - M.: Wydawnictwo "AdMarginem", 1997. - s. 12..

Sztuki obejmują literaturę, muzykę, teatr, sztuki wizualne, kino i telewizję. Każdy rodzaj sztuki ma swój własny język.

Literatura jest sztuką słowa; muzyka to świat dźwiękowej harmonii; kino, teatr - synteza literatury, muzyki, aktorstwa.

W sztuce pięknej zjawiska otaczającego życia są przedstawiane za pomocą linii, relacji tonalnych, kombinacji kolorów, form trójwymiarowych i jasnych rytmów.

Sztuka piękna to zespół sztuk plastycznych pierwotnie kojarzony z tworzeniem statycznych obrazów i form materialnych. Dzieła sztuki powstają w wyniku estetycznego rozwoju wizualnej sfery percepcji.

Sztuki piękne klasyfikuje się ze względu na przedmiot wysiłku twórczego, użyte środki artystyczne i techniczne oraz historycznie utrwalone koncepcje twórczości. Są to rzeźba, malarstwo, grafika, fotografia, malarstwo cyfrowe, grafika komputerowa, sztuka dekoracyjna i użytkowa, mikrominiatura, kaligrafia, design, architektura.

Sztukę piękną charakteryzują dzieła, których wartość estetyczna i obrazowość są postrzegane wyłącznie wizualnie. Dzieła sztuki mogą mieć charakter nieobiektywny, a nawet niematerialny (wygaszacz ekranu, krój książki), jednak niezależnie od materialności i obiektywności typowe dzieła sztuki posiadają cechy przedmiotu (ograniczenie w przestrzeni, stabilność w czasie). Zdolność do generowania obiektów jest najważniejszą właściwością sztuki plastycznej, związaną z jej pochodzeniem, która zdeterminowała jej historię i determinowała jej rozwój. Sztuka piękna albo tworzy samodzielne obiekty, które nie mają wartości użytkowej (rzeźba, malarstwo, grafika, fotografia), albo estetycznie organizuje przedmioty użytkowe i tablice informacyjne (sztuka dekoracyjna i użytkowa, wzornictwo). Sztuki plastyczne aktywnie wpływają na postrzeganie środowiska obiektowego i rzeczywistości wirtualnej Wielka Encyklopedia Radziecka: W 30 tomach - M.: „Encyklopedia Radziecka”, 1969-1978..

Sztukę plastyczną charakteryzuje zatem odbicie zjawisk rzeczywistości. Obrazy wykorzystujące linie, relacje tonalne, kombinacje kolorów, kształty wolumetryczne, jasne rytmy.

Sztuka piękna, jej rodzaje i gatunki.

1. Rola sztuki w życiu społeczeństwa.

2. Rodzaje sztuk pięknych (malarstwo, grafika, architektura, rzeźba, sztuka dekoracyjna i użytkowa).

3. Gatunki sztuk pięknych (mitologiczne, religijne, codzienne, historyczne, batalistyczne, portretowe, pejzażowe, zwierzęce; martwa natura) (przygotowanie abstraktu).

4. Etapy rozwoju sztuk pięknych (przygotowanie abstraktu).

1. Sztuka jest jedną z form świadomość społeczna. Podstawą sztuki jest artystyczne i figuratywne odzwierciedlenie rzeczywistości. Sztuka rozumie i ocenia świat, kształty duchowy wygląd ludzie, ich uczucia i myśli, ich światopogląd, wychowuje człowieka, poszerza jego horyzonty, budzi zdolności twórcze. Sztuka jest zasadniczo ludowa.

Poznawcza rola sztuki przybliża ją do nauki. Artysta, podobnie jak naukowiec, stara się zrozumieć sens zjawisk życiowych, dostrzec w przypadkowych, przemijających wzorcach rozwoju rzeczywistości to, co najbardziej charakterystyczne i typowe. Głębokie poznanie rzeczywistości ostatecznie wiąże się z chęcią jej przekształcania i ulepszania. Człowiek opanowuje siły natury, poznaje prawa rozwoju społeczeństwa, aby zmieniać świat zgodnie z potrzebami i celami, jakie stawia sobie kolektyw, społeczeństwo W przeciwieństwie do nauki, sztuka wyraża prawdę nie w abstrakcyjnych pojęciach, ale w konkretnych obrazach pełnych życia.

Celem sztuki jest ukazanie ich prawdziwej istoty w otaczających nas zjawiskach życia, wyraźne ukazanie w efektownych obrazach tego, co najważniejsze dla człowieka i społeczeństwa. Jedną z głównych technik artystycznych jest uogólnienie obrazu, jego typizacja. Pozwala wyraźnie pokazać to, co w życiu piękne, wyeksponować to, co brzydkie i złe. Sztuka każdej epoki jest nierozerwalnie związana z kulturą narodową uwarunkowania historyczne, z walką klas, z poziomem życia duchowego społeczeństwa.

2. Jednym z głównych zadań naszego społeczeństwa stojących przed nowoczesnym systemem edukacji jest kształtowanie kultury osobistej. Kształtowanie kultury młodego pokolenia jest niemożliwe bez odniesienia się do wartości artystycznych zgromadzonych przez społeczeństwo w trakcie jego istnienia. Aby jak najpełniej zrozumieć sztukę danej epoki, należy zapoznać się z terminologią historyczną sztuki. Poznaj i zrozum istotę każdej formy sztuki. Dopiero opanowanie systemu kategoryczno-pojęciowego pozwoli najpełniej zrozumieć wartość estetyczną zabytków sztuki.

Rodzaje sztuki to historycznie ustalone formy działalności twórczej, które mają zdolność artystycznego urzeczywistniania treści życia i różnią się sposobami jego materialnego ucieleśnienia.

MALARSTWO

Malarstwo jest płaską sztuką plastyczną, której specyfika polega na przedstawieniu za pomocą nakładanych na powierzchnię farb obrazu świata rzeczywistego, przetworzonego przez twórczą wyobraźnię artysty. Malarstwo to „malowanie życia”, „malowanie żywo”, czyli pełne i przekonujące oddanie rzeczywistości. Malarstwo to sztuka koloru.

Malarstwo dzieli się na:
- monumentalne - fresk (z włoskiego Fresco) - malowanie na mokrym tynku farbami rozcieńczonymi w wodzie i mozaika (z francuskiego mosaiqe) obraz wykonany z kolorowych kamieni, smalty (Smalt to kolorowe szkło przezroczyste.), płytek ceramicznych.
- sztaluga (od słowa „maszyna”) - płótno tworzone na sztalugach.

Malarstwo reprezentowane jest w różnych gatunkach:
- Portret jest głównym zadaniem przekazania idei wyglądu zewnętrznego osoby, odsłaniania wewnętrznego świata osoby, podkreślania jej indywidualności, wizerunku psychologicznego i emocjonalnego.
- Krajobraz - odtwarza otaczający świat w całej jego różnorodności form. Obraz pejzażu morskiego definiuje się terminem marynizm.
- Martwa natura - przedstawienie artykułów gospodarstwa domowego, narzędzi, kwiatów, owoców. Pomaga zrozumieć światopogląd i sposób życia danej epoki.
- Gatunek historyczny - opowiada o historycznie ważnych momentach w życiu społeczeństwa.
- Gatunek codzienny - odzwierciedla codzienne życie ludzi, charakter, zwyczaje, tradycje określonej grupy etnicznej.
- Ikonografia (przetłumaczona z greckiego jako „obraz modlitewny”) jest głównym celem prowadzenia człowieka na ścieżce przemiany.
-Animalizm to wizerunek zwierzęcia jako głównego bohatera dzieła sztuki.

Dzieło sztuki wykonane farbami (olejnymi, temperowymi, akwarelowymi, gwaszami itp.) nałożonymi na dowolną powierzchnię nazywa się malarstwo.

Tempera – farba roślinna mielona na żółtku jaja, używana w starożytnym Egipcie (obecnie polioctan winylu, syntetyczny, olej kazeinowy). Tempera jest rozcieńczana wodą i nie zmywana po wyschnięciu. Farby olejne zaczęto stosować od renesansu w XVI wieku. Gwasz - farby kryjące, matowe, gęste, rozcieńczane wodą, każda farba gwaszowa zawiera biel, pojawiły się w średniowieczu. Akwarela - farby na kleju roślinnym rozcieńczonym wodą. Pojawił się w XVI wieku. Malarstwo sztalugowe- obrazy malowane na płótnie, papierze, kartonie, montowane na sztalugach. Malarstwo monumentalne - duże obrazy znajdujące się wewnątrz i na zewnątrz budynków (ściany, sufity, kolumny, filary, podpory itp.), freski, panele, obrazy, mozaiki.

Należy zwrócić uwagę na takie rodzaje malarstwa, jak malarstwo dekoracyjne, malarstwo ikonowe, miniaturowe, teatralne i dekoracyjne. Mozaika (od łacińskiego musiqum, dosłownie – poświęcona muzom) to jeden z rodzajów sztuki monumentalnej. Obrazy i ozdoby w mozaikach składają się z kawałków różnych kamieni, szkła (smalty), ceramiki, drewna i innych materiałów.

Grafika(z greckiego grapho - piszę, rysuję) - obraz na płaszczyźnie za pomocą linii, kreski, konturu, plamki i tonu. Grafika nazywana jest sztuką czerni i bieli. Nie wyklucza to jednak użycia koloru w grafice. W grafice znajdują się także wielokolorowe prace wykonane na papierze: kolorowe ryciny, rysunki kredkami, sangwiniczne pastele i akwarele.

Na grafikę składają się rysunki oraz różnego rodzaju grafiki drukowane (drzeworyt (drzeworyt), metal (akwaforta), linoryt – na linoleum, litografia na kamieniu).

Zgodnie z przeznaczeniem harmonogramu dzieli się go na następujące typy:
- sztaluga - właściwy rysunek;
- książka i gazeta-magazyn;
- sztuka użytkowa - kartki okolicznościowe, kolorowe kalendarze, koperty na płyty;
- grafika przemysłowa - etykiety na różnego rodzaju opakowania, projektowanie produktów przemysłowych i spożywczych;
- plakat (przetłumaczony z francuskiego - ogłoszenie, plakat) - rodzaj grafiki, lakoniczny, chwytliwy obraz, przeznaczony dla ogólnej uwagi, któremu towarzyszy tekst (polityczny, propagandowy, edukacyjny, reklamowy, ekologiczny, sportowy, teatralny, reklamowy filmowy itp.) . .D.);
- projekt graficzny - czcionki i różne ikoniczne obrazy.

Architektura- (łac. arhitektura, z greckiego archi - główny i tektos - budować, wznosić), architektura (zye - rosyjska glina, wznosić) - sztuka budowlana.

Trzy typy architektury:
1. Budynki wolumetryczne - miejsca kultu (kościoły, świątynie), budynki publiczne (szkoły, teatry, stadiony, sklepy), przemysłowe (zakłady, fabryki) i inne.
2. Architektura krajobrazu - altany, mosty, fontanny i schody na place, bulwary, parki.
3. Urbanistyka – tworzenie nowych miast i przebudowa starych.

Formularze konstrukcje architektoniczne zależą od położenia geograficznego i warunki klimatyczne, od charakteru krajobrazu, intensywność światło słoneczne, bezpieczeństwo sejsmiczne itp. Architektura nie odtwarza bezpośrednio rzeczywistości, nie ma charakteru obrazowego, ale wyrazisty.

Rzeźba(łac. sculptura, od sculpo - wycinać, rzeźbić, rzeźbić, plastik) - rodzaj sztuki plastycznej, w której artysta tworzy trójwymiarowe obrazy. Rzeźba obejmuje dzieła sztuki powstałe poprzez rzeźbienie, rzeźbienie, rzeźbienie, odlewanie i tłoczenie.

Zgodnie ze swoim przeznaczeniem rzeźba może być:
- monumentalne (pomniki, zespoły pamięci);
- sztalugi (muzeum: posągi, portrety, sceny rodzajowe);
- monumentalne i dekoracyjne (rzeźba dekoracyjna w ogrodach i parkach, płaskorzeźby i posągi);
- rzeźba małych form.

Według gatunku rzeźba dzieli się na:
- portret;
- gatunek (codzienny - reprodukcja różnych scen życia codziennego);
- zwierzęcy (obraz zwierząt);
- historyczne (portrety postaci historycznych i sceny historyczne)

Rodzaje rzeźb:

Okrągłe, dowolnie umiejscowione w przestrzeni rzeczywistej:

Głowa; biust; grupa rzeźbiarska.

Relief (przetłumaczony z francuskiego - podnosić) to rodzaj sztuki, w którym trójwymiarowe obrazy są umieszczone na płaszczyźnie - rodzaj rzeźby przeznaczonej głównie do percepcji czołowej.

Przeciwrelief to głęboka płaskorzeźba używana do drukowania obrazów lub oglądania pod światło.

W starożytnym Egipcie stosowano relief o głębokim konturze i wypukłym modelowaniu kształtu.

Płaskorzeźba (francuska płaskorzeźba - płaskorzeźba) to rodzaj wypukłej płaskorzeźby, w której obraz (postać, przedmiot, ozdoba) wystaje ponad płaszczyznę o mniej niż połowę swojej objętości.

Wysoki relief (franc. hout-relief – wysoki relief) to rodzaj reliefu, w którym obrazy (postacie, przedmioty) wystają ponad płaszczyznę o ponad połowę swojej objętości, a poszczególne części mogą całkowicie odsunąć się od płaszczyzny.

Sztuka dekoracyjna(z łac. dekoro - dekorować) - jeden z rodzajów sztuk plastycznych. Dzieli się na:

monumentalne i dekoracyjne: witraże (łac. vitrum – szkło) to dzieło sztuki zdobniczej wykonane z kolorowego szkła; obrazy, freski; mozaika dekoracyjna, rzeźba ogrodowa;

DPI- dziedzina sztuki dekoracyjnej: tworzenie wyrobów artystycznych, które mają praktyczne zastosowanie w życiu codziennym i wyróżniają się dekoracyjną jednolitością. Przedmioty powinny być nie tylko wygodne, ale powinny sprawiać człowiekowi przyjemność estetyczną.

Projektowanie (angielski design - projektować, konstruować, rysować) to proces tworzenia nowych obiektów, narzędzi, sprzętu, kształtowania obszaru tematycznego. Jej celem jest zorganizowanie holistycznego środowiska estetycznego dla ludzkiego życia. Obszar projektowy - sprzęt AGD, naczynia, meble, maszyny, pojazdy, grafika przemysłowa, odzież, makijaż, fitodesign itp.

3. Gatunki malarstwa

Portret(obraz francuski) - wizerunek osoby lub grupy osób. Oprócz podobieństwa zewnętrznego artyści starają się w portrecie oddać charakter osoby, jej duchowy świat.

Wyróżnić kameralny, formalny, grupowy, dziecięcy portrety.

Autoportret- wizerunek samego siebie artysty.

Sceneria(francuskie paus - obszar, ojczyzna) - obraz przyrody, rodzaje terenu, krajobraz. Krajobraz dzieli się na: wiejski, miejski, przemysłowy, morski itp.; może być historyczny, bohaterski, fantastyczny, liryczny, epicki.

Martwa natura(francuski naturemorte - martwa natura) - obraz przedmiotów nieożywionych (warzywa, owoce, kwiaty, artykuły gospodarstwa domowego, naczynia, żywność, dziczyzna, atrybuty sztuki).

Gatunek bitewny(z francuskiego bataille - bitwa, bitwa) poświęcona jest tematyce wojny, bitew, kampanii i epizodów życia wojskowego.

Historyczny- poświęcony zjawiska historyczne i wydarzenia. Bardzo często te dwa gatunki występują w jednym dziele, tworząc bitwa historyczna genre.

Domowy odzwierciedla codzienne życie ludzi, strukturę społeczną i narodową, moralność i sposób życia w określonym czasie historycznym.

Animalistyczny (od łac. zwierzę - zwierzę) wiąże się z przedstawianiem zwierząt w malarstwie, grafice i rzeźbie.

Mitologiczny Lub bajecznie-epicki poświęcony jest wydarzeniom i bohaterom, o których opowiadają mity, legendy, tradycje, opowieści i baśnie, eposy narodów świata.

Aby szybko i skutecznie zapamiętać definicje niektórych gatunków malarstwa, można poprosić dzieci o zapamiętanie ich w formie poetyckiej.

4. Rozwój krajowej i zagranicznej myśli artystycznej i pedagogicznej oraz artystycznej praktyki pedagogicznej w kontekście rozwoju sztuk pięknych. Umiejętność rysowania zawsze była i ma niemałe znaczenie dla człowieka, a jej użycie służyło i nadal służy jako jeden ze środków komunikacji między ludźmi. Człowiek zaczął rozwijać swoje umiejętności rysunkowe już od czasów starożytnych. Już prymitywni ludzie Do odniósł w tym wielki sukces, o czym świadczą rysunki odnalezione przez archeologów. Wśród tych obrazów znajdujemy przekonująco odwzorowany obraz renifera stepowego i inne sceny z prawdziwego życia.

Człowiek gromadził doświadczenie w rysowaniu linii i wzorów, w przedstawianiu zwierząt, a nawet ludzi przez tysiące lat. Prymitywny człowiek malowany węglem drzewnym i zaostrzonym kamieniem oraz farbami w kolorze ochry. Wskazują na to zachowane malowidła ścian i sufitów w jaskiniach Combarel, Les Eisy, Altamira (Hiszpania), w górzystych regionach Sahary oraz w jaskini Cape na Uralu.

Szczególnie ważne jest, aby pamiętać, że wszystkie te obrazy miały magiczny, rytualny charakter i dlatego stanowiły wyjątkową formę przekazu ludzkiej myśli. Na tej podstawie powstało i rozwinęło się później pismo, najpierw piktograficzne (rysunek), potem ideograficzne, gdzie każdy znak odpowiadał słowu lub jego części, a na koniec dźwięk litery. Umiejętności rysowania prymitywny człowiek nabywane poprzez bezpośrednią obserwację i naśladownictwo. W epoce paleolitu nie było nauki jako takiej.

Rolniczy i rzemieślniczo-produkcyjny charakter neolitu zmienił stosunek człowieka do sztuki. Ludzie zaczęli wykorzystywać umiejętność rysowania głównie ozdabianie przedmiotów rękodzielniczych obraz przedmiotów ceramicznych. Wyroby sztuki ceramicznej pokrywano ozdobami. W różnych krajach miał swoje własne typy i cechy. W związku z tym zaczęły pojawiać się metody nauczania. Artysta-rzemieślnik nie pozostał już obojętny na sukcesy swojego ucznia. W ten sposób zaczęto opracowywać techniki i metody nauczania. Nie było jednak jeszcze jasno opracowanych zasad nauczania. Prawdziwe kształcenie artystyczne wraz z organizacją szkół powstało dopiero w epoce cywilizacji.

Organizacja szkół w starożytnym Egipcie. System edukacji i szkolenia, kanony w starożytnym Egipcie. Dokumenty historyczne wskazują, że w starożytnym Egipcie rysunku uczono w szkołach równolegle z rysunkiem. Po ukończeniu szkoły młody człowiek musiał umieć zmierzyć i narysować powierzchnię pola, naszkicować plan piętra, narysować i narysować schemat kanału. Zatem po raz pierwszy spotykamy się z rysunkiem jako ogólnym przedmiotem edukacji wśród starożytnych Egipcjan.

Ucząc dzieci czytania i pisania, główną uwagę poświęcono rysowaniu, ponieważ sama natura pisma hieroglificznego wymagała przedstawiania wszelkiego rodzaju przedmiotów. W starożytnym Egipcie po raz pierwszy zaczęto zajmować się rysunkiem szkolenie, które nie odbywało się już od przypadku do przypadku, ale systematycznie. Metoda i system nauczania wszystkich artystów-nauczycieli były takie same, ponieważ zatwierdzone kanony i reguły nakazywały najściślejsze przestrzeganie wszystkich ustalonych norm.

Należy również zauważyć, że Egipcjanie położyli podwaliny pod teoretyczne uzasadnienie praktyki rysowania. To oni jako pierwsi ustanowili prawa obrazu i przekazali je nowemu pokoleniu. Nie wiadomo, czy istniała teoria samego procesu uczenia się – dydaktyka, ale najwyraźniej istniało coś podobnego, gdyż samo istnienie kanonów mówi o jasnych regułach i prawach reprezentacji, których uczniowie musieli ściśle przestrzegać.

Nauczanie rysunku w starożytnym Egipcie budowane było nie w oparciu o wiedzę o otaczającym świecie, ale na zapamiętywanie diagramów i kanonów, kopiowanie próbek.

Szkolenie i edukacja w starożytnej Grecji Starożytni greccy artyści podeszli do problemu szkolenia i edukacji w nowy sposób i znacznie wzbogacili metody nauczania. Zachęcali młodych artystów do uważnej nauki rzeczywistość, odnalazła w tym harmonię i twierdziła, że ​​najpiękniejszą rzeczą w życiu jest człowiek. W swoich pracach teoretycznych greccy artyści zwracali uwagę, że w świecie panuje ścisły schemat, a istota piękna tkwi w harmonijnym porządku, w symetrii, w harmonii części i całości, w prawidłowych relacjach matematycznych. Tak więc w 432 rpne. mi. W Sikyone rzeźbiarz Polykleitos z Argos napisał esej „Kanon” o idealnej proporcjonalności pomiędzy częściami ludzkiego ciała. Aby zilustrować swoje zasady teoretyczne, stworzył posąg „Doriphoros”, czyli „Włócznik”, który zaczął być używany jako pomoc dydaktyczna i wizualna. Rysunki z tej rzeźby wykonali nie tylko młodzi mężczyźni studiujący sztuki piękne, ale także uczniowie szkół średnich. Greccy artyści-nauczyciele jako pierwsi opracowali metodę nauczania rysunku, w który opierał się na czerpaniu z natury. W starożytnej Grecji rysunek zaczęto uważać za ogólny przedmiot edukacji.

era Starożytny Rzym, Wydawać by się mogło, że miała ona rozwijać dorobek greckich artystów-nauczycieli. Rzymianie szanowali wybitne dzieła sztuki. Szczególnie wysoko cenili twórczość artystów greckich. Bogaci ludzie gromadzili kolekcje obrazów, a cesarze budowali publiczne pinakotekki (muzea).

Tak naprawdę jednak Rzymianie nie wprowadzili niczego nowego do metodologii i systemu nauczania. Korzystali jedynie z dorobku artystów greckich; Nie zachowały przy tym wielu cennych zasad metodyki nauczania rysunku.

W średniowieczu osiągnięcia sztuka realistyczna zostały odrzucone. Artyści średniowiecza nie znali ani zasad konstruowania obrazu na płaszczyźnie, ani metod nauczania opracowanych przez Greków. Podczas formowania się chrześcijaństwa dzieła teoretyczne wielkich mistrzów Grecji, a także wiele znanych dzieł sztuki pięknej, zostały barbarzyńsko zniszczone.

Otwiera się renesans nowa era zarówno w historii rozwoju sztuk pięknych, jak i w zakresie metod nauczania rysunku. Chociaż rysowanie jest jak przedmiot akademicki nie była objęta programem szkolnym, jednakże renesans wniósł ogromny wkład w teorię metod nauczania rysunku zarówno w szkole zawodowej, jak i w kształceniu powszechnym. Artyści tego czasu na nowo opracowali teorię sztuk pięknych, a jednocześnie metody nauczania rysunku.

Dając naukową podstawę dla metody nauczania, Alberti postrzega rysunek nie jako ćwiczenie mechaniczne, ale jako ćwiczenie umysłu. Dzięki tej mądrej postawie Michał Anioł miał później okazję powiedzieć: „Rysuje się głową, a nie rękami”.

Zwróćmy uwagę na kolejność metodologiczną prezentacji materiału edukacyjnego w twórczości Alberta. W pierwszej książce przedstawia rygorystyczny system szkolenia. Znajomość zaczyna się od punktu i linii prostych, następnie zapoznaje się z różnymi kątami, potem z płaszczyznami, a na końcu z ciałami wolumetrycznymi. Konsekwentnie Alberti wprowadza ucznia w podstawowe zasady perspektywy liniowej i wyjaśnia właściwości promieni widzenia. Porusza tu także zagadnienia perspektywy powietrznej. Alberti przywiązuje dużą wagę do osobistej demonstracji nauczyciela.

Kolejną pracą, która wywarła ogromny wpływ na rozwój metod nauczania rysunku, jest „Księga malarstwa” Leonarda da Vinci. Książka ta porusza tematykę rysunku i, co szczególnie ważne, Leonardo traktuje rysunek jako dziedzinę poważną dyscyplina naukowa. Zajmował się badaniami anatomicznymi, ustalaniem praw proporcjonalności ciała ludzkiego, wiele czasu poświęcał naukowemu uzasadnieniu teorii rysunku.

Podsumowując działalność artystów renesansu, przede wszystkim zwróćmy uwagę na kolosalną pracę, jaką wykonali na polu naukowego i teoretycznego uzasadnienia zasad rysunku. Ich prace nad perspektywą pomogły artystom uporać się z trudnym problemem konstruowania obrazu trójwymiarowego kształtu obiektów na płaszczyźnie. Wielu artystów renesansu, zafascynowanych perspektywą, poświęcało temu zagadnieniu cały swój czas.

Ten ważna praca zaczął realizować Akademia Sztuk, otwarty pod koniec XVI wieku. Od tego czasu zaczęto uczyć lekcji rysunku w specjalnych placówkach oświatowych. Mistrzowski rysunek bez powagi wiedza naukowa jest to zabronione. Rysując, uczeń jednocześnie poznaje świat. Stąd wniosek: lekcje rysunku przydadzą się każdemu. Ta idea zaczyna zaprzątać umysły nie tylko ludzi sztuki, ale także osobistości oświaty publicznej.

Stanowisko w sprawie korzyści płynących z rysunku jako ogólnokształcącego przedmiotu edukacyjnego wyraził wielki czeski nauczyciel J. A. Komeński w swojej „Wielkiej dydaktyce”. To prawda, że ​​Komeński nie zdecydował się jeszcze na włączenie rysunku do szkolnego programu nauczania jako przedmiotu obowiązkowego. Wartość jego przemyśleń na temat rysunku polegała jednak na tym, że były one ściśle powiązane z zagadnieniami pedagogiki. Szczególną wartość mają dla nas przemyślenia Komeńskiego na temat konieczności studiowania metod nauczania.

Niemal jednocześnie z Komeńskim nauczyciel języka angielskiego i filozof John Locke zaczął bronić ogólnej wartości edukacyjnej rysunku. Jednak nie będąc specjalistą, J. Locke nie mógł dać instrukcje metodologiczne w nauczaniu rysunku. Ograniczył się do ogólnych dyskusji na temat korzyści płynących ze szkoleń

Francuski filozof-encyklopedysta Jacques-Jean Rousseau mówił bardziej szczegółowo o rysunku jako ogólnym przedmiocie edukacyjnym.

Uważał, że rysunku należy uczyć się wyłącznie od natury i że dziecko nie powinno mieć innego nauczyciela niż sama natura. Wyraził wiele cennych przemyśleń na temat metodologii nauczania rysunku Johanna Wolfganga Goethego.

Aby opanować sztukę rysowania, potrzebna jest wiedza, wiedza i jeszcze raz wiedza – mówił. Jednak pomimo autorytatywnych twierdzeń o ogromnej roli rysunku jako ogólnego przedmiotu nauczania, ani w XVII, ani w XVIII wieku nie wprowadzono rysunku do zajęć przedmiotów akademickich w szkołach. Tylko w początek XIX wieku zaczyna wkraczać w krąg zajęć szkolnych. Inicjatywa w tej sprawie należała do szwajcarskiego nauczyciela Johanna Heinricha Pestalozziego.

Po Pestalozzim rysunek mocno zajął swoje miejsce w szkołach średnich. Nieprzypadkowo nauczyciele plastyki nazywali go ojcem metod szkolnych.

Zasługą Pestalozziego jest to, że jako pierwszy połączył naukę o nauczaniu szkolnym ze sztuką i postawił kwestię konieczności metodologicznego rozwoju każdej pozycji rysunku. Pestalozzi uważał, że dla rozwoju oka powinna istnieć jedna metoda, zrozumienia form - inna, dla techniki - trzecia. Pracę tę wykonali jego uczniowie i naśladowcy.

Wielką sławę zdobyły dzieła Josepha Schmidta, ucznia Pestalozziego, Petera Schmida, Soldana, braci Dupuis i Galliarda. Nauczając rysunku, I. Schmidt uważał za konieczne opracowanie specjalnych ćwiczeń: 1) rozwijanie ręki i przygotowanie jej do rysowania; 2) tworzyć i znajdować piękne formy; 3) dla rozwoju wyobraźni; 4) w rysunek geometryczny obiekty; 5) w przyszłości.

Rola sztuk pięknych w edukacji estetycznej jest ogromna, ale problem ten rozważa rodzima nauka pedagogiczna edukacja estetyczna szerzej, nie sprowadza się jedynie do edukacji poprzez sztukę. Środkami edukacji estetycznej jest zarówno otaczająca nas rzeczywistość, jak i wiedza naukowaświat odsłaniający piękno obiektywnych praw natury; i praca, relacje społeczne ludzi, życie codzienne i wiele więcej.

W 1735 r. ukazał się podręcznik rysunku I. D. Preislera „Podstawowe zasady, czyli krótki przewodnik po sztuce rysunkowej” w języku niemieckim i jednocześnie rosyjskim. Trening według systemu Preislera rozpoczyna się od rysowania linii prostych i krzywoliniowych, figur geometrycznych i trójwymiarowych ciał, po czym uczeń przechodzi do rysowania części ludzkiego ciała, następnie głowy, a na końcu – jak większość artystów – całej sylwetki , nauczyciele, Preisler oparł naukę czerpania z geometrii i czerpania z życia. Preisler ostrzega jednak, że posługiwanie się figurami geometrycznymi musi być połączone ze znajomością zasad i praw perspektywy, a także anatomii.

Metody nauczania rysunku w szkołach radzieckich.

W latach 20 W szkołach radzieckich rysunek stał się częścią kompleksowych programów edukacyjnych.

Nowe programy nie opierały się na nauczaniu umiejętności wizualnych, ale na jednostronnych próbach rozwoju kreatywność, dając dzieciom pełną swobodę. Na początku lat dwudziestych wiele szkół nie uczyło dzieci prawidłowego, realistycznego rysunku. Zabiegi formalistyczne nie tylko zanegowały znaczenie metodologii, ale także wypaczały cele i zadania nauczania rysunku w szkołach średnich. Rysunek nie tylko nie dał dzieciom nic rozwój umysłowy, ale zasadniczo ingerował w ich edukację estetyczną.

W latach 40. radziecka szkoła rysunku mocno podążała drogą sztuki realistycznej. Zatwierdzono zasady i metody nauczania rysunku. Rośnie potrzeba głębszego naukowego rozwiązania problemów rysunku edukacyjnego.

W latach 50. i 60. pojawił się cały szereg prac badawczych, które znacznie wzbogaciły teorię metod nauczania. Prace te pomogły metodologom rysunku lepiej podejść do rozwiązywania ich problemów.

Do celów zamówienia praca metodologiczna W szkołach w latach 50. zrodził się pomysł stworzenia specjalnych podręczników do rysunku. Wcześniej podręczniki do rysunku dla szkół podstawowych i średnich nie były publikowane ani w Rosji, ani za granicą.

W 1957 r. Opublikowano pierwsze podręczniki próbne dla klas pierwszej i drugiej (autor N.N. Rostowcew), a następnie notatkę metodyczną do nich. W 1961 r. Opublikowano jeszcze dwa podręczniki - dla klas trzecich i czwartych (autor N.N. Rostowcew). Wszystkie te podręczniki oparte były na systemie P.P. Chistyakova, która uczy dzieci czerpać z życia od pierwszych kroków nauki. Od tego czasu – od początku lat 60. – zaczęto systematycznie wydawać eksperymentalne podręczniki do rysunku, lecz było to niewystarczające.

W 1970 r. zrewidowano i zatwierdzono nowe programy edukacyjne, w których sformułowano cele i zadania nauczania sztuk pięknych oraz określono treść materiałów edukacyjnych. Rozszerzenie zadań edukacji estetycznej, znajomość twórczości wielkich artystów przeszłości i wybitnych artystów współczesnych doprowadziło do tego, że zamiast przedmiotu „rysunek” powstał nowy przedmiot akademicki - „sztuki piękne”. wprowadzono nowe rzeczy wspólny system szkoły średnie: szkoła podstawowa przeszedł z czteroletniego kształcenia na trzyletnie; i znowu przez cztery lata; Wprowadzono specjalne przedmioty do wyboru umożliwiające pogłębioną naukę poszczególnych przedmiotów, w tym sztuk pięknych.

Metodyka nauczania sztuk pięknych w placówkach oświatowych rozwija się obecnie bardzo intensywnie. Istnieje wiele interesujących osiągnięć takich autorów jak E.I. Kubyshkina, V.S. Komarova, B.M. Nemensky, E.E. Rozhkova, N.N. Rostovtsev, N.M. Sokolnikova , E.V. Khvorostov, T.Ya pomoce wizualne dotyczące rysunku, malarstwa, kompozycji, sztuki ludowej i zdobniczej. Po raz pierwszy od wielu lat ukazały się podręczniki do sztuk plastycznych dla szkół podstawowych i średnich.

Sztuka piękna jest przestrzenna, a nie rozciągnięta w czasie. Wymaga przestrzeni dwu- lub trójwymiarowej. Chociaż w naszych czasach dzięki możliwościom technicznym pojawiła się forma sztuki obejmująca przestrzeń tymczasową (sztuka wideo). Sztuki piękne odzwierciedlają rzeczywistość poprzez obrazy wizualne:

• - różnorodność otaczającego świata;
• - myśli i uczucia danej osoby.

To sposób na zrozumienie środowiska i siebie.

Rodzaje sztuk pięknych:

• 1. Architektura to sztuka wznoszenia budynków i budowli służących życiu i działalności ludzi. Słowo „architektura” pochodzi od greckiego „Arhus” – główny, najwyższy; „Tectonico” – budowa. Wymaga przestrzeni trójwymiarowej. Ma także przestrzeń wewnętrzną – wnętrze.
• 2. Malarstwo to rodzaj sztuki plastycznej, której dzieła powstają przy użyciu farb (tempera, farby olejne, akryl, gwasz, ...).
• 3. Grafika to rodzaj sztuki, który obejmuje rysunki i drukowane obrazy. „Grafo” – piszę, rysuję, rysuję. Rysunki wykonywane są ołówkiem, tuszem, sepią, sangwiną...

Obrazy drukowane - ryciny, litografie, drzeworyty, monotypie. Grafiki dzielimy na sztalugowe, książkowe i użytkowe. Akwarela, gwasz i pastel stoją na styku malarstwa i grafiki. Pierwsze prace graficzne - malowidła naskalne sztuka prymitywna. W starożytnej Grecji sztuka graficzna była na najwyższym poziomie – malarstwo wazowe.

4. Rzeźba.

Termin pochodzi od łacińskiego „sculpere” – ciąć, rzeźbić. W odróżnieniu od malarstwa i grafiki rzeźba ma objętość. Rzeźba jest obrazem trójwymiarowym. Materiały: kość, kamień, drewno, glina, metal, wosk... Rzeźba to jedna z najstarszych form sztuki. Pierwszymi dziełami rzeźbiarskimi były bożki, amulety i przedstawiały starożytnych bogów. Rozróżnia się rzeźbę okrągłą (oglądaną z różnych stron) i płaskorzeźbę (wysoką, średnią, niską, kontrrelief). Rzeźbę dzielimy na typy: sztalugowo-monumentalną (pomniki, pomniki) i monumentalno-dekoracyjną (dekoracja architektoniczna).

W każdym domu żyją i służą nam różne przedmioty. A jeśli dotknie ich ręka artysty, jubilera czy rzemieślnika ludowego, stają się dziełem dekoracyjnym - sztuka stosowana. Termin pojawił się w XVIII wieku. od francuskiego słowa „dekor” – dekoracja wszędzie. Stosowane oznacza coś, do czego stosuje się umiejętności lub sztukę.

• 6. Sztuka teatralna i dekoracyjna
• 7. Projekt
• 8. Architektura

Pojęcie „stylu” to oryginalność, która pozwala od razu określić, w czym epoka historyczna powstało dzieło. Styl artystyczny (wysoki) to kierunek obejmujący wszystkie rodzaje sztuki. Na przykład barok to styl wysoki, a rokoko to kierunek.

Do wielkich lub wysokich stylów zalicza się klasykę starożytności, styl romański i gotyk w średniowieczu, styl renesansowy, który wyznaczał okres przejściowy od średniowiecza do epoki nowożytnej, barok i klasycyzm w epoce nowożytnej. Najnowszy główny styl na przełomie XIX i XX wieku- XX wieki stała się secesją, w której podjęto próbę ożywienia jedności architektury, sztuk dekoracyjnych i pięknych.

Połączenie kilku rodzajów sztuki w jednym dziele nazywa się syntezą sztuk.

Innymi słowy, styl artystyczny osiąga swój najwyższy poziom, gdy obejmuje wszystkie rodzaje sztuki.

Rozwinąwszy się w pewnej epoce historycznej, wysokie style ulegały ciągłym przekształceniom i odradzały się na kolejnym etapie w nowej jakości. Na przykład, klasycyzm XVII V. we Francji wziął podstawę ze starożytnych klasyków, choć bardzo różni się od neoklasycyzmu drugiego połowa XVIII V. i oczywiście od neoklasycyzmu jako jednego z nurtów eklektyzmu drugiej połowy XIX i początku XX wieku.

Obraz artystyczny jest formą odzwierciedlenia (odtworzenia) obiektywnej rzeczywistości w sztuce

Gatunek (od francuskiego Gatunek - typ) - zbiór utworów, których łączą:

• - ogólny zakres tematów lub tematów obrazu; lub
• - stosunek autora do przedmiotu, osoby lub zjawiska: karykatura, karykatura; Lub
• - sposób rozumienia i interpretacji: alegoria, fantazja.

Gatunek to kilka szczególnych cech właściwych dziełom sztuki, dzięki którym odróżniamy jedno z nich od innych.

Artysta maluje farbami, a technik i sposobów pracy z nimi jest wiele, są one złożone i różnorodne, to cała nauka. Ale w zależności od tego, co jest przedstawione na zdjęciu, możesz określić jego gatunek.

Pierwsze niezależne gatunki pojawiły się w Holandii w XVI wieku.

• 1. Historyczny
• 2. Marina to dzieło sztuki przedstawiające morze.

Artystę malującego morze nazywa się malarzem morskim.

3. Wnętrze. Obraz dekoracji wnętrz obiektu architektonicznego.

AUTOPORTRET - portret namalowany z samego siebie.

ALEGORIA - przedstawienie abstrakcyjnych pojęć za pomocą skojarzeniowo bliskich konkretnych obrazów, stworzeń i przedmiotów, zwykle wyposażonych w atrybuty wyjaśniające ich treść.

ZWIERZĘ - związane z przedstawianiem zwierząt w malarstwie, rzeźbie i grafice; łączy w sobie naturalne zasady naukowe i artystyczne.

BITWA - poświęcona przedstawianiu wojny i życia wojskowego. W dziełach gatunku bitewnego główne miejsce zajmują sceny bitew i kampanii wojskowych teraźniejszości lub przeszłości.

GOSPODARSTWO DOMOWE – kojarzone z wizerunkiem codziennym prywatnym i życie publiczne osoba.

HISTORYCZNY - jeden z głównych gatunków sztuk pięknych, poświęcony wydarzenia historyczne zjawiska przeszłe i obecne, zjawiska o znaczeniu społecznym w historii narodów.

KARYKATURA to gatunek plastyczny posługujący się środkami satyry i humoru, groteski, komiksu i artystycznej hiperboli; obraz, w którym efekt komiczny tworzony jest poprzez przesadę i wyostrzenie charakterystycznych cech.

MITOLOGICZNE - poświęcone wydarzeniom i bohaterom, o których opowiadają mity.

MARTWA NATURA – gatunek sztuki przedstawiający przedmioty nieożywione umieszczone w rzeczywistym środowisku życia codziennego i zorganizowane w określoną grupę; obraz przedstawiający artykuły gospodarstwa domowego, kwiaty, owoce, martwą zwierzynę, złowione ryby.

Akt to gatunek sztuki poświęcony nagiemu ciału i jego artystycznej interpretacji.

DUSZARSKA - przedstawienie idyllicznego, spokojnego życia pasterzy i pasterzy na łonie natury.

KRAJOBRAZ - obraz dowolnego obszaru, zdjęcia przyrody: rzek, gór, pól, lasów, krajobrazu wiejskiego lub miejskiego; W zależności od tematyki obrazu wyróżniają krajobraz architektoniczno-miejski, przemysłowy, weduta, przystań (przedstawia morze), krajobraz historyczny, fantastyczny (futurologiczny), liryczny, epicki.

PORTRET to gatunek sztuki poświęcony przedstawieniu osoby lub grupy osób; odmiany - autoportret, portret grupowy, ceremonialny, kameralny, portret kostiumowy, miniatura portretowa, parsuna.

CARRIOT to rodzaj karykatury, obrazu humorystycznego lub satyrycznego, w którym zmieniane i podkreślane są charakterystyczne cechy danej osoby.

Malarze i rzeźbiarze, projektanci i architekci – wszyscy ci ludzie każdego dnia wnoszą do naszego życia piękno i harmonię. Dzięki nim oglądamy posągi w muzeach, podziwiamy obrazy i zachwycamy się pięknem starożytnych budowli. Współczesna sztuka piękna nas zadziwia, klasyczna sztuka daje do myślenia. Ale w każdym razie twory ludzkie otaczają nas wszędzie. Dlatego warto zrozumieć ten problem.

Rodzaje sztuk pięknych

Sztuka piękna jest przestrzenna. Oznacza to, że ma obiektywną formę, która nie zmienia się w czasie. I właśnie po wyglądzie tej formy rozróżnia się rodzaje sztuk pięknych.

Można je podzielić na kilka kategorii. Na przykład do czasu pojawienia się. Do XIX wieku za główne uważano tylko trzy typy: rzeźbę, malarstwo i architekturę. Ale historia sztuk pięknych się rozwinęła, a wkrótce dołączyła do nich grafika. Później pojawiły się inne: sztuka i rzemiosło, dekoracja teatralna, projektowanie i inne.

Dziś nie ma zgody co do tego, jakie rodzaje sztuk pięknych należy wyróżnić. Ale jest kilka podstawowych, których istnienie nie budzi żadnych kontrowersji.

Malarstwo

Rysunek to rodzaj sztuki plastycznej, w której obrazy są przekazywane za pomocą farb. Nakłada się je na twardą powierzchnię: płótno, szkło, papier, kamień i wiele innych.

Używany do malowania różne kolory. Mogą być olejne i akwarelowe, silikatowe i ceramiczne. Jednocześnie jest malowanie woskiem, malowanie emalią i inne. Zależy to od tego, jakie substancje zostaną nałożone na powierzchnię i jak zostaną tam utrwalone.

W malarstwie można wyróżnić dwa kierunki: sztalugowy i monumentalny. Pierwsza łączy wszystkie prace, które powstały na różnych płótnach. Jej nazwa pochodzi od słowa „maszyna”, co oznacza sztalugi. Ale malarstwo monumentalne to sztuka piękna reprodukowana na różnych konstrukcjach architektonicznych. Są to wszelkiego rodzaju świątynie, zamki, kościoły.

Architektura

Budownictwo to monumentalna forma sztuki, której celem jest wznoszenie budynków. Jest to praktycznie jedyna kategoria, która ma nie tylko wartość estetyczna, ale spełnia także funkcje praktyczne. W końcu architektura obejmuje budowę budynków i budowli służących do życia i działalności ludzi.

Nie odtwarza rzeczywistości, ale wyraża pragnienia i potrzeby ludzkości. Dlatego najlepiej prześledzić w nim historię sztuk pięknych. W różnych czasach sposób życia i poglądy na temat piękna były bardzo różne. Z tego powodu architektura umożliwia prześledzenie lotu ludzkiej myśli.

Gatunek ten jest również w dużym stopniu zależny od środowiska. Na przykład na kształt obiektów architektonicznych wpływają warunki klimatyczne i geograficzne, charakter krajobrazu i wiele innych.

Rzeźba

To starożytna sztuka piękna, której próbki mają trójwymiarowy wygląd. Wykonuje się je metodą odlewania, dłutowania, ciosania.

Do wykonywania rzeźb używa się głównie kamienia, brązu, drewna czy marmuru. Ale ostatnio równie popularne stały się beton, plastik i inne sztuczne materiały.

Rzeźba ma dwie główne odmiany. Może być okrągły lub wytłaczany. W tym przypadku drugi typ dzieli się na wysoki, niski i wpuszczany.

Podobnie jak w malarstwie, tak i w rzeźbie istnieją kierunki monumentalne i sztalugowe. Ale przedmioty dekoracyjne są również rozróżniane osobno. Monumentalne rzeźby w formie pomników zdobią ulice, wyznaczają ważne miejsca. Sztalugi służą do dekoracji pomieszczeń od wewnątrz. A dekoracyjne, niczym małe plastikowe przedmioty, ozdabiają życie codzienne.

Grafika

Jest to dekoracyjna sztuka plastyczna składająca się z rysunków i drukowanych obrazów artystycznych. Grafika różni się od malarstwa zastosowanymi materiałami, technikami i formami. Do tworzenia rycin lub litografii wykorzystuje się specjalne maszyny i urządzenia do drukowania obrazów. A rysunki wykonane są tuszem, ołówkiem i innymi podobnymi materiałami, które umożliwiają odwzorowanie kształtów obiektów i ich oświetlenia.

Grafiki mogą być sztalugowe, książkowe i użytkowe. Pierwszy powstaje dzięki specjalnym urządzeniom. Są to ryciny, rysunki, szkice. Drugi zdobi strony książek lub ich okładki. A trzeci to wszelkiego rodzaju etykiety, opakowania, marki.

Za pierwsze dzieła graficzne uważa się malowidła naskalne. Ale jej największym osiągnięciem jest malowanie waz w starożytnej Grecji.

Sztuka i rzemiosło

To szczególny rodzaj działalności twórczej, polegający na tworzeniu różnorodnych przedmiotów gospodarstwa domowego. Zaspokajają nasze potrzeby estetyczne i często pełnią funkcje użytkowe. Co więcej, były one wcześniej wykonywane właśnie ze względów praktycznych.

Nie każda wystawa dzieł sztuki może pochwalić się obecnością przedmiotów dekoracyjnych i użytkowych, ale każdy dom je ma. Należą do nich biżuteria i ceramika, malowane szkło, przedmioty haftowane i wiele innych.

Sztuka piękna i użytkowa przede wszystkim odzwierciedlają charakter narodowy. Faktem jest, że jego ważnym składnikiem jest sztuka i rzemiosło ludowe. A one z kolei opierają się na zwyczajach, tradycjach, wierzeniach i sposobie życia ludzi.

Od sztuki teatralnej i dekoracyjnej po projektowanie

Na przestrzeni dziejów pojawiało się coraz więcej nowych rodzajów sztuk pięknych. Wraz z powstaniem pierwszej świątyni Melpomene powstała sztuka teatralna i dekoracyjna, która polega na wykonywaniu rekwizytów, kostiumów, scenografii, a nawet makijażu.

A design, jako jeden z rodzajów sztuki, choć pojawił się w czasach starożytnych, dopiero niedawno został wyodrębniony do osobnej kategorii, mającej swoje własne prawa, techniki i cechy.

Gatunki sztuk pięknych

Każda praca powstała spod pióra, młotka czy ołówka mistrza poświęcona jest konkretnemu tematowi. Przecież tworząc go, twórca chciał przekazać swoje myśli, uczucia, a nawet fabułę. To właśnie dzięki tym cechom rozróżnia się gatunki sztuk pięknych.

Po raz pierwszy o jakiejkolwiek systematyzacji ogromna ilość dziedzictwo kulturowe myślano w Holandii w XVI wieku. W tym czasie wyróżniono tylko dwie kategorie: gatunki wysokie i niskie. Do pierwszego zaliczało się wszystko, co przyczyniło się do duchowego wzbogacenia człowieka. Były to dzieła poświęcone mitom, religii i wydarzeniom historycznym. A po drugie – rzeczy związane z życiem codziennym. To ludzie, przedmioty, przyroda.

Gatunki są formami ukazywania życia w sztukach wizualnych. A one zmieniają się wraz z nim, rozwijają i ewoluują. Mijają całe epoki w sztuce pięknej, niektóre gatunki zyskują nowe znaczenie, inne wymierają, a jeszcze inne się pojawiają. Ale jest kilka głównych, które przetrwały stulecia i nadal istnieją z powodzeniem.

Historia i mitologia

DO wysokie gatunki Renesans obejmował historię i mitologię. Uważano, że nie są one przeznaczone dla zwykłego człowieka ulicy, ale dla osoby o wysokim poziomie kultury.

Gatunek historyczny jest jednym z głównych w sztukach plastycznych. Jego zadaniem jest odtworzenie wydarzeń z przeszłości i teraźniejszości, które mają ogromne znaczenie dla narodu, kraju lub pojedynczej miejscowości. Jej fundamenty zostały położone już w starożytnym Egipcie. Ale w pełni ukształtował się już we Włoszech, w okresie renesansu, w dziełach Uccello.

Gatunek mitologiczny obejmuje dzieła sztuki odzwierciedlające tematy legendarne. Już w sztuka starożytna jego pierwsze przykłady pojawiły się, gdy eposy stały się zwykłymi pouczającymi opowieściami. Ale najbardziej znane są dzieła renesansu. Na przykład freski Rafaela lub obrazy Botticellego.

Tematem dzieł sztuki o charakterze religijnym są różne epizody z Ewangelii, Biblii i innych podobnych ksiąg. W malarstwie jego słynnymi mistrzami byli Rafael i Michał Anioł. Ale gatunek ten znalazł także odzwierciedlenie w rycinach, rzeźbie, a nawet architekturze, biorąc pod uwagę budowę świątyń i kościołów.

Wojna i życie

Przedstawianie wojny w sztuce zaczęło się już w starożytności. Ale temat ten był aktywnie rozwijany w XVI wieku. Wszelkiego rodzaju kampanie, bitwy i zwycięstwa znalazły wyraz w rzeźbach, obrazach, rycinach i gobelinach tamtych czasów. Dzieła sztuki na ten temat nazywane są gatunkiem bitewnym. Samo słowo ma francuskie korzenie i jest tłumaczone jako „wojna”. Artyści malujący takie obrazy nazywani są malarzami bitewnymi.

Natomiast w sztukach pięknych istnieje gatunek codzienny. Reprezentuje dzieła odzwierciedlające życie codzienne. Trudno prześledzić historię tego trendu, ponieważ gdy tylko człowiek nauczył się posługiwać narzędziami, zaczął uwieczniać swoją trudną codzienność. Gatunek codzienny w sztuce pozwala zapoznać się z wydarzeniami, które miały miejsce tysiące lat temu.

Ludzie i przyroda

Portret to wizerunek osoby w sztuce. To jeden z najstarszych gatunków. Co ciekawe, pierwotnie miało ono znaczenie kultowe. Portrety utożsamiano z duszą zmarłej osoby. Ale rozwinęła się kultura sztuk pięknych, a dziś ten gatunek pozwala nam oglądać wizerunki ludzi z minionych epok. Co daje wyobrażenie o ubiorze, modzie i gustach tamtych czasów.

Krajobraz to gatunek sztuki, w którym głównym tematem jest natura. Pochodzi z Holandii. Ale na własną rękę malarstwo pejzażowe bardzo różnorodne. Potrafi przedstawić zarówno prawdziwą, jak i fantastyczną naturę. W zależności od rodzaju obrazu wyróżnia się krajobrazy wiejskie i miejskie. Ten ostatni obejmuje takie podgatunki, jak przemysł i weduta. Ponadto mówią o istnieniu krajobrazów panoramicznych i kameralnych.

Wyróżnia się także gatunek zwierzęcy. Są to dzieła sztuki przedstawiające zwierzęta.

Motyw morski

Pejzaże morskie reprezentują przede wszystkim wczesne malarstwo holenderskie. Sztuka piękna tego kraju dała początek gatunkowi marin. Charakteryzuje się odbiciami morza we wszystkich formach. Artyści morscy malują kipiące elementy i spokojne tafle wody, hałaśliwe bitwy i samotne żaglówki. Pierwszy obraz tego gatunku pochodzi z XVI wieku. Na nim Cornelis Antonis przedstawił flotę portugalską.

Choć marina to raczej gatunek malarstwa, motywy wodne można odnaleźć nie tylko na obrazach. Na przykład sztuka dekoracyjna często wykorzystuje elementy pejzaży morskich. Mogą to być gobeliny, biżuteria, ryciny.

Rzeczy

Martwa natura to przede wszystkim także gatunek malarstwa. Jego nazwa jest tłumaczona z francuskiego jako „martwa natura”. W rzeczywistości bohaterami martwych natur są różne przedmioty nieożywione. Zwykle są to przedmioty codziennego użytku, a także warzywa, owoce i kwiaty.

Główną cechę martwej natury można uznać za jej wyraźny brak fabuły. Niemniej jednak jest to gatunek filozoficzny, który przez cały czas odzwierciedlał powiązania między człowiekiem a światem zewnętrznym.

Prototypy martwych natur można znaleźć m.in monumentalne malarstwo Pompeje. Później ten gatunek stał się częścią innych obrazów. Na przykład obrazy religijne. Jednak nazwa, która się za nim kryje, powstała dopiero w XVI wieku.

Sztuka piękna to sposób rozumienia rzeczywistości i miejsca w niej człowieka. Pozwala na odtworzenie rzeczywistości za pomocą różnych obrazów wizualnych. Dzieła tej sztuki znajdują miejsce nie tylko w muzeach czy na wystawach, ale także na ulicach miast, w domach i bibliotekach, w książkach, a nawet kopertach. Są wszędzie wokół nas. A jedyne, co możemy zrobić, to nauczyć się doceniać, rozumieć i chronić niesamowite dziedzictwo, które odziedziczyliśmy od wielkich mistrzów minionych epok.