Sztuka i rzemiosło to szeroka dziedzina sztuki, obejmująca różne obszary działalności artystycznej i skupiająca się na tworzeniu wyrobów o charakterze użytkowym. Poziom estetyczny takich prac jest zazwyczaj dość wysoki. Termin zbiorczy łączy w sobie dwa rodzaje sztuki – użytkową i dekoracyjną. Pierwsza nosi ślady praktycznego zastosowania, druga przeznaczona jest do dekoracji otoczenia człowieka.
Kreatywność i utylitaryzm
Sztuka użytkowa – co to jest? Przede wszystkim są to przedmioty, których cechy są bliskie stylowi artystycznemu, a ich przeznaczenie jest dość zróżnicowane. Wazony, dzbanki, naczynia czy komplety wykonane z szlachetnej porcelany, a także wiele innych produktów, stanowią dekorację salonów, zestawów kuchennych, sypialni i pokojów dziecięcych. Niektóre przedmioty mogą być prawdziwymi dziełami sztuki, a mimo to należą do kategorii sztuki użytkowej.
Szeroki zakres działalności
Sztuka użytkowa – czym jest z punktu widzenia mistrza? Pracochłonny proces twórczy czy proste rękodzieło wykonane ze złomu? dzieło sztuki zasługujące na najwyższą pochwałę. Utylitarne przeznaczenie produktu nie umniejsza jego zalet. Sztuka dekoracyjna i użytkowa to szerokie pole działania artystów i rzeźbiarzy, projektantów i stylistów. Szczególnie cenione są ekskluzywne dzieła sztuki powstałe w jednym egzemplarzu. Jednocześnie produkty produkowane masowo zaliczane są do pamiątek.
Dekoracje w domu
Sztuka dekoracyjna i użytkowa – czym jest, jeśli uznamy ją za część treści estetycznych codziennego otoczenia? Można śmiało powiedzieć, że wszystkie znajdujące się wokół produkty i przedmioty odzwierciedlają gusta bliskich im osób, gdyż człowiek stara się otaczać pięknymi rzeczami. Dzięki sztuce i rękodzielnictwu możesz udekorować swój dom, przestrzeń biurową lub strefę rekreacyjną. Szczególną uwagę przywiązuje się do projektowania pokoi dla dzieci.
I wreszcie sztuka użytkowa – czym jest w rozumieniu społecznym? Są to wystawy, wernisaże, jarmarki i wiele innych wydarzeń publicznych, które przybliżają ludziom kulturę. Sztuki piękne i rzemiosło podnoszą poziom rozwoju człowieka i przyczyniają się do kształtowania jego gustu estetycznego. Ponadto oglądanie wystaw poszerza ogólne horyzonty. Każda wystawa sztuki użytkowej jest zapoznaniem opinii publicznej z nowymi osiągnięciami w dziedzinie twórczości artystycznej. Wydarzenia tego typu mają szczególne znaczenie w kształceniu młodszego pokolenia.
Trochę historii
Sztuka ludowa i rzemiosło wywodzą się z rosyjskich wsi. Proste rękodzieło wykonane przez rodzimych rzemieślników często zaliczane jest do wyrobów w kategorii „sztuka ludowa i użytkowa”. Dobry przykład styl folklorystyczny to tzw. malowane koguty, figurki, dekoracje wykonane z czerwonej gliny.
Rybołówstwo ma swoje korzenie w przeszłości, ma ponad czterysta lat. Starożytna sztuka użytkowa pojawiła się dzięki święto narodowe„Gwizdek”, kiedy cała populacja kobiet wyrzeźbiła z gliny gwizdki na ten dzień w postaci kurczaków, jagniąt i koni. Impreza trwała dwa dni.
Z biegiem czasu święto straciło na znaczeniu, a sztuka ludowa nadal się rozwijała. Obecnie produkty artystyczne Dymkowa są replikowane w stowarzyszeniu produkcyjnym Vyatka Toy. Produkty są tradycyjnie powlekane na biało i malowane na jasne, bogate kolory.
Sztuki piękne
Podstawą są z reguły produkty sztuki ludowej w swojej oryginalnej formie Postacie z bajek, wymyślone przez mieszkańców rosyjskich wsi, prezentowane są w słynnych pudełkach Palech, tacach Zhostovo i drewnianych wyrobach Khokhloma. Sztuka użytkowa Rosji jest różnorodna, każdy kierunek jest interesujący na swój sposób, produkty rosyjskich mistrzów cieszą się dużym zainteresowaniem wśród zagranicznych kolekcjonerów.
„Popyt tworzy podaż” – to sformułowanie doskonale oddaje stan rzeczy w sferze ludowego rzemiosła artystycznego w Rosji. Na przykład produkty artystyczne w stylu Gzhel są popularne na całym świecie od kilku stuleci. Słynne niebiesko-białe wazony, talerze, czajniki są pożądane w każdym domu, a szczególnie cenne okazy są ozdobą kolekcjonerów. Wciąż nie jest jasne, czym jest sztuka stosowana – dziełem, rzemiosłem czy twórczością artystyczną. Tak naprawdę każdy produkt wymaga pewnego wysiłku, aby go stworzyć, a jednocześnie konieczne jest nadanie obrazowi walorów artystycznych.
Rękodzieło artystyczne w pokoju dziecięcym
W niektórych przypadkach temat twórczości artystycznej może być adresowany do młodszego pokolenia. Szczególną wartość mają produkty wykonane rękami dzieci. Spontaniczność charakterystyczna dla chłopców i dziewcząt w wieku przedszkolnym, naiwna wyobraźnia połączona z chęcią wyrażenia najskrytszych uczuć dają początek prawdziwym arcydziełom. Sztuka użytkowa dla dzieci, reprezentowana przez rysunki, figurki z plasteliny, kartonowych ludzików, to prawdziwa twórczość artystyczna. Dziś w całej Rosji odbywają się konkursy, w których biorą udział mali „artyści” i „rzeźbiarze”.
Współczesna rosyjska sztuka użytkowa
Twórczością artystyczną są także fotografie, daggerotypy, ryciny, ryciny, grafiki i wiele innych przykładów. Produkty mogą być bardzo różne. Jednocześnie łączy je przynależność do życia społecznego i kulturalnego pod wspólną nazwą – sztuka zdobnicza i użytkowa. Dzieła z tego zakresu wyróżniają się szczególnym folklorystycznym stylem. Nie bez powodu całe rzemiosło artystyczne powstało na rosyjskim buszu, we wsiach i wioskach. Wyroby charakteryzują się rodzimą bezpretensjonalnością i całkowitym brakiem tej pretensjonalności, jaką czasami można spotkać w dziełach sztuki. Jednocześnie poziom artystyczny sztuki ludowej jest dość wysoki.
W Rosji sztuka i rzemiosło stanowią część potęgi gospodarczej kraju. Poniżej znajduje się lista głównych dziedzin rzemiosła sztuki ludowej, które zyskały uznanie na całym świecie i są eksportowane w ilościach przemysłowych.
- Miniatury lakierowane na podstawie drewnianej (Palekh, Mstera, Fedoskino).
- Malarstwo artystyczne Zhostovo na metalu, emalia Limoges, emalia.
- Khokhloma, Gorodets, Mezen malarstwo artystyczne na drewnie.
- Gżel, zabawka Filimonowska, zabawka Dymkowo - malarstwo artystyczne na ceramice.
Palech
Rzemiosło ludowe Palech pojawiło się w przestrzeni rosyjskiej na początku XX wieku. Sztuka malowania laką narodziła się w małej wiosce w obwodzie iwanowskim zwanej Palech. Rzemiosło było kontynuacją malarstwa ikonowego, którego początki sięgają czasów przedPiotrowych. Później mistrzowie Palecha brali udział w malowaniu Kremla moskiewskiego, klasztoru Nowodziewiczy i katedr Ławry Trójcy-Sergiusza.
Rewolucja 1917 r. zniosła malowanie ikon, a artyści zostali bez pracy. W 1918 r. Rzemieślnicy utworzyli artel artystyczny Palekh, w którym malowano drewniane wyroby rzemieślnicze. Następnie rzemieślnicy nauczyli się tworzyć pudełka z papieru-mache i malować je w stylu miniaturowym, stosując tradycyjne technologie malowania ikon.
W 1923 roku miniatury lakowe zostały zaprezentowane na Ogólnorosyjskiej Wystawie Rolniczo-Przemysłowej, gdzie otrzymały dyplom II stopnia. A dwa lata później pudełka Palekh zostały wystawione w Paryżu na Wystawie Światowej.
Sukces niezwykłych produktów artystycznych stał się impulsem do utworzenia organizacji „Związek Artystów Palekh” i „Warsztaty artystyczne Palekh” w ramach Funduszu Sztuki ZSRR.
Fedoskino
Słowo to kojarzy się z rosyjskim malarstwem lakowym przy użyciu rzemiosła, które pojawiło się we wsi Fedoskino pod Moskwą w drugiej połowie XVIII wieku. Wzór naniesiono na wyroby z papieru-mache, a następnie pokryto kilkoma warstwami lakieru.
Sztukę miniatur Fedoskino zapoczątkował rosyjski kupiec P.I. Korobov, który odwiedził niemieckie miasto Brunszwik i zaadoptował tam technologie tworzenia tabakier, koralików, pudełek i innych produktów ozdobionych malowniczymi obrazami.
Miniatura lakieru Fedoskino malowana jest farbami olejnymi w czterech etapach: najpierw wykonywany jest szkic rysunku („malowanie”), następnie szczegółowe studium („malowanie”), szkliwienie - pokrywanie farbami przezroczystymi, ostatni proces to podkreślanie , który przekazuje światła i cienie na obrazie.
Technika rysowania Fedoskino polega na zastosowaniu podmalowanej warstwy elementów odblaskowych: proszku metalu lub płatka złota. W niektórych przypadkach mistrz może wykonać podszewkę z masy perłowej. Transparentne farby szkliwione wraz z podszewką tworzą niepowtarzalny efekt głębokiego blasku. Kolorową warstwę podkreśla czarne tło.
Mstera
Tak nazywali Rosjanina rzemiosło ludowe, który pojawił się w połowie XVIII wieku na terenie guberni włodzimierskiej. Wszystko zaczęło się od „drobnych liter” – miniaturowych ikon z narysowanymi najdrobniejszymi szczegółami. Po rewolucji 1917 r., kiedy nie było już potrzeby malowania ikon, Mstera przestawiła się na szkatułki i pudełka wykonane z papieru-mache. Projekt powstał poprzez zmieszanie żółtek jaj. W połowie XX wieku ostatecznie ukształtowała się technologia miniatury lakieru Mstera.
Podstawowymi zasadami rysowania jest tłumaczenie ogólne zarysy z kalki na powierzchnię produktu, następuje „otwarcie” polegające na bezpośrednim nałożeniu rysunku. Kolejnym etapem jest malowanie szczegółowe. I na koniec „stopienie” – ostateczna koloryzacja z refleksami, w skład której wchodzi utworzone złoto (drobny złoty proszek). Gotowy produkt pokrywany jest sześcioma warstwami lakieru bezbarwnego z pośrednim suszeniem, a następnie polerowany.
Cechami charakterystycznymi malarstwa Mstera jest dywanowa dekoracyjność, wyrafinowana gra odcieni oraz trzy kolory stosowane w kolorystyce: żółta ochra, czerwień i srebrzysto-niebieski. Temat rysunku jest klasyczny: bajki, zabytki, architektura.
Zhostowo
Rzemiosło ludowe Zhostovo składa się z metalowych tac pomalowanych w specjalnym stylu. Sztuka Zhostovo powstała na początku XIX wieku we wsiach Trójcy Wolost w obwodzie moskiewskim. Mieszkańcy trzech wsi (Ostaszkowo, Zhostovo i Chlebnikowo) zaczęli wytwarzać malowane przedmioty z masy papierowej. A w warsztacie braci Wiszniakowów zaczęto robić tace z cyny z kolorowymi wzorami.
Cennik Wiszniakowów zawierał dwadzieścia różnych przedmiotów wykonanych z metalu i papieru-mache, wszystkie malowane, kolorowo zaprojektowane i cieszące się dużym zainteresowaniem na jarmarkach, z malowaną tacą zawsze na pierwszym planie.
Malarstwo Zhostovo to motyw kwiatowy w kilku wersjach: bukiet ogrodowy, rozłożone kwiaty, girlanda, wianek wiklinowy. Rośliny polowe tworzyły osobną kompozycję.
Bukiety na tacy wyglądają naturalnie dzięki starannej dbałości o szczegóły. Stosowana jest najbardziej nasycona paleta kolorów. Tło jest zazwyczaj czarne, krawędzie tacy ozdobione są ażurowymi wzorami, kwiatowymi lub stylizowanymi na strukturę drewna. Taca Zhostovo jest zawsze malowana ręcznie i stanowi ekskluzywne dzieło sztuki.
Khokhloma
Nazwę tę nadano rosyjskiemu rzemiosłu ludowemu, którego początki sięgają początków XVII wieku. Malowanie Khokhloma jest najbardziej złożoną i kosztowną ze wszystkich obecnie istniejących technik. Rękodzieło to długi proces twórczy obejmujący obróbkę drewna, wielowarstwowe gruntowanie i malowanie farbami olejnymi.
Proces wytwarzania produktów Khokhloma rozpoczyna się od półfabrykatów. Najpierw rzemieślnicy, czyli siekają drewniane klocki siekierą. Półfabrykaty są następnie przetwarzane na maszynach do pożądanego rozmiaru i kształtu. Obrobione przedmioty nazywane są „lnem”. Po zmieleniu pokrywa się je specjalną płynną gliną i suszy. Następnie już zagruntowane półfabrykaty powleka się kilkoma warstwami oleju lnianego z pośrednim suszeniem. Następnie następuje cynowanie, czyli wcieranie w powierzchnię proszku aluminiowego, po czym produkt uzyskuje kolor biało-lustrzany. Na tym etapie jest już gotowy do malowania.
Główne kolory Khokhloma to czarny i czerwony (sadza i cynober), kolory pomocnicze: złoty, brązowy, jasnozielony i żółty. Zastosowane pędzle są bardzo cienkie (wykonane wyłącznie z ogonów wiewiórki), ponieważ pociągnięcia wykonuje się ledwo zauważalnym dotykiem.
Tematyką obrazu są jagody jarzębiny, kalina, truskawki, małe liście, cienkie, lekko zakrzywione zielone łodygi. Wszystko jest narysowane w jasnych, intensywnych kolorach, kontury są wyraźnie określone. Obraz zbudowany jest na zasadzie kontrastu.
Gżel
To najpopularniejsze rzemiosło ludowe, tradycyjne Centrum rosyjskie produkcja ceramiki artystycznej. Zajmuje rozległy region składający się z 27 wsi, zwanych łącznie Krzakiem Gżelskim, 60 kilometrów od Moskwy.
Od niepamiętnych czasów region Gżel słynął ze złóż wysokiej jakości gliny, nadającej się na naczynia aptekarskie. W 1770 r. Ziemie volost Gżel zostały przydzielone Zakonowi Aptekarskiemu. W tym samym czasie we wsiach Gżel uruchomiono produkcję cegieł, fajek ceramicznych, kafli piecowych i zabawek dla dzieci dla Moskwy.
Naczynia wykonane z gliny Gżel były szczególnie dobre, lekkie i trwałe. Na początku XIX w. w parafii istniało 25 fabryk produkujących zastawę stołową. Bliskość Moskwy pobudziła rozwój produkcji wyrobów glinianych; na stołecznych jarmarkach sprzedawano niezliczone miski, talerze, naczynia i inne przybory kuchenne.
Zabawki Gzhel w tamtym czasie były robione z odpadów z produkcji zastawy stołowej. Nieważne, ile gliny pozostało, całą z niej rzeźbiono koguty, kurczaki, jagnięta i kozy. Początkowo warsztaty rzemieślnicze działały chaotycznie, ale wkrótce wyłonił się wyraźny kierunek produkcji. Zaczęto przygotowywać surowce specjalnie na wyroby pamiątkowe; rzemieślnicy specjalizowali się także w profilu najpopularniejszych wyrobów.
Białe błyszczące konie i figurki malowano na różne kolory, aż pojawił się kobalt, uniwersalna farba. Intensywny, jasnoniebieski kolor idealnie komponował się ze śnieżnobiałą emalią przedmiotu obrabianego. W latach 50. ubiegłego wieku artyści całkowicie porzucili wszelkie inne kolory i zaczęli stosować kolorystykę szkliwionego kobaltu. Motywy rysunku mogą być bardzo różne, na dowolny temat.
Inne rzemiosło
Oferta rosyjskiej sztuki ludowej, rzemiosła i sztuki dekoracyjnej jest niezwykle szeroka. Tutaj znajdziesz artystyczne odlewy i tłoczenia Kasli z przeplatanymi elementami. Technologie intarsji i intarsji pozwalają na tworzenie wspaniałych obrazów i paneli. Rosyjska sztuka użytkowa to rozległa warstwa kulturowa kraju, skarb społeczeństwa.
Wtorek, 15 lutego 2011 10:20 + zacytuj książkę
Artykuł powstał w oparciu (w większości) o materiały z serwisu „Country of Masters”.
Studiując niedawno odkrytą stronę internetową „Country of Masters” i nie przestając być zaskoczonym i podziwianym różnorodnością technik sztuki użytkowej oraz talentem naszych ludzi, postanowiłem usystematyzować te techniki.
Lista będzie aktualizowana w miarę odkrycia nowych technik.
*Techniki związane z wykorzystaniem papieru:
1. Składanie tęczówki („składanie tęczy”) to technika składania papieru. Pojawił się w Holandii. Technika ta wymaga uwagi i dokładności, ale jednocześnie pozwala w łatwy sposób wykonać efektowne kartki lub ozdobić strony zapadającego w pamięć albumu (scrapbooking) ciekawymi elementami dekoracyjnymi.
Przykłady: http://stranamasterov.ru/taxonomy/term/776
2. Plastyka papierowa pod względem kreatywności jest bardzo podobna do rzeźby. Ale w papierowym plastiku wszystkie produkty w środku są puste, wszystkie produkty są skorupami przedstawionego obiektu. A w rzeźbie albo zwiększa się objętość dodatkowymi elementami, albo nadmiar usuwa się (odcina).
Przykłady: http://stranamasterov.ru/taxonomy/term/462
3. Rury faliste – tak nazywa się technika wykonywania wyrobów, w których do ozdabiania powierzchni lub do tworzenia figury wolumetryczne użyj rurek z tektury falistej. Tuby faliste uzyskuje się poprzez nawinięcie paska papieru na patyczek, ołówek lub igłę dziewiarską, a następnie jego sprasowanie. Skompresowana rura falista dobrze trzyma swój kształt i ma wiele opcji projektowania i użytkowania.
Przykłady: http://stranamasterov.ru/taxonomy/term/1492
4. Quilling (od angielskiego quilling - od słowa quil „ptasie pióro”) - sztuka zwijania papieru. Powstał w średniowieczna Europa, gdzie zakonnice tworzyły medaliony, przekręcając paski papieru o złoconych krawędziach na czubek ptasiego pióra, tworząc imitację złotej miniatury.
Przykłady: http://stranamasterov.ru/taxonomy/term/587
http://stranamasterov.ru/node/1364
4. Origami (japoński: „składany papier”) to starożytna sztuka składania papierowych figurek. Sztuka origami ma swoje korzenie w starożytnych Chinach, gdzie odkryto papier.
Przykłady: http://stranamasterov.ru/taxonomy/term/560
Typy:
- Kirigami to rodzaj origami, który pozwala na użycie nożyczek i cięcia papieru w procesie tworzenia modelu. Na tym polega główna różnica pomiędzy kirigami a innymi technikami składania papieru, co podkreśla nazwa: kiru – cięcie, kami – papier.
Pop-up to cały kierunek w sztuce. Technika ta łączy elementy technik.
- Kirigami i Cięcie i pozwala na tworzenie trójwymiarowych projektów i kart złożonych w płaską figurę.
Przykłady: http://stranamasterov.ru/taxonomy/term/1723
- Kusudama (dosłownie „kula lekarska”) to papierowy model, który zwykle (ale nie zawsze) formuje się poprzez zszycie ze sobą końców wielu identycznych modułów piramidalnych (zwykle stylizowanych kwiatów złożonych z kwadratowej kartki papieru), tak aby korpus był formy kuliste. Alternatywnie poszczególne elementy można skleić ze sobą (np. kusudama na dolnym zdjęciu jest w całości sklejona, a nie zszyta). Czasem jako ozdobę na dole doczepiany jest chwost.
Sztuka kusudamy wywodzi się ze starożytnej japońskiej tradycji, gdzie kusudama była używana do produkcji kadzidła i mieszanki suszonych płatków; być może były to pierwsze prawdziwe bukiety kwiatów lub ziół. Samo słowo jest połączeniem dwóch Japońskie słowa kusuri (lekarstwo) i tama (piłka). Obecnie kusudamy są zwykle używane do dekoracji lub prezentów.
Kusudama jest ważną częścią origami, szczególnie jako prekursor origami modułowego. Często jest mylone z origami modułowym, co jest błędne, ponieważ elementy tworzące kusudamę są zszyte lub sklejone, a nie zagnieżdżone jeden w drugim, jak sugeruje origami modułowe.
Przykłady: http://stranamasterov.ru/taxonomy/term/850
- Origami z kółek - składanie origami z papierowego koła. Zwykle złożone elementy są następnie sklejane w aplikację.
Przykłady: http://stranamasterov.ru/taxonomy/term/1636
- Origami modułowe - tworzenie trójwymiarowych figur z trójkątnych modułów origami - zostało wynalezione w Chinach. Cała figura zbudowana jest z wielu identycznych części (modułów). Każdy moduł składany jest według zasad klasycznego origami z jednej kartki papieru, a następnie moduły są łączone poprzez wsuwanie ich w siebie. Występująca w tym przypadku siła tarcia zapobiega rozpadowi konstrukcji.
Przykłady: http://stranamasterov.ru/taxonomy/term/15
5. Papier-mache (fr. papier-mache „przeżuty papier”) - łatwo formowalna masa otrzymywana z mieszaniny materiałów włóknistych (papieru, tektury) z klejami, skrobią, gipsem itp. Tynki produkowane są z papier-mache , maski, pomoce dydaktyczne, zabawki, rekwizyty teatralne, pudełka. W niektórych przypadkach nawet meble.
W Fedoskino, Palekh, Kholui papier-mâché służy jako podstawa tradycyjnych miniatur lakierowych.
Możesz ozdobić blankiet z papieru-mache nie tylko farbami, malując jak znani artyści, ale także stosując decoupage lub asamblaż.
Przykłady: http://stranamasterov.ru/taxonomy/term/561
7. Tłoczenie (inna nazwa to „tłoczenie”) - mechaniczne wytłaczanie polegające na tworzeniu obrazów na papierze, tekturze, materiale polimerowym lub plastiku, folii, na pergaminie (technika nazywa się „pergaminem”, patrz poniżej), a także na skórze lub kora brzozy, w której na samym materiale uzyskuje się reliefowy obraz wypukłego lub wklęsłego stempla, z ogrzewaniem lub bez, czasami z dodatkowe zastosowanie folia i farba. Tłoczenie wykonujemy głównie na okładkach introligatorskich, pocztówkach, zaproszeniach, etykietach, opakowaniach miękkich itp.
O tego rodzaju pracy może decydować wiele czynników: siła, tekstura i grubość materiału, kierunek jego cięcia, układ i inne czynniki.
Przykłady: http://stranamasterov.ru/taxonomy/term/1626
Typy:
- Pergamin - papier pergaminowy (gruba kalka woskowana) poddawany jest obróbce za pomocą narzędzia do wytłaczania i podczas obróbki staje się wypukły i zmienia kolor na biały. Dzięki tej technice powstają ciekawe pocztówki, można ją również wykorzystać do zaprojektowania strony albumu.
Przykłady: http://stranamasterov.ru/taxonomy/term/1705
- Teksturowanie - nakładanie obrazu za pomocą kliszy na gładki materiał, najczęściej papier metalizowany, w celu imitowania tłoczenia folią. Stosowany również do imitowania skóry niektórych ras (na przykład banał z wzorem imitującym skórę krokodyla itp.)
*Techniki związane z tkaniem:
Tkactwa człowiek nauczył się dużo wcześniej niż ceramiki. Początkowo tkał domy z długich, giętkich gałęzi (dachy, płoty, meble), wszelkiego rodzaju koszy na różne potrzeby (kołyski, skrzynki, wózki, czerpaki, koszyki) i butów. Mężczyzna nauczył się zaplatać włosy.
Wraz z rozwojem tego rodzaju robótek ręcznych pojawiało się coraz więcej różnych materiałów do zastosowania. Okazało się, że można tkać ze wszystkiego, co się spotka: z winorośli i trzciny, z lin i nici, ze skóry i kory brzozowej, z drutu i koralików, z gazet.... Techniki tkackie takie jak tkanie wikliny, tkanie z brzozy pojawiła się kora i trzciny, frywolitki, tkanie makram tkanych, tkanie klocków, tkanie koralików, ganutel, tkanie sznurka kumihimo, tkanie kolczug, tkanie siatków, tkanie mandali indyjskich, ich imitacje (tkanie z pasków papieru i opakowań po cukierkach, tkanie z gazet i papierów wartościowych). czasopisma)...
Jak się okazało, ten rodzaj robótek ręcznych jest nadal popularny, ponieważ za jego pomocą można utkać wiele pięknych i przydatnych rzeczy, dekorując nimi nasz dom.
Przykłady: http://stranamasterov.ru/taxonomy/term/302
1. Koraliki, podobnie jak same koraliki, mają wielowiekową historię. Starożytni Egipcjanie jako pierwsi nauczyli się wplatać koraliki w naszyjniki i bransoletki oraz zakrywać damskie sukienki siatkami z koralików. Prawdziwy rozkwit produkcji koralików rozpoczął się jednak dopiero w XIX wieku. Od dawna Wenecjanie pilnie strzegli tajemnic tworzenia szklanego cudu. Mistrzowie i rzemieślnicy ozdabiali koralikami ubrania i buty, portfele i torebki, etui na wachlarze i etui na okulary, a także inne eleganckie rzeczy.
Wraz z pojawieniem się koralików w Ameryce rdzenni mieszkańcy zaczęli ich używać zamiast tradycyjnych indyjskich materiałów. Do paska rytualnego, kołyski, opaski na głowę, koszyka, siatki na włosy, kolczyków, tabakierek...
Na Dalekiej Północy futra, wysokie futrzane buty, czapki, uprzęże reniferów, skórzane okulary przeciwsłoneczne zdobiono haftem koralikowym...
Nasze prababcie wykazywały się dużą pomysłowością. Wśród ogromnej różnorodności eleganckich bibelotów znajdują się niesamowite przedmioty. Pędzle i osłony kredowe, etui na wykałaczki (!), kałamarze, wykałaczki i ołówki, obroża dla ulubionego psa, uchwyt na kubek, obroże koronkowe, pisanki, szachownice i wiele, wiele, wiele więcej.
Przykłady: http://stranamasterov.ru/taxonomy/term/1355
2. Ganutel – ekskluzywne rękodzieło maltańskie. To w klasztorach Morza Śródziemnego nadal zachowała się ta technika tworzenia pięknych kwiatów do dekoracji ołtarza.
Ganuteli używa cienkiego spiralnego drutu i jedwabnych nici do owijania części, a także koralików, pereł lub koralików nasiennych. Wspaniałe kwiaty okazują się pełne wdzięku i lekkie.
W XVI w. drut spiralny wykonany ze złota lub srebra nazywano po włosku „canutiglia”, a po hiszpańsku „canutillo”, słowo to prawdopodobnie przekształcono na „gimp”.
Przykłady: http://stranamasterov.ru/taxonomy/term/1170
3. Makrama (z języka arabskiego - warkocz, frędzle, koronka lub z języka tureckiego - szalik lub serwetka z frędzlami) - technika tkania węzłów.
Technika tkania tego węzła znana jest od czasów starożytnych. Według niektórych źródeł makrama przybyła do Europy w VIII-IX wieku ze Wschodu. Technika ta była znana w starożytnym Egipcie, Asyrii, Iranie, Peru, Chinach i starożytnej Grecji.
Przykłady: http://stranamasterov.ru/taxonomy/term/750
4. Tkanie koronek ze szpulkami. W Rosji łowiska Wołogdy, Eletskiego, Kirowa, Belewskiego i Michajłowskiego są nadal znane.
Przykłady: http://stranamasterov.ru/taxonomy/term/1687
5. Frywolitka to tkana koronka z węzłem. Nazywa się ją również koronką wahadłową, ponieważ ta koronka jest tkana przy użyciu specjalnego czółenka.
Przykłady: http://stranamasterov.ru/taxonomy/term/1728
*Techniki związane z malarstwem, różne rodzaje malarstwa i tworzenia obrazu:
Rysunek to gatunek w sztukach wizualnych i odpowiadająca mu technika, która tworzy obraz wizualny (obraz) na dowolnej powierzchni lub przedmiocie za pomocą środków graficznych, rysując elementy (w przeciwieństwie do elementów obrazowych), głównie z linii i pociągnięć.
Na przykład: rysunek węglem, rysunek ołówkiem, rysunek tuszem i piórem...
Malarstwo to rodzaj sztuki plastycznej związanej z przekazywaniem obrazów wizualnych poprzez nakładanie farb na solidne lub elastyczne podłoże; tworzenie obrazu za pomocą technologie cyfrowe; a także dzieła sztuki wykonane w ten sposób.
Najczęściej spotykane dzieła malarskie to te wykonane na płaskich lub prawie płaskich powierzchniach, takich jak płótno naciągnięte na blejtramie, drewno, karton, papier, impregnowane powierzchnie ścian itp. Do malarstwa zalicza się także obrazy wykonane farbami na naczyniach ozdobnych i ceremonialnych, tzw. których powierzchnie mogą mieć złożony kształt.
Przykłady: http://stranamasterov.ru/taxonomy/term/1218
1. Batik - tkanina malowana ręcznie przy użyciu mieszanek rezerwowych.
Technika batikowa polega na tym, że parafina, klej kauczukowy, a także niektóre inne żywice i lakiery nałożone na tkaniny (jedwab, bawełna, wełna, tworzywa sztuczne) nie przepuszczają farby - lub, jak mówią artyści , „rezerwa” z kolorowania oddzielne obszary tekstylia.
Istnieje kilka rodzajów batiku - gorący, zimny, wiązany, malowanie swobodne, malowanie swobodne roztworem soli, shibori.
Batik – batik to indonezyjskie słowo. W tłumaczeniu z indonezyjskiego słowo „ba” oznacza tkaninę bawełnianą, a „-tik” oznacza „kropkę” lub „kroplę”. Ambatik - rysować, zakrywać kroplami, wykluwać się.
Malarstwo batikowe jest od dawna znane wśród ludów Indonezji, Indii itp. W Europie - od XX wieku.
Przykłady: http://stranamasterov.ru/taxonomy/term/916
2. Witraże (łac. Vitrum - szkło) to jeden z rodzajów sztuki dekoracyjnej. Głównym materiałem jest szkło lub inny przezroczysty materiał. Historia witraży rozpoczyna się w czasach starożytnych. Początkowo szkło wstawiano do okna lub drzwi, następnie pojawiły się pierwsze obrazy mozaikowe i samodzielne kompozycje dekoracyjne, panele wykonane z kolorowych kawałków szkła lub malowane specjalnymi farbami na zwykłym szkle.
Przykłady: http://stranamasterov.ru/taxonomy/term/886
3. Przedmuchanie – technika polegająca na przedmuchaniu farby przez rurkę (na kartkę papieru). Ta starożytna technika była tradycyjna dla twórców starożytnych obrazów (stosowano rurki kostne).
Nowoczesne słomki do soków nie są gorsze w użyciu. Pomagają wydmuchać rozpoznawalne, nietypowe, a czasem fantastyczne projekty z niewielkiej ilości płynnej farby na kartkę papieru.
4. Gilosz - technika ręcznego wypalania ażurowego wzoru na tkaninie urządzenie do spalania został opracowany i opatentowany przez Zinaidę Petrovną Kotenkovę.
Gilosz wymaga starannej pracy. Trzeba to zrobić w jednym schemat kolorów i odpowiadają stylistyce zdobniczej danej kompozycji.
Serwetki, panele z aplikacjami, zakładki, chusteczki, kołnierzyki - to wszystko i wiele więcej, cokolwiek podpowie Twoja wyobraźnia, ozdobi każdy dom!
Przykłady: http://stranamasterov.ru/taxonomy/term/1342
5. Grattage (od francuskiej tarki - skrobanie, drapanie) - technika drapania.
Rysunek podkreśla się poprzez zarysowanie długopisem lub ostrym narzędziem po papierze lub kartonie wypełnionym tuszem (aby zapobiec rozmazaniu się, należy dodać odrobinę detergentu lub szamponu, wystarczy kilka kropli).
Przykłady: http://stranamasterov.ru/taxonomy/term/686
6. Mozaika to jedna z najstarszych sztuk. To sposób na budowanie obrazu z małych elementów. Bardzo ważny jest montaż mozaiki rozwój umysłowy dziecko.
Mogą być wykonane z różnych materiałów: kapsli do butelek, koralików, guzików, kawałków plastiku, drewnianych kawałków gałązek lub zapałek, kawałków magnetycznych, szkła, kawałków ceramiki, małych kamyczków, muszelek, mozaiki termicznej, mozaiki tetris, monet, kawałków tkaniny lub papieru , zboża, zboża, nasiona klonu, makarony, dowolne naturalny materiał(łuski szyszek, igieł sosnowych, nasion arbuza i melona), wióry ołówkowe, ptasie pióra itp.
Przykłady: http://stranamasterov.ru/taxonomy/term/438
7. Monotypia (od greckich monos – jeden, zjednoczony i tupos – odcisk) – jedna z najprostszych technik graficznych.
Na gładkiej szklanej powierzchni lub grubym błyszczącym papierze (nie powinien przepuszczać wody) rysunek wykonuje się farbą lub farbami gwaszowymi. Arkusz papieru kładzie się na wierzchu i dociska do powierzchni. Powstały wydruk jest lustrzanym odbiciem.
Przykłady: http://stranamasterov.ru/taxonomy/term/663
8. Grafika nici (izowątek, obraz nici, projekt nici) - obraz graficzny wykonany w specjalny sposób za pomocą nici na tekturze lub innym solidnym podłożu. Grafiki nitkowe nazywane są czasem izografikami lub haftami na tekturze. Jako bazę możesz także użyć aksamitu (papieru aksamitnego) lub grubego papieru. Nici mogą być zwykłe do szycia, wełniane, nici dentystyczne lub inne. Możesz także użyć kolorowych nici jedwabnych.
Przykłady: http://stranamasterov.ru/taxonomy/term/452
9. Ozdoba (łac. ornamentum - dekoracja) - wzór oparty na powtarzaniu i naprzemienności jego elementów składowych; przeznaczony do ozdabiania różnych przedmiotów (przyborów, narzędzi i broni, tekstyliów, mebli, książek itp.), obiektów architektonicznych (zarówno na zewnątrz, jak i we wnętrzu), dzieł sztuk plastycznych (głównie stosowanych), wśród ludów prymitywnych także samego ciała ludzkiego (koloryzacja, tatuaż). Powiązany z powierzchnią, którą zdobi i organizuje wizualnie, ozdoba z reguły odsłania lub akcentuje architekturę przedmiotu, na którym jest nałożona. Ozdoba albo operuje abstrakcyjnymi formami, albo stylizuje rzeczywiste motywy, często schematyzując je nie do poznania.
Przykłady: http://stranamasterov.ru/taxonomy/term/1222
10. Wydrukuj.
Typy:
- Drukowanie gąbką. Nadaje się do tego zarówno gąbka morska, jak i zwykła przeznaczona do mycia naczyń.
Przykłady: http://stranamasterov.ru/taxonomy/term/1094
Drewno jest zwykle używane jako materiał wyjściowy do stemplowania za pomocą stempla kliszowego, aby wygodnie było go trzymać w dłoni. Jedna strona jest płaska, ponieważ Przykleja się do niego karton, a na karton przykleja się wzory. Można je (wzory) wykonać z papieru, sznurka, starej gumki, warzyw korzeniowych...
- Pieczęć (stemplowanie). Drewno jest zwykle używane jako materiał wyjściowy do stemplowania za pomocą stempla kliszowego, aby wygodnie było go trzymać w dłoni. Jedna strona jest płaska, ponieważ Przykleja się do niego karton, a na karton przykleja się wzory. Można je (wzory) wykonać z papieru, liny, starej gumki, warzyw korzeniowych itp.
Przykłady: http://stranamasterov.ru/taxonomy/term/1068
11. Puentylizm (francuski pointillizm, dosłownie „wskazywać”) to styl pisania w malarstwie, w którym używa się czystych farb, które nie mieszają się na palecie, nakładanych małymi pociągnięciami o kształcie prostokątnym lub okrągłym, licząc na ich optyczne wymieszanie się w oczach widza okiem, w przeciwieństwie do mieszania farb na palecie. Optyczne mieszanie trzech kolorów podstawowych (czerwony, niebieski, żółty) i par kolorów dodatkowych (czerwony - zielony, niebieski - pomarańczowy, żółty - fioletowy) daje znacznie większą jasność niż mechaniczne mieszanie pigmentów. Mieszanie kolorów w celu uzyskania odcieni etap postrzegania obrazu przez widza z dużej odległości lub w zmniejszonym widoku.
Założycielem stylu był Georges Seurat.
Inną nazwą pointylizmu jest dywizjonizm (od łacińskiego divisio – dzielenie, miażdżenie).
Przykłady: http://stranamasterov.ru/taxonomy/term/700
12. Rysowanie dłońmi. Małym dzieciom trudno jest posługiwać się pędzlem. Jest to bardzo ekscytujące zajęcie, które zapewni dziecku nowe doznania i rozwinie się umiejętności motoryczne ręce, da Ci możliwość odkrycia nowego, magicznego świata twórczości artystycznej - to rysowanie dłońmi. Rysując dłońmi mali artyści rozwijają swoją wyobraźnię i abstrakcyjne myślenie.
Przykłady: http://stranamasterov.ru/taxonomy/term/1315
13. Rysunek z odciskami liści. Po zebraniu różnych opadłych liści posmaruj każdy liść gwaszem od strony żyły. Papier, na którym zamierzasz wykonać nadruk, może być kolorowy lub biały. Dociśnij kolorową stronę kartki do kartki papieru i ostrożnie ją wyjmij, chwytając za „ogon” (ogonek). Proces ten można powtarzać wielokrotnie. A teraz, po ukończeniu szczegółów, masz już motyla lecącego nad kwiatem.
Przykłady: http://stranamasterov.ru/taxonomy/term/667
14. Malarstwo. Jeden z najstarszych rodzajów rzemiosła ludowego, który od kilku stuleci stanowi integralną część życia codziennego i pierwotnej kultury ludu. W rosyjskiej sztuce ludowej istnieje wiele odmian tego rodzaju sztuki dekoracyjnej i użytkowej.
Oto niektóre z nich:
- Malarstwo Zhostovo to starożytne rosyjskie rzemiosło ludowe, które powstało na początku XIX wieku we wsi Zhostovo, rejon Mytishchi, obwód moskiewski. Jest to jeden z najbardziej znanych rodzajów rosyjskiego malarstwa ludowego. Tace Zhostovo są malowane ręcznie. Zwykle bukiety kwiatów są przedstawiane na czarnym tle.
- Malarstwo Gorodets to rosyjskie rzemiosło sztuki ludowej. Istnieje od połowy XIX wieku. w rejonie Gorodca. Jasne, lakoniczne malarstwo Gorodca (sceny rodzajowe, figurki koni, kogutów, wzory kwiatowe), wykonane dowolną kreską z biało-czarnym konturem graficznym, zdobione wirujące koła, meble, okiennice i drzwi.
- Malarstwo Khokhloma to starożytne rosyjskie rzemiosło ludowe, które narodziło się w XVII wieku w rejonie Niżnego Nowogrodu.
Khokhloma to dekoracyjne malowanie drewnianych przyborów i mebli, wykonane w kolorze czarnym i czerwonym (a czasami także zielonym) na złotym tle. Podczas malowania na drewno nakłada się proszek srebrno-cynowy. Następnie produkt powleka się specjalną kompozycją i poddaje trzy lub czterokrotnej obróbce w piekarniku, co pozwala uzyskać niepowtarzalny miodowo-złoty kolor, nadając przyborom z jasnego drewna masywny efekt. Tradycyjnymi elementami Khokhloma są czerwona soczysta jarzębina i truskawki, kwiaty i gałęzie. Często można spotkać ptaki, ryby i zwierzęta.
Przykłady: http://stranamasterov.ru/taxonomy/term/301
15. Enkaustyka (od starożytnej greki „sztuka palenia”) to technika malarska, w której wosk jest spoiwem farby. Malowanie odbywa się za pomocą roztopionych farb (stąd nazwa). Odmianą malarstwa enkaustycznego jest tempera woskowa, charakteryzująca się jasnością i bogactwem barw. Tą techniką namalowano wiele ikon wczesnochrześcijańskich.
Przykłady: http://stranamasterov.ru/taxonomy/term/1485
*Techniki związane z szyciem, haftem i wykorzystaniem tkanin:
Szycie to potoczna forma czasownika „szyć”, tj. coś, co jest szyte lub zszyte.
Przykłady: http://stranamasterov.ru/taxonomy/term/1136
2. Patchwork, pikowanie, pikowanie czy patchwork to sztuka ludowa i rzemiosło artystyczne posiadająca wielowiekowe tradycje i cechy stylistyczne. To technika polegająca na łączeniu kawałków kolorowych tkanin lub dzianin o geometrycznych kształtach w koc, bluzkę czy torbę.
Przykłady: http://stranamasterov.ru/taxonomy/term/1347
Typy:
- Karczoch to rodzaj patchworku, który ma swoją nazwę ze względu na podobieństwo do owoców karczocha. Ta technika ma inne nazwy - „zęby”, „rogi”, „łuski”, „pióra”.
Ogólnie rzecz biorąc, w tej technice wszystko sprowadza się do złożenia wyciętych części i przyszycia ich do podstawy w określonej kolejności. Lub za pomocą papieru utwórz (wklej) różne panele o okrągłym (lub wielopłaszczyznowym) kształcie na płaszczyźnie lub w objętości.
Możesz szyć na dwa sposoby: skieruj krawędź wykrojów na środek głównej części lub na jej krawędzie. Dzieje się tak, jeśli szyjesz płaski produkt. Do produktów o charakterze wolumetrycznym – końcówką skierowaną w stronę węższej części. Złożone części niekoniecznie są wycinane w kształcie kwadratów. Mogą to być prostokąty lub koła. W każdym razie spotykamy się ze składaniem wyciętych wykrojów, dlatego można argumentować, że te techniki patchworku należą do rodziny patchworkowego origami, a ponieważ tworzą objętość, a zatem do techniki „3d”.
Przykład: http://stranamasterov.ru/node/137446?tid=1419
- Szalona kołdra. Niedawno natknąłem się na taki typ. Moim zdaniem jest to metoda wieloetapowa.
Konkluzja jest taka, że produkt powstaje z połączenia różnych technik: patchworku + haftu + malowania itp.
Przykład:
3. Tsumami Kanzashi. Technika Tsumami opiera się na origami. Tylko że składają nie papier, ale kwadraty z naturalnego jedwabiu. Słowo „Tsumami” oznacza „szczypać”: artysta bierze kawałek złożonego jedwabiu za pomocą pęsety lub pęsety. Następnie płatki przyszłych kwiatów przykleja się do podstawy.
Spinka do włosów (kanzashi), ozdobiona jedwabnym kwiatem, dała nazwę zupełnie nowemu rodzajowi sztuki dekoracyjnej i użytkowej. W tej technice wykonywano ozdoby na grzebienie i pojedyncze patyczki, a także na skomplikowane konstrukcje składające się z różnorodnych akcesoriów.
Przykłady: http://stranamasterov.ru/taxonomy/term/1724
* Techniki związane z dziewiarstwem:
Co to jest dziewiarstwo? Jest to proces wytwarzania wyrobów z nitek ciągłych poprzez zaginanie ich w pętelki i łączenie pętelek ze sobą za pomocą prostych narzędzi ręcznych (szydełko, druty).
Przykłady: http://stranamasterov.ru/taxonomy/term/729
1. Robienie na drutach na widelcu. Ciekawy sposób szydełkowania za pomocą specjalnego urządzenia - widelca zakrzywionego w kształcie litery U. Efektem są lekkie, zwiewne wzory.
2. Szydełko (tambur) – proces ręcznego wykonania tkaniny lub koronki z nitek za pomocą szydełka. tworząc nie tylko gęste, reliefowe wzory, ale także cienkie, ażurowe, przypominające koronkową tkaninę. Wzory dziewiarskie składają się z różnych kombinacji pętelek i ściegów. Prawidłowy stosunek jest taki, że grubość haczyka powinna być prawie dwukrotnie większa od grubości nici.
Przykłady: http://stranamasterov.ru/taxonomy/term/858
3. Proste (europejskie) dzianie pozwala łączyć kilka rodzajów pętelek, tworząc proste i złożone ażurowe wzory.
Przykłady: http://stranamasterov.ru/taxonomy/term/1157
4. Tunezyjski długi szydełko (do stworzenia wzoru można użyć zarówno jednej, jak i kilku pętli jednocześnie).
5. Dzianie żakardowe - wzory są dziane na drutach z nici w kilku kolorach.
6. Dzianie lędźwiowe – imituje haft lędźwiowo-gipiurowy na specjalnej siateczce.
7. Szydełko gipiurowe (koronka irlandzka lub brukselska).
2. Piłowanie. Jednym z rodzajów jest cięcie wyrzynarką. Ozdabiając swój dom i dom ręcznie robionymi produktami czy wygodnymi w codziennym życiu zabawkami dla dzieci, doświadczasz radości z wyglądu i przyjemności z procesu ich tworzenia.
Przykłady: http://stranamasterov.ru/taxonomy/term/1418
3. Rzeźbienie jest rodzajem sztuki dekoracyjnej i użytkowej. Jest to jeden z rodzajów artystycznej obróbki drewna obok piłowania i toczenia.
Przykłady: http://stranamasterov.ru/taxonomy/term/1113
* Inne techniki samowystarczalne:
1. Aplikacja (od łacińskiego „załącznik”) to sposób pracy z kolorowymi kawałkami różnych materiałów: papieru, tkaniny, skóry, futra, filcu, kolorowych koralików, koralików, nici wełniane, tłoczone blachy, wszelkiego rodzaju materiały (aksamit, satyna, jedwab), suszone liście... Takie wykorzystanie różnorodnych materiałów i struktur w celu zwiększenia możliwości wyrazowych jest bardzo bliskie innemu sposobowi reprezentacji - kolażowi.
Przykłady: http://stranamasterov.ru/taxonomy/term/364
Istnieją również:
- Aplikacja z plasteliny - plastelina - nowy rodzaj sztuki dekoracyjnej i użytkowej. Przedstawia tworzenie sztukaterii przedstawiających mniej lub bardziej wypukłe, półobjętościowe obiekty na poziomej powierzchni. Jest to w istocie rzadko spotykany, bardzo ekspresyjny rodzaj malarstwa.
Przykłady: http://stranamasterov.ru/taxonomy/term/1243
- Aplikacja z „dłoni”. Przykłady: http://stranamasterov.ru/taxonomy/term/612
- Aplikacja łamana to jeden z rodzajów technik aplikacji wielopłaszczyznowych. Wszystko jest proste i dostępne, jak układanie mozaiki. Podstawą jest kartka tektury, materiałem jest podarta na kawałki kartka kolorowego papieru (kilka kolorów), narzędziem jest klej i dłonie. Przykłady: http://stranamasterov.ru/taxonomy/term/1346
2. Assemblaż (assemblaż francuski) - technika plastyczna związana z kolażem, ale wykorzystująca trójwymiarowe części lub całe obiekty, aplikacyjnie ułożone na płaszczyźnie niczym obraz. Pozwala na artystyczne dodatki farbami, a także metalem, drewnem, tkaniną i innymi konstrukcjami. Czasami stosowana do innych dzieł, od fotomontażu po kompozycje przestrzenne, gdyż terminologia najnowszej sztuki wizualnej nie jest do końca ustalona.
Przykłady: http://stranamasterov.ru/taxonomy/term/1412
3. Tunel papierowy. Oryginalna angielska nazwa tej techniki to książka tunelowa, co można przetłumaczyć jako tunel książkowy lub papierowy. Istotę tej techniki widać wyraźnie po angielskiej nazwie tunel – tunel – otwór przelotowy. Wielowarstwowy charakter ułożonych w całość „książek” dobrze oddaje wrażenie tunelu. Pojawi się trójwymiarowa pocztówka. Nawiasem mówiąc, ta technika z powodzeniem łączy się różne typy technik takich jak scrapbooking, aplikacja, wycinanie, tworzenie makiet i obszernych książek. Przypomina to trochę origami, ponieważ... ma na celu złożenie papieru w określony sposób.
Pierwszy papierowy tunel powstał w połowie XVIII wieku. i był ucieleśnieniem scen teatralnych.
Tradycyjnie tunele papierowe powstają na pamiątkę jakiegoś wydarzenia lub są sprzedawane turystom jako pamiątki.
Przykłady: http://stranamasterov.ru/taxonomy/term/1411
4. Cięcie to bardzo szerokie pojęcie.
Przykłady: http://stranamasterov.ru/taxonomy/term/701
Są wycinane z papieru, piankowego plastiku, piankowej gumy, kory brzozowej, plastikowych butelek, mydła, sklejki (choć nazywa się to już piłowaniem), owoców i warzyw, a także innych różnych materiałów. Używane są różne narzędzia: nożyczki, noże do krojenia chleba, skalpel. Wycinali maski, czapki, zabawki, pocztówki, panele, kwiaty, figurki i wiele innych.
Typy:
- Cięcie sylwetki to technika cięcia, w której obiekty o asymetrycznej strukturze, o zakrzywionych konturach (ryby, ptaki, zwierzęta itp.), o skomplikowanych zarysach postaci i płynnych przejściach z jednej części do drugiej, wycinane są na oko. Sylwetki są łatwo rozpoznawalne i wyraziste, powinny być pozbawione drobnych szczegółów i jakby w ruchu. Przykłady: http://stranamasterov.ru/taxonomy/term/1416
- Cięcie jest symetryczne. Przy cięciu symetrycznym powtarzamy kontury obrazu, który musi dokładnie pasować do płaszczyzny złożonej na pół kartki papieru, konsekwentnie komplikując kontur figury, aby poprawnie oddać cechy zewnętrzne obiektów w stylizowanej formie aplikacje.
Przykłady: http://stranamasterov.ru/taxonomy/term/466
- Vytynanka - sztuka wycinania wzorów ażurowych z kolorowych, białych lub czarny papier istnieje od czasu wynalezienia papieru w Chinach. I ten rodzaj cięcia stał się znany jako jianzhi. Sztuka ta rozprzestrzeniła się na cały świat: Chiny, Japonia, Wietnam, Meksyk, Dania, Finlandia, Niemcy, Ukraina, Litwa i wiele innych krajów.
Przykłady: http://stranamasterov.ru/taxonomy/term/563
- Rzeźba (patrz poniżej).
5. Decoupage (od francuskiego decoupage - rzeczownik „to, co jest wycinane”) to technika zdobienia, aplikacji, zdobienia za pomocą wyciętych motywów z papieru. Chłopi chińscy w XII wieku. Zaczęto w ten sposób ozdabiać meble. I oprócz wycinania obrazków z cienkiego kolorowego papieru, zaczęto pokrywać je werniksem, żeby wyglądało jak obraz! Tak więc wraz z pięknymi meblami sprzęt ten trafił także do Europy.
Obecnie najpopularniejszym materiałem do decoupage są serwetki trójwarstwowe. Stąd inna nazwa - „technika serwetkowa”. Zastosowanie może być absolutnie nieograniczone - naczynia, książki, pudełka, świece, naczynia, instrumenty muzyczne, doniczki, butelki, meble, buty, a nawet ubrania! Każda powierzchnia - skóra, drewno, metal, ceramika, karton, tekstylia, gips - musi być gładka i lekka, bo... wzór wycięty z serwetki powinien być wyraźnie widoczny.
Przykłady: http://stranamasterov.ru/taxonomy/term/722
6. Rzeźbienie (od angielskiego carvу - ciąć, rzeźbić, grawerować, kroić; rzeźba - rzeźba, rzeźbiona praca, rzeźbiony ornament, rzeźbiona figura) w gotowaniu jest najprostszą formą rzeźby lub grawerowania na powierzchni produktów z warzyw i owoców, takie krótkotrwałe dekoracje stołu.
Przykłady: http://stranamasterov.ru/taxonomy/term/1339
7. Kolaż - gatunek twórczy, gdy dzieło powstaje z wyciętych różnorodnych obrazów naklejonych na papier, płótno lub cyfrowo. Pochodzi od ks. papier collée - papier klejony. Bardzo szybko zaczęto używać tego pojęcia w szerszym znaczeniu – mieszaniny różnych elementów, jasnego i wyrazistego przekazu ze skrawków innych tekstów, fragmentów zebranych na jednej płaszczyźnie.
Kolaż można wykonać dowolnymi innymi środkami - tuszem, akwarelą itp.
Przykłady: http://stranamasterov.ru/taxonomy/term/324
8. Konstruktor (od łacińskiego konstruktora „budowniczy”) to termin wielowartościowy. Dla naszego profilu jest to zestaw współpracujących części. to znaczy części lub elementy jakiegoś przyszłego układu, o których autor zebrał informacje, przeanalizował je i wcielił w piękny, artystycznie wykonany produkt.
Projektanci różnią się rodzajem materiału - metalem, drewnem, plastikiem, a nawet papierem (na przykład papierowe moduły origami). Łącząc różne rodzaje elementów powstają ciekawe projekty do gier i zabawy.
Przykłady: http://stranamasterov.ru/taxonomy/term/984
9. Modelowanie - nadawanie kształtu tworzywu plastycznemu (plastelina, glina, plastik, masa solna, kula śnieżna, piasek itp.) za pomocą rąk i narzędzi pomocniczych. Jest to jedna z podstawowych technik rzeźbiarskich, która ma na celu opanowanie podstawowych zasad tej techniki.
Przykłady: http://stranamasterov.ru/taxonomy/term/670
10. Układ to kopia obiektu ze zmianą wielkości (zwykle zmniejszoną), wykonaną z zachowaniem proporcji. Układ musi także oddawać główne cechy obiektu.
Do stworzenia tego wyjątkowego dzieła można wykorzystać różne materiały, wszystko zależy od jego przeznaczenia funkcjonalnego (układ wystawy, prezent, prezentacja itp.). Może to być papier, tektura, sklejka, klocki drewniane, elementy gipsowe i gliniane, drut.
Przykłady: http://stranamasterov.ru/taxonomy/term/1397
Typ układu - model - to układ roboczy, który oddaje (imituje) wszelkie istotne cechy oryginału. Ponadto uwaga skupiona jest na określonych aspektach modelowanego obiektu lub w równym stopniu na jego szczegółach. Model przeznaczony jest np. do wizualnego nauczania matematyki, fizyki, chemii i innych przedmiotów szkolnych, dla klubu morskiego lub lotniczego. Do modelowania wykorzystuje się różnorodne materiały: balony, masę lekką i plastyczną, wosk, glinę, gips, papier-mache, masę solną, papier, piankę, gumę piankową, zapałki, nici dziewiarskie, tkaniny...
Modelowanie to stworzenie modelu rzetelnie zbliżonego do oryginału.
„Modele” to obowiązujące układy. Oraz modele, które nie działają, tj. „nić” – zwykle nazywana układem.
Przykłady: http://stranamasterov.ru/taxonomy/term/1353
11. Produkcja mydła. Jako surowce do otrzymania głównego składnika mydła można zastosować tłuszcze zwierzęce i roślinne oraz ich substytuty (syntetyczne kwasy tłuszczowe, kalafonię, kwasy naftenowe, olej talowy).
Przykłady: http://stranamasterov.ru/taxonomy/term/1631
12. Rzeźba (łac. sculptura, od sculpo – wycinam, rzeźbię) – rzeźba plastyczna – rodzaj sztuki plastycznej, której dzieła mają formę trójwymiarową i są wykonane z materiałów twardych lub plastycznych (metal, kamień, glina , drewno, gips, lód, śnieg, piasek, pianka gumowa, mydło). Metody przetwarzania - modelowanie, rzeźbienie, odlewanie, kucie, tłoczenie, rzeźbienie itp.
Przykłady: http://stranamasterov.ru/taxonomy/term/1399
13. Tkactwo – produkcja tkanin i tekstyliów z przędzy.
Przykłady: http://stranamasterov.ru/taxonomy/term/1318
14. Filcowanie (lub filcowanie lub filcowanie) – filcowanie wełny. Jest „mokro” i „sucho”.
Przykłady: http://stranamasterov.ru/taxonomy/term/736
15. Tłoczenie płaskie to jeden z rodzajów sztuki zdobniczej i użytkowej, w wyniku wybicia na płycie pewnego ozdobnego reliefu, rysunku, napisu lub okrągłego obrazu figuralnego, czasem zbliżonego do grawerowania, powstaje nowe dzieło sztuki .
Obróbka materiału odbywa się za pomocą pręta - młotka, który stoi pionowo, którego górny koniec uderza młotkiem. Stopniowo pojawia się przesuwanie monety nowa forma. Materiał musi mieć pewną plastyczność i zdolność do zmiany pod wpływem siły.
Przykłady:
Cytowano
Podobało mi się: 30 użytkowników
Sztuka dekoracyjna i użytkowa, sekcja sztuki; obejmuje szereg branż kreatywnych, które zajmują się tworzeniem produktów artystycznych przeznaczonych przede wszystkim do użytku codziennego. Jego dziełami mogą być: rozmaite naczynia, meble, tkaniny, narzędzia, pojazdy, a także odzież i wszelkiego rodzaju biżuteria. Wraz z podziałem dzieł sztuki dekoracyjnej i użytkowej według ich praktycznego przeznaczenia w literaturze naukowej 2. połowy XIX wieku. ustalono klasyfikację gałęzi przemysłu według materiału (metal, ceramika, tekstylia, drewno) lub techniki (rzeźba, malarstwo, haft, materiały drukowane, odlewanie, tłoczenie, intarsja itp.). Ta klasyfikacja jest należna ważną rolę zasady konstrukcyjne i technologiczne w sztuce dekoracyjnej i użytkowej oraz ich bezpośredni związek z produkcją. Rozwiązywanie łącznie, podobnie jak architektura, problemów praktycznych i artystycznych, sztuki dekoracyjnej i użytkowej należy jednocześnie do sfer tworzenia wartości zarówno materialnych, jak i duchowych. Dzieła tego typu sztuki są nierozerwalnie związane z kulturą materialną ich współczesnej epoki i są ściśle związane z odpowiadającym jej życiem codziennym, z takimi czy innymi lokalnymi cechami etnicznymi i narodowymi oraz różnicami grup społecznych. Stanowiące organiczną część obiektywnego środowiska, z którym człowiek styka się na co dzień, dzieła sztuki dekoracyjnej i użytkowej wraz z ich walorami estetycznymi, strukturę figuratywną, charakter stale wpływają na stan psychiczny człowieka, jego nastrój i są ważnym źródłem emocji, które wpływają na jego stosunek do otaczającego go świata.
Estetycznie nasycając otoczenie człowieka, dzieła tego gatunku zdają się być nim jednocześnie wchłonięte, gdyż są zwykle postrzegane w powiązaniu z jego projektem architektonicznym i przestrzennym, z innymi elementami wchodzącymi w jego skład lub ich zespołami (serwis, komplet mebli, garnitur, komplet biżuterii). Dlatego też treść ideową dzieł sztuki zdobniczej i użytkowej można najpełniej zrozumieć jedynie dzięki jasnemu wyobrażeniu (rzeczywistemu lub odtworzonemu mentalnie) o owych relacjach przedmiotu z otoczeniem i z człowiekiem.
Architektonika obiektu, zdeterminowana jego przeznaczeniem, możliwościami projektowymi i właściwościami plastycznymi materiału, często odgrywa zasadniczą rolę w kompozycji dzieła artystycznego. Często w sztuce dekoracyjnej i użytkowej piękno materiału, relacje proporcjonalne części, rytmiczna struktura służy jako jedyny sposób ucieleśnienia emocjonalnej i figuratywnej zawartości produktu (na przykład produkty szklane pozbawione dekoracji lub innych niezabarwionych materiałów). Wyraźnie widać tu szczególne znaczenie dla sztuki dekoracyjnej i użytkowej czysto emocjonalnych, niefiguratywnych środków języka artystycznego, których użycie upodabnia ją do architektury. Emocjonalny i wymowny obraz często aktywuje obraz skojarzeniowy (porównanie kształtu produktu z kroplą, kwiatem, postacią ludzką, zwierzęciem, jego poszczególnymi elementami, z jakimś innym produktem – dzwonkiem, tralką itp.). ). Dekor pojawiający się na produkcie znacząco wpływa także na jego strukturę figuratywną. Często to właśnie dzięki swojemu wystrojowi przedmiot gospodarstwa domowego staje się dziełem sztuki. Posiadający własną ekspresję emocjonalną, własny rytm i proporcje (często kontrastujące w stosunku do formy, jak na przykład w wyrobach mistrzów Khokhloma, gdzie skromny, prosty kształt misy i eleganckie, odświętne malowanie powierzchni różnią się emocjonalnym wydźwiękiem), wystrój wizualnie modyfikuje kształt, a jednocześnie łączy się z nim w jeden artystyczny obraz.
Do tworzenia dekoracji powszechnie stosuje się ozdoby i elementy (osobno lub w różnych kombinacjach) sztuk pięknych (rzeźba, malarstwo i rzadziej grafika). Środki sztuk plastycznych i zdobniczych służą nie tylko do tworzenia dekoracji, ale czasami wnikają w kształt przedmiotu (elementy mebli w postaci palmet, wolut, zwierzęcych łap, głów; naczynia w postaci kwiatu, owocu, figury ptak, zwierzę, człowiek). Czasami podstawą projektu produktu staje się ozdoba lub obraz (wzór kratki, koronki, wzór tkaniny, dywan). Konieczność harmonizacji wystroju z formą, obrazu ze skalą i charakterem produktu, z jego praktycznym i artystycznym przeznaczeniem, prowadzi do transformacji motywów wizualnych, do konwencji interpretacji i porównywania elementów natury (np. połączenie w projekcie nogi stołu motywów łapy lwa, skrzydeł orła i głowy łabędzia).
Syntetyczny charakter sztuki dekoracyjnej i użytkowej przejawia się w jedności funkcji artystycznych i użytkowych produktu, we przenikaniu się formy i wystroju, zasad delikatnych i tektonicznych. Jego prace są zaprojektowane tak, aby można je było odbierać zarówno wzrokiem, jak i dotykiem. Dlatego ujawnienie piękna faktury i właściwości plastycznych materiału, umiejętność i różnorodność technik jego obróbki nabierają znaczenia szczególnie aktywnych środków oddziaływania estetycznego w sztuce dekoracyjnej i użytkowej.
Malarstwo
Malarstwo, forma sztuki pięknej, dzieła sztuki, które powstają przy użyciu farb nakładanych na dowolną twardą powierzchnię. Malarstwo, podobnie jak inne formy sztuki, spełnia zadania ideowe i poznawcze, a także jest sferą tworzenia tematyki. walory estetyczne, będąc jedną z wysoko rozwiniętych form pracy ludzkiej.
Malarstwo odzwierciedla i ocenia treść duchową epoki i jej rozwój społeczny w świetle określonych koncepcji. Silnie oddziałując na uczucia i myśli widzów, zmuszając ich do doświadczenia rzeczywistości przedstawionej przez artystę, stanowi skuteczny środek edukacji publicznej. Wiele dzieł malarstwa ma wartość dokumentacyjną i informacyjną.
Ocena życia artysty wyrażona w jego twórczości, dzięki klarowności obrazu, nabiera dla widza szczególnej przekonywującej siły. Tworząc obrazy artystyczne, malarstwo wykorzystuje kolor i design, ekspresję pociągnięć, co zapewnia elastyczność jego języka, pozwalając mu odtworzyć na płaszczyźnie barwne bogactwo świata, objętość przedmiotów, ich jakościową oryginalność i materialną cielesność, głębia przedstawianej przestrzeni, z kompletnością niedostępną dla innych rodzajów sztuk pięknych, środowiskiem świetlno-powietrznym. Malarstwo nie tylko bezpośrednio i wyraźnie ucieleśnia wszystkie widzialne zjawiska realnego świata (w tym natury w jej różnych stanach), ale pokazuje szerokie obrazyżyciu człowieka, ale także stara się odsłonić i zinterpretować istotę procesów zachodzących w życiu i wewnętrznym świecie człowieka.
Dostępny ten gatunek sztuce szerokość i kompletność pokrycia prawdziwej rzeczywistości znajduje również odzwierciedlenie w bogactwie nieodłącznych jej gatunków (historycznych, codziennych, bitewnych, zwierzęcych itp.).
Celowo, ze względu na charakter wykonania i obrazów, wyróżniają: malarstwo monumentalne i dekoracyjne (malowidła ścienne, abażury, panele), uczestniczące w organizacji przestrzeni architektonicznej, tworzące bogate ideologicznie środowisko dla ludzi; sztalugi (obrazy) o charakterze bardziej intymnym, zwykle nie kojarzącym się z konkretnym miejscem; scenografia (szkice scenografii i kostiumów teatralnych i filmowych); malowanie ikon; miniatura (ilustracje rękopisów, portretów itp.).
Ze względu na charakter substancji wiążących pigment (barwnik), zgodnie z technologiami utrwalania pigmentu na podłożu, malarstwo olejne, malowanie farbami wodnymi na tynku – na mokro (fresk) i na sucho (a secco), tempera, malowanie klejem, malowanie woskiem, emalia, malowanie wyróżnia się farby ceramiczne (spoiwa - szkło topliwe, topniki, szkliwa - utrwalane poprzez wypalanie na ceramice), farby silikatowe (spoiwo - szkło rozpuszczalne) itp. Bezpośrednio z nimi związane są mozaiki i witraże, które rozwiązują te same problemy, co malarstwo monumentalne, sztuki piękne - zadania dekoracyjne. Dla wydajności obrazy Używa się również akwareli, gwaszu, pasteli i tuszu.
Główny środek wyrazu malarstwa – kolor – swoją ekspresją i zdolnością do wywoływania różnorodnych skojarzeń zmysłowych, wzmaga emocjonalność obrazu, wyznacza szerokie możliwości wizualne i dekoracyjne tego rodzaju sztuki. W pracach tworzy integralny system (kolor). Zwykle stosuje się taką lub inną serię powiązanych ze sobą kolorów i ich odcieni (gama barwna), chociaż zdarza się również malowanie w odcieniach tego samego koloru (monochromatyczne). Kompozycja kolorystyczna (system rozmieszczenia i relacji plam barwnych) zapewnia pewną jedność kolorystyczną dzieła, wpływa na przebieg jego odbioru przez widza, będąc częścią specyficznej dla dzieła jego struktury artystycznej. Inny wyrazisty środek malarski – rysunek (linia i światłocień) – rytmicznie i kompozycyjnie wraz z kolorem porządkuje obraz; Linia oddziela od siebie bryły, często stanowi podstawę konstrukcyjną formy obrazowej, pozwala w sposób uogólniony lub szczegółowy odtworzyć zarysy obiektów oraz zidentyfikować ich najmniejsze elementy.
Architektura
Architektura (łac. Architectura, od greckiego architéкtón – budowniczy), architektura, system budynków i budowli tworzących przestrzenne środowisko życia i działalności ludzi, a także sama sztuka tworzenia tych budynków i budowli zgodnie z prawami państwa uroda. Architektura jest niezbędną częścią środków produkcji i materialnych środków egzystencji społeczeństwa ludzkiego. Jej obrazy artystyczne odgrywają znaczącą rolę w życiu duchowym społeczeństwa. Funkcjonalne, konstrukcyjne i estetyczne walory architektury (użyteczność, siła, piękno) są ze sobą powiązane.
Dziełami architektury są budynki o zorganizowanej przestrzeni wewnętrznej, zespoły budynków, a także konstrukcje służące do dekoracji przestrzeni otwartych (pomniki, tarasy, nasypy itp.).
Przedmiotem celowej organizacji jest przestrzeń zaludnionego obszaru jako całość. Tworzenie miast, miasteczek i regulacja całego układu osadniczego stała się obszarem szczególnym, nierozerwalnie związanym z architekturą – urbanistyką.
Najważniejszym środkiem rozwiązywania praktycznych funkcji oraz problemów ideowo-artystycznych architektury jest sprzęt budowlany. Określa możliwość i ekonomiczną wykonalność realizacji określonych układów przestrzennych. Właściwości estetyczne dzieł architektonicznych w dużej mierze zależą od rozwiązania projektowego. Budynek musi nie tylko być, ale także wyglądać na trwały. Nadmiar materiału sprawia wrażenie nadmiernej ciężkości; widoczna (pozorna) niedostatek materiału wiąże się z niestabilnością, zawodnością i wywołuje negatywne emocje. W toku rozwoju technologii budowlanej nowe zasady kompozycji architektonicznej, odpowiadające właściwościom nowych materiałów i konstrukcji, mogą stać w sprzeczności z tradycyjnymi poglądami estetycznymi. Jednak w miarę rozpowszechniania się i dalszego doskonalenia projektu, definiowane w nim formy nie tylko przestają być postrzegane jako niezwykłe, ale także zamieniają się w masowej świadomości w źródło oddziaływania emocjonalnego i estetycznego.
Jakościowe zmiany w technologii budownictwa, powstawanie nowych konstrukcji i materiałów znacząco wpłynęły na współczesną architekturę. Szczególne znaczenie ma na celu zastąpienie rzemieślniczych metod budownictwa przemysłowymi, związanymi z procesy ogólne rozwój produkcji, związany z koniecznością zwiększenia tempa budownictwa masowego i wymagający wprowadzenia standaryzacji, ujednoliconych projektów i części.
Podstawowe narzędzia do tworzenia obraz artystyczny w architekturze - kształtowanie przestrzeni i architektonika. Podczas tworzenia kompozycji wolumetryczno-przestrzennej (m.in organizacja wewnętrzna struktury) stosowane są zasady symetrii lub asymetrii, niuanse lub kontrasty przy porównywaniu elementów, ich różne relacje rytmiczne itp. W architekturze szczególne znaczenie ma proporcjonalność części i całości względem siebie (układ proporcji) oraz proporcjonalność konstrukcji i jej poszczególnych form do człowieka (skala). Liczebnie środki artystyczne architektura to także faktura i kolor, których różnorodność osiąga się poprzez różne metody obróbki powierzchni budynku. Holistyczny system artystyczny i wyrazisty form dzieł architektury, spełniający wymagania funkcjonalne i konstrukcyjne, nazywany jest kompozycją architektoniczną.
Zrównoważona społeczność cechy charakterystyczne Formę artystyczną architektury oraz jej program ideowy i treściowy kształtuje jej styl. Najważniejsze cechy stylu przejawiają się w systemie organizacji funkcjonalno-przestrzennej budynków, w ich architekturze, proporcjach, plastyczności i wystroju.
Rzeźba
Rzeźba (łac. sculptura, od sculpo - rzeźbić, wycinać), rzeźba plastyczna (gr. plastike, od plasso - rzeźbić), forma sztuki oparta na zasadzie trójwymiarowego, fizycznie trójwymiarowego obrazu przedmiotu. Z reguły przedmiotem obrazu w rzeźbie jest osoba, rzadziej zwierzęta (gatunek zwierzęcy), a jeszcze rzadziej przyroda (pejzaż) i rzeczy (martwa natura). Umiejscowienie figury w przestrzeni, transmisja jej ruchu, postawy, gestu, modelowanie światła i cienia wzmacniające relief formy, architektoniczna organizacja bryły, wizualny efekt jej masy, stosunki wagowe, dobór proporcji , specyficzny w każdym przypadku charakter sylwetki są głównymi środkami wyrazu tego typu sztuki. Wolumetryczna forma rzeźbiarska budowana jest w rzeczywistej przestrzeni zgodnie z prawami harmonii, rytmu, równowagi, interakcji z otaczającym środowiskiem architektonicznym lub naturalnym oraz w oparciu o cechy anatomiczne (strukturalne) konkretnego modelu obserwowane w przyrodzie.
Istnieją dwa główne typy rzeźb: rzeźba okrągła, swobodnie umieszczona w przestrzeni, oraz płaskorzeźba, w której obraz znajduje się na płaszczyźnie stanowiącej jej tło. Do dzieł tej pierwszej, wymagających zwykle widoku 360 stopni, zalicza się: posąg (postać pełnometrażowa), grupę (dwie lub więcej postaci tworzących jedną całość), figurkę (figura znacznie mniejsza od życia -rozmiar), tułów (obraz ludzkiego tułowia), popiersie (obraz klatki piersiowej osoby) itp.
Ze względu na treść i funkcje rzeźbę dzieli się na monumentalno-dekoracyjną, sztalugową i tzw. rzeźba małych form. Chociaż odmiany te rozwijają się w ścisłej interakcji, każda z nich ma swoje własne cechy. Monumentalno-dekoracyjna: rzeźba przeznaczona jest dla konkretnego środowiska architektonicznego, przestrzennego lub naturalnego. Ma ona wyraźny charakter publiczny, skierowana jest do mas widzów, a lokowana jest przede wszystkim w miejscach publicznych – na ulicach i placach miasta, w parkach, na elewacjach i we wnętrzach budynków użyteczności publicznej. Rzeźba monumentalna i dekoracyjna ma na celu konkretyzację obrazu architektonicznego i uzupełnienie wyrazistości form architektonicznych nowymi odcieniami. Zdolność rzeźby monumentalnej i dekoracyjnej do rozwiązywania dużych problemów ideologicznych i figuratywnych szczególnie kompletnie ujawnia się w dziełach zwanych monumentalnymi, do których zaliczają się zwykle pomniki miejskie, pomniki i budowle pamięci. Majestat form i trwałość materiału łączą się w nich z wzniesieniem struktury figuratywnej i szerokością uogólnień. Rzeźba sztalugowa, która nie jest bezpośrednio związana z architekturą, ma charakter bardziej intymny. Hale wystawowe, muzea, wnętrza mieszkalne, gdzie można je obejrzeć z bliska i ze wszystkimi szczegółami, to jego typowe otoczenie. Determinuje to cechy plastycznego języka rzeźby, jej wymiary i ulubione gatunki (portret, gatunek codzienny, akt, gatunek zwierzęcy). Rzeźbę sztalugową, w większym stopniu niż rzeźbę monumentalną i dekoracyjną, charakteryzuje zainteresowanie wewnętrznym światem człowieka, subtelny psychologizm i narracja. Rzeźba małych form obejmuje szeroką gamę dzieł przeznaczonych przede wszystkim do wnętrz mieszkalnych i pod wieloma względami jest ściśle powiązana ze sztuką zdobniczą i użytkową.
Cel i treść dzieła rzeźbiarskiego determinuje charakter jego struktury plastycznej, a to z kolei wpływa na wybór materiału rzeźbiarskiego. Technika rzeźby w dużej mierze zależy od cech naturalnych i sposobów ich obróbki. Do modelowania używa się miękkich substancji (glina, wosk, plastelina itp.); w tym przypadku najczęściej używanymi narzędziami są krążki i stosy drutu. Substancje stałe (różne rodzaje kamienia, drewna itp.) przetwarza się poprzez siekanie (rzeźbienie) lub rzeźbienie, usuwanie zbędnych części materiału i stopniowe uwalnianie ukrytej w nim formy objętościowej; Do obróbki bloku kamiennego stosuje się młotek (młotek) i zestaw narzędzi metalowych; do obróbki drewna stosuje się głównie dłuta kształtowe i wiertła. Do odlewania rzeźb przy użyciu specjalnie wykonanych form wykorzystuje się substancje przechodzące ze stanu ciekłego w stan stały (różne metale, gips, beton, tworzywa sztuczne itp.).
Teatr
Teatr (od greckiego théatron – miejsce spektaklu, spektakl), rodzaj sztuki. Teatr jest formą świadomości społecznej, jest nierozerwalnie związany z życiem ludzi, ich narodową historią i kulturą. Teatr osiąga zazwyczaj rozwój artystyczny wtedy, gdy przepojony zaawansowanymi ideami epoki, walczy o ideały humanistyczne, głęboko i zgodnie z prawdą odsłania złożoność wewnętrznego świata człowieka i jego dążeń.
Artystyczne odbicie życia, afirmacja pewnych idei, światopoglądów i ideologii dokonuje się w teatrze poprzez akcję dramatyczną wykonywaną przez aktorów przed publicznością. Walka bohaterów, ujawnianie konfliktów społecznych i psychologicznych, które wpływają na losy ludzi, ich relacje leżą w centrum spektaklu i spektaklu. Specyfika teatru wymaga emocjonalnej i duchowej jedności sceny i publiczności, obecności wspólnych zainteresowań twórców spektaklu i publiczności. Teatr odgrywa ważną rolę w edukacji estetycznej, moralnej i politycznej. W tym celu dysponuje bogatymi środkami artystycznego uogólnienia, wyrazistości i oddziaływania na masową publiczność.
Podstawą spektaklu teatralnego jest dramat. Teatr przenosi dzieło literackie w obszar akcji scenicznej i specyficznej obrazowości teatralnej; Postacie i konflikty dramatu ucieleśniają żywe twarze i działania. Słowo „mowa” jest najważniejszym środkiem, w jaki dramat wyposaża teatr. W teatrze słowo także podlega prawom akcji dramatycznej. W niektórych przypadkach zamienia mowę w środek codziennej charakterystyki postaci, w innych poprzez werbalną tkankę roli odsłania złożone konflikty świadomości i psychologii bohatera. Mowa na scenie może mieć formę długiej wypowiedzi (monolog), mieć charakter rozmowy z partnerem (dialog), być skierowana do widza, przypominać odbicie bohatera, jego „monolog wewnętrzny” itp.
Teatr jest sztuką zbiorową. Spektakl to dzieło charakteryzujące się artystyczną jednością i harmonią wszystkich elementów. Powstaje pod kierunkiem reżysera i zgodnie z jego planem, dzięki wspólnemu wysiłkowi aktorów, scenografa, kompozytora, choreografa i wielu innych. Spektakl opiera się na reżyserskiej interpretacji spektaklu, jego gatunku i decyzji stylistycznej. Akcja spektaklu jest zorganizowana w czasie (tempo, rytm, wzloty i upadki). stres emocjonalny) i w przestrzeni (zagospodarowanie przestrzeni scenicznej, zasady jej wykorzystania, mise-en-scène, scenografia, ruch itp.).
Głównym nośnikiem akcji teatralnej jest aktor, którego twórczość ucieleśnia istotę teatru: umiejętność porywania publiczności sztuką. spektakl życia przepływający bezpośrednio przed ich oczami, twórczy proces jego ucieleśnienia. Wizerunek aktora tworzony jest na podstawie spektaklu i jego interpretacji przez reżysera spektaklu. Ale nawet w systemie ściśle zorganizowanego spektaklu aktor pozostaje niezależnym artystą, który tylko dzięki nim może za pomocą dostępnych środków odtworzyć na scenie żywy obraz człowieka, oddać złożoność i bogactwo ludzkiej psychologii. Praca nad sobą i nad rolą na próbie to, jak uważał K. S. Stanisławski, dwa nierozerwalnie powiązane aspekty działania aktora.
Często aktor tworzy na scenie obraz odmienny od jego własnego, zmieniający się zewnętrznie i wewnętrznie w różnych rolach. Wcielając się w wygląd i charakter postaci, performer posługuje się środkami plastycznej i rytmicznej ekspresji, sztuką mowy, mimiką i gestem. Historia teatru światowego zna aktorów, którzy posiadali wirtuozerską umiejętność zewnętrznej transformacji.
W teatrze muzycznym akcja ucieleśnia się za pomocą dramaturgii muzycznej, która opiera się na ogólnych prawach dramatu - obecności wyraźnie wyrażonego konfliktu centralnego, ujawniającego się w walce przeciwstawnych sił, pewnej sekwencji etapów ujawniania się dramaty. plan. W każdym z rodzajów sztuki muzycznej i scenicznej te ogólne wzorce znajdują specyficzne załamanie, zgodnie ze swoją naturą wyraziste środki: w operze akcja rozgrywająca się na scenie wyrażana jest muzyką, czyli śpiewem pismo, a także brzmienie orkiestry; w balecie rolę podobną do śpiewu w operze pełni taniec i pantomima. Jednocześnie w obu przypadkach muzyka jest głównym środkiem uogólniającym, spajającym wszystkie elementy dramatu. W operetce, która jest rodzajem opery z dialogiem mówionym, wielka wartość zaśpiewajcie wiersz i zatańczcie. W gatunku muzycznym wykorzystywane są ekspresyjne środki sztuk dramatycznych, operowych i choreograficznych, muzyki pop i codziennej.
Muzyka
Muzyka (od greckiego musike, dosłownie – sztuka muz), rodzaj sztuki, która odzwierciedla rzeczywistość i oddziałuje na człowieka poprzez znaczące i specjalnie zorganizowane sekwencje dźwiękowe, składające się głównie z tonów. Muzyka jest specyficznym rodzajem dźwiękowej aktywności człowieka. Łączy się z innymi odmianami (mową, sygnalizacją dźwiękowo-instrumentalną itp.) poprzez zdolność do wyrażania myśli, emocji i procesów wolicjonalnych człowieka w formie słyszalnej i służy jako środek komunikacji między ludźmi i kontroli ich zachowania. Jednocześnie różni się znacznie od wszystkich innych rodzajów ludzkiej aktywności dźwiękowej. Zachowując pewne pozory dźwięków prawdziwego życia, dźwięk muzyczny zasadniczo różni się od nich ścisłą wysokością tonu i organizacją czasową (rytmiczną). Dźwięki te są częścią historycznie ustalonych systemów, których podstawą są tony. W każdym utworze dźwięki tworzą swój własny system powiązań pionowych i ciągów poziomych – swoją formę.
W treści muzycznej dominującą rolę odgrywają stany i procesy emocjonalne (oraz dążenia wolicjonalne). Ich czołowe miejsce w treści muzycznej jest z góry zdeterminowany brzmieniem (intonacją) i tymczasowym charakterem muzyki, co pozwala jej z jednej strony opierać się na wielowiekowym doświadczeniu ludzi, zewnętrznie identyfikując swoje emocje i przekazując je przede wszystkim innym członkom społeczeństwa, a także głównie poprzez dźwięki, a z drugiej strony adekwatne wyrażenie doświadczenia emocjonalnego jako ruchu, procesu ze wszystkimi jego zmianami i odcieniami, dynamicznymi wzlotami i upadkami, wzajemnymi przejściami emocji i ich zderzeniami.
Spośród różnych rodzajów emocji muzyka ucieleśnia przede wszystkim nastroje. Emocjonalne aspekty intelektualnych i wolicjonalnych cech jednostki (oraz odpowiadające im procesy) są również szeroko reprezentowane w treści muzycznej. Pozwala to temu rodzajowi sztuki ukazać nie tylko stany psychiczne ludzi, ale także ich charaktery. W najbardziej konkretnym (choć nie przełożonym na słowa), bardzo subtelnym i „zaraźliwym” wyrażaniu emocji muzyka nie ma sobie równych. Na tym opiera się powszechna definicja go jako „języka duszy” (A. N. Serow).
Dążąc do szerszego ujęcia świata idei filozoficznych i społecznych, kompozytorzy często wykraczają poza tzw. muzykę czystą (instrumentalną nieprogramową), zwracając się do słowa jako nośnika określonych treści pojęciowych (wokalna i programowa muzyka instrumentalna zob. program muzyczny), a także do akcji scenicznej. Dzięki syntezie ze słowami, czynami itp. powstają nowe typy obrazów muzycznych, które są trwale kojarzone świadomość społeczna z pojęciami i ideami wyrażanymi przez inne składniki syntezy, a następnie przechodzą w „czyste” M. jako nośniki tych samych pojęć i idei. Do wyrażania myśli kompozytorzy posługują się także symbolami dźwiękowymi (wyłonionymi w praktyce społecznej melodiami lub melodiami istniejącymi w określonym środowisku społecznym, które stały się „muzycznymi emblematami” określonych koncepcji) lub tworzą własne, nowe „znaki muzyczne” (np. motywy przewodnie). W rezultacie treść M. obejmuje ogromną i stale wzbogacaną gamę pomysłów.
W muzyce dostępne są różne typy treści: epickie, dramatyczne, liryczne. Jednocześnie jednak teksty piosenek ze względu na swój niefiguratywny charakter są jej najbliższe.
Materialnym ucieleśnieniem treści muzyki, sposobem jej istnienia jest forma muzyczna - ten system dźwięków muzycznych, w którym realizują się emocje, myśli i idee figuratywne kompozytora. Nawet osobno, dźwięki muzyczne mają już podstawowe możliwości ekspresji. Każdy z nich jest w stanie wywołać fizjologiczne uczucie przyjemności lub niezadowolenia, podniecenia lub spokoju, napięcia lub odprężenia, a także odczucia synestetyczne (ciężar lub lekkość, ciepło lub zimno, ciemność lub światło itp.) oraz proste skojarzenia przestrzenne.
W każdym utworze muzycznym z poszczególne elementy kształtują się jego formy w procesie ich unifikacji i podporządkowania ogólna struktura, składający się z kilku prywatnych struktur. Do tych ostatnich zaliczają się struktury: melodyczna, rytmiczna, modowo-harmoniczna, teksturowana, barwowa, dynamiczna itp. Szczególne znaczenie ma struktura tematyczna, której elementy są motywy muzyczne(wraz z różnymi rodzajami i etapami ich zmiany i rozwoju). W większości style muzyczne To właśnie tematy są materialnymi nośnikami obrazów muzycznych.
Muzyka ma swoją strukturę. Tak więc w rozwiniętej kulturze muzycznej kreatywność reprezentowana jest przez wiele odmian, które można różnicować według różnych cech. 1) Według rodzaju treści: liryczne, epickie, dramatyczne, a także bohaterskie, tragiczne, humorystyczne itp.; w innym aspekcie - muzyka poważna i muzyka lekka. 2) Poprzez wykonanie celu: wokalnego i instrumentalnego; w innym aspekcie - solo, zespołowo, orkiestrowo, chóralnie, mieszanie (z możliwością dalszego doprecyzowania kompozycji: na przykład na orkiestrę symfoniczną, na orkiestrę kameralną, na jazz itp.). 3) Przez syntezę z innymi rodzajami sztuki oraz ze słowem: muzyka teatralna, muzyka taneczna, program instrumentalny, melodramat (czytanie do muzyki), wokal ze słowem. Muzyka poza syntezą – wokalizy (śpiew bez słów) i „czysty” instrumentalny (bez programu). Z kolei pierwsza dzieli się na rozrywkę i koncert, druga na mszę i rytuał. Każdą z czterech powstałych odmian (grup gatunkowych) można dalej różnicować.
Sztuka filmowa
Kinematografia, rodzaj sztuki, którego dzieła powstają poprzez filmowanie rzeczywistych, specjalnie inscenizowanych lub odtworzonych wydarzeń rzeczywistości za pomocą animacji.
W sztuce filmowej właściwości estetyczne literatury, sztuk teatralnych, wizualnych i muzyki syntezowane są w oparciu o właściwe tylko jej środki wyrazu, z których głównymi są fotograficzny charakter obrazu, który pozwala odtworzyć dowolny obraz rzeczywistości z najwyższą niezawodnością i montażem. Mobilność kamery filmowej i różnorodność optyki stosowanej w filmowaniu pozwalają ukazać w kadrze ogromne przestrzenie i duże masy ludzi (plan ogólny), małe grupy ludzi w ich relacjach (plan średni), portret ludzki lub osobny szczegół (zbliżenie). Dzięki temu w kadrze można wyeksponować najważniejsze, istotne estetycznie aspekty przedstawianego obiektu. Połączenie klatek w montażu stanowi wyraz myśli autora, tworzy ciągłość w rozwoju akcji, porządkuje wizualną narrację i pozwala poprzez porównanie odrębnych części. Plany interpretacji akcji metaforycznie kształtują rytm filmu.
Tworzenie dzieła sztuki filmowej to z reguły złożony proces twórczy i produkcyjny, w którym łączą się prace artystów różnych specjalności: dramatopisarza filmowego (autora scenariusza); reżyser, który ustala interpretację i realizację koncepcji oraz kieruje pracą pozostałych uczestników przedstawienia; aktorzy wcielający się w postacie; operator charakteryzujący akcję poprzez interpretację kompozycyjną, świetlną i kolorystyczną kadrów; artysta odnajdujący wizualne cechy środowiska akcji i kostiumów bohaterów (oraz w animacji cechy zewnętrzne pismo); kompozytor itp.
W trakcie rozwoju kinematografii ukształtowały się 4 główne typy kinematografii: kinematografia fabularna (fabularna), która ucieleśnia dzieła dramatu filmowego lub adaptowane dzieła prozatorskie, dramatyczne i poetyckie za pomocą twórczości wykonawczej; kinematografii dokumentalnej, tj specjalny rodzaj dziennikarstwo figuratywne, oparte przede wszystkim na bezpośrednim zapisie rzeczywistości na filmie; kinematografia animowana, „animowanie” postaci graficznych lub lalkowych; kinematografii popularnonaukowej, wykorzystującej środki tych 3 typów do popularyzacji wiedzy naukowej.
Kino fabularne ma dostęp do możliwości eposu, liryzmu i dramatu, jednak w filmach o charakterze narracyjnym zawsze pojawiają się cechy przybliżające je do dramatu, zwłaszcza konfliktu dramatycznego. Kino dokumentalne ma w sobie pełnię możliwości publicystycznych gatunków literatury i publicystyki. Łączy w sobie zarówno twórczość figuratywnego dziennikarstwa filmowego, jak i filmów informacyjnych (reportaż filmowy). Obrazy animacji graficznej i trójwymiarowej powstają poprzez filmowanie stacjonarnych kolejnych faz ruchu rysowanych lub marionetkowych postaci. Szczególną uwagę poświęca tworzeniu filmów dla dzieci. Kino popularnonaukowe wprowadza widza w życie natury i społeczeństwa, odkrycia naukowe i wynalazki, odtwarza przebieg poszukiwań twórczych naukowców i artystów, w czytelny sposób ukazuje procesy fizykochemiczne i biologiczne. Aby rozwiązać te problemy, posługuje się zarówno środkami czysto dydaktycznymi, jak i artystyczno-figuratywnymi, w zależności od tematu i celu filmu.
Gatunki filmowe, które na wczesnych etapach rozwoju kina były stosunkowo wyraźnie od siebie odgraniczone (melodramat, film przygodowy, komiks itp.), ulegają zmianom i mają tendencję do łączenia, przenikania, a nawet rozpadu. Innowacyjne aspiracje twórców filmowych determinują połączenie w jednym dziele cech charakterystycznych dla prozy, dramatu i tekstu.
Dekoracja ludowa w naszym kraju jest częścią organiczną kultura ludowa. Poetyckie obrazy i emocje w nim zawarte są drogie i zrozumiałe dla wszystkich ludzi. Zaszczepia poczucie piękna, pomaga tworzyć harmonię rozwinięta osobowość. Oparte na wieloletnim działaniu tradycje artystyczne sztuka dekoracyjna ma pozytywny wpływ na edukację człowieka przyszłości. Dzieła tworzone przez mistrzów z ludu są odzwierciedleniem miłości do ojczyzny, umiejętności zobaczenia i zrozumienia piękna otaczającego ich świata.
Główne rodzaje sztuki zdobniczej
Przez wiele stuleci produkcja domowa w rodzinach chłopskich, a począwszy od XVIII-XIX w. rzemiosło, zaopatrywała miasta i wsie w różnorodne naczynia wykonane z gliny, drewna i metalu, drukowane tkaniny, zabawki ceramiczne i drewniane, dywany itp. Słynie ze swojej jasności i pogody w drewnie, glinianych figurkach i gwizdkach z Dymkowa, Łukutyński malował lakierowane pudełka. Każdy z tych przedmiotów jest dziełem ludowej sztuki zdobniczej. Drewniane złoto - malarstwo Khokhloma - cieszy się dużym zainteresowaniem w Rosji i za granicą.
Oryginalne rzemiosło istniało na Dalekim Wschodzie, na północy Rosji, na Syberii i na Kaukazie. Zasłynęła obróbka metali w Dagestanie Kubachi, malarstwo ceramiczne w Balkhar i rzeźba w drewnie ze srebrem Untsukul. Ludowa sztuka zdobnicza, której rodzaje są bardzo różnorodne, prezentowana jest w różnych częściach naszego rozległego kraju.
Koronka Wołogdy - ludowa sztuka dekoracyjna
Koronki Wołogdy zyskały popularność w stolicach europejskich pod koniec XVIII wieku. A w naszych czasach wielu obcokrajowców błędnie wierzy, że koronka w Rosji jest tkana tylko w Wołogdzie. Tak naprawdę Yelets, Kirishi, Vyatka również mają powody do dumy ze swoich produktów. Prawie wszystkie z nich mają swoje unikalne cechy. Tak więc koronka w kolorze Michajłowskiego jest bardzo interesująca. W naszym kraju stały się nie mniej popularne niż te z Wołogdy. Niemniej jednak, podobnie jak setki lat temu, ludzie udają się do Wołogdy po śnieżnobiały cud.
Ażurowa rzeźba
Ażurowe rzeźby zdobią drobne przedmioty z kości: pudełka, szkatułki, wisiorki, broszki. Dzieło ludowej sztuki zdobniczej - koronka kostna - to poetycka nazwa ażurowej rzeźby.
Najbardziej rozpowszechnione są trzy rodzaje ozdób w cięciu kości:
- Geometryczny - splot linii prostych i zakrzywionych.
- Warzywo.
- Rocaille - stylizacja w kształcie muszli morskiej.
Technika rzeźbienia ażurowego służy do tworzenia kompozycji opartych na ornamentach i fabułach. Surowcem jest zwykła kość krowa.
Drobne prace nad ażurową rzeźbą wymagają specjalnych narzędzi: pilników igłowych, rygli, nitów, wyrzynarek.
Frezowanie
Koraliki mogą poszczycić się swoją wielowiekową historią, podobnie jak same koraliki. Mieszkańcy Starożytny Egipt jako pierwsi opanowali skomplikowaną umiejętność tkania naszyjników z małych kolorowych kulek szklanych, a także ozdabiania nimi ubrań. Jednak prawdziwy rozkwit produkcji koralików nastąpił w X wieku. Przez wiele lat mieszkańcy Wenecji pilnie strzegli tajemnic swojego rzemiosła. Luksusowymi koralikami ozdabiano portfele i torebki, buty, ubrania i inne eleganckie przedmioty.
Kiedy w Ameryce pojawiły się koraliki, zastąpiły one tradycyjne materiały używane przez rdzenną ludność. Tutaj używano go do ozdabiania kołysek, koszy, kolczyków i tabakierek.
Ludy Dalekiej Północy zdobiły wysokie futrzane buty, futra, uprzęże reniferów i nakrycia głowy haftem z koralików.
Batik
Batik - samodzielne malowanie tkanin przy użyciu środków utrwalających. Technika opiera się na obserwacji, że klej gumowy i parafina naniesione na tkaninę nie przepuszczają farby.
Istnieje kilka odmian batiku - wiązany, gorący, shibori, zimny.
Nazwa „batik” pochodzi z indonezyjskiej wersji i oznacza „rysować”, „włazić”, „pokrywać kroplami”.
Obraz ten był używany od czasów starożytnych przez ludy Indii i Indonezji. Batik przybył do Europy w XX wieku.
malarstwo
Malarstwo to jeden z najstarszych rodzajów sztuki zdobniczej. Przez wieki stanowił organiczną część pierwotnej kultury i życia ludzi. Ten rodzaj sztuki dekoracyjnej jest szeroko rozpowszechniony.
Oto kilka rodzajów malarstwa:
- Malarstwo Zhostovo to słynne rosyjskie rzemiosło, które pojawiło się w XIX wieku we wsi Zhostovo niedaleko Moskwy. Należy do najpopularniejszych rzemiosł, w których powstaje rosyjskie malarstwo ludowe. Słynne tace Zhostovo są malowane ręcznie. Najczęściej bukiety kwiatów są przedstawiane na czarnym tle.
- Malarstwo Gorodets to rzemiosło, które pojawiło się w połowie XIX wieku w mieście Gorodets. Obraz jest jasny i lakoniczny. Jej motywy obejmują figurki koni, sceny rodzajowe i wzory kwiatowe. Ozdabiała drzwi, okiennice, meble, kołowrotki.
- Malarstwo Khokhloma jest jednym z najstarszych rzemiosł ludowych. Powstał w XVII wieku w Chochlomie koło Niżnego Nowogrodu. Malarstwo Khokhloma to dekoracyjne malowanie przedmiotów drewnianych, wykonywane na złotym tle z czarnym, czerwonym lub rzadziej zielony. Po nałożeniu wzoru produkt pokrywany jest specjalną kompozycją i trzykrotnie poddawany obróbce w piecu, co pozwala uzyskać niepowtarzalny miodowo-złoty kolor. Tradycyjne dla Khokhloma są jagody jarzębiny i czerwone truskawki, gałęzie i kwiaty. W kompozycjach często pojawiają się zwierzęta, ryby i ptaki, czyniąc dzieło prawdziwym dziełem ludowej sztuki zdobniczej. Drewniane złoto - tak często nazywa się malarstwo Khokhloma.
Zapoznajmy się z różnymi rzemiosłami ludowymi wykorzystywanymi w przedszkolu dla rozwoju dzieci.
Zabawka Dymkowo
Wyroby rzemieślników Kirowa zadziwiają jasnymi wzorami, niestandardowymi proporcjami i kształtami. Wszyscy są zachwyceni eleganckimi, wspaniale udekorowanymi i pomalowanymi dandysami, kucykami, kogutami i kozami. Pierwsze zabawki w Dymkowie pojawiły się w 1811 roku. Podczas święta Wiatki sprzedawano gliniane lalki z obrazami. Gliniane zabawki wykonali rzemieślnicy ze wsi Dymkowo. Zrobili to ze swoimi rodzinami.
Obecnie w Kirowie działa fabryka produkująca zabawki Dymkowo.
Zabawka Filimonowska
Nie mniej znane jest centrum rzemiosła ludowego we wsi Filimonowo koło Tuły, gdzie rodzą się wspaniałe gliniane zabawki. Tworzone przez mistrzów postacie i zwierzęta wyróżniają się fantazyjnym kształtem i dużą wyrazistością. Są to wieśniaczki, damy, żołnierze, krowy, jeźdźcy konni i owce. Zabawek Filimonowa nie można mylić z innymi, ponieważ mają one swoje unikalne cechy w postaci modelowania i malowania. Bawią się wszystkimi kolorami tęczy.
Dziecko, które widzi zabawkę Filimonowa o niestandardowym kolorze i kształcie, budzi jego kreatywność.
Zabawka Kargopol
Kargopol to starożytne miasto, którego mieszkańcy od dawna zajmują się ceramiką. Zajmowali się głównie wytwarzaniem naczyń, ale niektórzy rzemieślnicy robili gliniane zabawki. To prawda, że w 1930 r. rybołówstwo podupadło. Odbudowa warsztatów Kargopol miała miejsce w 1967 roku.
Zabawki Kargopola wyglądają bardziej surowo na tle jasnych zabawek Dymkowa i Filimonowa. Gama kolorów składa się z brązu, czerni i ciemnej zieleni. Jest tu mnóstwo zabawnych obrazków, prostych, ale jednocześnie tchnących ciepłem i humorem. Są to wieśniaczki, brodaci mężczyźni, lalki z obracającymi się kołami.
Dania Gżel
Niedaleko Moskwy znajduje się wieś Gżel. Od XIV wieku zaczęto tu praktykować ceramikę. Wśród naczyń wytwarzanych przez kvassników znajdowały się talerze i zabawki, które malowano brązowymi i żółtawo-zielonymi farbami ceramicznymi. Teraz mają je wyroby porcelanowe produkowane w Gżelu światowa sława. Powodem tego jest niepowtarzalność kształtu i wzoru. Porcelanę Gżel wyróżnia niebieskie malowanie wykonane na białym tle. To prawda, że niebieski nie jest jednolity. Jeśli przyjrzysz się uważnie, znajdziesz najwspanialsze odcienie i półtony, przywołujące na myśl błękit nieba, wodę rzek i jezior. Oprócz naczyń w Gżelu produkowane są zabawki i małe rzeźby. Wszystko, co robią mistrzowie, zadziwia harmonią treści i formy. To prawdziwe dzieło ludowej sztuki zdobniczej. Każdy marzy o zakupie Gzhel.
Sztuka dekoracyjna w przedszkolu
Sztuka rzemieślników ludowych to skarb nie tylko dla dorosłych. Jest to ważne także dla dzieci, które z zapałem mogą bawić się zarówno drewnianymi lalkami, jak i glinianymi zabawkami wykonanymi przez kirowskich rzemieślników. Sztuka ludowa budzi zainteresowanie dzieci oryginalnością pomysłów, obrazowości i barwności. Jest zrozumiała dla dzieci, gdyż jej treść jest prosta i zwięzła, ale jednocześnie otwiera przed dzieckiem piękno otaczającego go świata. Oto ukochane bajkowe wizerunki zwierząt, które są wykonane z gliny lub drewna oraz ozdoby z kwiatów, jagód i liści, które można zobaczyć nie raz w życiu. Rzemieślnicy wykonujący gliniane zabawki często ozdabiają swoje dzieła wykonanymi z nich ozdobami kształty geometryczne: paski, pierścienie, koła. Te rysunki przemawiają także do dzieci. Wszystkie wyroby z gliny i drewna w przedszkolach to nie tylko dekoracja wnętrz. Pod okiem doświadczonego nauczyciela dzieci przyglądają się im z bliska, rysując i modelując je na podstawie próbek wyrobów ludowych.
Ludowa sztuka zdobnicza w przedszkolu wkracza w życie dzieci, przynosząc im radość, poszerzając horyzonty i pozytywnie wpływając na gust artystyczny. Przedszkolne placówki oświatowe powinny posiadać wystarczającą liczbę rękodzieła. Pozwala to na dekorowanie wnętrz grup, aktualizując je po pewnym czasie. Wyroby artystyczne prezentowane są dzieciom podczas rozmów o rzemieślnikach ludowych. Wszystkie tego typu przedmioty należy przechowywać w szafach gabinetu pedagogicznego. Należy je stale uzupełniać i rozdzielać pomiędzy łowiskami. Młodsze dzieci muszą kupować zabawne zabawki, toczone drewniane zabawki. Dla dzieci w środkowej grupie lepiej nadają się Filimonov i Kargopol. Wszystkie typy są dostępne dla starszych dzieci zabawki ludowe, w tym gliniane i drewniane.
Modelowanie dekoracyjne w warunkach przedszkole przewiduje tworzenie przez dzieci naczyń i różnych figurek o tematyce zabawek ludowych. Ponadto dzieci mogą wykonać małą biżuterię dla lalek, pamiątki dla matek, babć i sióstr na święto 8 marca.
Pod wpływem zajęć z przedmiotami rzemiosła ludowego dzieci pogłębiają się i interesują ilustracjami o tematyce rosyjskiej; zabawki bogactwem swojej tematyki pobudzają wyobraźnię dziecka podczas zajęć modelarskich, wzbogacając jego wiedzę o otaczającym go świecie. . Zajęcia wykorzystujące przedmioty sztuki ludowej jako ilustracje dają szansę na rozwój umysłowy dzieci.
Jednak pozytywny efekt można osiągnąć tylko wtedy, gdy dzieci będą systematycznie i systematycznie zapoznawane z przedmiotami sztuki dekoracyjnej i użytkowej. W oparciu o zdobytą wiedzę własnoręcznie tworzą dzieła dekoracyjne. Zapraszamy do reprodukcji dzieła zdobnictwa ludowego (dowolnego). Zdjęcie, jeśli sama praca nie jest dostępna, pomoże dziecku wyobrazić sobie, co narysuje lub wyrzeźbi.
Chęć dzieci do tworzenia pięknych przedmiotów w dużej mierze zdeterminowana jest uwagą samego nauczyciela na te zagadnienia. Musi posiadać wiedzę na temat rzemiosła ludowego i znać historię ich powstania. Jeśli nauczyciel wie, do jakiego rzemiosła ludowego można przypisać tę lub inną zabawkę i potrafi ciekawie opowiedzieć o rzemieślnikach, którzy wykonują te zabawki, dzieci będą zainteresowane i będą miały ochotę zaangażować się w kreatywność.
Zajęcia plastyczne w klasach młodszych
Ludowa sztuka zdobnicza w ramach działań projektowych gimnazjalistów pozwala dzieciom powrócić do korzeni kultury ludowej i dziedzictwa duchowego. W współczesny świat poznawanie bogactw kultury narodowej jest najważniejszym zadaniem wychowania moralnego dzieci, czyniąc je patriotami swojego kraju. W rzemiośle ludowym ucieleśnia się dusza narodu i budzi się pamięć historyczna pokoleń. Nie da się wychować pełnoprawnej osobowości, rozwinąć jej potencjału moralnego i gustu estetycznego dzieci, jeśli rozmowy na temat kreatywności sprowadzą się do abstrakcyjnego rozumowania. W końcu dzieła rzemieślników są ilustracjami najlepsze cechy charakter narodowy: to rozbudzanie szacunku dla własnej historii i tradycji, miłości do ojczyzny w ogóle, a w szczególności do miejsca urodzenia, skromności, pragnienia piękna, poczucia harmonii.
Jak się zorganizować proces edukacyjny aby miłość do ojczyzny nie była tylko miłym sformułowaniem, ale rzeczywiście odpowiadała wewnętrznej istocie młodszego pokolenia? Co można zrobić, jeśli brakuje przedstawień, które żywo i pomysłowo ukazują temat patriotyzmu? Zagadnienie to z pewnością wymaga zintegrowanego podejścia. należy rozwiązywać systematycznie.
Aby dziecko zrozumiało co o czym mówimy, proponuje się rozważyć podczas lekcji dzieło ludowej sztuki zdobniczej (dowolne). Przykład takiej pracy pomoże zrozumieć problem.
Współczesność wymaga powrotu do samych początków sztuki. Zachowanie, udoskonalanie sztuki ludowej, rozwój jej tradycji – takie trudne zadania stoją przed nauczycielami, wychowawcami i artystami.
Sztuki wizualne w szkole średniej
W miarę dorastania dzieci zaczynają coraz lepiej rozumieć, czym jest dzieło ludowej sztuki zdobniczej. Klasa 6 również systematycznie zajmuje się tym zagadnieniem.
Program pracy na studiach plastycznych w klasie 6 przewiduje trzy główne rodzaje działalności twórczej:
- Prace drobne (malowanie, rysowanie).
- Twórczość dekoracyjna (ozdoby, obrazy, aplikacje).
- Obserwowanie otaczającego Cię świata (rozmowa).
Odmiany te pozwalają dzieciom zapoznać się z obszarami twórczości artystycznej. Już w trakcie znajomości staje się jasne, jak ściśle powiązane są te obszary i jak zauważalnie się uzupełniają w procesie rozwiązywania problemów postawionych w programie. Każde dzieło zdobnictwa ludowego musi zostać poddane szczegółowej analizie. Klasa szósta to czas rozwijania gustu artystycznego.
W szkole naucza się sztuk pięknych w ścisłym powiązaniu z innymi przedmiotami. Wykorzystuje wiedzę zdobytą podczas studiowania literatury, muzyki, języka rosyjskiego, historii, technologii i biologii. Pozwala to zrozumieć praktyczny sens lekcji sztuk pięknych i ich życiową konieczność. Na kursie literatury poruszany jest także taki temat jak „Dzieła ludowej sztuki zdobniczej”. Esej (klasa 6) pozwala studentowi wykazać się znajomością przedmiotu. Dzieci oceniają w nim wyroby rzemieślników ludowych. Muszą sporządzić plan pracy i opisać dzieło zdobnictwa ludowego (dowolne). Wystarczy 5-6 zdań dla każdego punktu planu.
Ludowa sztuka zdobnicza i Rosja
Zarówno Tatarstan, jak i inne regiony Rosji zostały dotknięte sztuką ludową. Tatar twórczość dekoracyjna jasny i różnorodny. Ma swoje korzenie w starożytnych czasach pogaństwa - VII-VIII wiek. W Chanacie Kazańskim i Wołdze w Bułgarii rozwój sztuki podążał za tradycjami islamskimi. Wiodący kierunek był różnorodny. Ten typ wzoru szeroko przejawia się w różnych typach sztuki tatarskiej. Ozdoby zdobią hafty, rzeźby w drewnie i kamieniu, ceramikę, biżuterię i kaligrafię. Styl zoomorficzny stał się powszechny w wyrobach bułgarskich rzemieślników z czasów pogańskich.
Cechą szczególną rosyjskiej sztuki dekoracyjnej jest jej masowość. W Rosji sztuka dekoracyjna jest najczęściej anonimowa. Meble Gambs i biżuteria Faberge są raczej wyjątkiem niż regułą. Bezimienni mistrzowie stworzyli arcydzieła malarstwa, tkactwa, naczyń i zabawek. Rosyjska produkcja artystyczna może poszczycić się tworzeniem wielkich wartości na różnych polach.
Pierwsze dowody wysokiego rozwoju kowalstwa i produkcji biżuterii można znaleźć wśród Scytów i plemion zamieszkujących terytoria rozciągające się od Morza Czarnego po Syberię. Tutaj przewagę przyznano scytyjskiemu stylowi zwierzęcemu. Słowianie północni, którzy mieli kontakt z mieszkańcami Skandynawii, włączali do swoich ozdób fragmenty ciał ludzkich i zwierzęcych, misternie splecionych ze sobą. Na Uralu plemiona ugrofińskie wykonywały amulety z wizerunkami niedźwiedzi i wilków, wykonane z drewna, kamienia lub brązu.
W całej Rosji istniało wiele warsztatów malowania ikon. W Palech w obwodzie iwanowskim powstały najwspanialsze obrazy ludowych opowieści i pieśni na czarnym lakierze. Ze starożytnego Bizancjum przyszła do nas filigranowa sztuka tłoczenia, usłojenia, niello, rzeźbienia ażurowego na drewnie i kości. W XVII wieku sztuka zdobnicza rozwinęła się w rozwiniętą produkcję artystyczną. Są to emalia malowana w Rostowie, rzeźby w Niżnym Nowogrodzie na chatach, czernione na srebrze w Wielkim Ustiugu. Pałace i świątynie dekorowano dziełami ludowych mistrzów sztuki zdobniczej.
W czasach Piotra modne stały się rzeczy zachodnioeuropejskie: meble tapicerowane, naczynia ceramiczne. Od XVIII wieku lustra zaczęto powszechnie stosować. M.V. Łomonosow opanował sztukę wytwarzania szkła, luster i smaltu mozaikowego. Utalentowani architekci XVIII i początku XIX wieku opracowali projekty dekoracyjnej dekoracji wnętrz. Niektórzy architekci tamtej epoki rozpoczynali karierę od prac dekoracyjnych, na przykład Rossi i Woronikhin. Dwór Cesarski i najwyższa szlachta Rosji dostarczyły liczne zamówienia prywatnym przedsiębiorstwom, którym udało się osiągnąć wyżyny doskonałości. Do takich przedsiębiorstw należą fabryki fajansu i porcelany Kuzniecowskiego oraz fabryka porcelany Popowski.
Badania sztuki ludowej i rzemiosła ludowego pokazują, że popularyzacja dzieł sztuki ludowej najlepiej oddziałuje zarówno na dorosłych, jak i na dzieci. Kultywuje to gust estetyczny, sprzyja pojawianiu się potrzeb duchowych, budzi poczucie dumy narodowej i człowieczeństwa. W końcu powstają niesamowite kolorowe obiekty rzemieślnicy ludowi, ludzie, których natura obdarzyła talentem, wyobraźnią i życzliwością.
Sztuka dekoracyjna i użytkowa (DAI)- sztuka wytwarzania przedmiotów gospodarstwa domowego, które mają walory artystyczne i estetyczne i są przeznaczone nie tylko do użytku praktycznego, ale także do dekoracji domów, obiektów architektonicznych, parków itp.
Całe życie prymitywnych plemion i cywilizacji było związane z pogaństwem. Ludzie czcili różne bóstwa, przedmioty - trawę, słońce, ptaka, drzewo. Aby „ułagodzić” niektórych bogów i „wypędzić” złe duchy, starożytny człowiek budując dom, zawsze uzupełniał go „amuletami” - płaskorzeźbami, ramami okiennymi, zwierzętami i znakami geometrycznymi, które mają znaczenie symboliczne i symboliczne. Odzież koniecznie chroniła właściciela przed złymi duchami za pomocą paska ozdobnego na rękawach, rąbku i kołnierzu; wszystkie naczynia miały także rytualny ornament.
Ale od czasów starożytnych charakterystyczne dla człowieka było dążenie do piękna w otaczającym go obiektywnym świecie, dlatego obrazy zaczęły nabierać coraz bardziej estetycznego wyglądu. Stopniowo tracąc swoje pierwotne znaczenie, zaczęły bardziej ozdabiać przedmiot niż przenosić jakąkolwiek magiczną informację. Na tkaniny nanoszono haftowane wzory, ceramikę dekorowano ornamentami i obrazami, najpierw wytłaczano i rysowano, a następnie nakładano gliną o innym kolorze. Później używano do tego celu kolorowych szkliw i emalii. Sprzęt komputerowy odlewane w formach kształtowych, pokryte bruzdami i nacięciami.
Sztuka dekoracyjna i użytkowa obejmuje i artystycznie wykonanych mebli, naczyń, odzieży, dywanów, haftów, biżuterii, zabawek i innych przedmiotów, a także malarstwa zdobniczego oraz dekoracji rzeźbiarskiej i dekoracyjnej wnętrz i fasad budynków, ceramiki licowej, witraży itp. Formy pośrednie pomiędzy DPI i sztuka sztalugowa- panele, gobeliny, abażury, posągi dekoracyjne itp., które stanowią część całości architektonicznej, ją uzupełniają, ale można je również rozpatrywać osobno, jako samodzielne dzieła sztuki. Czasami w wazonie lub innym przedmiocie na pierwszym miejscu jest nie funkcjonalność, ale piękno.
Na rozwój sztuki użytkowej miały wpływ warunki życia każdego ludu, naturalne i warunki klimatyczne jego siedlisko. DPI to jedna z najstarszych form sztuki. Przez wiele wieków rozwijała się wśród ludzi w formie ludowego rzemiosła artystycznego.
Haft. Ma swoje korzenie w czasach starożytnych, kiedy używano igieł z kości, a następnie z brązu. Haftowano na odzieży lnianej, bawełnianej i wełnianej. W Chinach i Japonii haftowano kolorowym jedwabiem, w Indiach, Iranie i Turcji - złotem. Haftowali ozdoby, kwiaty, zwierzęta. Nawet w obrębie jednego kraju istniały zupełnie różne rodzaje haftu w zależności od obszaru i narodowości tam zamieszkującej, takie jak haft czerwoną nicią, haft kolorowy, ścieg krzyżykowy, ścieg satynowy itp. Motywy i kolory często zależały od przeznaczenia przedmiotu, odświętnego lub codziennego.
Aplikacja. Wielokolorowe kawałki tkaniny, papieru, skóry, futra, słomy są przyszyte lub przyklejone do materiału o innym kolorze lub wykończeniu. Niezwykle ciekawe jest zastosowanie w sztuce ludowej, zwłaszcza ludów Północy. Aplikacje służą do ozdabiania paneli, gobelinów i zasłon. Często aplikacja jest wykonywana po prostu jako samodzielna praca.
Witraż. To dekoracyjna kompozycja wykonana z kolorowego szkła lub innego materiału przepuszczającego światło. W klasycznym witrażu poszczególne kawałki kolorowego szkła łączono ze sobą przekładkami wykonanymi z najmiększego materiału – ołowiu. Są to witraże wielu katedr i świątyń w Europie i Rosji. Stosowano także technikę malowania na szkle przezroczystym lub kolorowym farbami silikatowymi, a następnie utrwalania poprzez wypalanie światłem. W XX wieku zaczęto wykonywać witraże z przezroczystych tworzyw sztucznych.
Nowoczesne witraże znajdują zastosowanie nie tylko w kościołach, ale także w lokalach mieszkalnych, teatrach, hotelach, sklepach, metrze itp.
Malarstwo. Kompozycje wykonane farbami na powierzchni tkanin, drewna, ceramiki, metalu i innych produktów. Obrazy mogą mieć charakter narracyjny lub ozdobny. Mają szerokie zastosowanie w sztuce ludowej i służą jako dekoracja pamiątek lub przedmiotów gospodarstwa domowego.
Ceramika. Produkty i materiały wykonane z gliny i różnych mieszanek z nią. Nazwa pochodzi od obszaru w Grecji, który od czasów starożytnych był ośrodkiem produkcji ceramiki, tj. do wyrobu naczyń i naczyń ceramicznych. Ceramikę nazywa się także płytkami licowymi, często pokrytymi malowidłami. Głównymi rodzajami ceramiki są glina, terakota, majolika, fajans, porcelana, masa kamienna.
Koronka. Produkty z ażurowymi nitkami. Ze względu na technikę wykonania dzieli się je na ręcznie robione (tkane na toczonych patykach - szpulkach, szyte igłą, szydełkowane lub dziane) i maszynowe.
Tkactwo z kory brzozowej, słomy, wikliny, łyka, skóry, nici itp. jeden z najstarszych rodzajów sztuki zdobniczej i użytkowej (znany już od czasów neolitu). Z tkactwa wytwarzano głównie naczynia, meble, karoserie samochodów, zabawki i pudełka.
Nitka. Metoda artystycznej obróbki materiałów, polegająca na wycinaniu rzeźbiarskich postaci za pomocą specjalnego narzędzia tnącego lub wykonywaniu obrazu na gładkiej powierzchni. Rzeźba w drewnie była najbardziej rozpowszechniona na Rusi. Obejmował ramy domów, mebli i narzędzi. Istnieją rzeźbione rzeźby wykonane z kości, kamienia, gipsu itp. Wiele rzeźb dotyczy biżuterii (kamienie, złoto, brąz, miedź itp.) I broni (drewno, kamień, metale).
