Zbiory moskiewskich muzeów i galerii należą do najbogatszych na świecie. Ponad 150 lat temu Rosyjscy filantropi a kolekcjonerzy zaczęli gromadzić najsłynniejsze obrazy świata, unikatowe dzieła artystyczne, nie szczędząc pieniędzy ani czasu na poszukiwanie talentów. Abyś nie zagubił się w dziesiątkach tysięcy prezentowanych obrazów, wybraliśmy dla Ciebie słynne obrazy świata prezentowane w muzeach i galeriach w Moskwie

Państwowa Galeria Trietiakowska

„Bogatyrs”, Wiktor Wasniecow, 1881-1898.

Przez prawie dwadzieścia lat Wiktor Michajłowicz pracował nad jednym z największych dzieł sztuki w Rosji, arcydziełem, które stało się symbolem potęgi narodu rosyjskiego. Wasnetsow uważał ten obraz za swój twórczy obowiązek, obowiązek wobec ojczyzny. W centrum obrazu znajdują się trzej główni bohaterowie rosyjskich eposów: Dobrynya Nikitich, Ilya Muromets i Alyosha Popovich. Prototypem Aloszy Popowicza był najmłodszy syn Savvy Mamontowa, ale Dobrynya Nikitich - obraz zbiorowy sam artysta, jego ojciec i dziadek.

Zdjęcie: wikimedia.org

„Nieznany”, Iwan Kramskoj, 1883

Mistyczny obraz, spowity aurą tajemnicy. Wielokrotnie zmieniała właścicieli, gdyż kobiety twierdziły, że przebywając długo w pobliżu tego portretu, tracą młodość i urodę. Co ciekawe, nawet Paweł Tretiakow nie chciał go kupić do swojej kolekcji, a dzieło pojawiło się w galerii dopiero w 1925 roku w wyniku nacjonalizacji zbiorów prywatnych. Dopiero w czasach sowieckich „Nieznany” Kramskoja został uznany za ideał piękna i duchowości. W tle obrazu łatwo rozpoznać Newski Prospekt, a właściwie Most Aniczkowa, po którym z wdziękiem przejeżdża „nieznana kobieta” w eleganckim powozie. Kim jest ta dziewczyna? Kolejna tajemnica pozostawiona przez artystę. Kramskoj nie pozostawił żadnej wzmianki o jej osobowości ani w swoich listach, ani w pamiętnikach, a wersje są różne: od córki autora po Annę Kareninę Tołstoja.

Zdjęcie: Dreamwidth.org

„Rano w las sosnowy„, Iwan Szyszkin i Konstantin Sawicki, 1889

Niewiele osób wie, że oprócz Iwana Szyszkina w tworzeniu tego obrazu brała udział inna znana osoba. Rosyjski artysta, którego podpis pod naciskiem Pawła Tretiakowa został usunięty. Iwan Iwanowicz, który miał wyjątkowy talent malarza, przedstawił wspaniałość budzącego się lasu, ale stworzenie bawiących się niedźwiedzi jest dziełem jego towarzysza, Konstantego Sawickiego. To zdjęcie ma inną popularną nazwę - „Trzy niedźwiedzie”, która pojawiła się dzięki słynnym cukierkom fabryki Czerwonego Października.

Zdjęcie: wikimedia.org

„Siedzący demon”, Michaił Wrubel, 1890

Galeria Trietiakowska to wyjątkowe miejsce dla miłośników Michaiła Wrubla, gdyż mieści w sobie najpełniejszą kolekcję jego obrazów. Temat demona, uosabiającego wewnętrzną walkę wielkości ludzkiego ducha z wątpliwościami i cierpieniem, stał się głównym tematem twórczości artysty i zjawiskiem fenomenalnym w malarstwie światowym.

„Siedzący demon” to najsłynniejszy z obrazów Vrubela. Obraz powstał dość dużymi, ostrymi pociągnięciami szpachli, z daleka przypominającymi mozaikę.

Zdjęcie: muzei-mira.com

„Bojaryna Morozowa”, Wasilij Surikow, 1884-1887.

Epickie płótno historyczne o gigantycznych rozmiarach zostało napisane na podstawie „Opowieści o Boyarinie Morozowej”, towarzyszce zwolenników starej wiary. Autor długo szukał odpowiedniej twarzy – bezkrwawej, fanatycznej, z której mógłby napisać szkic portretowy głównego bohatera. Surikow wspominał, że klucz do wizerunku Morozowej dała mu kiedyś widziana wrona z uszkodzonym skrzydłem, rozpaczliwie bijąca o śnieg.

Foto: galeria-allart.do.am

„Iwan Groźny i jego syn Iwan 16 listopada 1581 r.” lub „Iwan Groźny zabija swojego syna”, Ilja Repin, 1883–1885.

Obraz ten nie pozostawi obojętnym zwiedzającego galerię: wywołuje niepokój, niewytłumaczalny strach, przyciąga, a jednocześnie odpycha, fascynuje i wywołuje gęsią skórkę. Repin tak pisał o swoim niepokoju i podekscytowaniu podczas tworzenia obrazu: „Pracowałem jak zaczarowany. Przez kilka minut było groźnie. Odwróciłem się od tego obrazu. Ukrył ją. Ale coś mnie do niej skłoniło i znów pracowałem. Czasami przechodził mnie dreszcz, a potem uczucie koszmaru stępiało…” Artystce udało się ukończyć obraz z okazji 300. rocznicy śmierci Iwana Groźnego, ale arcydzieło nie od razu pojawiło się przed publicznością: przez trzy miesiące obraz był zakazany przez cenzurę. Mówią, że obraz w tajemniczy sposób sprowadził nieszczęście na swojego twórcę i ludzi, którzy brali udział w jego powstaniu. Po ukończeniu obrazu Repin stracił rękę, a przyjaciel artysty, który pozował do obrazu w roli zamordowanego Iwana, oszalał.

Foto: artpoisk.info

„Dziewczyna z brzoskwiniami”, Walentin Sierow, 1887

Obraz ten uznawany jest za jeden z najbardziej radosnych, świeżych i lirycznych obrazów końca XIX wieku. Młodość i pragnienie życia są tutaj odczuwalne w każdym uderzeniu wciąż bardzo młodego (22 lata) Walentina Serowa, w lekkim, subtelnym uśmiechu Verochki Mamontowej, córki słynnego przedsiębiorcy i filantropa, a także w jasnym i przytulny pokój, którego ciepło udziela się widzowi.

Sierow stał się później jednym z najlepszych portrecistów, rozpoznawalnym niemal na całym świecie i uwiecznił wielu znanych współczesnych, ale „Dziewczyna z brzoskwiniami” nadal pozostaje jego najsłynniejszym dziełem.

Zdjęcie: allpainters.ru

„Kąpiel czerwonego konia”, Kuzma Petrov-Vodkin, 1912

Krytycy sztuki nazywają ten obraz wizjonerskim. Uważają, że autor symbolicznie przepowiedział „czerwony” los Rosji w XX wieku, przedstawiając go na obrazie konia wyścigowego.

Twórczość Petrov-Vodkina to nie tylko obraz, ale symbol, objawienie, manifest. Współcześni porównują siłę jego oddziaływania z „Czarnym kwadratem” Kazimierza Malewicza, który można zobaczyć także w Galerii Trietiakowskiej.

Zdjęcie: wikiart.org

„Czarny kwadrat”, Kazimierz Malewicz, 1915

Obraz ten nazywany jest ikoną futurystów, którą umieścili w miejscu Madonny. Według autora jego powstanie trwało kilka miesięcy i stało się częścią tryptyku, na który składały się także „Czarny krąg” i „Czarny krzyż”. Jak się okazało, Malewicz namalował pierwotną warstwę obrazu różne kolory a jeśli przyjrzysz się uważnie, zobaczysz, że narożników kwadratu trudno nazwać prostymi. W historii sztuki światowej trudno znaleźć obraz o większej sławie niż „Czarny kwadrat” Kazimierza Malewicza. Jest kopiowany, naśladowany, ale jego arcydzieło jest wyjątkowe.

Zdjęcie: wikimedia.org

Galeria sztuki Europy i Ameryki XIX – XX wieku. Państwowe Muzeum Sztuk Pięknych im. A.S. Puszkin

„Portret Joanny Samary”, Pierre-Auguste Renoir, 1877

Paradoksem jest to, że obraz ten pierwotnie miał być przez artystę jedynie studium przygotowawczym do uroczystego portretu francuskiej aktorki Jeanne Samary, który można oglądać w Ermitażu. Ale ostatecznie krytycy sztuki jednomyślnie zgodzili się, że jest to najlepszy ze wszystkich portretów aktorki Renoira. Artystka tak umiejętnie połączyła tony i półtony sukni Samari, że w rezultacie obraz błyszczał niezwykłym efektem optycznym: patrząc pod pewnym kątem, zielona sukienka Joanny zmienia kolor na niebieski.

Zdjęcie: art-shmart.livejournal.com

„Boulevard des Capucines w Paryżu”, Claude Monet, 1873

To jedno z najbardziej rozpoznawalnych dzieł Claude'a Moneta - duma i dziedzictwo Muzeum Puszkina. Z bliskiej odległości na zdjęciu widać jedynie drobne pociągnięcia, ale jeśli cofniemy się o kilka kroków, obraz ożywa: Paryż oddycha świeżym powietrzem, promienie słońca oświetlają krzątający się tłum, krzątający się krzątaniną po ulicy bulwaru i wydaje się, że słychać nawet dudnienie miasta, które słychać daleko poza zasięgiem obrazu. To umiejętność wielkiego impresjonisty Moneta: na chwilę zapomina się o płaszczyźnie płótna i rozpływa się w iluzji umiejętnie stworzonej przez artystę.

Zdjęcie: nb12.ru

„Spacer więźniów”, Van Gogh, 1890

Jest coś symbolicznego w fakcie, że Van Gogh napisał „Spacer więźniów”, jedno ze swoich najbardziej przejmujących dzieł, w szpitalu, w którym po raz pierwszy trafił z powodu wybuchu choroby choroba psychiczna. Co więcej, jeśli przyjrzysz się uważnie, wyraźnie zobaczysz, że centralna postać obrazu jest obdarzona cechami artystów. Pomimo użycia czystych odcieni błękitu, zieleni i fioletu barwa płótna wydaje się ponura, a poruszający się w kręgu więźniowie zdają się mówić, że nie ma wyjścia ze ślepego zaułka, gdzie życie jest jak błędne koło. koło.

Zdjęcie: opisanie-kartin.com

„Żona króla”, Paul Gauguin, 1896

Wielu krytyków sztuki uważa to dzieło artysty za wyjątkową perłę wśród słynnych nagich dziewcząt Sztuka europejska. Został namalowany przez Gauguina podczas jego drugiego pobytu na Tahiti. Nawiasem mówiąc, obraz nie przedstawia żony króla, ale samego Gauguina – 13-letnią Tehurę. Egzotyczne i malowniczy krajobraz Obrazy nie mogą nie wzbudzić podziwu - bogactwo kolorów i zieleni, kolorowe drzewa i błękitna linia brzegowa w oddali.

Zdjęcie: stsvv.livejournal.com

„Niebiescy tancerze”, Edgar Degas, 1897

Dzieła francuskiego impresjonisty Edgara Degasa wniosły nieoceniony wkład w historię światowej i francuskiej sztuki pięknej. Obraz „Niebiescy tancerze” uznawany jest za jeden z najlepsze prace Degasa na temat baletu, któremu poświęcił wiele ze swoich najwybitniejszych obrazów. Obraz namalowano pastelą, którą artysta szczególnie upodobał sobie za eleganckie połączenie koloru i linii. „Niebiescy tancerze” nawiązują do późnego okresu twórczości artysty, kiedy jego wzrok osłabł i zaczął pracować w dużych plamach koloru.

Zdjęcie: Nearyou.ru

„Dziewczyna na balu”, Pablo Picasso, 1905

Jedno z najsłynniejszych i najbardziej znaczących dzieł „różowego okresu” Pabla Picassa pojawiło się w Rosji za sprawą filantropa i kolekcjonera Iwana Morozowa, który nabył je w 1913 roku do swojej osobistej kolekcji. Błękit, w jakim namalowano niemal wszystkie prace z poprzedniego, trudnego okresu twórczości artysty, jest nadal obecny w dziele, jednak zauważalnie słabnie, ustępując miejsca jaśniejszemu i radosniejszemu różowi. Płótna Picassa są łatwo rozpoznawalne: wyraźnie widać na nich duszę autora i jego niezwykłe postrzeganie otaczającego go świata. I jak powiedział sam artysta: „Mógłbym rysować jak Rafael, ale zajęłoby mi całe życie, aby nauczyć się rysować jak dziecko”.

Zdjęcie: dawn.com

Adres:Ławruszyński pas, 10

Wystawa stała „Sztuka XX wieku” i sale wystawowe

Adres: Krymski Val, 10

Tryb pracy:

Wtorek, środa, niedziela - od 10.00 do 18.00

Czwartek, piątek, sobota - od 10.00 do 21.00

Poniedziałek – nieczynne

Opłata za wstęp:

Dorosły – 400 rubli (6 dolarów)

Galeria sztuki Europy i Ameryki XIX – XX wieku.

Adres: Moskwa, ul. Wołhonka, 14

Tryb pracy:

Wtorek, środa, piątek, sobota, niedziela - od 11:00 do 20:00

Czwartek - od 11:00 do 21:00

Poniedziałek – nieczynne

Opłata za wstęp:

Osoba dorosła – 300 rubli (4,5 dolara), w piątki od 17:00 – 400 rubli (6 dolarów)

Bilet ulgowy – 150 rubli (2,5 dolara), w piątki od 17:00 – 200 rubli (3 dolarów)

Dzieci do lat 16 bezpłatnie

Cytat wiadomości Najsłynniejsze i najbardziej znaczące obrazy świata dla historii sztuki. | 33 arcydzieła malarstwa światowego.

Pod zdjęciami artystów, do których należą, znajdują się linki do wpisów.

Nieśmiertelne obrazy wielkich artystów podziwiają miliony ludzi. Sztuka, klasyczna i nowoczesna, jest jednym z najważniejszych źródeł inspiracji, gustu i edukacji kulturalnej każdego człowieka, a tym bardziej twórczej.
Na pewno jest ich ponad 33 obrazy światowej sławy. Jest ich kilkaset i nie wszystkie zmieściłyby się w jednej recenzji. Dlatego dla ułatwienia oglądania wybraliśmy kilka obrazów, które są najbardziej znaczące dla kultury światowej i często są kopiowane w reklamach. Do każdej pracy dołączono ciekawy fakt, wyjaśnienie znaczenia artystycznego lub historii jego powstania.

Przechowywane w Galerii Starych Mistrzów w Dreźnie.

Obraz ma mały sekret: tło które z daleka wydają się chmurami, po bliższym przyjrzeniu się okazują się głowami aniołów. A dwa anioły przedstawione na poniższym zdjęciu stały się motywem licznych pocztówek i plakatów.

Rembrandt „Nocna straż” 1642
Przechowywane w Rijksmuseum w Amsterdamie.

Prawdziwy tytuł obrazu Rembrandta brzmi: „Występ kompanii strzeleckiej kapitana Fransa Banninga Cocka i porucznika Willema van Ruytenburga”. Kiedy historycy sztuki odkryli obraz w XIX wieku, wydawało się, że postacie pojawiają się na ciemnym tle i nazwano go „ Nocna straż" Później odkryto, że warstwa sadzy powoduje, że obraz jest ciemny, a akcja faktycznie rozgrywa się w dzień. Jednak obraz znalazł się już w skarbnicy sztuki światowej pod nazwą „Nocna straż”.

Leonardo da Vinci „Ostatnia wieczerza” 1495-1498
Znajduje się w klasztorze Santa Maria delle Grazie w Mediolanie.

W ponad 500-letniej historii dzieła fresk był wielokrotnie niszczony: w obrazie wycięto i następnie zamurowano drzwi wejściowe, refektarz klasztoru, w którym znajduje się obraz, służył jako zbrojownia, więzienie i został zbombardowany. Słynny fresk był odnawiany co najmniej pięć razy, a ostatnia renowacja trwała 21 lat. Dziś, aby obejrzeć dzieło sztuki, należy wcześniej zarezerwować bilety, a w refektarzu można spędzić tylko 15 minut.

Salvador Dali „Trwałość pamięci”, 1931

Według samego autora obraz powstał w wyniku skojarzeń, jakie Dali miał z widokiem sera topionego. Wracając z kina, do którego poszła tego wieczoru, Gala całkiem słusznie przewidziała, że ​​nikt, kto obejrzy Trwanie pamięci, nie zapomni o tym.

Pieter Bruegel Starszy „Wieża Babel” 1563
Przechowywany w Kunsthistorisches Museum w Wiedniu.

Według Bruegla niepowodzenie, jakie spotkało budowę Wieży Babel, nie było spowodowane przez tych, którzy według niego nagle się pojawili opowieść biblijna bariery językowe i błędy popełniane w procesie budowy. Na pierwszy rzut oka ogromna konstrukcja wydaje się dość mocna, ale po bliższym przyjrzeniu się staje się jasne, że wszystkie kondygnacje są ułożone nierównomiernie, dolne piętra są albo niedokończone, albo już się zawalają, sam budynek przechyla się w stronę miasta, a perspektywy na cały projekt jest bardzo smutny.

Kazimierz Malewicz „Czarny kwadrat” 1915

Według artysty obraz malował przez kilka miesięcy. Następnie Malewicz wykonał kilka kopii „Czarnego kwadratu” (według niektórych źródeł siedem). Według jednej wersji artysta nie był w stanie ukończyć obrazu w terminie, dlatego musiał pokryć dzieło czarną farbą. Następnie, po publicznym uznaniu, Malewicz namalował na pustych płótnach nowe „Czarne kwadraty”. Malewicz namalował także „Kwadrat Czerwony” (w dwóch egzemplarzach) i jeden „Kwadrat Biały”.

Kuźma Siergiejewicz Pietrow-Wodkin „Kąpiel czerwonego konia” 1912
Znajduje się w Państwowej Galerii Trietiakowskiej w Moskwie.

Namalowany w 1912 roku obraz okazał się wizjonerski. Czerwony koń jest Losem Rosji lub samej Rosji, którego kruchy i młody jeździec nie jest w stanie utrzymać. Tym samym artysta swoim malarstwem symbolicznie przepowiedział „czerwone” losy Rosji w XX wieku.

Peter Paul Rubens „Gwałt na córkach Leukipposa” 1617-1618
Przechowywany w Alte Pinakothek w Monachium.

Obraz „Gwałt na córkach Leucypa” uważany jest za uosobienie męskiej namiętności i fizycznego piękna. Silne, muskularne ramiona młodych mężczyzn podnoszą młode nagie kobiety i wsadzają je na konie. Synowie Zeusa i Ledy kradną narzeczone swoim kuzynom.

Paul Gauguin „Skąd przychodzimy? Kim jesteśmy? Gdzie idziemy? 1898
Przechowywane w Muzeum Sztuk Pięknych w Bostonie.

Zdaniem samego Gauguina obraz należy czytać od prawej do lewej – trzy główne grupy postaci ilustrują postawione w tytule pytania. Trzy kobiety z dzieckiem symbolizują początek życia; grupa środkowa symbolizuje codzienną egzystencję dojrzałości; w ostatniej grupie, zgodnie z planem artysty, „stara kobieta, zbliżając się do śmierci, wydaje się pojednana i oddana swoim myślom”, u jej stóp „dziwny biały ptak… reprezentuje bezużyteczność słów”.

Eugene Delacroix „Wolność wiodąca naród”, 1830
Przechowywany w Luwrze w Paryżu

Delacroix stworzył obraz oparty na rewolucji lipcowej 1830 roku we Francji. W liście do brata z 12 października 1830 roku Delacroix pisze: „Jeśli nie walczyłem za Ojczyznę, to przynajmniej będę dla niej pisał”. Naga klatka piersiowa kobiety prowadzącej lud symbolizuje poświęcenie ówczesnego narodu francuskiego, który z nagą klatką piersiową wystąpił przeciwko wrogowi.

Claude Monet „Wrażenie. Wschodzące słońce” 1872
Przechowywane w Muzeum Marmottan w Paryżu.

Tytuł dzieła „Impresja, soleil levant” lekką ręką dziennikarza L. Leroya stał się nazwą ruchu artystycznego „impresjonizm”. Obraz został namalowany z życia w starym porcie Le Havre we Francji.

Jan Vermeer „Dziewczyna z perłą” 1665
Przechowywane w Galerii Mauritshuis w Hadze.

Jeden z najbardziej znanych obrazów Holenderski artysta Johannes Vermeer nazywany jest często nordycką lub holenderską Mona Lisą. Niewiele wiadomo o obrazie: nie jest on datowany, a imię przedstawionej dziewczyny jest nieznane. W 2003 roku na podstawie powieści Tracy Chevalier pod tym samym tytułem nakręcono film fabularny „Dziewczyna z perłą”, w którym hipotetycznie odtworzono historię powstania obrazu w kontekście biografii i życie rodzinne Vermeera.

Iwan Aiwazowski „Dziewiąta fala”, 1850 r
Przechowywany w Petersburgu w Państwowym Muzeum Rosyjskim.

Iwan Aiwazowski to światowej sławy rosyjski malarz morski, który poświęcił swoje życie przedstawianiu morza. Stworzył około sześciu tysięcy dzieł, z których każde zyskało uznanie za życia artysty. Obraz „Dziewiąta fala” znajduje się w książce „100 wielkich obrazów”.

Andriej Rublow „Trójca” 1425-1427

Ikona Trójcy Świętej, namalowana przez Andrieja Rublowa w XV wieku, jest jedną z najsłynniejszych ikon rosyjskich. Ikona to tablica w formacie pionowym. Carowie (Iwan Groźny, Borys Godunow, Michaił Fiodorowicz) „pokryli” ikonę złotem, srebrem i kamienie szlachetne. Dziś pensja jest przechowywana w Państwowym Rezerwacie Muzealnym Siergijewa Posada.

Michaił Wrubel „Siedzący demon” 1890
Przechowywane w Galerii Trietiakowskiej w Moskwie.

Fabuła filmu inspirowana jest poematem Lermontowa „Demon”. Demon jest obrazem siły ludzkiego ducha, walka wewnętrzna, wątpliwości. Tragicznie załamując ręce, Demon siedzi ze smutnymi, wielkimi oczami skierowanymi w dal, otoczony niespotykanymi dotąd kwiatami.

William Blake „Wielki architekt” 1794
Przechowywane w British Museum w Londynie.

Tytuł obrazu „Przedwieczny” dosłownie tłumaczy się z angielskiego jako „Przedwieczny”. Wyrażenie to było używane jako imię Boga. Główny bohater Obrazy przedstawiają Boga w chwili stworzenia, który nie ustanawia porządku, ale ogranicza wolność i wyznacza granice wyobraźni.

Edouard Manet „Bar w Folies Bergere”, 1882
Przechowywane w Courtauld Institute of Art w Londynie.

Folies Bergere to paryski program rozrywkowy i kabaret. Manet często odwiedzał Folies Bergere i ostatecznie namalował ten obraz, ostatni przed śmiercią w 1883 roku. Za barem, pośrodku tłumu ludzi pijących, jedzących, rozmawiających i palących, stoi pogrążona we własnych myślach barmanka, obserwując akrobatę na trapezie, którego widać w lewym górnym rogu zdjęcia.

Tycjan „Miłość ziemska i miłość niebiańska” 1515-1516
Przechowywany w Galerii Borghese w Rzymie.

Warto zauważyć, że współczesna nazwa obrazu nie została nadana przez samego artystę, ale zaczęła być używana dopiero dwa wieki później. Do tego czasu obraz nosił różne tytuły: „Piękno, zdobione i pozbawione ozdób” (1613), „Trzy rodzaje miłości” (1650), „Kobiety boskie i świeckie” (1700), a ostatecznie „Miłość ziemska i niebiańska”. Miłość” „(1792 i 1833).

Michaił Niestierow „Wizja młodego Bartłomieja” 1889-1890
Przechowywane w Państwowej Galerii Trietiakowskiej w Moskwie.

Pierwsze i najważniejsze dzieło z cyklu poświęconego Sergiuszowi z Radoneża. Artysta do końca swoich dni był przekonany, że „Wizja młodości Bartłomieja” jest jego najlepszym dziełem. Artysta na starość lubił powtarzać: „To nie ja przeżyję. „Młody Bartłomiej” będzie żył. Teraz, jeśli trzydzieści, pięćdziesiąt lat po mojej śmierci nadal mówi coś ludziom, to znaczy, że żyje, a to oznacza, że ​​ja żyję.

Pieter Bruegel Starszy „Przypowieść o niewidomych”, 1568
Przechowywany w Muzeum Capodimonte w Neapolu.

Inne tytuły obrazu to „Ślepy”, „Parabola niewidomych”, „Ślepy prowadzący ślepego”. Uważa się, że fabuła filmu opiera się na biblijnej przypowieści o niewidomym: „Jeśli ślepiec prowadzi ślepego, obaj wpadną do dołu”.

Wiktor Wasniecow „Alyonuszka” 1881
Przechowywane w Państwowej Galerii Trietiakowskiej.

Opiera się na bajce „O siostrze Alyonuszce i bracie Iwanuszce”. Początkowo obraz Wasnetsowa nazywał się „Głupiec Alyonushka”. W tamtych czasach sieroty nazywano „głupcami”. „Alyonushka” – powiedział później sam artysta – „wydawało się, że żyła w mojej głowie przez długi czas, ale w rzeczywistości widziałem ją w Achtyrce, kiedy spotkałem jedną prostowłosą dziewczynę, która zawładnęła moją wyobraźnią. W jej oczach było tyle melancholii, samotności i czysto rosyjskiego smutku... Emanowała z niej jakaś szczególna rosyjska dusza.

Vincent van Gogh „Gwiaździsta noc”, 1889 r
Przechowywane w Muzeum Sztuki Nowoczesnej w Nowym Jorku.

W odróżnieniu od większości obrazów artysty „ Gwiaździsta noc" pisane z pamięci. Van Gogh przebywał w tym czasie w szpitalu Saint-Rémy, dręczony atakami szaleństwa.

Karl Bryullov „Ostatni dzień Pompejów” 1830–1833
Przechowywany w Państwowym Muzeum Rosyjskim w Petersburgu.

Obraz przedstawia słynną erupcję Wezuwiusza w 79 r. n.e. mi. i zniszczenie Pompejów pod Neapolem. Wizerunek artysty w lewym rogu obrazu jest autoportretem autora.

Pablo Picasso „Dziewczyna na balu” 1905
Przechowywane w Muzeum Puszkina w Moskwie

Obraz trafił do Rosji za sprawą przemysłowca Iwana Abramowicza Morozowa, który kupił go w 1913 roku za 16 000 franków. W 1918 r. znacjonalizowano zbiory osobiste I. A. Morozowa. Obraz znajduje się obecnie w zbiorach Państwowego Muzeum sztuki piękne nazwany na cześć A.S. Puszkin.

Leonardo da Vinci „Madonna Litta” 1491

Przechowywany w Ermitażu w Petersburgu.

Oryginalny tytuł obrazu brzmiał „Madonna z Dzieciątkiem”. Współczesna nazwa obrazu pochodzi od nazwiska jego właściciela – hrabiego Litta, właściciela rodziny galeria sztuki w Mediolanie. Istnieje przypuszczenie, że postać dziecka nie została namalowana przez Leonarda da Vinci, ale należy do pędzla jednego z jego uczniów. Świadczy o tym nietypowa w stylu autorki poza dziecka.

Jean Ingres „Łaźnia turecka” 1862
Przechowywany w Luwrze w Paryżu.

Ingres zakończył malowanie tego obrazu, gdy miał już ponad 80 lat. Artysta podsumowuje tym obrazem wizerunek kąpiących się, którego tematyka od dawna obecna jest w jego twórczości. Początkowo płótno miało kształt kwadratu, jednak rok po jego ukończeniu artysta przekształcił je w okrągły obraz – tondo.

Iwan Szyszkin, Konstantin Sawicki „Poranek w sosnowym lesie” 1889
Przechowywane w Galerii Trietiakowskiej w Moskwie

„Poranek w sosnowym lesie” to obraz rosyjskich artystów Iwana Szyszkina i Konstantina Sawickiego. Savitsky namalował niedźwiedzie, ale kolekcjoner Paweł Tretiakow, kiedy nabył obraz, usunął jego podpis, więc teraz jako autora obrazu wskazany jest sam Szyszkin.

Michaił Wrubel „Księżniczka łabędzi”, 1900 r
Przechowywane w Państwowej Galerii Trietiakowskiej

Obraz opiera się na obraz sceniczny bohaterka opery N. A. Rimskiego-Korsakowa „Opowieść o carze Saltanie” na podstawie fabuły bajka o tym samym tytule A.S. Puszkin. Vrubel stworzył szkice scenografii i kostiumów na premierę opery w 1900 roku, a jego żona śpiewała rolę Księżniczki Łabędzi.

Giuseppe Arcimboldo „Portret cesarza Rudolfa II jako Vertumnusa” 1590
Znajduje się w zamku Skokloster w Sztokholmie.

Jedno z niewielu zachowanych dzieł artysty, który komponował portrety z owoców, warzyw, kwiatów, skorupiaków, ryb, pereł, instrumentów muzycznych i innych, książek i tak dalej. „Vertumnus” to portret cesarza, przedstawianego jako starożytny rzymski bóg pór roku, roślinności i transformacji. Na zdjęciu Rudolf składa się wyłącznie z owoców, kwiatów i warzyw.

Edgar Degas „Niebiescy tancerze” 1897
Znajduje się w Muzeum Sztuki. A. S. Puszkina w Moskwie.

Być może Mona Lisa nie zyskałaby światowej sławy, gdyby nie została skradziona w 1911 roku przez pracownika Luwru. Obraz odnaleziono dwa lata później we Włoszech: złodziej odpowiedział na ogłoszenie w gazecie i zaproponował, że sprzeda „Giocondę” dyrektorowi Galerii Uffizi. Przez cały czas trwania śledztwa „Mona Lisa” nie schodziła z okładek gazet i czasopism na całym świecie, stając się obiektem kopiowania i kultu.

Sandro Botticelli „Narodziny Wenus” 1486
Przechowywany we Florencji w Galerii Uffizi

Obraz ilustruje mit o narodzinach Afrodyty. Naga bogini podpływa do brzegu w otwartej skorupie, niesiona wiatrem. Po lewej stronie obrazu Zefir (wiatr zachodni) w ramionach swojej żony Chloris dmucha w muszlę, tworząc wiatr wypełniony kwiatami. Na brzegu boginię spotyka jedna z łask. Narodziny Wenus są dobrze zachowane dzięki temu, że Botticelli nałożył na obraz ochronną warstwę żółtka jaja.

...
Część 21 -
Część 22 -
Część 23 -

Tajemniczy świat sztuki może wydawać się zagmatwany dla niewprawnego oka, ale istnieją arcydzieła, które każdy powinien znać. Talent, inspiracja i żmudna praca nad każdym uderzeniem dają początek dziełom, które podziwia się wieki później.

Nie sposób zebrać w jednym wyborze wszystkich wybitnych dzieł, staraliśmy się jednak wybrać te najsłynniejsze, które przyciągają gigantyczne kolejki przed muzeami na całym świecie.

Najsłynniejsze obrazy rosyjskich artystów

„Poranek w sosnowym lesie”, Iwan Szyszkin i Konstantin Sawicki

Rok powstania: 1889
Muzeum

Szyszkin był znakomitym malarzem pejzaży, ale rzadko musiał rysować zwierzęta, dlatego postacie niedźwiadków namalował Savitsky, znakomity artysta zajmujący się zwierzętami. Pod koniec pracy Tretiakow nakazał usunięcie podpisu Savickiego, biorąc pod uwagę, że Szyszkin wykonał znacznie obszerniejszą pracę.

„Iwan Groźny i jego syn Iwan 16 listopada 1581 r.”, Ilja Repin

Lata stworzenia: 1883–1885
Muzeum: Galeria Trietiakowska, Moskwa

Do stworzenia arcydzieła, lepiej znanego jako „Iwan Groźny zabija swojego syna”, Repin zainspirował się symfonią „Antar” Rimskiego-Korsakowa, a mianowicie jej drugą częścią „Słodycz zemsty”. Artysta pod wpływem dźwięków muzyki przedstawił krwawą scenę morderstwa i późniejszej skruchy obserwowanej w oczach władcy.

„Siedzący demon”, Michaił Wrubel

Rok powstania: 1890
Muzeum: Galeria Trietiakowska, Moskwa

Obraz był jedną z trzydziestu ilustracji narysowanych przez Vrubela na potrzeby rocznicowego wydania dzieł M.Yu. Lermontow. „Siedzący demon” reprezentuje wątpliwości nieodłącznie związane z do ducha ludzkiego, subtelny, nieuchwytny „nastrój duszy”. Zdaniem ekspertów artysta miał w pewnym stopniu obsesję na punkcie wizerunku demona: po tym obrazie pojawiły się „Latający demon” i „Pokonany demon”.

„Bojaryna Morozowa”, Wasilij Surikow

Lata stworzenia: 1884–1887
Muzeum: Galeria Trietiakowska, Moskwa

Film oparty jest na fabule życia staroobrzędowców „Opowieść o Boyarinie Morozowej”. Zrozumienie kluczowego obrazu przyszło do artysty, gdy zobaczył wronę rozkładającą swoje czarne skrzydła niczym plamę na zaśnieżonej powierzchni. Później Surikow długo szukał prototypu twarzy szlachcianki, ale nie mógł znaleźć nic odpowiedniego, aż pewnego dnia spotkał na cmentarzu starowierkę o bladej, szalonej twarzy. Szkic portretu powstał w ciągu dwóch godzin.

„Bogatyrs”, Wiktor Wasniecow

Lata stworzenia: 1881–1898
Muzeum: Galeria Trietiakowska, Moskwa

Przyszłe epickie arcydzieło narodziło się jako mały szkic ołówkiem w 1881 roku; Do dalszej pracy na płótnie Wasnetsow spędził wiele lat pieczołowicie zbierając informacje o bohaterach z mitów, legend i tradycji, a także badał w muzeach autentyczną starożytną rosyjską amunicję.

Analiza obrazu Wasnetsowa „Trzej bohaterowie”

„Kąpiel czerwonego konia”, Kuzma Petrov-Vodkin

Rok powstania: 1912
Muzeum: Galeria Trietiakowska, Moskwa

Początkowo obraz był pomyślany jako codzienny szkic z życia rosyjskiej wsi, jednak w trakcie pracy płótno artysty zostało porośnięte ogromną liczbą symboli. Przez czerwonego konia Pietrow-Wodkin miał na myśli „Los Rosji”; po przystąpieniu kraju do Pierwszej wojna światowa wykrzyknął: „Więc dlatego namalowałem ten obraz!” Jednak po rewolucji proradzieccy krytycy sztuki zinterpretowali kluczową postać obrazu jako „zwiastun rewolucyjnych pożarów”.

„Trójca”, Andriej Rublow

Rok powstania: 1411
Muzeum: Galeria Trietiakowska, Moskwa

Ikona, która położyła podwaliny pod tradycję rosyjskiego malarstwa ikonowego w XV–XVI wieku. Płótno przedstawiające starotestamentową trójcę aniołów, która ukazała się Abrahamowi, jest symbolem jedności Trójcy Świętej.

„Dziewiąta fala”, Iwan Aiwazowski

Rok powstania: 1850
Muzeum

Perła w „kartografii” legendarnego rosyjskiego malarza morskiego, którego bez wahania można uznać za jednego z najsłynniejszych artystów na świecie. Widzimy, jak marynarze, którzy cudem przeżyli sztorm, trzymają się masztu w oczekiwaniu na spotkanie „dziewiątej fali”, mitycznego apogeum wszystkich sztormów. Ale dominujące na płótnie ciepłe odcienie dają nadzieję na zbawienie ofiar.

„Ostatni dzień Pompejów”, Karl Bryullov

Lata stworzenia: 1830–1833
Muzeum: Muzeum Rosyjskie, St. Petersburg

Ukończony w 1833 roku obraz Bryulłowa był pierwotnie wystawiany w największych miast Włochy, gdzie wywołało prawdziwą sensację - malarza porównywano do Michała Anioła, Tycjana, Rafaela... W kraju arcydzieło przyjęto z nie mniejszym entuzjazmem, zapewniając Bryullovowi przydomek „Karol Wielki”. Płótno jest naprawdę wspaniałe: jego wymiary to 4,6 na 6,5 ​​metra, co czyni go jednym z największych obrazów wśród dzieł rosyjskich artystów.

Najsłynniejsze obrazy Leonarda da Vinci

„Mona Lisa”

Lata stworzenia: 1503–1505
Muzeum: Luwr, Paryż

Arcydzieło Geniusz florencki, nie trzeba przedstawiać. Warto dodać, że obraz zyskał status kultowego po incydencie kradzieży z Luwru w 1911 roku. Dwa lata później złodziej, który okazał się pracownikiem muzeum, próbował sprzedać obraz Galerii Uffizi. Wydarzenia głośnej sprawy zostały szczegółowo opisane w prasie światowej, po czym do sprzedaży trafiły setki tysięcy reprodukcji, a tajemnicza Mona Lisa stała się obiektem kultu.

Lata stworzenia: 1495–1498
Muzeum: Santa Maria delle Grazie w Mediolanie

Po pięciu wiekach fresk o klasycznej fabule na ścianie refektarza klasztoru dominikanów w Mediolanie uznawany jest za jeden z najbardziej tajemniczych obrazów w historii. Według pomysłu Da Vinci obraz przedstawia moment posiłku wielkanocnego, kiedy Chrystus zawiadamia uczniów o zbliżającej się zdradzie. Ogromna liczba ukryte symbole dały początek równie ogromnej różnorodności studiów, aluzji, zapożyczeń i parodii.

„Madonna Litta”

Rok powstania: 1491
Muzeum: Ermitaż w Petersburgu

Obraz, zwany także Madonną z Dzieciątkiem, przez długi czas znajdował się w zbiorach książąt Litty, a w 1864 roku został zakupiony przez Ermitaż w Petersburgu. Wielu ekspertów jest zgodnych, że postać dziecka nie została namalowana osobiście przez da Vinci, ale przez jednego z jego uczniów – poza dla malarza zbyt nietypowa.

Najsłynniejsze obrazy Salvadora Dali

Rok powstania: 1931
Muzeum: Muzeum sztuka współczesna, Nowy Jork

Paradoksalnie, ale jak najbardziej słynne dzieło geniusz surrealizmu, zrodził się z myśli o serze Camembert. Któregoś wieczoru, po przyjacielskiej kolacji, zakończonej przystawkami z serem, artysta zamyślił się nad „smarowaniem miazgi”, a jego wyobraźnia namalowała obraz topiącego się zegara z gałązką oliwną na pierwszym planie.

Rok powstania: 1955
Muzeum: Galeria Narodowa sztuka, Waszyngton

Tradycyjna fabuła z surrealistycznym akcentem, wykorzystująca zasady arytmetyczne studiowane przez Leonarda da Vinci. Artysta na pierwszy plan wysunął swoistą magię liczby „12”, odchodząc od hermeneutycznego sposobu interpretacji biblijnej fabuły.

Najsłynniejsze obrazy Pabla Picassa

Rok powstania: 1905
Muzeum: Muzeum Puszkina, Moskwa

Obraz stał się pierwszym przejawem tzw. „różowego” okresu w twórczości Picassa. Surowa faktura i uproszczony styl łączą się z delikatną grą linii i kolorów, kontrastem pomiędzy masywną sylwetką sportowca i delikatną gimnastyczką. Płótno zostało sprzedane wraz z 29 innymi dziełami za 2 tysiące franków (w sumie) paryskiemu kolekcjonerowi Vollardowi, zmieniło kilka kolekcji, a w 1913 roku nabył je rosyjski filantrop Iwan Morozow już za 13 tysięcy franków.

Rok powstania: 1937
Muzeum: Muzeum Reina Sofia, Madryt

Guernica to nazwa miasta w Kraju Basków, które zostało zbombardowane przez Niemców w kwietniu 1937 roku. Picasso nigdy nie był w Guernicy, ale był zdumiony skalą katastrofy, jak „ciosem byczego rogu”. Artysta w abstrakcyjnej formie przekazał okropności wojny i pokazał prawdziwe oblicze faszyzmu, zasłaniając je dziwacznymi geometrycznymi kształtami.

Najsłynniejsze obrazy renesansu

„Madonna Sykstyńska”, Raphael Santi

Lata stworzenia: 1512–1513
Muzeum: Galeria Starych Mistrzów, Drezno

Jeśli przyjrzysz się uważnie tłu, które na pierwszy rzut oka składa się z chmur, zauważysz, że tak naprawdę Rafael przedstawił tam głowy aniołów. Dwa anioły znajdujące się w dolnej części obrazu są niemal bardziej znane niż samo arcydzieło ze względu na jego szeroki obieg w sztuce masowej.

„Narodziny Wenus”, Sandro Botticelli

Rok powstania: 1486
Muzeum: Galeria Uffizi, Florencja

W sercu obrazu - starożytny grecki mit o narodzinach Afrodyty z piana morska. W przeciwieństwie do wielu arcydzieł renesansu, płótno przetrwało do dziś w doskonałym stanie dzięki ochronnej warstwie żółtka jaja, którym Botticelli ostrożnie pokrył dzieło.

„Stworzenie Adama”, Michelangelo Buonarotti

Rok powstania: 1511
Muzeum: Kaplica Sykstyńska, Watykan

Jeden z dziewięciu fresków na suficie Kaplica Sykstyńska, ilustrujący rozdział z Księgi Rodzaju: „I stworzył Bóg człowieka na swój obraz”. To Michał Anioł jako pierwszy przedstawił Boga jako siwowłosego starca, po czym obraz ten stał się archetypowy. Współcześni naukowcy uważają, że kontury postaci Boga i aniołów reprezentują ludzki mózg.

„Nocna straż”, Rembrandt

Rok powstania: 1642
Muzeum: Muzeum Państwowe, Amsterdamie

Pełny tytuł obrazu brzmi: „Występ kompanii strzeleckiej kapitana Fransa Banninga Koka i porucznika Willema van Ruytenburga”. Współczesną nazwę obraz otrzymał w XIX wieku, kiedy odkryli go krytycy sztuki, którzy ze względu na warstwę brudu pokrywającą dzieło, uznali, że akcja obrazu rozgrywa się pod osłoną nocnych ciemności.

„Ogród rozkoszy ziemskich”, Hieronim Bosch

Lata stworzenia: 1500–1510
Muzeum: Muzeum Prado, Madryt „Czarny Kwadrat”

Malewicz pisał „Czarny kwadrat” przez kilka miesięcy; Legenda głosi, że obraz ukryty jest pod warstwą czarnej farby – artysta nie zdążył dokończyć dzieła w terminie i w przypływie złości zakrył obraz. Istnieje co najmniej siedem kopii „Czarnego kwadratu” wykonanego przez Malewicza, a także swoista „kontynuacja” kwadratów suprematystycznych – „Kwadrat Czerwony” (1915) i „Kwadrat Biały” (1918).

„Krzyk”, Edvard Munch

Rok powstania: 1893
Muzeum: Galeria Narodowa, Oslo

Ze względu na niewytłumaczalny mistyczny wpływ na widza obraz został skradziony w 1994 i 2004 roku. Istnieje opinia, że ​​obraz powstały na przełomie XIX i XX wieku zapowiadał liczne katastrofy nadchodzącego stulecia. Głęboka symbolika „Krzyku” zainspirowała wielu artystów, w tym Andy'ego Warhola

Obraz ten do dziś budzi wiele kontrowersji. Niektórzy krytycy sztuki uważają, że emocje wokół obrazu, namalowanego charakterystyczną techniką rozpryskiwania, zostały stworzone sztucznie. Płótno zostało sprzedane dopiero po zakupie wszystkich pozostałych dzieł artysty, w związku z czym cena za niefiguratywne arcydzieło gwałtownie wzrosła. „Numer pięć” został sprzedany za 140 milionów dolarów, stając się najdroższym obrazem w historii.

„Dyptyk Marilyn”, Andy Warhol

Rok powstania: 1962
Muzeum: Galeria Tate, Londyn

Tydzień po śmierci Marilyn Monroe kontrowersyjna artystka rozpoczęła pracę na płótnie. Na płótno naniesiono 50 szablonowych portretów aktorki, stylizowanych na gatunek „pop-art” na podstawie fotografii z 1953 roku.
Subskrybuj nasz kanał w Yandex.Zen

„Gracze w karty”

Autor

Paula Cezanne’a

Kraj Francja
Lata życia 1839–1906
Styl postimpresjonizm

Artysta urodził się na południu Francji w małym miasteczku Aix-en-Provence, ale malować zaczął w Paryżu. Prawdziwy sukces przyszedł mu po osobistej wystawie zorganizowanej przez kolekcjonera Ambroise’a Vollarda. W 1886 roku, na 20 lat przed wyjazdem, przeniósł się na obrzeża rodzinnego miasta. Młodzi artyści nazywali wycieczki do niego „pielgrzymką do Aix”.

130x97cm
1895
cena
250 milionów dolarów
sprzedany w 2012 roku
na aukcji prywatnej

Twórczość Cezanne’a jest łatwa do zrozumienia. Jedyną zasadą artysty było bezpośrednie przeniesienie obiektu lub fabuły na płótno, dlatego jego obrazy nie wywołują u widza dezorientacji. Cezanne połączył w swojej sztuce dwie główne tradycje francuskie: klasycyzm i romantyzm. Za pomocą kolorowych tekstur nadawał kształtom obiektów niesamowitą plastyczność.

Cykl pięciu obrazów „Gracze w karty” powstał w latach 1890–1895. Ich fabuła jest taka sama – kilka osób z zapałem gra w pokera. Prace różnią się jedynie liczbą graczy i wielkością płótna.

Cztery obrazy znajdują się w muzeach w Europie i Ameryce (Museum d'Orsay, Metropolitan Museum of Art, Barnes Foundation i Courtauld Institute of Art), a piąty do niedawna był ozdobą prywatnej kolekcji greckiego armatora-miliardera Georg Embirikos. Tuż przed śmiercią, zimą 2011 roku, zdecydował się wystawić go na sprzedaż. Potencjalnymi nabywcami „darmowego” dzieła Cezanne’a byli handlarz dziełami sztuki William Acquavella i światowej sławy właściciel galerii Larry Gagosian, którzy zaoferowali za nie około 220 milionów dolarów. W rezultacie obraz trafił do rodziny królewskiej państwo arabskie Katar za 250 milionów Największy kontrakt na sztukę w historii malarstwa został sfinalizowany w lutym 2012 roku. Dziennikarka Alexandra Pierce poinformowała o tym w Vanity Fair. Dowiedziała się o cenie obrazu i nazwisku nowego właściciela, po czym informacja przedostała się do mediów na całym świecie.

W 2010 roku w Katarze otwarto Arabskie Muzeum Sztuki Nowoczesnej i Katarskie Muzeum Narodowe. Teraz ich zbiory się powiększają. Być może w tym celu szejk nabył piątą wersję Graczy w karty.

Najbardziejdrogie malowaniena świecie

Właściciel
Szejk Hamad
bin Khalifa al-Thani

Dynastia al-Thani rządzi Katarem od ponad 130 lat. Około pół wieku temu odkryto tu ogromne złoża ropy i gazu, co natychmiast uczyniło Katar jednym z najbogatszych regionów świata. Dzięki eksportowi węglowodorów ten mały kraj ma największy PKB na mieszkańca. Szejk Hamad bin Khalifa al-Thani objął władzę w 1995 r., gdy jego ojciec przebywał w Szwajcarii, przy wsparciu członków rodziny. Zdaniem ekspertów zasługą obecnego władcy jest jasna strategia rozwoju kraju i kreowanie pomyślnego wizerunku państwa. Katar ma teraz konstytucję i premiera, a kobiety mają prawo do głosowania w wyborach parlamentarnych. Nawiasem mówiąc, to emir Kataru założył kanał informacyjny Al-Dżazira. Władze państwa arabskiego przywiązują dużą wagę do kultury.

2

„Numer 5”

Autor

Jacksona Pollocka

Kraj USA
Lata życia 1912–1956
Styl abstrakcyjny ekspresjonizm

Kubuś Zraszacz – taki przydomek nadano Pollockowi przez amerykańską publiczność ze względu na jego specjalną technikę malarską. Artysta porzucił pędzel i sztalugę, a podczas ciągłego ruchu wokół nich i wewnątrz nich rozlewał farbę na powierzchnię płótna lub płyty pilśniowej. Z wczesne lata lubił filozofię Jiddu Krishnamurtiego, której głównym przesłaniem jest to, że prawda objawia się podczas swobodnego „wylania”.

122x244cm
1948
cena
140 milionów dolarów
sprzedany w 2006 roku
na aukcji Sotheby's

Wartość pracy Pollocka nie leży w wyniku, ale w procesie. Nieprzypadkowo autor nazwał swoją twórczość „malowaniem akcji”. Jego lekką ręką stał się głównym atutem Ameryki. Jackson Pollock zmieszał farbę z piaskiem i potłuczonym szkłem, a następnie pomalował kawałkiem kartonu, szpachelką, nożem i szufelką. Artysta cieszył się tak dużą popularnością, że w latach 50. XX wieku naśladowcy znaleźli się nawet w ZSRR. Obraz „Numer 5” uznawany jest za jeden z najdziwniejszych i najdroższych na świecie. Jeden z założycieli DreamWorks, David Geffen, kupił go do prywatnej kolekcji, a w 2006 roku sprzedał go na aukcji Sotheby's za 140 milionów dolarów meksykańskiemu kolekcjonerowi Davidowi Martinezowi. Jednak wkrótce kancelaria prawnicza wydała w imieniu swojego klienta komunikat prasowy, w którym stwierdziła, że ​​David Martinez nie jest właścicielem obrazu. Jedno jest pewne: meksykański finansista rzeczywiście w ostatnim czasie kolekcjonował dzieła sztuki współczesnej. Jest mało prawdopodobne, aby przeoczył tak „dużą rybę”, jak „Numer 5” Pollocka.

3

„Kobieta III”

Autor

Willema de Kooninga

Kraj USA
Lata życia 1904–1997
Styl abstrakcyjny ekspresjonizm

Pochodzący z Holandii, w 1926 roku wyemigrował do Stanów Zjednoczonych. W 1948 roku odbyła się osobista wystawa artysty. Krytycy sztuki docenili złożone, nerwowe czarno-białe kompozycje, uznając ich autora za wielkiego artystę modernistycznego. Przez większość życia cierpiał na alkoholizm, ale radość tworzenia nowej sztuki wyczuwalna jest w każdym dziele. De Kooninga wyróżnia impulsywność malarstwa i szeroka kreska, dlatego czasami obraz nie mieści się w granicach płótna.

121x171cm
1953
cena
137 milionów dolarów
sprzedany w 2006 roku
na aukcji prywatnej

W latach pięćdziesiątych na obrazach de Kooninga pojawiały się kobiety o pustych oczach, masywnych piersiach i brzydkich rysach twarzy. „Kobieta III” była ostatnią pracą z tego cyklu, która trafiła na aukcję.

Od lat 70. obraz przechowywany był w Muzeum Sztuki Nowoczesnej w Teheranie, jednak po wprowadzeniu w kraju surowych zasad moralnych próbowano się go pozbyć. W 1994 roku dzieło zostało wywiezione z Iranu, a 12 lat później jego właściciel David Geffen (ten sam producent, który sprzedał „Numer 5” Jacksona Pollocka) sprzedał obraz milionerowi Stevenowi Cohenowi za 137,5 miliona dolarów. Co ciekawe, w ciągu jednego roku Geffen zaczął wyprzedawać swoją kolekcję obrazów. Wywołało to wiele plotek: na przykład, że producent zdecydował się kupić gazetę Los Angeles Times.

Na jednym z forów artystycznych pojawiła się opinia o podobieństwie „Kobiety III” do obrazu „Dama z gronostajem” Leonarda da Vinci. Za zębatym uśmiechem i bezkształtną postacią bohaterki koneser malarstwa dostrzegł wdzięk osoby królewskiej krwi. Świadczy o tym także źle narysowana korona wieńcząca głowę kobiety.

4

„Portret AdeliBloch-Bauer I”

Autor

Gustava Klimta

Kraj Austria
Lata życia 1862–1918
Styl nowoczesny

Gustav Klimt urodził się w rodzinie rytownika i był drugim z siedmiorga dzieci. Trzej synowie Ernesta Klimta zostali artystami, ale dopiero Gustav zasłynął na całym świecie. Większość dzieciństwa spędził w biedzie. Po śmierci ojca przejął odpowiedzialność za całą rodzinę. W tym czasie Klimt rozwinął swój styl. Każdy widz zatrzymuje się przed jego obrazami: szczery erotyzm jest wyraźnie widoczny pod cienkimi pociągnięciami złota.

138x136cm
1907
cena
135 milionów dolarów
sprzedany w 2006 roku
na aukcji Sotheby's

Losy obrazu, zwanego „austriacką Moną Lisą”, z łatwością mogłyby stać się podstawą bestsellera. Twórczość artystki wywołała konflikt pomiędzy całym państwem a jedną starszą panią.

Tak więc „Portret Adele Bloch-Bauer I” przedstawia arystokratę, żonę Ferdynanda Blocha. Jej ostatnim życzeniem było przekazanie obrazu Austriakowi galeria państwowa. Bloch jednak w testamencie anulował darowiznę, a obraz został wywłaszczony przez hitlerowców. Później galeria z trudem kupiła Złotą Adele, ale potem pojawiła się dziedziczka - Maria Altman, siostrzenica Ferdynanda Blocha.

W 2005 roku rozpoczął się głośny proces „Marii Altmann przeciwko Republice Austrii”, w wyniku którego film „wyjechał” z nią do Los Angeles. Austria podjęła bezprecedensowe kroki: przeprowadzono negocjacje w sprawie pożyczek, ludność przekazała pieniądze na zakup portretu. Dobro nigdy nie pokonało zła: Altman podniósł cenę do 300 milionów dolarów. W chwili postępowania miała 79 lat, a do historii zapisała się jako osoba, która zmieniła testament Blocha-Bauera na korzyść osobistych interesów. Obraz kupił Ronald Lauder, właściciel New Gallery w Nowym Jorku, gdzie znajduje się do dziś. Nie dla Austrii, dla niego Altman obniżył cenę do 135 milionów dolarów.

5

"Krzyk"

Autor

Edwarda Muncha

Kraj Norwegia
Lata życia 1863–1944
Styl ekspresjonizm

Pierwszy obraz Muncha, który zasłynął na całym świecie, „Chora dziewczyna” (jest pięć kopii) poświęcony jest siostrze artysty, która zmarła na gruźlicę w wieku 15 lat. Muncha zawsze interesował temat śmierci i samotności. W Niemczech jego ciężkie, maniakalne malarstwo wywołało nawet skandal. Jednak pomimo depresyjnej tematyki jego obrazy mają szczególny magnetyzm. Weźmy na przykład „Krzyk”.

73,5 x 91 cm
1895
cena
119,992 mln dolarów
sprzedany 2012
na aukcji Sotheby's

Pełny tytuł obrazu to Der Schrei der Natur (w tłumaczeniu z języka niemieckiego „krzyk natury”). Twarz człowieka lub kosmity wyraża rozpacz i panikę – te same emocje, których doświadcza widz patrząc na zdjęcie. Jedno z kluczowych dzieł ekspresjonizmu ostrzega przed tematami, które stały się ostre w sztuce XX wieku. Według jednej wersji artysta stworzył go pod wpływem zaburzenia psychicznego, na które cierpiał przez całe życie.

Obraz został dwukrotnie skradziony z różnych muzeów, ale został zwrócony. Nieznacznie uszkodzony po kradzieży Krzyk został odrestaurowany i ponownie gotowy do wystawienia w Muzeum Muncha w 2008 roku. Dla przedstawicieli popkultury dzieło stało się źródłem inspiracji: Andy Warhol stworzył serię jego drukowanych kopii, a maska ​​​​z filmu „Krzyk” została wykonana na obraz i podobieństwo bohatera obrazu.

Dla jednego tematu Munch napisał cztery wersje pracy: ta, która znajduje się w kolekcji prywatnej, wykonana jest pastelami. Norweski miliarder Petter Olsen wystawił go na aukcję 2 maja 2012 r. Kupującym został Leon Black, który za „Krzyk” nie szczędził rekordowej kwoty. Założyciel Apollo Advisors, L.P. i Lion Advisors, L.P. znany z zamiłowania do sztuki. Black jest patronem Dartmouth College, Muzeum Sztuki Nowoczesnej i Lincoln Art Center. Muzeum Metropolitalne sztuka On ma największa kolekcja obrazy współczesnych artystów i klasycznych mistrzów minionych wieków.

6

„Akt na tle popiersia i zielonych liści”

Autor

Pabla Picassa

Kraj Hiszpania, Francja
Lata życia 1881–1973
Styl kubizm

Z pochodzenia jest Hiszpanem, ale duchem i miejscem zamieszkania jest prawdziwym Francuzem. Picasso otworzył własne studio artystyczne w Barcelonie, gdy miał zaledwie 16 lat. Następnie udał się do Paryża i spędził tam większość swojego życia. Dlatego w jego nazwisku występuje podwójny akcent. Styl wymyślony przez Picassa opiera się na zaprzeczeniu poglądowi, że przedmiot przedstawiony na płótnie można oglądać tylko pod jednym kątem.

130x162cm
1932
cena
106,482 mln dolarów
sprzedany w 2010 roku
na aukcji Christie

Podczas swojej pracy w Rzymie artysta poznał tancerkę Olgę Khokhlovą, która wkrótce została jego żoną. Położył kres włóczęgostwu i przeprowadził się z nią do luksusowego mieszkania. Do tego czasu bohater znalazł uznanie, ale małżeństwo zostało zniszczone. Jeden z najbardziej drogie obrazyświat powstał niemal przez przypadek – z wielkiej miłości, która jak zawsze u Picassa była krótkotrwała. W 1927 roku zainteresował się młodą Marią Teresą Walter (ona miała 17 lat, on 45). W tajemnicy przed żoną wyjechał z kochanką do miasteczka pod Paryżem, gdzie namalował portret przedstawiający Marię Teresę na obrazie Dafne. Płótno zakupił nowojorski handlarz Paul Rosenberg, który w 1951 roku sprzedał je Sidneyowi F. Brody'emu. Brodyowie pokazali obraz światu tylko raz i tylko dlatego, że artysta kończył 80 lat. Po śmierci męża pani Brody w marcu 2010 roku wystawiła dzieło na aukcję w Christie’s. W ciągu sześciu dekad cena wzrosła ponad 5000 razy! Nieznany kolekcjoner kupił go za 106,5 miliona dolarów. W 2011 roku w Wielkiej Brytanii odbyła się „wystawa jednego obrazu”, gdzie wystawiono ją po raz drugi, lecz nazwisko właściciela nadal nie jest znane.

7

„Osiem Elvisów”

Autor

Andy’ego Warhola

Kraj USA
Lata życia 1928-1987
Styl
pop-art

„Seks i imprezy to jedyne miejsca, w których trzeba pojawić się osobiście” – powiedział kultowy artysta pop-artu, reżyser, jeden z założycieli magazynu Interview, projektant Andy Warhol. Współpracował z Vogue i Harper's Bazaar, projektował okładki płyt i projektował buty dla firmy I.Miller. W latach 60. pojawiły się obrazy przedstawiające symbole Ameryki: zupę Campbella oraz Coca-Colę, Presleya i Monroe - co uczyniło go legendą.

358x208cm
1963
cena
100 milionów dolarów
sprzedany w 2008 roku
na aukcji prywatnej

Lata 60. Warhola to nazwa nadana epoce pop-artu w Ameryce. W 1962 roku pracował na Manhattanie w studiu Factory, gdzie gromadziła się cała bohema Nowego Jorku. Jego wybitni przedstawiciele: Mick Jagger, Bob Dylan, Truman Capote i inne znane osobistości na świecie. W tym samym czasie Warhol testował technikę sitodruku – wielokrotne powtarzanie jednego obrazu. Tę metodę zastosował także podczas tworzenia „Ośmiu Elvisów”: widz ma wrażenie, że widzi materiał z filmu, w którym gwiazda ożywa. Jest tu wszystko, co artysta tak bardzo kochał: wizerunek publiczny, w którym wygrywają obie strony, srebrny kolor i przeczucie śmierci jako główne przesłanie.

Dziś na rynku światowym działa dwóch handlarzy dziełami sztuki promujących twórczość Warhola: Larry Gagosian i Alberto Mugrabi. Ten pierwszy wydał w 2008 roku 200 milionów dolarów na zakup ponad 15 dzieł Warhola. Drugi kupuje i sprzedaje swoje obrazy jak kartki świąteczne, tyle że za wyższą cenę. Ale to nie oni, ale skromny francuski konsultant ds. sztuki Philippe Segalot pomógł rzymskiemu koneserowi sztuki Annibale Berlinghieri sprzedać „Osiem Elvisów” nieznanemu nabywcy za rekordową dla Warhola kwotę – 100 milionów dolarów.

8

"Pomarańczowy,czerwony, żółty”

Autor

Marek Rothko

Kraj USA
Lata życia 1903–1970
Styl abstrakcyjny ekspresjonizm

Jeden z twórców kolorowego malarstwa polowego urodził się w Dvinsku w Rosji (obecnie Dyneburg na Łotwie) w dużej rodzinie żydowskiego farmaceuty. W 1911 wyemigrowali do USA. Rothko studiował na wydziale artystycznym Uniwersytetu Yale i zdobył stypendium, ale nastroje antysemickie zmusiły go do porzucenia studiów. Mimo wszystko krytycy sztuki byli idolami artysty, a muzea prześladowały go przez całe życie.

206x236cm
1961
cena
86,882 mln dolarów
sprzedany w 2012 roku
na aukcji Christie

Pierwsze eksperymenty artystyczne Rothki miały charakter surrealistyczny, jednak z czasem uprościł fabułę do barwienia plam, pozbawiając je wszelkiej obiektywności. Początkowo miały jasne odcienie, w latach 60. XX wieku stały się brązowo-fioletowe, by po śmierci artysty zgęstnieć i przejść w czerń. Mark Rothko przestrzegał przed doszukiwaniem się w swoich obrazach jakiegokolwiek sensu. Autor chciał powiedzieć dokładnie to, co powiedział: tylko kolor rozpuszczający się w powietrzu i nic więcej. Zalecał oglądanie prac z odległości 45 cm, aby widz „wciągnął się” w kolor niczym w lejek. Bądź ostrożny: patrzenie według wszystkich zasad może doprowadzić do efektu medytacji, czyli stopniowej świadomości nieskończoności, całkowitego zanurzenia się w sobie, relaksu i oczyszczenia. Kolor w jego obrazach żyje, oddycha i ma silny wpływ emocjonalny (mówią, czasem uzdrawiający). Artysta deklarował: „Widz powinien płakać, patrząc na nie” – i takie przypadki rzeczywiście miały miejsce. Według teorii Rothki ludzie w tym momencie przeżywają to samo duchowe przeżycie, jakie on przeżył podczas pracy nad obrazem. Jeśli potrafiłeś to zrozumieć na tak subtelnym poziomie, nie zdziwisz się, że te dzieła sztuki abstrakcyjnej często porównywane są przez krytyków do ikon.

Praca „Orange, Red, Yellow” wyraża istotę malarstwa Marka Rothko. Jego początkowa cena na aukcji Christie’s w Nowym Jorku wynosi 35–45 mln dolarów. Nieznany nabywca zaoferował cenę dwukrotnie wyższą od szacunkowej. Imię szczęśliwego właściciela obrazu, jak to często bywa, nie zostaje ujawnione.

9

"Tryptyk"

Autor

Franciszka Bacona

Kraj
Zjednoczone Królestwo
Lata życia 1909–1992
Styl ekspresjonizm

Przygody Francisa Bacona, zupełnego imiennika, a jednocześnie dalekiego potomka wielkiego filozofa, rozpoczęły się, gdy jego ojciec się go wyparł, nie mogąc zaakceptować homoseksualnych skłonności syna. Bacon udał się najpierw do Berlina, potem do Paryża, a potem jego tropy pomieszały się w całej Europie. Za jego życia jego prace wystawiane były w czołowych ośrodkach kulturalnych świata, m.in. w Muzeum Guggenheima i Galerii Trietiakowskiej.

147,5x198 cm (każdy)
1976
cena
86,2 mln dolarów
sprzedany w 2008 roku
na aukcji Sotheby's

Prestiżowe muzea starały się posiadać obrazy Bacona, ale prymitywnej angielskiej publiczności nie spieszyło się z kupowaniem takich dzieł sztuki. Legendarna brytyjska premier Margaret Thatcher powiedziała o nim: „Człowiek, który maluje te przerażające obrazy”.

Sam artysta rozważał okres początkowy w swojej twórczości okres powojenny. Wracając ze służby, ponownie zajął się malarstwem i stworzył wielkie arcydzieła. Przed powstaniem „Tryptyku, 1976” najdroższym dziełem Bacona było „Studium do portretu papieża Innocentego X” (52,7 mln dolarów). W „Tryptyku 1976” artysta przedstawił mityczną fabułę prześladowania Orestesa przez Furie. Oczywiście Orestes to sam Bacon, a Furie są jego udręką. Przez ponad 30 lat obraz znajdował się w kolekcji prywatnej i nie brał udziału w wystawach. Fakt ten nadaje mu szczególną wartość i odpowiednio zwiększa koszt. Ale czym jest kilka milionów dla konesera sztuki, i to hojnego? Roman Abramowicz zaczął tworzyć swoją kolekcję w latach 90. XX wieku, na co znaczący wpływ miała jego przyjaciółka Dasza Żukowa, która stała się modną właścicielką galerii we współczesnej Rosji. Według nieoficjalnych danych biznesmen osobiście jest właścicielem dzieł Alberto Giacomettiego i Pabla Picassa, zakupionych za kwoty przekraczające 100 milionów dolarów. W 2008 roku stał się właścicielem Tryptyku. Nawiasem mówiąc, w 2011 roku zakupiono kolejne cenne dzieło Bacona – „Trzy szkice do portretu Luciana Freuda”. Ukryte źródła podają, że kupującym ponownie został Roman Arkadjewicz.

10

„Staw z liliami wodnymi”

Autor

Claude'a Moneta

Kraj Francja
Lata życia 1840–1926
Styl impresjonizm

Artysta uznawany jest za twórcę impresjonizmu, który „opatentował” tę metodę w swoich obrazach. Pierwszym znaczącym dziełem był obraz „Obiad na trawie” (oryginalna wersja dzieła Edouarda Maneta). W młodości rysował karykatury, a prawdziwym malarstwem zajął się podczas podróży wzdłuż wybrzeża i w plenerze. W Paryżu prowadził bohemy i nie opuścił go nawet po odbyciu służby wojskowej.

210x100cm
1919
cena
80,5 miliona dolarów
sprzedany w 2008 roku
na aukcji Christie

Oprócz tego, że Monet był wielkim artystą, pasjonował się także ogrodnictwem i był kochany dzika przyroda i kwiaty. W jego pejzażach stan natury jest chwilowy, obiekty zdają się być rozmyte przez ruch powietrza. Wrażenie potęgują duże kreski, które z pewnej odległości stają się niewidoczne i łączą się w teksturowany, trójwymiarowy obraz. W obrazach zmarłego Moneta temat wody i życia w niej zajmuje szczególne miejsce. W miejscowości Giverny artysta miał własny staw, w którym hodował lilie wodne z nasion specjalnie przywiezionych z Japonii. Kiedy zakwitły ich kwiaty, zaczął malować. Cykl „Lilie wodne” składa się z 60 prac, które artysta malował na przestrzeni prawie 30 lat, aż do swojej śmierci. Z wiekiem wzrok mu się pogorszył, ale nie przestał. W zależności od wiatru, pory roku i pogody wygląd stawu stale się zmieniał, a Monet chciał te zmiany uchwycić. Dzięki uważnej pracy doszedł do zrozumienia istoty natury. Część obrazów z tej serii znajduje się w czołowych galeriach świata: Narodowym Muzeum Sztuki Zachodniej (Tokio), Orangerie (Paryż). Wersja kolejnego „Stawu z liliami wodnymi” trafiła w ręce nieznanego nabywcy za rekordową kwotę.

11

Fałszywa Gwiazda T

Autor

Jaspera Johnsa

Kraj USA
Rok urodzenia 1930
Styl pop-art

W 1949 roku Jones rozpoczął naukę w szkole projektowania w Nowym Jorku. Wraz z Jacksonem Pollockiem, Willemem de Kooningiem i innymi uznawany jest za jednego z głównych artystów XX wieku. W 2012 roku otrzymał Prezydencki Medal Wolności, najwyższe odznaczenie cywilne w Stanach Zjednoczonych.

137,2 x 170,8 cm
1959
cena
80 milionów dolarów
sprzedany w 2006 roku
na aukcji prywatnej

Podobnie jak Marcel Duchamp Jones pracował z realnymi obiektami, przedstawiając je na płótnie i w rzeźbie w pełnej zgodności z oryginałem. Do swoich prac wykorzystywał proste i zrozumiałe przedmioty: butelkę po piwie, flagę czy kartki. W filmie Falstart nie ma jasnej kompozycji. Artysta zdaje się bawić z widzem, często „błędnie” etykietując kolory na obrazie, odwracając samo pojęcie koloru: „Chciałem znaleźć taki sposób przedstawienia koloru, aby można go było określić inną metodą”. Zdaniem krytyków jego najbardziej wybuchowy i „niepewny” obraz kupił nieznany nabywca.

12

„Siedzinagina sofie"

Autor

Amedeo Modiglianiego

Kraj Włochy, Francja
Lata życia 1884–1920
Styl ekspresjonizm

Modigliani od dzieciństwa często chorował; w czasie gorączkowego majaczenia rozpoznał swoje przeznaczenie jako artysta. Studiował rysunek w Livorno, Florencji, Wenecji, a w 1906 wyjechał do Paryża, gdzie jego sztuka rozkwitła.

65x100cm
1917
cena
68,962 mln dolarów
sprzedany w 2010 roku
na aukcji Sotheby's

W 1917 roku Modigliani poznał 19-letnią Jeanne Hebuterne, która została jego modelką, a następnie żoną. W 2004 roku jeden z jej portretów został sprzedany za 31,3 miliona dolarów, co było ostatnim rekordem przed sprzedażą Aktu siedzącego na sofie w 2010 roku. Obraz został zakupiony przez nieznanego nabywcę za cenę maksymalną za Modiglianiego przy ul w tej chwili cena. Aktywna sprzedaż dzieł rozpoczęła się dopiero po śmierci artysty. Zmarł w biedzie, chory na gruźlicę, a następnego dnia Jeanne Hebuterne, będąca w dziewiątym miesiącu ciąży, również popełniła samobójstwo.

13

„Orzeł na sośnie”

Autor

Qi Baishi

Kraj Chiny
Lata życia 1864–1957
Styl Guohua

Zainteresowanie kaligrafią doprowadziło Qi Baishi do malarstwa. W wieku 28 lat został uczniem artysty Hu Qingyuana. Chińskie Ministerstwo Kultury nadało mu tytuł „Wielkiego Artysty Narodu Chińskiego”, a w 1956 roku otrzymał Międzynarodową Nagrodę Pokojową.

10x26cm
1946
cena
65,4 miliona dolarów
sprzedany w 2011 roku
na aukcji Strażnik Chin

Qi Baishi interesował się tymi przejawami otaczającego świata, do których wielu nie przywiązuje wagi, i na tym polega jego wielkość. Człowiek bez wykształcenia został profesorem i wybitnym twórcą w historii. Pablo Picasso powiedział o nim: „Boję się jechać do waszego kraju, bo w Chinach jest Qi Baishi”. Najbardziej uznawana jest kompozycja „Orzeł na sośnie”. ważne dzieło artysta. Oprócz płótna zawiera dwa zwoje hieroglificzne. Dla Chin kwota, za jaką zakupiono dzieło, jest rekordowa – 425,5 mln juanów. Sam zwój starożytnego kaligrafa Huang Tingjiana został sprzedany za 436,8 miliona dolarów.

14

„1949-A-nr 1”

Autor

Clyfforda Stilla

Kraj USA
Lata życia 1904–1980
Styl abstrakcyjny ekspresjonizm

W wieku 20 lat odwiedziłem Metropolitan Museum of Art w Nowym Jorku i byłem rozczarowany. Później zapisał się na kurs w Studenckim Lidze Artystycznej, ale wyszedł 45 minut po rozpoczęciu zajęć – okazało się, że „to nie dla niego”. Pierwsza osobista wystawa wywołała rezonans, artysta odnalazł siebie, a wraz z nim uznanie

79x93cm
1949
cena
61,7 miliona dolarów
sprzedany w 2011 roku
na aukcji Sotheby's

Still zapisał wszystkie swoje dzieła, ponad 800 płócien i 1600 prac na papierze, amerykańskiemu miastu, gdzie zostanie otwarte muzeum nazwane jego imieniem. Denver stało się takim miastem, jednak sama budowa była dla władz kosztowna, a aby ją ukończyć, wystawiono na aukcję cztery prace. Prace Stilla raczej nie trafią ponownie na aukcję, co z góry podniosło ich cenę. Obraz „1949-A-Nr 1” został sprzedany za rekordową dla artysty kwotę, choć eksperci przewidywali sprzedaż maksymalnie na 25–35 mln dolarów.

15

„Kompozycja suprematystyczna”

Autor

Kazimierz Malewicz

Kraj Rosja
Lata życia 1878–1935
Styl Suprematyzm

Malewicz studiował malarstwo w Kijowie szkoła artystyczna, następnie w Moskiewskiej Akademii Sztuk. W 1913 roku zaczął malować abstrakcyjne obrazy geometryczne w stylu, który nazwał suprematyzmem (od łac. „dominacja”).

71x88,5cm
1916
cena
60 milionów dolarów
sprzedany w 2008 roku
na aukcji Sotheby's

Obraz przechowywany był w Muzeum Miejskim w Amsterdamie przez około 50 lat, jednak po 17-letnim sporze z krewnymi Malewicza muzeum go oddało. Artysta namalował to dzieło w tym samym roku, w którym powstał „Manifest suprematyzmu”, dlatego Sotheby’s jeszcze przed aukcją zapowiadał, że nie trafi ono do prywatnej kolekcji za mniej niż 60 milionów dolarów. I tak się stało. Lepiej spojrzeć na to z góry: postacie na płótnie przypominają widok ziemi z lotu ptaka. Nawiasem mówiąc, kilka lat wcześniej ci sami krewni wywłaszczyli z Muzeum MoMA kolejną „Kompozycję suprematystyczną”, aby sprzedać ją na aukcji Phillipsa za 17 milionów dolarów.

16

„kąpiący się”

Autor

Paula Gauguina

Kraj Francja
Lata życia 1848–1903
Styl postimpresjonizm

Do siódmego roku życia artysta mieszkał w Peru, następnie wraz z rodziną wrócił do Francji, jednak wspomnienia z dzieciństwa nieustannie popychały go do podróży. We Francji zaczął malować i zaprzyjaźnił się z Van Goghem. Spędził z nim nawet kilka miesięcy w Arles, aż w czasie kłótni Van Gogh odciął mu ucho.

93,4 x 60,4 cm
1902
cena
55 milionów dolarów
sprzedany w 2005 roku
na aukcji Sotheby's

W 1891 roku Gauguin zorganizował sprzedaż swoich obrazów, aby dochód wykorzystać na podróż w głąb wyspy Tahiti. Tworzył tam dzieła, w których wyczuwalny jest subtelny związek natury z człowiekiem. Gauguin mieszkał w chatce krytej strzechą, a na jego płótnach rozkwitał tropikalny raj. Jego żoną była 13-letnia Tahitianka Tehura, co nie przeszkodziło artyście wdawać się w rozwiązłe związki. Zachorując na kiłę wyjechał do Francji. Jednak dla Gauguina było tam tłoczno i ​​wrócił na Tahiti. Okres ten nazywany jest „drugim Tahitianem” - wtedy namalowano obraz „Kąpiący się”, jeden z najbardziej luksusowych w jego twórczości.

17

"Żonkile i obrusy w odcieniach błękitu i różu"

Autor

Henryk Matisse

Kraj Francja
Lata życia 1869–1954
Styl Fowizm

W 1889 roku Henri Matisse dostał ataku zapalenia wyrostka robaczkowego. Kiedy wracał do zdrowia po operacji, mama kupiła mu farby. Początkowo z nudów Matisse kopiował kolorowe pocztówki, potem kopiował dzieła wielkich malarzy, które widział w Luwrze, aż na początku XX wieku wymyślił styl – fowizm.

65,2 x 81 cm
1911
cena
46,4 miliona dolarów
sprzedany w 2009 roku
na aukcji Christie

Obraz „Żonkile i obrus w kolorze niebieskim i różowym” przez długi czas był własnością Yvesa Saint Laurenta. Po śmierci projektanta cała jego kolekcja dzieł sztuki przeszła w ręce jego przyjaciela i kochanka Pierre’a Bergera, który postanowił wystawić ją na aukcję w Christie’s. Perłą sprzedanej kolekcji był obraz „Żonkile i obrus w odcieniach błękitu i różu”, namalowany na zwykłym obrusie, a nie na płótnie. Jako przykład fowizmu, jest on wypełniony energią koloru, kolory wydają się eksplodować i krzyczeć. Ze słynnego cyklu obrazów malowanych na obrusach, dzieło to, jako jedyne, znajduje się dziś w zbiorach prywatnych.

18

„Śpiąca dziewczyna”

Autor

RoyZawietrzny

htensteina

Kraj USA
Lata życia 1923–1997
Styl pop-art

Artysta urodził się w Nowym Jorku, a po ukończeniu szkoły wyjechał do Ohio, gdzie uczęszczał na kursy plastyczne. W 1949 Liechtenstein otrzymał tytuł magistra sztuki piękne. Zainteresowanie komiksem i umiejętność posługiwania się ironią uczyniły go artystą kultowym ubiegłego wieku.

91x91cm
1964
cena
44,882 mln dolarów
sprzedany w 2012 roku
na aukcji Sotheby's

Któregoś dnia w ręce Lichtensteina wpadła guma do żucia. Przeniósł obraz z wkładki na płótno i zasłynął. W tej historii z jego biografii kryje się całe przesłanie pop-artu: konsumpcja - nowy Bóg, a w opakowaniu po gumie do żucia jest nie mniej piękna niż w Mona Lisie. Jego obrazy przypominają komiksy i karykatury: Lichtenstein po prostu powiększył gotowy obraz, narysował rastry, zastosował sitodruk i sitodruk. Obraz „Śpiąca dziewczyna” przez prawie 50 lat należał do kolekcjonerów Beatrice i Philipa Gershów, których spadkobiercy sprzedali go na aukcji.

19

"Zwycięstwo. Boogie-woogie”

Autor

Pieta Mondriana

Kraj Niderlandy
Lata życia 1872–1944
Styl neoplastycyzm

Mój prawdziwe imię– Cornelis – artysta zmienił się w Mondriana po przeprowadzce do Paryża w 1912 roku. Wraz z artystą Theo van Doesburgiem założył ruch neoplastyczny. Język programowania Piet nosi imię Mondriana.

27x127cm
1944
cena
40 milionów dolarów
sprzedany w 1998 r
na aukcji Sotheby's

Najbardziej „muzyczni” artyści XX wieku utrzymywali się z akwarelowych martwych natur, choć zasłynął jako artysta nowotworowy. W latach czterdziestych XX wieku przeniósł się do Stanów Zjednoczonych i tam spędził resztę życia. Jazz i Nowy Jork są tym, co go najbardziej zainspirowało! Obraz „Zwycięstwo. Boogie-Woogie” – najlepszy przykład. Charakterystyczne, schludne kwadraty uzyskano za pomocą taśmy samoprzylepnej, ulubionego materiału Mondriana. W Ameryce nazywano go „najsłynniejszym imigrantem”. W latach sześćdziesiątych Yves Saint Laurent wypuścił słynne na całym świecie sukienki „Mondrian” z dużymi nadrukami w kratkę.

20

„Kompozycja nr 5”

Autor

WasilijKandinsky'ego

Kraj Rosja
Lata życia 1866–1944
Styl awangarda

Artysta urodził się w Moskwie, a jego ojciec pochodził z Syberii. Po rewolucji próbował współpracować z rządem sowieckim, ale szybko zdał sobie sprawę, że prawa proletariatu nie są dla niego stworzone i nie bez trudności wyemigrował do Niemiec.

275x190cm
1911
cena
40 milionów dolarów
sprzedany w 2007 roku
na aukcji Sotheby's

Kandinsky jako jeden z pierwszych całkowicie porzucił malarstwo przedmiotowe, za co otrzymał tytuł geniusza. W czasach nazizmu w Niemczech jego obrazy uznano za „sztukę zdegenerowaną” i nie były nigdzie wystawiane. W 1939 roku Kandinsky przyjął obywatelstwo francuskie, a w Paryżu swobodnie uczestniczył w procesie artystycznym. Jego obrazy „brzmią” jak fugi, dlatego wiele z nich nazywa się „kompozycjami” (pierwsza powstała w 1910 r., ostatnia w 1939 r.). „Kompozycja nr 5” to jedno z kluczowych dzieł tego gatunku: „Słowo „kompozycja” zabrzmiało dla mnie jak modlitwa” – stwierdził artysta. W przeciwieństwie do wielu swoich naśladowców, planował to, co przedstawi na ogromnym płótnie, jakby pisał notatki.

21

„Studium kobiety w błękicie”

Autor

Fernand Léger

Kraj Francja
Lata życia 1881–1955
Styl kubizm-postimpresjonizm

Léger zdobył wykształcenie architektoniczne, a następnie uczęszczał do Ecole des Beaux-Arts w Paryżu. Artysta uważał się za zwolennika Cezanne’a, był apologetą kubizmu, a w XX wieku odnosił sukcesy także jako rzeźbiarz.

96,5 x 129,5 cm
1912–1913
cena
39,2 miliona dolarów
sprzedany w 2008 roku
na aukcji Sotheby's

David Norman, prezes międzynarodowego działu impresjonizmu i modernizmu w Sotheby's, uważa ogromną kwotę zapłaconą za „Błękitną damę” za w pełni uzasadnioną. Obraz należy do słynnej kolekcji Légera (artysta namalował trzy obrazy o tej samej tematyce, ostatni z nich znajduje się dziś w rękach prywatnych – przyp. red.), a powierzchnia płótna zachowała się w pierwotnej formie. Sam autor przekazał to dzieło galerii Der Sturm, następnie trafiło ono do kolekcji Hermanna Langa, niemieckiego kolekcjonera modernizmu, a obecnie należy do nieznanego nabywcy.

22

„Scena uliczna. Berlin"

Autor

Ernsta LudwigaKirchnera

Kraj Niemcy
Lata życia 1880–1938
Styl ekspresjonizm

Dla niemieckiego ekspresjonizmu Kirchner stał się postacią ikoniczną. Władze lokalne zarzucały mu jednak uprawianie „sztuki zdegenerowanej”, co tragicznie wpłynęło na losy jego obrazów i życie artysty, który w 1938 roku popełnił samobójstwo.

95x121cm
1913
cena
38,096 mln dolarów
sprzedany w 2006 roku
na aukcji Christie

Po przeprowadzce do Berlina Kirchner stworzył 11 szkiców sceny uliczne. Inspiracją dla niego był zgiełk i nerwowość wielkiego miasta. Na obrazie sprzedanym w 2006 roku w Nowym Jorku szczególnie dotkliwie odczuwa się niepokój artysty: ludzie na berlińskiej ulicy przypominają ptaki – pełne wdzięku i niebezpieczne. Było to ostatnie dzieło ze słynnej serii sprzedane na aukcji, pozostałe znajdują się w muzeach. W 1937 roku hitlerowcy surowo potraktowali Kirchnera: 639 jego dzieł wywieziono z niemieckich galerii, zniszczono lub sprzedano za granicę. Artysta nie mógł tego przeżyć.

23

"Urlopowicz"tancerz"

Autor

Edgara Degasa

Kraj Francja
Lata życia 1834–1917
Styl impresjonizm

Historia Degasa jako artysty rozpoczęła się od pracy kopisty w Luwrze. Marzył o zostaniu „sławnym i nieznanym” i w końcu mu się to udało. Pod koniec życia głuchy i niewidomy 80-letni Degas nadal uczęszczał na wystawy i aukcje.

64x59cm
1879
cena
37,043 mln dolarów
sprzedany w 2008 roku
na aukcji Sotheby's

„Baleriny zawsze były dla mnie tylko pretekstem do przedstawiania tkanin i uchwycenia ruchu” – powiedziała Degas. Sceny z życia tancerzy wydają się być szpiegowane: dziewczyny nie pozują artyście, a po prostu stają się częścią atmosfery wychwytywanej przez wzrok Degasa. „Resting Dancer” został sprzedany w 1999 roku za 28 milionów dolarów, a niecałe 10 lat później został kupiony za 37 milionów dolarów – dziś jest to najdroższa praca artysty, jaką kiedykolwiek wystawiono na aukcji. Degas przywiązywał dużą wagę do ram, sam je zaprojektował i zakazał ich zmiany. Zastanawiam się, jaka rama jest zamontowana na sprzedawanym obrazie?

24

"Malarstwo"

Autor

Joanna Miro

Kraj Hiszpania
Lata życia 1893–1983
Styl sztuka abstrakcyjna

Podczas hiszpańskiej wojny domowej artysta opowiedział się po stronie republikanów. W 1937 roku uciekł przed faszystowskim reżimem do Paryża, gdzie wraz z rodziną żył w biedzie. W tym okresie Miro namalował obraz „Pomóż Hiszpanii!”, zwracając uwagę całego świata na dominację faszyzmu.

89x115cm
1927
cena
36,824 mln dolarów
sprzedany w 2012 roku
na aukcji Sotheby's

Drugi tytuł obrazu to „Błękitna Gwiazda”. Artysta namalował go w tym samym roku, kiedy oznajmił: „Chcę zabić malarstwo” i bezlitośnie naśmiewał się z płócien, drapiąc farbę gwoździami, przyklejając pióra do płótna, zasypując prace śmieciami. Jego celem było obalenie mitów na temat tajemnicy malarstwa, jednak poradziwszy sobie z tym, Miro stworzył własny mit – surrealistyczną abstrakcję. Jego „Obraz” należy do cyklu „obrazów snów”. Na aukcji walczyło o niego czterech nabywców, ale jeden rozmowa telefoniczna incognito rozwiązało spór, a „Malarstwo” stało się najdroższym obrazem artysty.

25

„Niebieska róża”

Autor

Yvesa Kleina

Kraj Francja
Lata życia 1928–1962
Styl malarstwo monochromatyczne

Artysta urodził się w rodzinie malarzy, ale studiował języki orientalne, nawigację, rzemiosło złotnika, buddyzm zen i wiele innych. Jego osobowość i bezczelne wybryki były wielokrotnie ciekawsze niż monochromatyczne obrazy.

153x199x16cm
1960
cena
36,779 mln dolarów
sprzedany w 2012 roku
na aukcji Christie’s

Pierwsza wystawa monochromatycznych prac w kolorze żółtym, pomarańczowym i różowym nie wzbudziła zainteresowania publiczności. Klein poczuł się urażony i następnym razem pokazał 11 identycznych płócien, pomalowanych ultramaryną zmieszaną ze specjalną żywicą syntetyczną. Nawet opatentował tę metodę. Kolor przeszedł do historii jako „międzynarodowy”. niebieski Kleina.” Artysta sprzedawał także pustkę, tworzył obrazy wystawiając papier na działanie deszczu, podpalając karton, wykonując odbitki ciała człowieka na płótnie. Jednym słowem eksperymentowałem jak mogłem. Do stworzenia „Niebieskiej Róży” użyłam suchych pigmentów, żywic, kamyczków i naturalnej gąbki.

26

„W poszukiwaniu Mojżesza”

Autor

Sir Lawrence'a Alma-Tadema

Kraj Zjednoczone Królestwo
Lata życia 1836–1912
Styl neoklasycyzm

W tym celu sam Sir Lawrence dodał do swojego nazwiska przedrostek „alma”. katalogi dzieł sztuki pojawić się jako pierwszy. W wiktoriańskiej Anglii jego obrazy cieszyły się tak dużym zainteresowaniem, że artysta otrzymał tytuł szlachecki.

213,4 x 136,7 cm
1902
cena
35,922 mln dolarów
sprzedany w 2011 roku
na aukcji Sotheby's

Głównym tematem twórczości Alma-Tadema była starożytność. W swoich obrazach starał się w najdrobniejszych szczegółach przedstawić epokę Cesarstwa Rzymskiego, w tym celu przeprowadził nawet wykopaliska archeologiczne na Półwyspie Apenińskim, a w swoim londyńskim domu odtworzył historyczne wnętrza tamtych lat. Kolejnym źródłem inspiracji stały się dla niego tematy mitologiczne. Artysta za życia cieszył się dużym zainteresowaniem, jednak po śmierci szybko o nim zapomniano. Obecnie zainteresowanie odżywa, o czym świadczy cena obrazu „W poszukiwaniu Mojżesza”, która jest siedmiokrotnie wyższa od szacunkowej przedsprzedaży.

27

„Portret śpiącego nagiego urzędnika”

Autor

Lucjan Freud

Kraj Niemcy,
Zjednoczone Królestwo
Lata życia 1922–2011
Styl malarstwo figuratywne

Artysta jest wnukiem Zygmunta Freuda, ojca psychoanalizy. Po ustanowieniu faszyzmu w Niemczech jego rodzina wyemigrowała do Wielkiej Brytanii. Prace Freuda znajdują się w Wallace Collection Museum w Londynie, gdzie żaden współczesny artysta nie wystawiał wcześniej.

219,1 x 151,4 cm
1995
cena
33,6 miliona dolarów
sprzedany w 2008 roku
na aukcji Christie

Do widzenia artyści mody Wiek XX stworzył pozytywne „kolorowe plamy na ścianie” i sprzedał je za miliony; Freud namalował niezwykle naturalistyczne obrazy i sprzedał je za jeszcze więcej. „Uchwytuję płacz duszy i cierpienie więdnącego ciała” – powiedział. Krytycy uważają, że wszystko to jest „dziedzictwem” Zygmunta Freuda. Obrazy były tak aktywnie wystawiane i sprzedawały się z sukcesem, że eksperci zaczęli wątpić: czy mają właściwości hipnotyczne? Sprzedany na aukcji „Portret nagiego śpiącego urzędnika” – jak podaje „The Sun” – kupił koneser piękna i miliarder Roman Abramowicz.

28

„Skrzypce i gitara”

Autor

Xjeden Gris

Kraj Hiszpania
Lata życia 1887–1927
Styl kubizm

Urodzony w Madrycie, gdzie ukończył Szkołę Sztuki i Rzemiosła. W 1906 przeniósł się do Paryża i wszedł do kręgu najbardziej wpływowych artystów epoki: Picassa, Modiglianiego, Braque'a, Matisse'a, Légera, a także współpracował z Siergiejem Diagilewem i jego trupą.

5x100cm
1913
cena
28,642 mln dolarów
sprzedany w 2010 roku
na aukcji Christie

Gris, przez moimi własnymi słowami, zajmował się „płaską, kolorową architekturą”. Jego obrazy są precyzyjnie przemyślane: nie pozostawił ani jednej przypadkowej kreski, co upodabnia twórczość do geometrii. Artysta stworzył własną wersję kubizmu, choć darzył wielkim szacunkiem Pabla Picassa, ojca założyciela tego ruchu. Następca zadedykował mu nawet swoje pierwsze dzieło w stylu kubistycznym „Tribute to Picasso”. Obraz „Skrzypce i gitara” uznawany jest za wybitny w twórczości artysty. Już za życia Gris był sławny i lubiany przez krytyków i krytyków sztuki. Jego prace znajdują się w największych muzeach świata i znajdują się w kolekcjach prywatnych.

29

"PortretPola Eluarda”

Autor

Salvadora Dali

Kraj Hiszpania
Lata życia 1904–1989
Styl surrealizm

„Surrealizm to ja” – powiedział Dali, gdy został wydalony z grupy surrealistów. Z biegiem czasu stał się najsłynniejszym artystą surrealistycznym. Prace Dali są wszędzie, nie tylko w galeriach. To on na przykład był pomysłodawcą opakowania Chupa Chups.

25x33cm
1929
cena
20,6 miliona dolarów
sprzedany w 2011 roku
na aukcji Sotheby's

W 1929 roku poeta Paul Eluard i jego rosyjska żona Gala przyjechali z wizytą do wielkiego prowokatora i awanturnika Dali. Spotkanie było początkiem historii miłosnej, która trwała ponad pół wieku. Podczas tej historycznej wizyty namalowano obraz „Portret Paula Eluarda”. „Poczułem, że powierzono mi obowiązek uwiecznienia twarzy poety, z którego Olimpu ukradłem jedną z muz” – powiedział artysta. Przed spotkaniem z Galą był dziewicą i był zniesmaczony myślą o seksie z kobietą. Trójkąt miłosny istniał aż do śmierci Eluarda, po czym stał się duetem Dali-Gala.

30

"Rocznica"

Autor

Marka Chagalla

Kraj Rosja, Francja
Lata życia 1887–1985
Styl awangarda

Moishe Segal urodził się w Witebsku, ale w 1910 roku wyemigrował do Paryża, zmienił nazwisko i zbliżył się do czołowych artystów awangardowych swojej epoki. W latach 30. XX w., podczas przejęcia władzy przez nazistów, z pomocą amerykańskiego konsula wyjechał do Stanów Zjednoczonych. Do Francji powrócił dopiero w 1948 r.

80x103cm
1923
cena
14,85 miliona dolarów
sprzedany w 1990 r
na aukcji Sotheby’s

Obraz „Rocznica” uznawany jest za jedno z najlepszych dzieł artysty. Zawiera wszystkie cechy jego twórczości: fizyczne prawa świata zostają wymazane, w scenerii mieszczańskiego życia zostaje zachowany klimat baśni, a miłość jest w centrum fabuły. Chagall nie czerpał ludzi z życia, a jedynie z pamięci lub wyobraźni. Obraz „Rocznica” przedstawia samego artystę i jego żonę Belę. Obraz został sprzedany w 1990 roku i od tego czasu nie był licytowany. Co ciekawe, w nowojorskim Museum of Modern Art MoMA znajduje się dokładnie taki sam egzemplarz, tyle że pod nazwą „Urodziny”. Nawiasem mówiąc, zostało napisane wcześniej - w 1915 roku.

przygotował projekt
Tatiana Palasowa
ocena została opracowana
według listy www.art-spb.ru
magazyn tmn nr 13 (maj-czerwiec 2013)

Przypomnijmy sobie teraz najsłynniejsze obrazy świata. Temat ten jest z jednej strony bardzo prosty, ale z drugiej niezwykle złożony. Rzeczywiście, w całej historii ludzkości na Matce Ziemi w różnych stuleciach i latach różne kraje Urodziło się wielu znakomitych malarzy, którzy pozostawili światu swoje nieśmiertelne arcydzieła.

Naprawdę nie chciałbym bezpodstawnie ignorować żadnego wielkiego artysty. Ale w ramach tego artykułu postaramy się porozmawiać tylko o tych dziełach, które są znane nie tylko prawdziwym koneserom piękna, artystom i krytykom sztuki, ale także bezwzględnej większości najprostszych mieszkańców naszej planety.

Są to na przykład obrazy da Vinci, Raphaela, Botticellego, Van Gogha, Salvadora Dali, Karla Bryullova, Aivazovsky'ego, Kustodiewa itp. Ich prace drukowane są w kalendarzach, w czasopismach, książkach i podręcznikach, publikowane w ogromnych nakładach w formie reprodukcji, stale migających na ekranach telewizorów. Tak naprawdę są nam znane od dzieciństwa.

Obrazy Leonarda da Vinci

Nie sposób rozmawiać o najsłynniejszych obrazach świata, nie wspominając o takich światowej klasy obrazach, jak słynna „La Gioconda”, „Madonna Litta”, „Dama z gronostajem”, namalowana przez wielkiego Leonarda da Vinci. Na tej liście wyróżniają się zwłaszcza dwa pierwsze nazwiska. Piękna i tajemnicza „Mona Lisa” istnieje od wielu stuleci, z wyjątkowym uśmiechem na ustach, spokojnie patrząc na zgiełk tego świata - czy wśród cywilizowanych ludzi jest choć jedna osoba, która nigdy nie widziała tego obrazu?

Uważa się, że obraz przedstawia Lisę Gherardini, skromną żonę pewnego bogatego florenckiego kupca Francesco del Giocondo. Czy teraz rozumiesz, skąd wzięła się tak niezwykła nazwa portretu - „La Gioconda”? A obraz został namalowany mniej więcej w latach 1503-1505. Dziś jego bezcenny oryginał można zobaczyć osobiście w Luwrze. Tam wisi portret, chroniony grubą kuloodporną szybą, a wokół niego zawsze tłoczy się mnóstwo ludzi. I nie jest to zaskakujące, ponieważ ludziom wciąż nie udało się rozwikłać tajemnicy uśmiechu tej pani.

Obrazy Da Vinci są bezcenne, każdego z osobna, nie da się ich kupić nawet za duże pieniądze. Ale wśród jego dzieł jest dzieło szczególne - jest to malowniczy fresk „Ostatnia wieczerza”. Czas jego powstania: 1495-1498, a został napisany przez mistrza na zlecenie kościoła w refektarzu klasztoru Santa Maria delle Grazia, który znajduje się w słynnym włoskim Mediolanie. Fabuła przedstawia jedną z najbardziej ważne wydarzenia w historii ludzkości – ostatni wieczorny posiłek Chrystusa z dwunastoma uczniami. To wielkie szczęście, że konserwatorom udało się zachować fresk do dziś, bo... Powszechnie wiadomo, że Leonardo pracując nad nim eksperymentował z farbami i podkładem na ścianie, co w konsekwencji doprowadziło do szybkiego zniszczenia warstwy farby.

Prace Rafaela Santiego

Kolejnym artystą, o którym bez przesady można powiedzieć, że pozostawił po sobie najsłynniejsze obrazy świata, jest oczywiście Raphael Santi, malarz mieszkający we Włoszech w latach 1483-1520. Jedno z jego najsłynniejszych i najpopularniejszych dzieł - uważane za jedno z najdoskonalszych i najbardziej niesamowitych obrazów, jakie kiedykolwiek stworzyła ręka człowieka.

Kolejnym znanym dziełem mistrza jest ogromny fresk (770 na 500 cm) „ Szkoła ateńska", zdobiący jedną z głównych sal Pałacu Watykańskiego. Wśród licznych postaci na zdjęciu można zobaczyć tak wielkich myślicieli ludzkości jak Pitagoras, Epikur, Sokrates, Diogenes, Arystoteles, Platon. Wśród filozofów Rafael przedstawił siebie, jako a także jego piękna ukochana Margherita.

Niezrównany Botticelli

Jak myślisz, jakie kolejne prace znajdą się na naszej liście „Obrazów najsłynniejszych artystów świata”? To oszałamiające i eteryczne dzieła Sandro Botticellego. Wymieńmy tylko dwa z jego dzieł, które są znane każdemu: „Narodziny Wenus” i płótno przedstawiające słynne Trzy Gracje - „Wiosnę”. Obydwa obrazy są hymnem na cześć kobiecego piękna. Żadnemu innemu mistrzowi nie udało się wcześniej uchwycić w farbie tak urzekających i poetyckich wizerunków kobiet.

Muzą artystki była młoda piękna florencka kobieta, ukochana Giuliano Medici – to właśnie jej delikatne, doskonałe rysy patrzą na nas od niepamiętnych czasów.

Obrazy impresjonistyczne

Cóż, teraz czas przypomnieć sobie o impresjonizmie. Ten ruch artystyczny powstał we Francji na przełomie XIX i XX wieku. Artystów pracujących w ten sposób jest wielu, a twórczość każdego z nich zasługuje na osobne omówienie. W tym artykule porozmawiamy o najsłynniejszych obrazach Moneta, który stał u początków impresjonizmu i jest uważany za jednego z jego twórców. W zbiorach znajdują się dzieła tego mistrza największe muzea Paryż, Berlin, Petersburg i inne miasta świata.

Opinia publiczna doskonale zna takie obrazy Claude'a Moneta, jak „Staw z” i „Lilie wodne”. Artysta namalował wiele wersji dzieł opartych na tych motywach.

Van Gogh to artysta, którego obrazy są najdroższe na świecie

Van Gogh był prawdopodobnie najbardziej produktywnym artystą w historii ludzkości. Na jego dziedzictwo składa się około 800 obrazów i niezliczona ilość rysunków. Najbardziej znanym jest być może „Słoneczniki”. Wiadomo na pewno, że mistrz namalował 7 martwych natur z tej serii. Jednak do dziś przetrwało tylko 5, a każdy obraz uznawany jest za najdroższy diament. Pomyśl tylko: w ciągu swojego życia Van Goghowi udało się sprzedać tylko jedno ze swoich dzieł i to za grosze, a teraz ceny jego obrazów na aukcjach biją wszelkie rekordy.

Kolejnym z najsłynniejszych obrazów Van Gogha jest znakomity obraz fantasy „Gwiaździsta noc”. Dzieło to cieszy się tak dużą popularnością, że dziś w Internecie można znaleźć nawet jego animowaną wersję. Obrazy Van Gogha są tak utalentowane i oryginalne, że nawet w formie reprodukcji można je oglądać bez końca.

Marzenia uchwycone na płótnie

Mówiąc o najsłynniejszych obrazach świata, nie sposób nie wspomnieć o twórczości twórcy surrealizmu, Salvadora Dali. Uważa się, że najpopularniejszym obrazem artysty jest „Trwałość pamięci”, który przedstawia zegar jako symbol niekończącego się upływu czasu. Opuszczony brzeg w oddali symbolizuje pustkę, którą według Dali często odczuwał w sobie.

Nie jest to jednak jedyne popularne dzieło surrealisty. Nie mniej znane są obrazy „Atomowa Leda”, „Przeczucie wojny domowej”, „Płonąca żyrafa”, „Sen”.

Najsłynniejsze rosyjskie obrazy

Do tej pory w naszym artykule wspominaliśmy o obrazach mistrzów zagranicznych. Tymczasem istnieje wiele obrazów namalowanych przez naszych wspaniałych rodaków, które cieszą się ogromną popularnością na całym świecie. W Rosji zawsze było ich wielu utalentowani artyści. A jeśli wiele arcydzieł malarstwa światowego jest dość trudnych do zobaczenia na własne oczy, ponieważ znajdują się za granicą, oryginały rosyjskich malarzy możemy zobaczyć w wielu muzeach w naszym kraju, na przykład w Galerii Trietiakowskiej w Moskwie.

Oto obrazy z Galerii Trietiakowskiej, najsłynniejsze w kraju i za granicą: „Trzej bohaterowie” (V. Vasnetsova), „Iwan Groźny i jego syn Iwan” (I. Repin), „Siedzący demon” (M. Vrubel), „Pojawienie się Chrystusa ludziom (A. Iwanow), „Dziewczyna z brzoskwiniami” (I. Repin), „Poranek w sosnowym lesie” (I. Szyszkin), „Dziedziniec moskiewski” (V. Polenow) , „Przybyły gawrony” itp.

Piękno Kustodiewskiego

Osobno chciałbym porozmawiać o twórczości światowej sławy rosyjskiego artysty Borysa Kustodiewa - nikt inny nie potrafił tak smakowicie i pięknie opowiedzieć poprzez malowanie o rosyjskim życiu, o tajemniczej rosyjskiej duszy. Któż z nas nie podziwiał tęgiej urody za samowarem („Żona kupiecka przy herbacie”) lub pełnokrwistej młodej damy tryskającej zdrowiem i młodością w wiejskiej łaźni („Rosyjska Wenus”).

Oto także nazwy niektórych popularnych dzieł oryginalnego malarza: „Zima”, „Portret Fiodora Chaliapina”, „Sianokiszonki”, „Kupiec z zakupami”, „Jarmark”, „Kąpiący się”, „Maslenica”.

„Czarny kwadrat” Malewicza

Krótko rozmawialiśmy o niektórych z najsłynniejszych rosyjskich obrazów, ale błędem byłoby zakończyć artykuł, nie pisząc nic o jednym z najbardziej kontrowersyjnych i kontrowersyjnych dzieł, które wyszły na jaw spod pędzla jednego z wybitnych rosyjskich artystów. Chodzi o o „Czarnym kwadracie” Kazimierza Malewicza, twórcy nurtu w malarstwie zwanego „suprematyzmem”. I chociaż Malewicz przez długi czas twórcze życie Namalował wiele obrazów, ale cały świat pamięta to dzieło najbardziej.

Istnieje kilka wariantów „Czarnego kwadratu”. Można je zobaczyć w Galerii Trietiakowskiej, Ermitażu i Muzeum Rosyjskim. Cena tych prac jest według ekspertów ogromna, dziś może sięgać nawet 80 milionów dolarów.

Wniosek

Szkoda, że ​​w tej krótkiej recenzji nie można było opowiedzieć o światowych arcydziełach Rembrandta, Rubensa, Karla Bryullova, Pabla Picassa, Paula Gauguina i innych wspaniałych twórców. Ich twórczość jest nie mniej godna uwagi.