Japońskie malarstwo klasyczne ma długą i ciekawa historia. Sztuki piękne Japonii prezentowane są w różne style i gatunki, z których każdy jest wyjątkowy na swój sposób. Starożytne malowane figurki i motywy geometryczne znalezione na dzwonach dotaku z brązu i odłamkach ceramiki pochodzą z 300 roku naszej ery.
Buddyjska orientacja sztuki
W Japonii sztuka była dość dobrze rozwinięta malowanie ścian, w VI wieku szczególnie popularne były obrazy na temat filozofii buddyjskiej. Budowano wówczas w kraju duże świątynie, a ich ściany wszędzie zdobiono freskami namalowanymi na podstawie scen z mitów i legend buddyjskich. Starożytne przykłady malowideł ściennych nadal zachowały się w świątyni Horyuji w pobliżu japońskiego miasta Nara. Murale Horyuji przedstawiają sceny z życia Buddy i innych bogów. Styl artystyczny tych murali jest bardzo zbliżony do koncepcji malarskiej popularnej w Chinach w czasach dynastii Song.
Styl malarstwa dynastii Tang zyskał szczególną popularność w połowie okresu Nara. Freski odkryte w grobowcu Takamatsuzuki pochodzą z około VII wieku naszej ery z tego okresu. Technika artystyczna, ukształtowana pod wpływem dynastii Tang, stała się później podstawą gatunku malarskiego kara-e. Gatunek ten utrzymał swoją popularność aż do pojawienia się pierwszych dzieł w stylu Yamato-e. Większość fresków i malownicze arcydzieła należą do pędzli nieznanych autorów; dziś wiele dzieł z tego okresu znajduje się w skarbcu Sesoin.
Rosnący wpływ nowych szkół buddyjskich, takich jak Tendai, wpłynął na szerokie religijne zainteresowanie japońskiej sztuki pięknej w VIII i IX wieku. W X wieku, kiedy to nastąpił szczególny rozwój buddyzmu japońskiego, pojawił się gatunek raigozu, „malowidła powitalne”, które przedstawiały przybycie Buddy do Zachodniego Raju. Wczesne przykłady raigozu, datowane na 1053 rok, można zobaczyć w świątyni Bedo-in, która przetrwała w mieście Uji w prefekturze Kioto.
Zmiana stylu
W połowie okresu Heian chiński styl kara-e został zastąpiony gatunkiem Yamato-e, który przez długi czas stał się jednym z najpopularniejszych i poszukiwanych gatunków Malarstwo japońskie. Nowy styl obrazkowy stosowano głównie w malowaniu parawanów składanych i drzwi przesuwnych. Z biegiem czasu yamato-e przeniosło się również na poziome zwoje emakimono. Artyści pracujący w gatunku emaki starali się przekazać w swoich pracach całą emocjonalność wybranej fabuły. Zwój Genjiego Monogatari składał się z kilku połączonych ze sobą odcinków, w których ówcześni artyści używali szybkich pociągnięć pędzla i jasnych, wyrazistych kolorów.
E-maki to jeden z najstarszych i najbardziej znanych przykładów otoko-e, gatunku reprezentacji. męskie portrety. Portrety kobiet przydzielony do odrębnego gatunku onna-e. Pomiędzy tymi gatunkami zresztą, podobnie jak między mężczyznami i kobietami, widać dość znaczne różnice. Styl onna-e jest barwnie reprezentowany w projekcie Tale of Genji, którego głównym tematem rysunków są tematy romantyczne i sceny z życia dworskiego. Dominuje męski styl otoko-e obraz artystyczny bitwy historyczne i inne ważne wydarzenia w życiu imperium.
Klasyczna japońska szkoła artystyczna stała się podatnym gruntem dla rozwoju i promocji idei sztuka współczesna Japonia, w której dość wyraźnie widać wpływy popkultury i anime. Jeden z najsłynniejszych japońskich artystów naszych czasów można nazwać Takashi Murakami, którego twórczość poświęcona jest przedstawianiu scen z życia Japonii. okres powojenny oraz koncepcja maksymalnej fuzji piękna sztuka i głównego nurtu.
Od znanych japońskich artystów szkoła klasyczna możemy wymienić następujące.
Spięty Xubun
Syubun pracował na początku XV wieku, poświęcając wiele czasu na studiowanie dzieł chińskich mistrzów z dynastii Song, człowiek ten stał u początków japońskiej gatunek wizualny. Shubun jest uważany za twórcę monochromatycznego malarstwa tuszem w stylu sumi-e. Dołożył wszelkich starań, aby spopularyzować nowy gatunek, czyniąc z niego jedną z wiodących dziedzin malarstwa japońskiego. Uczniami Subuna było wielu artystów, którzy później stali się sławni, w tym Sesshu i założyciel słynnej szkoły artystycznej Kano Masanobu. Xubunowi przypisywano wiele krajobrazów, ale jego najsłynniejsze dzieło jest tradycyjnie uważane za „Czytanie w gaju bambusowym”.
Ogata Korin (1658-1716)
Ogata Korin to jeden z najwybitniejszych artystów w historii malarstwa japońskiego, założyciel i jeden z najwybitniejszych przedstawicieli stylu artystycznego rimpa. Korine odważnie odchodził w swoich pracach od tradycyjnych stereotypów, tworząc własne własny styl, których głównymi cechami były małe formy i jasny impresjonizm fabuły. Korin znany jest ze swojej szczególnej umiejętności przedstawiania natury i pracy z abstrakcyjnymi kompozycjami kolorystycznymi. „Kwiat śliwy czerwono-biały” jest jednym z najbardziej popularnych słynne dzieła Znane są także Ogata Korina, jego obrazy „Chryzantemy”, „Fale Matsushima” i wiele innych.
Hasegawa Tohaku (1539-1610)
Tohaku jest założycielem japońskiej szkoły artystycznej Hasegawa. Wczesny okres twórczości Tohaku charakteryzuje się wpływem słynnej szkoły malarstwa japońskiego 
Kano, jednak z biegiem czasu artysta wykształcił swój własny, niepowtarzalny styl. Pod wieloma względami twórczość Tohaku była pod wpływem dzieł uznanego mistrza Sesshu; Hosegawa uważał się nawet za piątego następcę tego wielkiego mistrza. Światową sławę zyskał obraz Hasegawy Tohaku „Sosny”; znane są także jego prace „Klon”, „Sosny i rośliny kwitnące” i inne.
Kano Eitoku (1543-1590)
Dominował styl szkoły Kano sztuki piękne Japonia ma około cztery wieki, a Eitoku Kano jest być może jednym z najbardziej znanych i wybitnych przedstawicieli tej szkoły artystycznej. Eitoku cieszył się przychylnością władz, mecenat arystokratów i zamożnych mecenasów nie mógł nie przyczynić się do wzmocnienia jego szkoły i popularności jego dzieł, niewątpliwie bardzo utalentowany artysta. Ośmipanelowy przesuwany ekran Cypress, namalowany przez Eitoku Kano, to prawdziwe arcydzieło świecący przykład zakres i siła stylu Monoyama. Nie mniej interesująco wyglądają inne prace mistrza, takie jak „Ptaki i drzewa czterech pór roku”, „Chińskie lwy”, „Pustelnicy i wróżka” i wiele innych.
Katsushika Hokusai (1760-1849)
Hokusai – największy mistrz gatunek ukiyo-e (drzeworyt japoński). Otrzymano kreatywność Hokusai globalne uznanie, jego sława w innych krajach nie jest porównywalna ze sławą większości artystów azjatyckich, jego twórczość” Wielka fala w Kanagawie” stało się czymś w rodzaju wizytówka Sztuka japońska na światowej scenie artystycznej. Na własną rękę ścieżka twórcza Hokusai posługiwał się ponad trzydziestoma pseudonimami; po sześćdziesiątce artysta całkowicie poświęcił się sztuce i to właśnie ten czas jest uważany za najbardziej popularny owocny okres jego twórczość. Twórczość Hokusai wywarła wpływ na twórczość zachodnich mistrzów impresjonizmu i okresu postimpresjonistycznego, w tym na twórczość Renoira, Moneta i van Gogha.
Malarstwo japońskie jest jednym z najpiękniejszych na świecie.
Malarstwo japońskie jest jedną z najstarszych i niesamowitych form kreatywności. Jak każdy inny, ma swoją długą historię, którą można podzielić na kilka okresów według technik i cech. Cechą wspólną wszystkich epok jest przyroda, której w obrazach poświęcono główne miejsce. Na drugim miejscu pod względem popularności w sztukach pięknych Japonii znajdują się codzienne sceny z życia.
Yamato
Yamato(VI – VII w.) – pierwszy okres sztuki japońskiej, który położył podwaliny pod pisanie. Rozwój sztuki nabrał tempa dzięki osiągnięciom Chin w dziedzinie religii i pisarstwa. Japonia starała się wznieść na jego poziom, dokonując zmian w swojej strukturze i budując wszystko na obraz Chin. Aby rozwinąć malarstwo, do Japonii sprowadzono ogromną liczbę dzieł chińskich mistrzów, co zainspirowało Japończyków, którzy odważnie rzucili się do tworzenia podobnych obrazów.
Malowidło w grobowcu Takamatsuzuki
Okres ten składa się z dwóch okresów potomnych:
- Kofun- okres Sztuka japońska, zajmujący pierwszą połowę Yamato. Nazwę tego okresu tłumaczy się jako „okres kopca”. Rzeczywiście, w tamtych czasach kopce odgrywały dużą rolę, tworząc je wszędzie.
- Asuki- druga część ery Yamato. Okres ten został nazwany na cześć działającego w tamtych latach centrum politycznego kraju. Jest to związane z przybyciem buddyzmu do Japonii, a następnie z aktywnym rozwojem wszystkich obszarów kulturowych.
Nara
Buddyzm, który przybył z Chin, aktywnie rozprzestrzenił się w Japonii, co przyczyniło się do pojawienia się tematów religijnych w sztuce. Japońscy artyści zafascynowani tym tematem malowali ściany świątyń, które tworzyły wpływowe osobistości. Dziś w świątyni Horyu-ji zachowały się malowidła ścienne z tamtego okresu.
Azuchi-Momoyama
Okres ten jest całkowitym przeciwieństwem swojego poprzednika. Ciemność i monochromatyczność opuszczają prace, ustępując miejsca jaskrawym kolorom oraz zastosowaniu w obrazach złota i srebra.
Cyprys. Ekran. Kano Eitoku.
Meiji
W XIX wieku rozpoczął się podział malarstwa japońskiego na style tradycyjne i europejskie, które energicznie ze sobą konkurowały. W tym okresie w Japonii zaszły ogromne zmiany polityczne. Wpływ Europy w tamtych latach wpłynął na prawie każdy zakątek planety, wprowadzając swoje własne cechy do każdego państwa. Europejski styl sztuka była aktywnie wspierana przez władze, odrzucając dawne tradycje. Wkrótce jednak podekscytowanie malarstwem zachodnim szybko opadło i gwałtownie powróciło zainteresowanie sztuką tradycyjną.
Rozwój malarstwa japońskiego aktualizacja: 15 września 2017 r. przez: Walentyna
Ma bardzo bogatą historię; jego tradycja jest rozległa, a wyjątkowa pozycja Japonii na świecie ma ogromny wpływ na dominujące style i techniki japońskich artystów. Powszechnie wiadomo, że Japonia przez wiele stuleci była dość izolowana, nie tylko ze względu na położenie geograficzne, ale także z powodu dominującej japońskiej tendencji kulturowej do izolacji, która naznaczyła historię kraju. Przez stulecia istnienia tego, co moglibyśmy nazwać „cywilizacją japońską”, kultura i sztuka rozwijały się oddzielnie od tych w pozostałej części świata. I jest to nawet zauważalne w praktyce malarstwa japońskiego. Na przykład obrazy Nihonga należą do głównych dzieł japońskiej praktyki malarskiej. Opiera się na ponad tysiącletniej tradycji, a obrazy powstają najczęściej za pomocą pędzli na papierze Vashi (papier japoński) lub Eginie (jedwab).
Jednak japońska sztuka i malarstwo pozostają pod wpływem zagranicznych praktyk artystycznych. Po pierwsze, była to sztuka chińska XVI wieku oraz malarstwo chińskie i tradycja sztuki chińskiej, które wywarły szczególny wpływ pod kilkoma względami. Od XVII wieku wpływ miało także malarstwo japońskie Tradycje zachodnie. Szczególnie w okresie przedwojennym, który trwał od 1868 do 1945 roku, na malarstwo japońskie wpływał impresjonizm i europejski romantyzm. Jednocześnie na nowe europejskie ruchy artystyczne znaczący wpływ miały japońskie techniki artystyczne. W historii sztuki wpływ ten nazywany jest „japoństwem” i ma szczególne znaczenie dla impresjonistów, kubistów i artystów kojarzonych z modernizmem.
Długa historia Malarstwo japońskie można postrzegać jako syntezę kilku tradycji, które tworzą elementy uznanej japońskiej estetyki. Przede wszystkim sztuka buddyjska i metody malarskie, a także malarstwo religijne, pozostawił znaczący ślad w estetyce malarstwa japońskiego; malowanie pejzaży tuszem wodnym w tradycji chińskiego malarstwa literackiego – kolejne ważny element, rozpoznawalny na wielu znanych japońskich obrazach; z kompozycjami japońskimi zwykle kojarzy się malarstwo zwierząt i roślin, zwłaszcza ptaków i kwiatów, podobnie jak pejzaże i sceny z życie codzienne. Wreszcie, starożytne idee piękna zaczerpnięte z filozofii i kultury starożytnej Japonii wywarły ogromny wpływ na malarstwo japońskie. Wabi, co oznacza przemijające i surowe piękno, sabi (piękno naturalnej patyny i starzenia) oraz yugen (głęboki wdzięk i subtelność) w dalszym ciągu wpływają na ideały w praktyce malarstwa japońskiego.
Na koniec, jeśli skoncentrujemy się na wyborze dziesięciu najsłynniejszych japońskich arcydzieł, nie sposób nie wspomnieć o ukiyo-e, które jest jednym z najpopularniejszych gatunków sztuki w Japonii, mimo że należy do grafiki. Dominował w sztuce japońskiej od XVII do XIX wieku, a artyści należący do tego gatunku tworzyli drzeworyty i obrazy o tematyce m.in. piękne dziewczyny, aktorzy kabuki i zapaśnicy sumo, a także sceny z historii i opowieści ludowe, sceny z podróży i krajobrazy, flora i fauna, a nawet erotyka.
Zawsze trudno jest stworzyć listę najlepsze obrazy z tradycji artystycznych. Wiele niesamowitych dzieł zostanie wykluczonych; jednak na tej liście znajduje się dziesięć najbardziej rozpoznawalnych japońskich obrazów na świecie. W artykule zaprezentowane zostaną jedynie obrazy powstałe od XIX wieku do współczesności.
Malarstwo japońskie ma niezwykle bogatą historię. Na przestrzeni wieków japońscy artyści opracowali dużą liczbę unikalne techniki i style, które stanowią najcenniejszy wkład Japonii w świat sztuki. Jedną z takich technik jest sumi-e. Sumi-e dosłownie oznacza „rysunek tuszem” i łączy kaligrafię i malowanie tuszem, tworząc rzadkie piękno kompozycji rysowanych pędzlem. To piękno jest paradoksalne - starożytne, ale nowoczesne, proste, ale złożone, odważne, ale stonowane, niewątpliwie odzwierciedlające duchowe podstawy sztuki buddyzmu zen. Kapłani buddyjscy sprowadzili do Japonii bloki stałego atramentu i pędzle bambusowe z Chin w VI wieku, a w ciągu ostatnich 14 wieków Japonia rozwinęła bogate dziedzictwo malarstwa tuszem.
Przewiń w dół i zobacz 10 arcydzieł malarstwa japońskiego
1. Katsushika Hokusai „Sen żony rybaka”
Jednym z najbardziej rozpoznawalnych japońskich obrazów jest „Sen żony rybaka”. Został napisany w 1814 roku znany artysta Hokusai. Jeśli będziesz przestrzegać ścisłych definicji, to niesamowita praca Hokusai nie można uznać za obraz, gdyż jest to drzeworyt z gatunku ukiyo-e z książki Młode sosny (Kinoe no Komatsu), będącej trzytomową księgą shunga. Kompozycja przedstawia młodego nurka ama splecionego seksualnie z parą ośmiornic. Obraz ten wywarł duży wpływ na XIX i XX wiek. Praca miała większy wpływ późni artyści tacy jak Félicien Rops, Auguste Rodin, Louis Aucock, Fernand Knopf i Pablo Picasso.
2. Tessai Tomioka „Abe no Nakamaro pisze nostalgiczny wiersz, obserwując księżyc”
Tessai Tomioka to pseudonim słynnego japońskiego artysty i kaligrafa. Uważany jest za ostatniego ważnego artystę tradycji bunjing i jednego z pierwszych głównych artystów stylu Nihonga. Bunjinga była szkołą malarstwa japońskiego, która rozkwitła pod koniec epoki Edo wśród artystów uważających się za literatów lub intelektualistów. Każdy z tych artystów, łącznie z Tessaya, wypracował swój własny styl i technikę, ale wszyscy byli wielkimi fanami sztuka chińska i kultura.
3. Fujishima Takeji „Wschód słońca nad Morzem Wschodnim”
Fujishima Takeji był japońskim artystą znanym z pracy nad rozwojem romantyzmu i impresjonizmu w ruchu artystycznym jogi (w stylu zachodnim) w koniec XIX- początek XX wieku. W 1905 roku udał się do Francji, gdzie pozostawał pod wpływem ówczesnych ruchów francuskich, zwłaszcza impresjonizmu, co widać na obrazie Wschód słońca nad Morzem Wschodnim namalowanym w 1932 roku.
4. Kitagawa Utamaro „Dziesięć typów kobiecych twarzy, zbiór rządzących piękności”
Kitagawa Utamaro był wybitnym japońskim artystą, który urodził się w 1753 r., a zmarł w 1806 r. Z pewnością najbardziej znany jest z serialu „Dziesięć typów kobiecych twarzy. Kolekcja rządzących piękności, motywów wielka miłość poezja klasyczna” (czasami nazywana „Zakochanymi kobietami”, zawierająca osobne ryciny „Miłość naga” i „Miłość zamyślona”). Jest jednym z najważniejszych artystów należących do gatunku drzeworytu ukiyo-e.
5. Kawanabe Kyosai „Tygrys”
Kawanabe Kyosai był jednym z najsłynniejszych japońskich artystów okresu Edo. Na jego twórczość wpłynęła twórczość Tohaku, XVI-wiecznego malarza ze szkoły Kano, który jako jedyny artysta swoich czasów malował ekrany w całości tuszem na delikatnym tle sproszkowanego złota. Chociaż Kyosai jest znany jako rysownik, napisał kilka z nich słynne obrazy V Historia Japonii sztuka XIX wieku wiek. „Tygrys” to jeden z tych obrazów, do stworzenia których Kyosai użył akwareli i tuszu.
6. Hiroshi Yoshida „Fuji znad jeziora Kawaguchi”
Hiroshi Yoshida jest znany jako jedna z głównych postaci stylu Shin-hanga (Shin-hanga to ruch artystyczny w Japonii początku XX wieku, w okresie Taisho i Showa, który odrodził się sztuka tradycyjna ukiyo-e, które zakorzeniło się w okresach Edo i Meiji (XVII - XIX wiek)). Szkolił się w tradycji zachodniego malarstwa olejnego, przejętego z Japonii w okresie Meiji.
7. Takashi Murakami „727”
Takashi Murakami jest prawdopodobnie najpopularniejszym japońskim artystą naszych czasów. Jego prace sprzedają się za astronomiczne ceny. główne aukcje, a kreatywność już inspiruje nowe pokolenia artystów nie tylko w Japonii, ale także za granicą. Sztuka Murakamiego obejmuje szereg mediów i jest zwykle opisywana jako superpłaska. Jego prace znane są z używania koloru, włączając motywy z japońskiej kultury tradycyjnej i popularnej. Treść jego obrazów często określana jest jako „urocza”, „psychedeliczna” lub „satyryczna”.
8. Yayoi Kusama „Dynia”
Yaoi Kusama to także jeden z najbardziej znanych japońskich artystów. Tworzy w różne techniki, w tym malarstwo, kolaż, rzeźba scat, performance, sztuka środowiskowa i instalacja, z których większość ukazuje jej tematyczne zainteresowanie psychodelicznym kolorem, powtórzeniem i wzorem. Jedną z najbardziej znanych serii tego wielkiego artysty jest seria „Dynia”. Na siatkowym tle pokryta wzorem w kropki zwykła dynia w kolorze jasnożółtym. Łącznie wszystkie te elementy tworzą język wizualny, który jest niewątpliwie wierny stylowi artysty i był rozwijany i udoskonalany przez dziesięciolecia żmudnej produkcji i reprodukcji.
9. Tenmyoya Hisashi „Japoński duch nr 14”
Tenmyoya Hisashi to współczesny japoński artysta znany ze swoich obrazów w stylu neo-nihonga. Brał udział w odrodzeniu stara tradycja Malarstwo japońskie, będące całkowitym przeciwieństwem współczesnego malarstwa japońskiego. W 2000 roku stworzył także swój nowy styl butouha, który świadczy o silnym stosunku do władzy systemie artystycznym poprzez swoje obrazy. „Japanese Spirit No. 14” powstał w ramach programu artystycznego „BASARA”, interpretowanego w Kultura japońska jak buntownicze zachowanie niższej arystokracji w okresie Walczących Królestw, polegające na odmawianiu rządzącym możliwości osiągnięcia idealnego stylu życia poprzez ubieranie się w wystawne i luksusowe ubrania oraz działanie z wolnej woli, niezgodne z ich klasą społeczną.
10. Katsushika Hokusai „Wielka fala u wybrzeży Kanagawy”
Wreszcie Wielka fala w Kanagawie jest prawdopodobnie najbardziej rozpoznawalnym japońskim obrazem, jaki kiedykolwiek namalowano. To właściwie najwięcej słynne dzieło sztuka stworzona w Japonii. Przedstawia ogromne fale zagrażające łodziom u wybrzeży prefektury Kanagawa. Choć czasami mylona jest z tsunami, fala, jak sugeruje tytuł obrazu, jest najprawdopodobniej po prostu nienormalnie wysoka. Obraz wykonany jest w tradycji ukiyo-e.
Od:
Sztuka i projektowanie
2702
01.02.18 09:02
Dzisiejsze scena artystyczna Japonia jest bardzo różnorodna i prowokacyjna: patrząc na twórczość mistrzów z tego kraju Wschodzące Słońce, uznasz, że przybyłeś na inną planetę! Tutaj mieszkają innowatorzy, którzy zmienili „krajobraz” branży w skali globalnej. Oto lista 10 współczesnych japońskich artystów i ich dzieł, od niesamowitych stworzeń Takashiego Murakamiego (który dzisiaj obchodzi swoje urodziny) po kolorowy wszechświat Kusama.
Od futurystycznych światów po kropkowane konstelacje: współcześni japońscy artyści
Takashi Murakami: tradycjonalista i klasyk
Zacznijmy od bohatera okazji! Takashi Murakami to jeden z najbardziej znanych współczesnych artystów japońskich, tworzący obrazy, wielkoformatowe rzeźby i modne ubrania. Styl Murakamiego jest inspirowany mangą i anime. Jest założycielem ruchu Superflat, wspierającego Japonię tradycje artystyczne i powojennej kultury kraju. Murakami wypromował wielu swoich rówieśników, z niektórymi z nich także dzisiaj się spotkamy. „Subkulturowe” dzieła Takashiego Murakamiego prezentowane są na artystycznych rynkach mody i sztuki. Jego prowokacyjny film Mój samotny kowboj (1998) został sprzedany w Nowym Jorku w Sotheby's w 2008 roku za rekordową kwotę 15,2 miliona dolarów. Murakami współpracował ze znanymi na całym świecie markami Marc Jacobs, Louis Vuitton i Issey Miyake.
Spokojnie Ashima i jej surrealistyczny wszechświat
Chicho Ashima, członkini firmy producenckiej Kaikai Kiki i ruchu Superflat (oba założone przez Takashiego Murakamiego), znana jest ze swoich fantastycznych pejzaży miejskich i dziwnych popowych stworzeń. Artystka tworzy surrealistyczne sny zamieszkane przez demony, duchy, młode piękności, ukazane na tle dziwacznej przyrody. Jej prace są zazwyczaj wielkoformatowe i drukowane na papierze, skórze i plastiku. W 2006 roku ten współczesny japoński artysta brał udział w Art on the Underground w Londynie. Stworzyła dla platformy 17 kolejnych łuków – magiczny krajobraz stopniowo zmieniał się z dziennego w nocny, z miejskiego na wiejski. Ten cud zakwitł na stacji metra Gloucester Road.
Chiharu Shima i niekończące się wątki
Inny artysta, Chiharu Shiota, pracuje na dużą skalę wskazówki wizualne na konkretne atrakcje. Urodziła się w Osace, ale obecnie mieszka w Niemczech - w Berlinie. Głównymi tematami jej prac są zapomnienie i pamięć, sny i rzeczywistość, przeszłość i teraźniejszość, a także konfrontacja lęku. Najbardziej słynne dzieła Chiharu Shiota – nieprzeniknione sieci czarnej nici, pokrywające wiele przedmiotów użytku domowego i osobistego – m.in. stare krzesła, suknia ślubna, spalony fortepian. Latem 2014 roku Shiota związała podarowane buty i botki (których było ponad 300) nitkami czerwonej przędzy i powiesiła je na haczykach. Pierwsza wystawa Chiharu w stolicy Niemiec odbyła się podczas Berlin Art Week w 2016 roku i wywołała sensację.
Hej Arakawa: wszędzie i nigdzie
Inspiracją dla Hei Arakawy są stany zmian, okresy niestabilności, elementy ryzyka, a jego instalacje często symbolizują motywy przyjaźni i praca zbiorowa. Credo współczesnego japońskiego artysty określa performatywne, nieokreślone „wszędzie, ale nigdzie”. Jego dzieła pojawiają się m.in nieoczekiwane miejsca. W 2013 roku prace Arakawy były prezentowane na Biennale w Wenecji oraz na wystawie japońskiej sztuki współczesnej w Mori Museum of Art (Tokio). Instalacja Hawaiian Presence (2014) była wspólny projekt z nowojorską artystką Carissą Rodriguez i brał udział w Biennale w Whitney. Również w 2014 roku Arakawa i jego brat Tomu, występujący jako duet United Brothers, zaoferowali odwiedzającym Frieze London swoje „dzieło” „The This Soup Taste Ambivalent” z „radioaktywnymi” warzywami korzeniowymi Fukushima daikon.
Koki Tanaka: Relacje i powtórzenia
W 2015 roku Koki Tanaka została uznana za „Artystę Roku”. Tanaka bada wspólne doświadczenie kreatywności i wyobraźni, zachęca do wymiany między uczestnikami projektów i opowiada się za nowymi zasadami współpracy. Jej instalacja w pawilonie japońskim na Biennale w Wenecji w 2013 roku składała się z filmów wideo przedstawiających obiekty, które przekształciły przestrzeń w platformę wymiany artystycznej. Instalacje Kokiego Tanaki (nie mylić z jego pełnym imiennikiem aktorem) ilustrują relacje między obiektami i akcjami, np. w filmie znajdują się nagrania prostych gestów wykonywanych zwykłymi przedmiotami (nóż krojący warzywa, nalewanie piwa do szklanki , otwieranie parasola). Nie dzieje się nic znaczącego, ale obsesyjna powtarzalność i dbałość o najdrobniejsze szczegóły sprawiają, że widz docenia przyziemność.
Mariko Mori i opływowe kształty
Inna współczesna japońska artystka, Mariko Mori, „wyczarowuje” obiekty multimedialne, łącząc wideo, fotografie i obiekty. Charakteryzuje ją minimalistyczna, futurystyczna wizja i eleganckie, surrealistyczne formy. Powracającym tematem w twórczości Moriego jest zestawienie zachodniej legendy z Kultura zachodnia. W 2010 roku Mariko założyła Fundację Fau, edukacyjną fundację kulturalną organizacja non-profit, dla którego wyprodukowała serię jej instalacje artystyczne na cześć sześciu zamieszkałych kontynentów. Ostatnio nad malowniczym wodospadem w Resende niedaleko Rio de Janeiro powstała stała instalacja Fundacji „Pierścień: Jedność z Naturą”.
Ryoji Ikeda: synteza dźwięku i wideo
Ryoji Ikeda to artysta nowych mediów i kompozytor, którego twórczość zajmuje się przede wszystkim dźwiękiem w różnych „surowych” stanach, od fal sinusoidalnych po szum wykorzystujący częstotliwości na granicy ludzkiego słuchu. Jego immersyjne instalacje obejmują generowane komputerowo dźwięki, które wizualnie przekształcane są w projekcje wideo lub cyfrowe wzory. Sztuka audiowizualna Ikedy wykorzystuje skalę, światło, cień, głośność, elektroniczne dźwięki i rytm. Słynny obiekt testowy artysty składa się z pięciu projektorów oświetlających obszar o długości 28 metrów i szerokości 8 metrów. Konfiguracja konwertuje dane (tekst, dźwięki, zdjęcia i filmy) na kody kreskowe i wzorce binarne zer i jedynek.
Liczniki Tatsuo Miyajima i LED
Współczesny japoński rzeźbiarz i twórca instalacji Tatsuo Miyajima wykorzystuje w swojej sztuce obwody elektryczne, wideo, komputery i inne gadżety. Podstawowe koncepcje Miyajimy inspirowane są ideami humanistycznymi i naukami buddyjskimi. Liczniki LED w jego instalacjach migają w sposób ciągły i powtarzalny od 1 do 9, symbolizując podróż od życia do śmierci, unikając jednak ostateczności reprezentowanej przez 0 (zero nigdy nie pojawia się w pracach Tatsuo). Wszechobecne liczby w siatkach, wieżach i diagramach wyrażają zainteresowanie Miyajimy ideami ciągłości, wieczności, połączenia oraz przepływu czasu i przestrzeni. Niedawno „Strzałka czasu” Miyajimy została zaprezentowana na inauguracyjnej wystawie „Niedokończone myśli widoczne w Nowym Jorku”.
Nara Yoshimoto i złe dzieci
Nara Yoshimoto tworzy obrazy, rzeźby i rysunki przedstawiające dzieci i psy – tematy, które odzwierciedlają dziecięce poczucie nudy i frustracji oraz dziką niezależność, która przychodzi naturalnie małym dzieciom. Estetyka twórczości Yoshimoto nawiązuje do tradycji ilustracje książkowe, to mieszanka niespokojnego napięcia i zamiłowania artysty do punk rocka. W 2011 roku w Asia Society Museum w Nowym Jorku odbyła się pierwsza indywidualna wystawa Yoshimoto zatytułowana „Yoshitomo Nara: Nothing’s Fool”, obejmująca 20-letnią karierę współczesnego japońskiego artysty. Eksponaty były ściśle powiązane z globalnymi subkulturami młodzieżowymi i ich wyobcowaniem protest.
Yayoi Kusama i przestrzeń przybierająca dziwne formy
Niesamowity twórcza biografia Yayoi Kusamy obejmuje siedem dekad. W tym czasie niesamowitej Japonce udało się studiować malarstwo, grafikę, kolaż, rzeźbę, kino, grawerowanie, sztukę ochrony środowiska, instalację, a także literaturę, modę i projektowanie ubiorów. Kusama rozwinęła bardzo charakterystyczny styl sztuki kropkowej, który stał się jej znakiem rozpoznawczym. Iluzoryczne wizje ukazane w twórczości 88-letniej Kusamy – gdzie świat wydaje się być pokryty rozległymi, dziwacznymi formami – są wynikiem halucynacji, których doświadczała od dzieciństwa. Pokoje z kolorowymi kropkami i lustrami „nieskończoności” odbijającymi ich skupiska są rozpoznawalne i nie da się ich pomylić z niczym innym.
Hokusai, XVIII-wieczny japoński artysta, stworzył zawrotną liczbę grafika. Hokusai pracował do późnej starości, niezmiennie twierdząc, że „wszystko, co zrobił przed 70. rokiem życia, nie było warte uwagi i nie było warte uwagi”.
Być może najsłynniejszy japoński artysta na świecie, zawsze wyróżniał się na tle współczesnych swoim zainteresowaniem życiem codziennym. Zamiast przedstawiać efektowne gejsze i bohaterskich samurajów, Hokusai malował robotników, rybaków i miejskie sceny rodzajowe, które nie były jeszcze przedmiotem zainteresowania sztuki japońskiej. Przyjął także europejskie podejście do kompozycji.
Tutaj ostateczna lista kluczowe terminy, które pomogą Ci trochę poruszać się po twórczości Hokusai.
1 Ukiyo-e to grafiki i obrazy popularne w Japonii od XVII do XIX wieku. Ruch w japońskiej sztuce pięknej, który rozwinął się od okresu Edo. Termin ten pochodzi od słowa „ukyo”, co oznacza „zmienny świat”. Uikiye jest aluzją do hedonistycznych radości rozwijającej się klasy kupieckiej. W tym kierunku Hokusai jest najbardziej znanym artystą.
Hokusai przez całe życie używał co najmniej trzydziestu pseudonimów. Mimo że używanie pseudonimów było powszechną praktyką wśród ówczesnych artystów japońskich, pod względem liczby pseudonimów znacznie przewyższał innych znaczących autorów. Pseudonimy Hokusai są często używane do periodyzacji etapów jego twórczości.
2 Okres Edo to okres pomiędzy 1603 a 1868 rokiem w historii Japonii, kiedy odnotowano rozwój gospodarczy oraz nowe zainteresowanie sztuką i kulturą.
3 Shunrō to pierwszy z pseudonimów Hokusai.
4 Shunga dosłownie oznacza „obraz wiosny”, a „wiosna” to japoński slang określający seks. Są to zatem ryciny o charakterze erotycznym. Tworzyli je najbardziej szanowani artyści, w tym Hokusai.
5 Surimono. Najnowsze „surimono”, jak nazywano te niestandardowe nadruki, odniosło ogromny sukces. W przeciwieństwie do wydruków ukiyo-e, które były przeznaczone dla masowego odbiorcy, surimono rzadko było sprzedawane ogółowi społeczeństwa.
6 Góra Fuji to symetryczna góra, która jest najwyższą w Japonii. Przez lata zainspirował wielu artystów i poetów, w tym Hokusai, który opublikował serię ukiyo-e „Trzydzieści sześć widoków na górę Fuji”. Seria ta obejmuje najsłynniejsze grafiki Hokusai.
7 Japonizm to trwały wpływ, jaki Hokusai wywarł na kolejne pokolenia zachodnich artystów. Japonisme to styl inspirowany żywymi kolorami nadruków ukiyo-e, brakiem perspektywy i eksperymentami kompozycyjnymi.
