Sztuka europejska Koniec XIX wieku został wzbogacony pojawieniem się modernizmu. Później jego wpływ rozprzestrzenił się na muzykę i literaturę. Nazywano go „impresjonizmem”, ponieważ opierał się na najsubtelniejszych wrażeniach, obrazach i nastrojach artysty.

Początki i historia

W drugiej połowie XIX wieku grupę tworzyło kilku młodych artystów. Mieli wspólny cel i te same zainteresowania. Najważniejszą rzeczą dla tej firmy była praca na łonie natury, bez ścian warsztatowych i różnych czynników ograniczających. W swoich obrazach starali się przekazać całą zmysłowość, wrażenie gry światła i cienia. Krajobrazy i portrety odzwierciedlały jedność duszy z Wszechświatem, z otaczającym światem. Ich obrazy to prawdziwa poezja kolorów.

W 1874 r. odbyła się wystawa tej grupy artystów. Krajobraz – Claude Monet „Impresja. Wschód słońca” przykuł uwagę krytyka, który w swojej recenzji po raz pierwszy nazwał tych twórców impresjonistami (od francuskiego impresja – „impresja”).

Warunki narodzin stylu impresjonizmu, którego obrazy wkrótce staną się przedstawicielami niesamowity sukces, huty renesansu. Twórczość Hiszpanów Velazqueza, El Greco, angielskiego Turnera, Constable'a bezwarunkowo wpłynęła na Francuzów, którzy byli twórcami impresjonizmu.

Wybitnymi przedstawicielami stylu we Francji byli Pissarro, Manet, Degas, Sisley, Cézanne, Monet, Renoir i inni.

Filozofia impresjonizmu w malarstwie

Artyści malujący w tym stylu nie postawili sobie za zadanie zwrócenia uwagi opinii publicznej na kłopoty. W ich twórczości nie można znaleźć tematów aktualnych, nie można otrzymać lekcji moralnej ani dostrzec ludzkich sprzeczności.

Obrazy w stylu impresjonistycznym mają na celu oddanie chwilowego nastroju, rozwijając kolorystykę o tajemniczym charakterze. W pracach jest miejsce tylko na pozytywny początek; mrok unikał impresjonistów.

Właściwie impresjoniści nie zawracali sobie głowy przemyśleniem fabuły i szczegółów. Najważniejszym czynnikiem nie było to, co narysować, ale jak przedstawić i przekazać swój nastrój.

Technika malarska

Różnica między akademickim stylem rysunku a techniką impresjonistów jest kolosalna. Po prostu porzucili wiele metod, a niektóre zmienili nie do poznania. Oto innowacje, które wprowadzili:

1. Porzuciliśmy obwód. Zastąpiono go kreskami - małymi i kontrastowymi.
2. Przestaliśmy używać palet dla kolorów, które się uzupełniają i nie wymagają łączenia, aby uzyskać określony efekt. Na przykład żółty jest fioletowy.
3. Przestałam malować na czarno.
4. Całkowicie porzucili pracę w warsztatach. Malowali wyłącznie w plenerze, aby łatwiej było uchwycić chwilę, obraz, uczucie.
5. Stosowano wyłącznie farby o dobrej sile krycia.
6. Nie czekaliśmy, aż nowa warstwa wyschnie. Natychmiast zastosowano świeże pociągnięcia.
7. Stworzyli cykle prac podążających za zmianami światła i cienia. Na przykład „Stogi siana” Claude’a Moneta.

Oczywiście nie wszyscy artyści podążali dokładnie za cechami stylu impresjonistycznego. Na przykład obrazy Edouarda Maneta nigdy nie brały udziału we wspólnych wystawach, pozycjonował się jako odrębny artysta. Edgar Degas pracował wyłącznie w warsztatach, ale nie wpłynęło to negatywnie na jakość jego dzieł.

Przedstawiciele francuskiego impresjonizmu

Pierwsza wystawa dzieł impresjonistów datuje się na rok 1874. 12 lat później odbyła się ich ostatnia wystawa. Pierwszą pracę w tym stylu można nazwać „Lunchem na trawie” E. Maneta. Obraz ten prezentowany był w „Salonie Odrzuconych”. Spotkało się to z wrogością, gdyż bardzo odbiegało od kanonów akademickich. Dlatego Manet staje się postacią, wokół której skupia się grono wyznawców tego nurtu stylistycznego.

Niestety współcześni nie docenili takiego stylu jak impresjonizm. Obrazy i artyści istnieli w sprzeczności ze sztuką oficjalną.

Stopniowo w gronie malarzy na pierwszy plan wysunął się Claude Monet, który później stał się ich przywódcą i głównym ideologiem impresjonizmu.

Claude Monet (1840–1926)

Twórczość tego artysty można określić jako hymn na cześć impresjonizmu. To on jako pierwszy porzucił w swoich obrazach czerń, powołując się na fakt, że nawet cienie i noc mają inną tonację.

Świat na obrazach Moneta to niewyraźne kontury, przestrzenne kreski, patrząc na nie, można poczuć całe spektrum gry kolorów dnia i nocy, pór roku i harmonii podksiężycowego świata. Tylko moment wyrwany z biegu życia, w rozumieniu Moneta, to impresjonizm. Jego obrazy wydają się pozbawione materialności, wszystkie przesiąknięte są promieniami światła i prądami powietrza.

Claude Monet stworzył niesamowite dzieła: „Gare Saint-Lazare”, „Katedra w Rouen”, cykl „Most Charing Cross” i wiele innych.

August Renoir (1841-1919)

Kreacje Renoira sprawiają wrażenie niezwykłej lekkości, zwiewności i eteryczności. Fabuła narodziła się jakby przez przypadek, ale wiadomo, że artysta dokładnie przemyślał wszystkie etapy swojej pracy i pracował od rana do wieczora.

Cechą charakterystyczną twórczości O. Renoira jest zastosowanie glazury, które jest możliwe tylko wtedy, gdy w malarstwie impresjonizm przejawia się w każdym pociągnięciu. Postrzega człowieka jako cząstkę samej natury, dlatego tak wiele obrazów przedstawiających akty.

Ulubioną rozrywką Renoira było przedstawianie kobiety w całej jej atrakcyjnej i atrakcyjnej urodzie. Portrety zajmują szczególne miejsce w twórcze życie artysta. „Parasole”, „Dziewczyna z wachlarzem”, „Śniadanie wioślarzy” – tylko niewielka część niesamowita kolekcja obrazy Auguste'a Renoira.

Georges Seurat (1859-1891)

Seurat wiązał proces powstawania obrazów z naukowym uzasadnieniem teorii koloru. Środowisko lekko-powietrzne zostało narysowane w oparciu o zależność tonów głównych i dodatkowych.

Pomimo tego, że J. Seurat jest przedstawicielem ostatniego etapu impresjonizmu, a jego technika pod wieloma względami różni się od twórców, w ten sam sposób tworzy za pomocą pociągnięć iluzoryczne przedstawienie formy przedmiotu, które można oglądać i widzieć tylko z daleka.

Obrazy „Niedzielne popołudnie”, „Kanan”, „Modele” można nazwać arcydziełami kreatywności.

Przedstawiciele rosyjskiego impresjonizmu

Rosyjski impresjonizm powstał niemal spontanicznie, mieszając wiele zjawisk i metod. Podstawą jednak, podobnie jak u Francuzów, była naturalna wizja procesu.

W rosyjskim impresjonizmie, choć zachowano cechy Francuzów, osobliwości narodowej natury i stanu ducha dokonały znaczących zmian. Na przykład wizje śniegu czy północnych krajobrazów wyrażano nietypowymi technikami.

W Rosji niewielu artystów tworzyło w stylu impresjonistycznym; ich obrazy do dziś przyciągają uwagę.

Okres impresjonizmu można wyróżnić w twórczości Walentina Serowa. Jego „Dziewczyna z brzoskwiniami” – najjaśniejszy przykład i standard tego stylu w Rosji.

Obrazy urzekają świeżością i harmonią czystych barw. Główny temat Dzieło tego artysty jest obrazem osoby w naturze. „Północna sielanka”, „W łodzi”, „Fedor Chaliapin” to jasne kamienie milowe w twórczości K. Korovina.

Impresjonizm w czasach nowożytnych

Obecnie ten kierunek w sztuce otrzymał nowe życie. Kilku artystów maluje swoje obrazy w tym stylu. Współczesny impresjonizm istnieje w Rosji (Andre Cohn), we Francji (Laurent Parselier), w Ameryce (Diana Leonard).

Andre Cohn to najwybitniejszy przedstawiciel nowego impresjonizmu. Jego obrazy olejne zachwycają prostotą. Artystka widzi piękno w codziennych rzeczach. Twórca interpretuje wiele obiektów przez pryzmat ruchu.

Akwarele Laurenta Parseliera zna cały świat. Jego cykl prac Dziwny świat„ukazało się w formie pocztówek. Wspaniałe, żywe i zmysłowe, zapierają dech w piersiach.

Podobnie jak w XIX w., w chwila obecna artyści zajmują się malarstwem plenerowym. Dzięki niej impresjonizm będzie żył wiecznie. artyści nadal są inspirowani, pod wrażeniem i zachęcani.

W większości krajów na przełomie XVIII i XIX w Europa Zachodnia nastąpił nowy skok w rozwoju nauki i technologii. Kultura przemysłowa wykonała wielką pracę wzmacniając duchowe fundamenty społeczeństwa, przezwyciężając racjonalistyczne wytyczne i kultywując to, co ludzkie w człowieku. Bardzo głęboko odczuwała potrzebę piękna, estetycznej afirmacji rozwinięta osobowość, w pogłębianiu prawdziwego humanizmu, podejmowaniu praktycznych kroków w celu urzeczywistnienia wolności, równości i harmonizacji stosunków społecznych.

W tym okresie Francja przeżywała trudne chwile. Wojna francusko-pruska, krótkie krwawe powstanie i upadek Komuna Paryska oznaczało koniec Drugiego Cesarstwa.

Po uprzątnięciu ruin pozostawionych przez straszliwe bombardowania Prus i brutalną wojnę domową, Paryż ponownie ogłosił się centrum sztuki europejskiej.

W końcu stolica Europy życie artystyczne stał się w czasach króla Ludwik XIV, kiedy to powołano Akademię i coroczne wystawy sztuki, które otrzymały nazwę Salony – od tzw. Salonu Kwadratowego w Luwrze, gdzie co roku wystawiano nowe dzieła malarzy i rzeźbiarzy. W XIX wieku to Salony, na których toczyły się intensywne zmagania artystyczne, wyznaczały nowe kierunki w sztuce.

Przyjęcie obrazu na wystawę i jego zatwierdzenie przez jury Salonu było pierwszym krokiem w stronę publicznego uznania artysty. Od lat pięćdziesiątych XIX wieku Salony coraz częściej przekształcały się w okazałe pokazy dzieł wybranych według oficjalnych gustów, dlatego pojawiło się nawet określenie „sztuka salonowa”. Zdjęcia, które w żaden sposób nie odpowiadały temu nigdzie nieokreślonemu, ale rygorystycznemu „standardowi”, zostały po prostu odrzucone przez jury. Prasa na wszelkie możliwe sposoby dyskutowała o tym, którzy artyści zostali przyjęci do Salonu, a których nie, zamieniając niemal każdą z tych corocznych wystaw w publiczny skandal.

W latach 1800-1830 na język francuski malarstwo pejzażowe a na sztukę piękną w ogóle zaczęli wpływać holenderscy i angielscy malarze pejzażyści. Eugene Delacroix, przedstawiciel romantyzmu, wniósł do swoich obrazów nową jasność barw i wirtuozerię pisma. Był wielbicielem Constable'a, który dążył do nowego naturalizmu. Radykalne podejście Delacroix do koloru i jego technika nakładania dużych pociągnięć farby w celu uwydatnienia formy zostały później rozwinięte przez impresjonistów.

Szczególnie interesujące dla Delacroix i jemu współczesnych były szkice Constable'a. Próbując uchwycić nieskończenie zmienne właściwości światła i koloru, Delacroix zauważył, że w naturze „nigdy nie pozostają one w bezruchu”. Dlatego francuscy romantycy przyzwyczaili się do szybszego malowania olejami i akwarelami, ale bynajmniej nie powierzchownymi szkicami poszczególnych scen.

W połowie stulecia najważniejszym zjawiskiem w malarstwie stali się realiści, na czele z Gustavem Courbeta. Po 1850 r Sztuka francuska W ciągu dekady doszło do bezprecedensowej fragmentacji stylów, częściowo akceptowalnej, ale nigdy nie zatwierdzonej przez władze. Eksperymenty te zepchnęły młodych artystów na drogę stanowiącą logiczną kontynuację pojawiających się już trendów, która jednak w oczach publiczności i jurorów Salonu wydawała się oszałamiająco rewolucyjna.

Sztukę dominującą w salach Salonu wyróżniała z reguły zewnętrzny rzemiosło i wirtuozja techniczna, zainteresowanie anegdotycznymi, zabawnie opowiadanymi tematami sentymentalnej codzienności, fałszywymi charakter historyczny oraz bogactwo tematów mitologicznych, które uzasadniają wszelkiego rodzaju obrazy nagiego ciała. Była to sztuka eklektyczna i zabawna, pozbawiona pomysłów. Odpowiednia kadra została przeszkolona pod patronatem Akademii przez Szkołę sztuki piękne, gdzie całym biznesem zajmowali się tacy mistrzowie późnej akademii jak Couture, Cabanel i inni. Sztuka salonowa wyróżniała się wyjątkową żywotnością, wulgaryzującą artystycznie, jednoczącą duchowo i dostosowującą się do poziomu mieszczańskich gustów publiczności, osiągnięć głównych twórczych zadań swoich czasów.

Sztukie Salonu przeciwstawiały się różne ruchy realistyczne. Ich przedstawiciele byli najlepsi mistrzowie francuski kultura artystyczna te dziesięciolecia. Wiąże się z nimi twórczość artystów realistów, którzy kontynuują w nowych warunkach tradycje tematyczne realizm lat 40-50. XIX w. - Bastien-Lepage, Lhermitte i inni. Decydujące znaczenie dla losów rozwoju artystycznego Francji i całej Europy Zachodniej miały nowatorskie realistyczne poszukiwania Edouarda Maneta i Auguste’a Rodina, niezwykle ekspresyjna sztuka Edgara Degasa i wreszcie twórczość grupy artystów, którzy najbardziej konsekwentnie ucieleśniał zasady sztuki impresjonizmu: Claude Monet, Pissarro, Sisley i Renoir. To ich twórczość zapoczątkowała szybki rozwój okresu impresjonizmu.

Impresjonizm (od impresjonizmu francuskiego), kierownictwo artystyczne ostatnia trzecia XIX - początek XX wieku, których przedstawiciele starali się uchwycić w sposób jak najbardziej naturalny i bezstronny prawdziwy świat w swojej mobilności i zmienności, aby przekazać Twoje ulotne wrażenia.

Impresjonizm stanowił drugą erę w sztuce francuskiej połowa XIX wieku wieku, a następnie rozprzestrzenił się na wszystkie kraje europejskie. Zreformował gusta artystyczne i zrestrukturyzował percepcję wzrokową. W istocie była to naturalna kontynuacja i rozwinięcie metody realistycznej. Sztuka impresjonistów jest równie demokratyczna, jak sztuka ich bezpośrednich poprzedników, nie rozróżnia natury „wysokiej” i „niskiej” i całkowicie ufa świadectwu oka. Zmienia się sposób „patrzenia” – staje się bardziej skupiony, a jednocześnie bardziej liryczny. Zanika związek z romantyzmem – impresjoniści, a także realiści starszego pokolenia, chcą mieć do czynienia wyłącznie z nowoczesnością, alienując to, co historyczne, mitologiczne i tematy literackie. Do wielkich odkryć estetycznych wystarczały im najprostsze, obserwowane na co dzień motywy: paryskie kawiarnie, uliczki, skromne ogrody, brzegi Sekwany, okoliczne wioski.

Impresjoniści żyli w epoce walki nowoczesności z tradycją. Widzimy w ich pracach radykalne i oszałamiające zerwanie na tamte czasy z tradycyjnymi zasadami sztuki, kulminację, ale nie dokończenie poszukiwań nowego wyglądu. Sztuka abstrakcyjna XX wieku zrodziła się z eksperymentów ze sztuką istniejącą wówczas, tak jak innowacje impresjonistów wyrosły z twórczości Courbeta, Corota, Delacroix, Constable'a, a także dawnych mistrzów, którzy ich poprzedzili.

Impresjoniści odrzucili tradycyjne rozróżnienie między szkicem, szkicem i malarstwem. Rozpoczęli i zakończyli swoją pracę na świeżym powietrzu - na świeżym powietrzu. Nawet jeśli musieli coś dokończyć w warsztacie, starali się zachować wrażenie uchwyconej chwili i oddać świetlistą atmosferę otaczającą obiekty.

Kluczem do ich metody jest plener. Na tej drodze osiągnęli wyjątkową subtelność percepcji; Udało im się wydobyć tak czarujące efekty w związkach światła, powietrza i koloru, których wcześniej nie zauważyli i prawdopodobnie nie zauważyliby bez malarstwa impresjonistów. Nie bez powodu twierdzono, że londyńskie mgły wynalazł Monet, chociaż impresjoniści niczego nie wymyślili, opierając się jedynie na odczytach oka, nie mieszając z nimi wcześniejszej wiedzy o tym, co jest przedstawiane.

Rzeczywiście, impresjoniści cenili przede wszystkim kontakt duszy z naturą, przywiązując dużą wagę do bezpośrednich wrażeń i obserwacji różnych zjawisk otaczającej rzeczywistości. Nic dziwnego, że cierpliwie czekali na pogodne, ciepłe dni, aby malować w plenerze na świeżym powietrzu.

Ale twórcy nowego typu piękna nigdy nie starali się dokładnie naśladować, kopiować, obiektywnie „portretować” natury. W ich twórczości widać nie tylko wirtuozerską manipulację światem efektownych pozorów. Istota estetyki impresjonistycznej polega na niesamowitej umiejętności kondensowania piękna, podkreślania głębi unikalne zjawisko, fakt i odtwórz poetykę przemienionej rzeczywistości, ocieplonej ciepłem dusza ludzka. W ten sposób powstaje jakościowo inny, atrakcyjny estetycznie świat, nasycony duchowym blaskiem.

W wyniku impresjonistycznego dotknięcia świata wszystko, na pierwszy rzut oka zwyczajne, prozaiczne, trywialne, chwilowe, zamieniło się w poetyckie, atrakcyjne, świąteczne, uderzające we wszystko przenikliwą magią światła, bogactwem barw, drżącymi refleksami, wibracją powietrza i twarze promieniujące czystością. W przeciwieństwie do sztuki akademickiej, która opierała się na kanonach klasycyzmu – obowiązkowym umieszczeniu głównych bohaterów w centrum obrazu, trójwymiarowości przestrzeni, wykorzystaniu fabuły historycznej dla celów bardzo specyficznej orientacji semantycznej widza – impresjoniści przestali dzielić przedmioty na główne i wtórne, wzniosłe i niskie. Odtąd na obrazie mogły pojawiać się wielobarwne cienie przedmiotów, stog siana, krzak bzu, tłum na paryskim bulwarze, kolorowe życie targowiska, praczki, tancerki, sprzedawczynie, światło lamp gazowych, kolej linia, walka byków, mewy, skały, piwonie.

Impresjonistów cechuje żywe zainteresowanie wszelkimi zjawiskami życia codziennego. Ale to nie oznaczało jakiejś wszystkożerności czy rozwiązłości. W zwyczajnych, codziennych zjawiskach wybierano moment, w którym najbardziej efektownie objawiła się harmonia otaczającego świata. Impresjonistyczny światopogląd był niezwykle wrażliwy na najbardziej subtelne odcienie tego samego koloru, stanu obiektu lub zjawiska.

W 1841 roku mieszkający w Londynie amerykański portrecista John Goffrand po raz pierwszy wymyślił rurkę, z której wyciskano farbę, a handlarze farbami Winsor i Newton szybko podchwycili ten pomysł. Według jego syna Pierre Auguste Renoir powiedział: „Bez farb w tubkach nie byłoby ani Cezanne’a, ani Moneta, ani Sisleya, ani Pissarro, ani żadnego z tych, których dziennikarze później nazwali impresjonistami”.

Farba w tubkach miała konsystencję świeży olej, idealny do nakładania grubych pociągnięć pędzla impastowego na płótno lub nawet szpachelką; Obie metody stosowali impresjoniści.

Na rynku zaczęła pojawiać się cała gama jasnych, trwałych farb w nowych tubkach. Postęp chemii na początku stulecia przyniósł nowe farby, na przykład błękit kobaltowy, sztuczną ultramarynę, żółć chromową z pomarańczowymi, czerwonymi, zielonymi odcieniami, szmaragdową zieleń, biały cynk, trwałą biel ołowiową. XIX wieku artyści mieli do dyspozycji paletę kolorów, która była jasna, niezawodna i wygodna jak nigdy dotąd. .

Impresjoniści nie przeszli obok odkrycia naukowe połowy stulecia, dotyczące optyki i rozkładu barw. Kolory uzupełniające widma (czerwony - zielony, niebieski - pomarańczowy, fiolet - żółty) ułożone obok siebie wzmacniają się, a po zmieszaniu ulegają odbarwieniu. Nałożony dowolny kolor białe tło, pojawia się otoczony lekką aureolą koloru dopełniającego; tam oraz w cieniach rzucanych przez przedmioty oświetlone przez słońce pojawia się kolor uzupełniający kolor obiektu. Częściowo intuicyjnie, częściowo świadomie artyści korzystali z takich naukowych obserwacji. Okazały się one szczególnie istotne w malarstwie impresjonistycznym. Impresjoniści uwzględniali prawa percepcji kolorów na odległość i, jeśli to możliwe, unikając mieszania farb na palecie, umieszczali czyste kolorowe kreski, tak aby mieszały się w oku widza. Jasne kolory widma słonecznego to jedno z przykazań impresjonizmu. Odmówili odcieni czerni i brązu, ponieważ widmo słoneczne ich nie ma. Oddawali cienie kolorem, a nie czernią, stąd miękka, promienna harmonia ich płócien .

Ogólnie rzecz biorąc, impresjonistyczny typ piękna odzwierciedlał fakt sprzeciwu osoby duchowej wobec procesu urbanizacji, pragmatyzmu, zniewolenia uczuć, co doprowadziło do zwiększonej potrzeby pełniejszego ujawnienia zasady emocjonalnej, aktualizacji cechy duchowe osobowości i wzbudziło pragnienie ostrzejszego doświadczenia przestrzenno-czasowych cech istnienia.

Impresjonizm stanowił całą epokę w sztuce francuskiej drugiej połowy XIX wieku. Bohaterem obrazów impresjonistów było światło, a zadaniem artystów było otwieranie ludziom oczu na piękno otaczającego ich świata. Światło i kolor można najlepiej przekazać szybkimi, małymi, obszernymi pociągnięciami. Wizja impresjonistyczna została przygotowana przez całą ewolucję świadomości artystycznej, kiedy ruch zaczęto rozumieć nie tylko jako ruch w przestrzeni, ale jako ogólną zmienność otaczającej rzeczywistości.

Impresjonizm - (francuski impresjonizm, od wrażenia - wrażenie), ruch w sztuce tego ostatniego trzecie XIX- początek XX wieku Stało się to w Malarstwo francuskie koniec lat 60. XIX w. - początek lat 70. XIX w. Nazwa „impresjonizm” powstała po wystawie z 1874 r., na której pojawił się obraz C. Moneta „Impresja. Wschodzące Słońce" W okresie dojrzałości impresjonizmu (lata 70. – pierwsza połowa lat 80.) reprezentowała go grupa artystów (Monet, O. Renoir, E. Degas, C. Pissarro, A. Sisley, B. Morisot i in. .), którzy zjednoczyli się w walce o odnowę sztuki i przezwyciężeniu oficjalnej akademii salonowej i zorganizowali w tym celu 8 wystaw w latach 1874-86. Jednym z twórców impresjonizmu był E. Manet, który nie należał do tej grupy, ale jeszcze w latach 60. i na początku 70. XX wieku. który przedstawił dzieła gatunkowe, w których na nowo przemyśleł technikę kompozytorską i malarską mistrzów XVI-XVIII wieku. w odniesieniu do współczesne życie, a także sceny wojny domowej w latach 1861-65 w Stanach Zjednoczonych, egzekucji komunardów paryskich, nadając im ostrą orientację polityczną.

Przedstawieni impresjoniści otaczający nas świat w ciągłym ruchu, przejściu z jednego stanu do drugiego. Zaczęli malować serię obrazów, chcąc pokazać, jak ten sam motyw zmienia się w zależności od pory dnia, oświetlenia, warunków pogodowych itp. (cykle „Boulevard Montmartre” C. Pissarro, 1897; „Katedra w Rouen”, 1893 - 95 i „Parlament Londynu”, 1903-04, C. Monet). Artyści znaleźli sposób na oddanie ruchu chmur w obrazach (A. Sisley. „Loing in Saint-Mamme”, 1882), grę blasku światło słoneczne(O. Renoir. „Swing”, 1876), podmuchy wiatru (C. Monet. „Taras w Sainte-Adresse”, 1866), strumienie deszczu (G. Caillebotte. „Hierarch. The Effect of Rain”, 1875) , padający śnieg ( C. Pissarro. „Pasaż operowy. Efekt śniegu”, 1898), szybki bieg koni (E. Manet. „Konie w Longchamp”, 1865).

Teraz, gdy gorące debaty na temat znaczenia i roli impresjonizmu należą już do przeszłości, mało kto odważy się zaprzeczyć, że ruch impresjonistyczny był kolejnym krokiem w rozwoju europejskiego malarstwa realistycznego. „Impresjonizm to przede wszystkim sztuka obserwacji, która osiągnęła niespotykane dotąd wyrafinowanie. rzeczywistość».

Dążąc do maksymalnej spontaniczności i dokładności w oddaniu otaczającego świata, zaczęli malować głównie w plenerze i podnieśli znaczenie szkiców z życia, które niemal zastąpiły typ tradycyjny obrazy starannie i powoli powstające w pracowni.

Impresjoniści pokazali piękno prawdziwego świata, w którym każda chwila jest wyjątkowa. Konsekwentnie doprecyzowując swoją paletę, impresjoniści uwolnili malarstwo od ziemistych i brązowych lakierów i farb. Konwencjonalna, „muzealna” czerń w ich płótnach ustępuje miejsca nieskończenie różnorodnej grze refleksów i kolorowych cieni. Niezmiernie rozszerzyli możliwości sztuki piękne, odsłaniając nie tylko świat słońca, światła i powietrza, ale także piękno londyńskich mgł, niespokojną atmosferę życia duże miasto, rozproszenie nocnych świateł i rytm nieustannego ruchu.

Ze względu na sam sposób pracy w plenerze, odkryty przez nich krajobraz, w tym także miejski, zajmował bardzo ważne miejsce w sztuce impresjonistów.

Nie należy jednak zakładać, że malarstwo impresjonistów charakteryzowało się jedynie „pejzażowym” postrzeganiem rzeczywistości, za co często zarzucali im krytycy. Zakres tematyczny i fabularny ich twórczości był dość szeroki. Zainteresowanie człowiekiem, a w szczególności współczesnym życiem we Francji, w w szerokim znaczeniu była charakterystyczna dla wielu przedstawicieli tego kierunku artystycznego. Jego afirmujący życie, zasadniczo demokratyczny patos wyraźnie sprzeciwiał się burżuazyjnemu porządkowi świata. Nie sposób nie zauważyć w tym ciągłości impresjonizmu w stosunku do głównej linii rozwoju języka francuskiego sztuka realistyczna XIX wiek.

Przedstawiając krajobrazy i formy za pomocą kolorowych kropek, impresjoniści kwestionowali solidność i materialność otaczających ich rzeczy. Ale artysta nie może zadowolić się jednym wrażeniem; potrzebuje rysunku, który porządkuje cały obraz. Od połowy lat osiemdziesiątych XIX wieku nowe pokolenie artystów impresjonistów związanych z tym kierunkiem sztuki przeprowadza coraz więcej eksperymentów w swoim malarstwie, w wyniku czego rośnie liczba kierunków (odmian) impresjonizmu, grupy artystyczne i miejsca wystaw ich prac.

Artyści nowego ruchu nie mieszali różnych kolorów na palecie, ale malowali czystymi kolorami. Umieszczając pociągnięcia jednej farby obok drugiej, często pozostawiali szorstką powierzchnię obrazów. Zauważono, że wiele kolorów staje się jaśniejszych, gdy znajdują się obok siebie. Technika ta nazywana jest efektem kontrastu kolorów dopełniających.

Artyści impresjonistyczni byli wrażliwi na najmniejsze zmiany pogody, pracując w plenerze i chcąc stworzyć obraz pejzażu, w którym motyw, kolorystyka, oświetlenie zlałyby się w jeden poetycki obraz widoku miasta lub obszary wiejskie. Impresjoniści dali wielka wartość kolor i światło dzięki wzorowi i objętości. Zniknęły wyraźne kontury obiektów, zapomniano o kontrastach, świetle i cieniu. Starali się, aby obraz był jak otwarte okno, przez które widać prawdziwy świat. Ten nowy styl wywarł wpływ na wielu artystów tamtych czasów.

Należy zauważyć, że jak każdy ruch w sztuce, impresjonizm ma swoje zalety i wady.

Wady impresjonizmu:

Francuski impresjonizm nie podniósł się problemy filozoficzne i nawet nie próbował przedostać się pod kolorową powierzchnię codzienności. Zamiast tego impresjonizm skupia się na powierzchowności, płynności chwili, nastroju, oświetleniu lub kącie widzenia.

Podobnie jak sztuka renesansu (renesans), impresjonizm opiera się na cechach i umiejętnościach postrzegania perspektywy. Jednocześnie wizja renesansu eksploduje udowodnioną subiektywnością i względnością ludzkiej percepcji, która nadaje kolor i tworzy autonomiczne składniki obrazu. Dla impresjonizmu to, co jest przedstawione na obrazie, nie jest tak ważne, ale ważne jest, jak jest to przedstawione.

Ich obrazy przedstawiały tylko pozytywne aspekty życia i nie naruszały problemy społeczne i unikał takich problemów, jak głód, choroby i śmierć. Doprowadziło to później do rozłamu wśród samych impresjonistów.

Zalety impresjonizmu:

Do zalet impresjonizmu jako ruchu należy demokracja. Przez bezwładność sztuka nawet w XIX wieku była uważana za monopol arystokratów i wyższych warstw ludności. Byli głównymi odbiorcami obrazów i pomników oraz byli głównymi odbiorcami obrazów i rzeźb. Historie z ciężka praca chłopów, tragiczne karty czasów nowożytnych, haniebne aspekty wojen, biedy i niepokojów społecznych zostały potępione, odrzucone i nie kupione. Krytyka bluźnierczej moralności społeczeństwa w obrazach Theodore’a Gericaulta i Francois Milleta znalazła odzew jedynie wśród zwolenników artystów i nielicznych znawców.

Impresjoniści zajęli w tej kwestii dość kompromisowe, pośrednie stanowisko. Biblijne, literackie, mitologiczne, tematy historyczne, nieodłącznie związany z oficjalnym akademizmem. Z drugiej strony żarliwie pragnęli uznania, szacunku, a nawet nagród. Charakterystyczną cechą jest działalność Edouarda Maneta, który przez lata zabiegał o uznanie i nagrody oficjalnego Salonu i jego administracji.

Zamiast tego wyłoniła się wizja codzienności i nowoczesności. Artyści często malowali ludzi w ruchu, podczas zabawy lub relaksu, przedstawiali wygląd określonego miejsca przy określonym oświetleniu, a motywem ich prac była także przyroda. Poruszano tematy flirtu, tańca, przebywania w kawiarni i teatrze, pływania łódką, na plażach i w ogrodach. Sądząc po obrazach impresjonistów, życie to ciąg małych świąt, przyjęć, przyjemnych chwil poza miastem lub w przyjaznym otoczeniu (kilka obrazów Renoira, Maneta i Claude'a Moneta). Impresjoniści jako jedni z pierwszych malowali w powietrzu, nie kończąc pracy w pracowni.

malarstwo Maneta impresjonizmu

Słowo „impresjonizm” pochodzi od francuskiego „impresja” – wrażenie. Jest to ruch malarski, który powstał we Francji w latach sześćdziesiątych XIX wieku. i w dużej mierze zdeterminowały rozwój sztuki w XIX wieku. Centralnymi postaciami tego ruchu byli Cezanne, Degas, Manet, Monet, Pissarro, Renoir i Sisley, a wkład każdego z nich w jego rozwój jest wyjątkowy. Impresjoniści przeciwstawiali się konwencjom klasycyzmu, romantyzmu i akademizmu, afirmowali piękno codziennej rzeczywistości, proste, demokratyczne motywy, osiągali żywą autentyczność obrazu, starali się uchwycić „wrażenie” tego, co oko widzi w danym momencie, bez skupiania się na na rysowaniu konkretnych szczegółów.

Wiosną 1874 roku grupa młodych malarzy, w skład której wchodzili Monet, Renoir, Pissarro, Sisley, Degas, Cezanne i Berthe Morisot, zaniedbała oficjalny Salon i zorganizowała własną wystawę. Taki akt sam w sobie był rewolucyjny i zrywał z wielowiekowymi fundamentami, jednak malarstwo tych artystów na pierwszy rzut oka wydawało się jeszcze bardziej wrogie tradycji. Reakcja odwiedzających i krytyków na tę innowację była daleka od przyjaznej. Zarzucali artystom, że malują tylko po to, by przyciągnąć uwagę publiczności, a nie jak uznani mistrzowie. Najbardziej pobłażliwi postrzegali swoją pracę jako kpinę, próbę ośmieszenia uczciwych ludzi. Minęły lata zaciętej walki, zanim uznani później klasycy malarstwa zdołali przekonać publiczność nie tylko o swojej szczerości, ale także o swoim talencie.

Próbując jak najdokładniej wyrazić swoje bezpośrednie wrażenia z rzeczy, impresjoniści stworzyli nową metodę malowania. Jego istotą było oddanie zewnętrznego wrażenia światła, cienia, refleksów na powierzchni przedmiotów za pomocą oddzielnych pociągnięć czystej farby, które wizualnie rozpuszczały formę w otaczającym środowisku świetlno-powietrznym. W swoich ulubionych gatunkach (pejzaż, portret, kompozycja wielopostaciowa) starali się przekazać ulotne wrażenia z otaczającego ich świata (sceny na ulicy, w kawiarni, szkice z niedzielnych spacerów itp.). Impresjoniści przedstawiali życie pełne naturalnej poezji, z którą człowiek jest w jedności środowisko, wiecznie zmienna, uderzająca bogactwem i blaskiem czystych, jasnych kolorów.

Po pierwszej wystawie w Paryżu artystów tych zaczęto nazywać impresjonistami Francuskie słowo„wrażenie” - „wrażenie”. To słowo pasowało do ich dzieł, ponieważ artyści przekazywali w nich bezpośrednie wrażenia z tego, co widzieli. Artyści przyjęli nowe podejście do przedstawiania świata. Motywem przewodnim było dla nich drżące światło, powietrze, w którym zdawały się zanurzać ludzie i przedmioty. Na ich obrazach można było poczuć wiatr, wilgotną ziemię nagrzaną słońcem. Starali się pokazać niesamowite bogactwo kolorów w naturze. Impresjonizm był ostatnim znaczącym ruchem w sztuce Francja XIX wiek.

Nie można powiedzieć, że droga artystów impresjonistów była łatwa. Początkowo nie zostali rozpoznani, ich malarstwo było zbyt odważne i niezwykłe, wyśmiewano ich. Nikt nie chciał kupować ich obrazów. Oni jednak uparcie poszli swoją drogą. Ani bieda, ani głód nie mogły zmusić ich do porzucenia swoich przekonań. Minęło wiele lat, wielu impresjonistów już nie żyło, gdy ich twórczość została w końcu rozpoznana.

Wszystko to jest bardzo różni artyściłączy wspólna walka z konserwatyzmem i akademizmem w sztuce. Impresjoniści zorganizowali osiem wystaw, ostatnia w 1886 roku. Na tym właściwie kończy się historia impresjonizmu jako nurtu w malarstwie, po którym każdy z artystów poszedł własną drogą.

Jeden z obrazów prezentowanych na pierwszej wystawie „Niezależnych”, jak woleli nazywać siebie sami artyści, należał do Claude'a Moneta i nosił tytuł „Impresja. Wschód słońca". W gazetowej recenzji wystawy, która ukazała się następnego dnia, krytyk L. Leroy na wszelkie możliwe sposoby naśmiewał się z braku „sztuczności formy” w obrazach, ironicznie pod każdym względem naginając słowo „wrażenie” (wrażenie), jakby zastępowanie prawdziwej sztuki w twórczości młodych artystów. Wbrew oczekiwaniom nowe, wypowiedziane z kpiną, słowo przyjęło się i posłużyło za nazwę całego ruchu, doskonale bowiem wyrażało to, co łączyło wszystkich uczestników wystawy – subiektywne doświadczenie koloru, światła, przestrzeni. Starając się jak najdokładniej oddać swoje bezpośrednie wrażenia z rzeczy, artyści uwolnili się od tradycyjnych zasad i stworzyli nową metodę malowania.

Impresjoniści wysunęli własne zasady postrzegania i przedstawiania otaczającego świata. Wymazali granicę między głównymi godnymi przedmiotami sztuka wysoka i obiekty drugorzędne, ustanowiły linię prostą między nimi i informacja zwrotna. W ten sposób metoda impresjonistyczna stała się maksymalnym wyrazem samej zasady malowniczości. Malarskie podejście do obrazu polega właśnie na identyfikowaniu powiązań przedmiotu z otaczającym go światem. Nowa metoda zmusił widza do rozszyfrowania nie tyle zwrotów akcji, ile tajemnic samego obrazu.

Istota impresjonistycznej wizji natury i jej przedstawiania polega na osłabieniu aktywnego, analitycznego postrzegania trójwymiarowej przestrzeni i jej sprowadzeniu do pierwotnej dwuwymiarowości płótna, wyznaczonej przez płaską postawę wizualną, jak ujął to: A. Hildebranda, „patrzenie z dystansu na przyrodę”, co prowadzi do odwrócenia ukazywanego przedmiotu od jego walorów materialnych, wtopienia się w otoczenie, niemal całkowitego przekształcenia go w „pozorność”, pozór rozpływający się w świetle i powietrzu. To nie przypadek, że P. Cezanne nazwał później liderem Francuscy impresjoniści Claude Monet „tylko okiem”. To „oderwanie” percepcji wzrokowej doprowadziło także do wygaszenia „koloru pamięci”, czyli powiązania koloru z nawykowymi pojęciami i skojarzeniami przedmiotowymi, według których niebo jest zawsze niebieskie, a trawa zielona. Impresjoniści mogli, w zależności od swojej wizji, pomalować niebo na zielono, a trawę na niebiesko. „Obiektywna wiarygodność” została poświęcona prawom percepcji wzrokowej. Na przykład J. Seurat z entuzjazmem opowiadał wszystkim, jak odkrył, że pomarańczowy przybrzeżny piasek w cieniu jest jasnoniebieski. Zatem metoda malowania opierała się na zasadzie kontrastowego postrzegania kolorów dopełniających.

Dla impresjonisty przeważnie nie jest ważne to, co przedstawia, ale „jak”. Obiekt staje się jedynie pretekstem do rozwiązywania problemów czysto obrazowych, „wizualnych”. Dlatego impresjonizm miał początkowo inną, później zapomnianą nazwę - „chromantyzm” (od greckiego Chroma - kolor). Impresjoniści zaktualizowali swoją kolorystykę, porzucili ciemne, ziemiste kolory i nałożyli na płótno czyste, spektralne kolory, niemal bez mieszania ich wcześniej na palecie. Naturalizm impresjonizmu polegał na tym, że najbardziej nieciekawe, zwyczajne, prozaiczne zamieniało się w piękne, gdy tylko artysta dostrzegł subtelne niuanse szarości i błękitu.

Charakteryzuje się zwięzłością i etiudą metoda twórcza impresjonizm. Przecież dopiero krótki szkic pozwolił na dokładne zarejestrowanie poszczególnych stanów natury. Impresjoniści jako pierwsi zerwali z tradycyjnymi zasadami przestrzennej konstrukcji obrazu, sięgającymi czasów renesansu i baroku. Zastosowali asymetryczne kompozycje, aby lepiej podkreślić interesujące ich postacie i przedmioty. Ale paradoks polegał na tym, że porzucił naturalizm sztuki akademickiej, burząc jej kanony i deklarując wartość estetyczna rejestrując wszystko, co ulotne, przypadkowe, impresjoniści pozostawali w niewoli myślenia naturalistycznego, a nawet, co więcej, pod wieloma względami był to krok wstecz. Można przywołać słowa O. Spenglera, że ​​„Krajobraz Rembrandta leży gdzieś w bezkresnych przestrzeniach świata, natomiast pejzaż Claude’a Moneta leży w pobliżu stacji kolejowej”

Dla mnie styl impresjonizmu jest przede wszystkim czymś zwiewnym, efemerycznym, nieubłaganie nieuchwytnym. To ten oszałamiający moment, którego oko ledwo ma czas uchwycić, a który następnie pozostaje w pamięci na długi czas jako moment najwyższej harmonii. Mistrzowie impresjonizmu słynęli z umiejętności łatwego przeniesienia tej chwili piękna na płótno, obdarowując ją namacalnymi doznaniami i subtelnymi wibracjami, które jak każda rzeczywistość powstają podczas interakcji z obrazem. Kiedy patrzysz na pracę wybitni artyści Ten styl zawsze pozostawia pewien posmak nastroju.

Impresjonizm(od impresja - impresja) to ruch artystyczny, który powstał we Francji pod koniec lat sześćdziesiątych XIX wieku. Jej przedstawiciele starali się w jak najbardziej naturalny i bezstronny sposób uchwycić realny świat w jego mobilności i zmienności oraz przekazać ulotne wrażenia. Szczególna uwaga zwrócono uwagę na transmisję koloru i światła.

Słowo „impresjonizm” pochodzi od tytułu obrazu Moneta „Impresja”. Wschód słońca, prezentowany na wystawie w 1874 roku. Mało znany dziennikarz Louis Leroy w swoim artykule nazwał artystów „impresjonistami”, aby wyrazić swoją pogardę. Jednak nazwa utknęła i straciła swoje pierwotne negatywne znaczenie.

Pierwsza ważna wystawa impresjonistów odbyła się od 15 kwietnia do 15 maja 1874 roku w pracowni fotografa Nadara. Zaprezentowano tam 30 artystów, w sumie 165 prac. Młodym artystom zarzucano „niedokończone” i „niechlujne malowanie”, brak smaku i sensu w swojej twórczości, „atak na prawdziwą sztukę”, buntownicze uczucia, a nawet niemoralność.

Czołowymi przedstawicielami impresjonizmu są Alfred Sisley i Frederic Bazille. Edouard Manet i Eduard Manet wystawiali wraz z nimi swoje obrazy. Joaquin Sorolla jest również uważany za impresjonistę.

Chyba najbardziej dominują krajobrazy i sceny z życia miejskiego charakterystyczne gatunki malarstwo impresjonistyczne - malowane „w plenerze”, tj. bezpośrednio z natury, a nie na podstawie szkiców i szkiców przygotowawczych. Impresjoniści uważnie przyglądali się naturze, zauważając kolory i odcienie zwykle niewidoczne, jak np. błękit w cieniach.

Ich metoda artystyczna polegało na rozłożeniu złożonych tonów na składowe czyste kolory widma. Rezultatem były kolorowe cienie i czysty, lekki, żywy obraz. Impresjoniści nakładali farbę osobnymi pociągnięciami, czasami stosując kontrastujące odcienie w jednym obszarze obrazu. Główną cechą malarstwa impresjonistycznego jest efekt żywego migotania kolorów.

Aby oddać zmiany w kolorze przedmiotu, impresjoniści zaczęli preferować stosowanie kolorów, które wzajemnie się wzmacniają: czerwonego i zielonego, żółtego i fioletowego, pomarańczowego i niebieskiego. Te same kolory tworzą efekt spójnego kontrastu. Na przykład, jeśli przez chwilę patrzymy na czerwień, a następnie przeniesiemy wzrok na biel, wyda nam się ona zielonkawa.

Impresjonizm nie podnosił problemów filozoficznych i nie próbował nawet przeniknąć pod kolorową powierzchnię codzienności. Zamiast tego artyści skupiają się na powierzchowności, płynności chwili, nastroju, oświetleniu czy kącie widzenia. Ich obrazy przedstawiały jedynie pozytywne strony życia, nie dotykając dotkliwych problemów społecznych.

Artyści często malowali ludzi w ruchu, podczas zabawy lub relaksu. Poruszano tematy flirtu, tańca, przebywania w kawiarni i teatrze, pływania łódką, na plażach i w ogrodach. Sądząc po obrazach impresjonistów, życie to ciągła seria małych wakacji, przyjęć, przyjemnych rozrywek poza miastem lub w przyjaznym otoczeniu.

Impresjonizm pozostawił po sobie bogatą spuściznę w malarstwie. Przede wszystkim jest to zainteresowanie problematyką koloru i techniki niestandardowe. Impresjonizm wyrażał pragnienie odnowy język artystyczny i zerwanie z tradycją, jako protest przeciwko żmudnej technice mistrzów szkoła klasyczna. Cóż, Ty i ja możemy teraz podziwiać te wspaniałe dzieła wybitnych artystów.