Hieronima Boscha (1450-1516) można uznać za prekursora surrealizmu, w jego umyśle powstały takie dziwne stworzenia. Jego malarstwo jest odzwierciedleniem średniowiecznych tajemnych doktryn ezoterycznych: alchemii, astrologii, czarnej magii. Jak nie trafił na stos Inkwizycji, która za jego czasów zyskała pełnię sił, zwłaszcza w Hiszpanii? Fanatyzm religijny był szczególnie silny wśród mieszkańców tego kraju. A jednak większość jego prac odbywa się w Hiszpanii. Większość dzieł nie ma dat, a sam malarz nie nadał im imion. Nikt nie zna tytułu obrazu Boscha „Ogród” ziemskie przyjemności", którego zdjęcie prezentujemy tutaj, autorstwa samego artysty.
Klienci
Oprócz klientów w ojczyźnie głęboko religijny artysta miał także wysokich wielbicieli swoich dzieł. Za granicą co najmniej trzy obrazy znajdowały się w kolekcji weneckiego kardynała Domenico Grimaniego. W roku 1504 król Kastylii Filip Piękny zlecił mu wykonanie dzieła „Sąd Boga siedzącego w raju i piekle”. W 1516 roku jego siostra Małgorzata Austriaczka – „Kuszenie św. Antoni.” Współcześni wierzyli, że malarz podał rozważną interpretację piekła lub satyrę na wszystko, co grzeszne. Siedem głównych tryptyków, dzięki którym zyskał pośmiertną sławę, zachowało się w wielu muzeach na całym świecie. W Prado przechowywany jest obraz Boscha „Ogród rozkoszy ziemskich”. Dzieło to ma niesamowitą liczbę interpretacji wśród krytyków sztuki. Ile osób - tyle opinii.
Historia
Niektórzy uważają, że obraz Boscha „Ogród rozkoszy ziemskich” - Niektórzy pracują wcześniej, inni do późna. Po zbadaniu dębowych paneli, na których jest on zapisany, można go datować na około 1480-1490 rok. W Prado pod tryptykiem widnieje data 1500-1505.
Pierwszymi właścicielami dzieła byli członkowie rodu Nassau (Niemcy). Następnie wróciła do Holandii. W ich pałacu w Brukseli widział ją pierwszy biograf Boscha, podróżujący w orszaku kardynała Ludwika Aragońskiego w 1517 roku. Pozostawił szczegółowy opis tryptyku, który nie pozostawia wątpliwości, że przed nim rzeczywiście znajdował się obraz Boscha „Ogród rozkoszy ziemskich”.
Odziedziczył go syn Williama René de Chalons, następnie przeszedł w ręce w czasie wojny we Flandrii. Następnie książę pozostawił to swojemu nieślubny syn Don Fernando, przełożony Zakonu św. Jana. król hiszpański Nabył go Filip II, nazywany Rozsądnym, i wysłał do klasztoru Escorial w 1593 roku. Czyli praktycznie do pałacu królewskiego.
Praca opisana jest jako obraz na desce z dwojgiem drzwi. Bosch namalował ogromny obraz - „Ogród rozkoszy ziemskich”. Wymiary obrazu: panel środkowy – 220 x 194 cm, panele boczne – 220 x 97,5 cm, nadał go hiszpański teolog José de Siguenza szczegółowy opis i interpretacja. Już wtedy uznawano je za najbardziej pomysłowe i umiejętne dzieło, jakie można sobie wyobrazić. W inwentarzu z 1700 r. nosi tytuł „Stworzenie świata”. W 1857 roku pojawiła się jego obecna nazwa – „Ogród Rozkoszy Ziemskich”. W 1939 roku obraz przekazano do Prado w celu renowacji. Obraz pozostaje tam do dziś.
Zamknięty tryptyk
Zamknięte drzwi przedstawiają kulę ziemską w przezroczystej kuli, symbolizującej kruchość Wszechświata. Nie ma na nim ludzi ani zwierząt.
Pomalowany w odcieniach szarości, bieli i czerni, oznacza, że nie ma jeszcze słońca ani księżyca, i tworzy wyraźny kontrast z jasnym światem po otwarciu tryptyku. To jest trzeci dzień stworzenia. Liczba 3 została uznana za kompletną i doskonałą, ponieważ zawiera zarówno początek, jak i koniec. Kiedy drzwi są zamknięte, jest to jedna, czyli absolutna doskonałość. W lewym górnym rogu wizerunek Boga z tiarą i Biblią na kolanach. U góry można przeczytać łacińskie zdanie z Psalmu 33, które w tłumaczeniu oznacza: „Powiedział i stało się. On rozkazał i wszystko zostało stworzone.” Inne interpretacje przedstawiają nam Ziemię po potopie.
Otwarcie tryptyku
Malarz daje nam trzy dary. Lewy panel - obraz Raju ostatni dzień stworzenie z Adamem i Ewą. Centralną część stanowi szaleństwo wszelkich cielesnych przyjemności, które świadczą o wypadnięciu człowieka z łask. Po prawej stronie widz widzi piekło, apokaliptyczne i okrutne, w którym człowiek jest skazany na zawsze za swoje grzechy.
Lewy panel: Ogród Edenu
Przed nami raj na ziemi. Ale nie jest to typowe i niejednoznaczne. Z jakiegoś powodu Bóg pojawia się w centrum w postaci Jezusa Chrystusa. Trzyma za rękę Ewę, która klęczy przed leżącym Adamem.
Ówcześni teolodzy gorąco spierali się na temat tego, czy kobieta ma duszę. Przy stworzeniu człowieka Bóg tchnął duszę w Adama, ale po stworzeniu Ewy nie zostało to powiedziane. Dlatego takie milczenie pozwoliło wielu uwierzyć, że kobieta w ogóle nie ma duszy. Jeśli mężczyzna może jeszcze oprzeć się grzechowi, który wypełnia jego centralną część, nic nie powstrzymuje kobiety od grzechu: nie ma ona duszy i jest pełna diabelskich pokus. Będzie to jedno z przejść z Raju do grzechu. Grzechy kobiet: owady i gady pełzające po ziemi, a także płazy i ryby pływające w wodzie. Człowiek też nie jest bezgrzeszny – jego grzeszne myśli latają jak czarne ptaki, owady i nietoperze.
Raj i śmierć
Pośrodku znajduje się fontanna przypominająca różowy fallus, a w niej siedzi sowa, która służy złu i tutaj symbolizuje nie mądrość, ale głupotę i duchową ślepotę oraz bezwzględność wszystkiego, co ziemskie. Ponadto bestiariusz Boscha jest pełen drapieżników pożerających swoje ofiary. Czy jest to możliwe w Raju, gdzie wszyscy żyją spokojnie i nie znają śmierci?
Drzewa w raju
Drzewo dobroci, znajdujące się obok Adama, oplecione jest winogronami, co symbolizuje cielesne przyjemności. Drzewo zakazanego owocu było oplecione wężami. W Edenie jest wszystko, aby przejść do grzesznego życia na Ziemi.
Drzwi środkowe
Tutaj ludzkość, ulegając pożądaniu, idzie prosto na zagładę. Przestrzeń wypełniona jest szaleństwem, które ogarnęło cały świat. To są pogańskie orgie. Prezentowane są tutaj wszelkiego rodzaju pokazy seksu. Epizody erotyczne sąsiadują ze scenami hetero- i homoseksualnymi. Są też onaniści. Powiązania seksualne między ludźmi, zwierzętami i roślinami.
Owoce i jagody
Wszystkie jagody i owoce (wiśnie, maliny, winogrona i „truskawki” - jasna współczesna konotacja), zrozumiałe dla średniowiecznych ludzi, są oznakami przyjemności seksualnej. Jednocześnie owoce te symbolizują przemijalność, ponieważ po kilku dniach gniją. Nawet rudzik po lewej stronie symbolizuje niemoralność i deprawację.
Dziwne przezroczyste i nieprzezroczyste naczynia
Wyraźnie zaczerpnięto je z alchemii i wyglądają zarówno jak bąbelki, jak i półkule. Są to pułapki na osobę, z których nigdy się nie wydostanie.
Zbiorniki i rzeki
Okrągły staw pośrodku jest w większości wypełniony postacie kobiece. Wokół niego w wirze namiętności przejeżdża kawalkada jeźdźców na zwierzętach zaczerpniętych z bestiariusza (lamparty, pantery, lwy, niedźwiedzie, jednorożce, jelenie, osły, gryfy), które interpretowane są jako symbole pożądania. Dalej znajduje się staw z niebieską kulą, w którym znajduje się miejsce na lubieżne działania pożądliwych postaci.
A to nie wszystko, co przedstawia Hieronim Bosch. „Ogród rozkoszy ziemskich” to obraz, który nie ukazuje rozwiniętych narządów płciowych mężczyzn i kobiet. Być może malarz chciał w ten sposób podkreślić, że cała ludzkość jest jedna i uwikłana w grzech.
To jest dalekie od pełny opis panel centralny. Bo można opisać 4 rzeki Raju i 2 Mezopotamii oraz brak chorób, zgonów, ludzi starszych, dzieci i Ewę w lewym dolnym rogu, która uległa pokusie, a teraz ludzie chodzą nago i nie czują wstydu.
Kolor
Dominuje kolor zielony. Stał się symbolem dobroci, niebieski reprezentuje ziemię i jej przyjemności (jedzenie niebieskich jagód i owoców, zabawy w błękitnej wodzie). Czerwień jak zawsze to pasja. Boski róż staje się źródłem życia.
Prawe skrzydło: muzyczne piekło
Górna część prawego tryptyku utrzymana jest w ciemnej, kontrastującej tonacji dwóch poprzednich drzwi. Góra jest ponura i niepokojąca. Ciemność nocy przebijają błyski światła płomienia. Z płonących domów wylatują strumienie ognia. Od swoich odbić woda staje się szkarłatna niczym krew. Ogień wkrótce zniszczy wszystko. Wszędzie panuje chaos i zamieszanie.
Centralną część stanowi otwarta skorupka jajka z ludzką głową. Patrzy bezpośrednio na widza. Na głowie znajduje się dysk z grzesznymi duszami tańczącymi przy akompaniamencie dud. Wewnątrz drzewa znajdują się dusze należące do społeczności czarownic i demonów.
Przed tobą fragment obrazu Boscha „Ogród rozkoszy ziemskich”. Powodów, dla których jest ich wiele w piekle instrumenty muzyczne, są jasne. Muzyka to niepoważna, grzeszna rozrywka, która popycha ludzi w stronę cielesnych przyjemności. Dlatego instrumenty muzyczne stały się jednym grzesznikiem ukrzyżowanym na harfie, nuty spalono na pośladkach drugiego gorącym żelazem, a trzeciego przywiązano do lutni.
Żarłoki nie są pomijane. Potwór z głową ptaka pożera żarłoków.
Świnia nie pozostawia bezbronnego mężczyzny ze swoją obsesją.
Niewyczerpana wyobraźnia I. Boscha daje ogromną liczbę kar za grzechy ziemskie. To nie przypadek, że Bosch przywiązuje dużą wagę do piekła. W średniowieczu, aby zapanować nad trzodą, postać diabła została wzmocniona, a raczej urosła do niewiarygodnych rozmiarów. Piekło i diabeł królowały na świecie i tylko apel do ministrów kościoła mógł ich przed nimi uratować, oczywiście, za pieniądze. Im straszniejsze są grzechy, tym więcej więcej pieniędzy przyjmie kościół.
Sam Jezus nie mógł sobie wyobrazić, że pewien anioł zamieni się w potwora i że Kościół zamiast śpiewać miłość i dobroć bliźniemu, będzie niezwykle wymownie mówił tylko o grzechach. A im lepszy kaznodzieja, tym częściej jego kazania mówią o nieuniknionych karach czekających grzesznika.
Z wielkim wstrętem do grzechu pisał Hieronima Boscha„Ogród ziemskich rozkoszy” Opis obrazu znajduje się powyżej. Jest to bardzo skromne, bo żadne badanie nie jest w stanie w pełni ujawnić wszystkich obrazów. Praca ta skłania do głębokiej refleksji. Tylko obraz Boscha „Ogród rozkoszy ziemskich” wysoka jakość pozwoli Ci zobaczyć absolutnie wszystkie szczegóły. Hieronim Bosch nie pozostawił nam zbyt wielu swoich dzieł. To w sumie 25 obrazów i 8 rysunków. Niewątpliwie największe dzieła Arcydzieła napisane przez Boscha to:
- „Wóz z sianem”, Madryt, El Escorial.
- „Ukrzyżowany Męczennik”, Pałac Dożów w Wenecji.
- „Ogród rozkoszy ziemskich”, Madryt, Prado.
- „Sąd Ostateczny”, Wiedeń.
- „Święci Pustelnicy”, Pałac Dożów, Wenecja.
- „Kuszenie św. Antoniego”, Lizbona.
- „Pokłon Trzech Króli”, Madryt, Prado.
Są to wszystkie duże tryptyki ołtarzowe. Ich symbolika nie zawsze jest jasna w naszych czasach, ale współcześni Boscha czytają je jak otwartą księgę.
Na pośladkach grzesznika z „Muzycznego piekła” Hieronima Boscha (tryptyk „Ogród rozkoszy ziemskich”) widać nuty dziwnej melodii. Amerykańskiemu studentowi udało się rozszyfrować tę muzykę i ją wykonać.
Amelia Hamrick, studentka Oklahoma Christian University:
„Postanowiłem przepisać tę melodię zgodnie z zasadami współczesnej notacji muzycznej, zakładając, że tonacja głosu dolnego to C-dur, jak to było w zwyczaju w chorałach średniowiecznych”.
Amelia pisze, że razem ze swoim przyjacielem Łukaszem studiowali obraz Boscha, jak „nagle, ku naszemu wielkiemu zdziwieniu, odkryliśmy piekielną muzykę na tyłku jednego z torturowanych grzeszników, który bez przesady ma już ponad 600 lat”(obraz pochodzi z lat 1490-1510). Nagranie utworu zajęło jej około pół godziny. Po tym, jak post na Tumblrze otrzymał 50 000 polubień, Amelia stwierdziła, że jej transkrypcja zawiera błędy, a ona wraz z wydziałem muzycznym Uniwersytetu w Oklahomie pracuje obecnie nad nową, dokładniejszą interpretacją muzyki wydobywającej się z pośladków.
„Ogród rozkoszy ziemskich” to najsłynniejszy tryptyk Hieronima Boscha, którego nazwa wzięła się od tematu części centralnej, poświęconej grzechowi zmysłowości – Luxurii. Tytuł oryginalny To dzieło Boscha nie jest pewne. Badacze nazwali tryptyk „Ogrodem rozkoszy ziemskich”. Generalnie żadna z obecnie dostępnych interpretacji obrazu nie jest uznawana za jedyną słuszną. Większość teorii na temat znaczenia obrazu powstała w XX wieku. Prawica otrzymała nazwę „Muzyczne Piekło” ze względu na wizerunki zastosowanych tu instrumentów w najdziwniejszy sposób: jeden grzesznik zostaje ukrzyżowany na harfie, poniżej lutnia staje się narzędziem męki dla innego, leżącego na brzuchu „muzyka”, na na którego pośladkach odciśnięte są nuty melodii. Wykonuje go chór potępionych dusz, na którego czele stoi regent – potwór o rybiej twarzy. Wikipedia
Amelia Hamrick szybko zyskała zwolenników. William Esenzo aka Wellmanicuredman, niezależny artysta i kompozytor, przygotował chóralną aranżację piekielnej pieśni i skomponował do niej tekst, który zawiera między innymi następujący wers: „Nasze osły śpiewają, gdy płoniemy w czyśćcu”.
Pełna wersja wierszy Williama:
Piosenka z piekła rodem
To jest piekło z piekła rodem
Śpiewamy z osłów, płonąc w czyśćcu
Piekielna piosenka z piekła rodem
Piekielna piosenka z piekła rodem
brytyjski Codzienna poczta Nie mogłem przejść obojętnie obok tak intrygującego wydarzenia; w publikacji wskazano, że było to pierwsze od 600 lat dekodowanie melodii. To jest błędne. Już w 2003 roku skład De jordiska fröjdernas paradis, stworzony na podstawie nut z pośladków, wykonał szwedzki zespół Wulgaryzmy. Kompozycja ukazała się na płycie zespołu .
 |
„Hieronymus Bosch (1450-1516) był dotychczas znany jedynie jako malarz, a Vox Vulgaris po raz pierwszy bada go jako kompozytora. Pięćset lat po śmierci autora po raz pierwszy wystawiono „Raj ziemskich radości”, utwór muzyczny, na podstawie utworu muzycznego, który ten niezwykły średniowieczny artysta umieścił na tyłku mężczyzny, ukazanego w tryptyku o tym samym tytule. Chociaż muzyka na płycie - średniowiecznych, a instrumenty są autentyczne, szansa na uzyskanie choćby przybliżonego sposobu, w jaki muzyka mogła objawiać się w średniowieczu, jest tutaj znikomo mała. Nie szukamy żadnych prawd historycznych, a niektórych z nich nie da się odnaleźć, jeśli w ogóle istnieją. Raczej, próbując znaleźć miejsce na zaśmieconej, wyobrażonej skali pomiędzy ograniczonym „autentycznym” a napiętym „rockowym”, postanowiliśmy znaleźć trzecią drogę, stworzyć muzykę, która jest jednocześnie całkowicie nowoczesna i całkowicie średniowieczna . Wierzymy w to jedyny sposób grać na żywo muzykę średniowieczną w naszych czasach, nawet jeśli widzimy tylko kilka zachowanych fragmentów muzycznych i instrumentów, które uważamy za niewyczerpane źródło twórczość muzyczna. Oczywiście, wpływ na nas miała cała ta muzyka i wszystkie wrażenia, które otrzymujemy na co dzień, a niektóre z nich można usłyszeć w naszej muzyce. Nasza interpretacja odzwierciedla także wiedzę nt średniowieczne życie, sztuki i religii. Dla wielu obraz świata średniowiecza tworzą prosiaki, pieczone w całości, szlachetni rycerze i cnotliwe lub mniej cnotliwe panny; nasz wybór jest zakorzeniony na peryferiach średniowiecznego społeczeństwa – wśród heretyków, wyzwolonych mnichów, biczowników i przywódców nieudanych powstań chłopskich”. |
Piekło - Hieronymus Bosch (Część tryptyku „Ogród rozkoszy ziemskich”). 1500-1510. Drewno, olej. 389 x 220 cm
Piekło to prawe skrzydło słynnego tryptyku artysty zatytułowanego „Ogród rozkoszy ziemskich”. Pod tą liryczną nazwą kryje się obraz daleki od słodkiego i idyllicznego. W rzeczywistości tryptyk jest wykonany w stylu Boscha - niesamowite wizje, groteskowe postacie, straszne obrazy są tu niemal wszędzie.
W wizji artysty piekło jawi się jako potworne, surrealistyczne miejsce. Prawe skrzydło tryptyku nazywane jest przez krytyków „Muzycznym Piekłem” ze względu na wykorzystanie w nim wielu różnych instrumentów muzycznych. Nie należy jednak mieć nadziei, że zostaną one wykorzystane zgodnie z ich przeznaczeniem. Tak naprawdę nawet diabły na nich nie grają, jak można by podejrzewać. Bosch zdecydował się na zastosowanie metod ich wykorzystania zupełnie odległych od bezpośredniego przeznaczenia instrumentów muzycznych. W większości przypadków pełnią funkcję narzędzi tortur.
Na przykład harfa artysty pełni rolę krzyża do ukrzyżowania lub stojaka - na niej rozciąga się nieszczęsny grzesznik. Niewinna lutnia stała się przedmiotem tortur innego biedaka, który leży na brzuchu. Co ciekawe, na jego pośladkach widnieją nuty, na których śpiewa zupełnie niewyobrażalny chór – potępieńców, prowadzony przez dyrygenta z rybią „twarzą”.
Pierwszy plan obrazu może zszokować nawet współczesnego człowieka zaprawionego w horrorach. Królik ciągnie mężczyznę z rozciętym brzuchem, przywiązanego do słupa. W tym samym czasie z biedaka dosłownie wylewa się strumień krwi. Drapieżny królik wygląda bardzo spokojnie, co stanowi naprawdę potworny kontrast w stosunku do tego, co robi i co jego działanie powinno oznaczać w przyszłości.
Niezwykłość tego miejsca podkreślają niesamowite rozmiary jagód i owoców rozrzuconych tu i ówdzie po całym budynku. Kiedy na to patrzysz, nie jest jasne, kto tutaj kogo zjada – ludzkie jagody czy ludzkie jagody? Świat wywrócił się do góry nogami i stał się piekłem.
Zamarznięty staw z piołunem, gdzie grzesznik pędzi na ogromnej łyżwie, ludzie lecący w światło niczym bezmyślne muszki, człowiek uwięziony w zamku drzwi – wszystkie te obrazy mają charakter alegoryczny i z pewnością były zrozumiałe dla współczesnych artysty. Część tego, co zobaczyliśmy, można interpretować i interpretować nawet dzisiaj, ale z punktu widzenia człowieka naszych czasów, a nie późnego średniowiecza.
Co ciekawe, badaczowi twórczości Boscha udało się rozszyfrować notatki wyryte na piątym punkcie grzesznika. Okazuje się, że artysta nagrał całkowicie spójną melodię, którą można grać i słuchać. Ale to jest jedyny normalny, prawdziwy element w urojeniowym świecie jego piekła.
W prawie każdym znacząca praca sztuka jest tajemnicą, „podwójnym dnem” lub tajna historia, które chcę ujawnić.
Muzyka na pośladkach
Hieronim Bosch, „Ogród rozkoszy ziemskich”, 1500-1510.
Fragment części tryptyku
Spory o znaczenia i ukryte znaczenia najsłynniejsze dzieło Holenderski artysta nie ustąpiły od czasu jego pojawienia się. Prawe skrzydło tryptyku zatytułowanego „Muzyczne piekło” przedstawia grzeszników torturowanych w podziemiach przy pomocy instrumentów muzycznych. Jeden z nich ma wytłoczone nuty na pośladkach. Studentka Oklahoma Christian University, Amelia Hamrick, która studiowała obraz, przetłumaczyła XVI-wieczny zapis na nowoczesny styl i nagrał „500-letnią piekło z piekła rodem”.
Naga Mona Lisa
Słynna „La Gioconda” występuje w dwóch wersjach: naga wersja nosi tytuł „Monna Vanna”, została napisana przez mało znany artysta Salai, który był uczniem i wzorem wielkiego Leonarda da Vinci. Wielu historyków sztuki jest przekonanych, że to on był wzorem dla obrazów Leonarda „Jan Chrzciciel” i „Bachus”. Istnieją również wersje, w których Salai ubrana w kobiecy strój służyła jako wizerunek samej Mony Lisy.
Stary rybak
W 1902 roku węgierski artysta Tivadar Kostka Csontvary namalował obraz „Stary rybak”. Wydawać by się mogło, że w obrazie nie ma nic niezwykłego, jednak Tivadar umieścił w nim podtekst, który nigdy nie został ujawniony za życia artysty.
Niewiele osób myślało o umieszczeniu lustra na środku obrazu. W każdym człowieku może być zarówno Bóg (zduplikowane prawe ramię Starego Człowieka), jak i Diabeł (zduplikowane lewe ramię stary).
Czy był wieloryb?
Hendrik van Antonissen, Scena na brzegu.
Wydawałoby się zwyczajny krajobraz. Łodzie, ludzie na brzegu i bezludne morze. I dopiero badanie rentgenowskie wykazało, że ludzie gromadzili się na brzegu nie bez powodu - w oryginale oglądali zwłoki wieloryba wyrzuconego na brzeg.
Artysta jednak zdecydował, że nikt nie będzie chciał patrzeć na martwego wieloryba, i przepisał obraz.
Dwa „Śniadania na trawie”
Edouard Manet, „Obiad na trawie”, 1863.
Claude Monet, „Obiad na trawie”, 1865.
Artyści Edouard Manet i Claude Monet są czasami zdezorientowani - w końcu obaj byli Francuzami, żyli w tym samym czasie i pracowali w stylu impresjonizmu. Monet zapożyczył nawet tytuł jednego z najsłynniejszych obrazów Maneta „Obiad na trawie” i napisał własny „Obiad na trawie”.
Podwaja się podczas Ostatniej Wieczerzy
Leonardo da Vinci, „Ostatnia wieczerza”, 1495-1498.
Kiedy Leonardo da Vinci napisał „Ostatnią wieczerzę”, dał specjalne znaczenie dwie postacie: Chrystus i Judasz. Bardzo długo szukał dla nich modeli. Wreszcie udało mu się znaleźć wzór obrazu Chrystusa wśród młodych śpiewaków. Leonardo przez trzy lata nie mógł znaleźć wzoru dla Judasza. Ale pewnego dnia natknął się na pijaka, który leżał w rynsztoku. Był to młody człowiek, który postarzał się wskutek intensywnego picia. Leonardo zaprosił go do tawerny, gdzie od razu zaczął malować z niego Judasza. Kiedy pijak opamiętał się, powiedział artyście, że już raz mu pozował. Było to kilka lat temu, gdy śpiewał w chórze kościelnym, Leonardo namalował z niego Chrystusa.
„Straż nocna” czy „Straż dzienna”?
Rembrandta”, Nocna straż", 1642.
Jeden z najsłynniejszych obrazów Rembrandta „Występ kompanii strzeleckiej kapitana Fransa Banninga Cocka i porucznika Willema van Ruytenburga” wisiał w różnych pokojach przez około dwieście lat i został odkryty przez historyków sztuki dopiero w XIX wieku. Ponieważ postacie zdawały się pojawiać na ciemnym tle, nazwano go „Nocną Strażą” i pod tą nazwą wszedł do skarbnicy sztuki światowej.
I dopiero podczas renowacji przeprowadzonej w 1947 roku odkryto, że w holu obraz zdążył pokryć się warstwą sadzy, co zniekształciło jego kolorystykę. Po oczyszczeniu oryginalne malowanie Ostatecznie wyszło na jaw, że scena przedstawiona przez Rembrandta faktycznie rozgrywa się w dzień. Położenie cienia z lewej ręki Kapitana Koka pokazuje, że czas akcji nie przekracza 14 godzin.
Przewrócona łódź
Henri Matisse, „Łódź”, 1937.
W Muzeum Nowego Jorku sztuka współczesna w 1961 r. wystawiono obraz Henriego Matisse'a „Łódź”. Dopiero po 47 dniach ktoś zauważył, że obraz wisiał do góry nogami. Płótno przedstawia 10 fioletowych linii i dwa niebieskie żagle na białym tle. Artysta nie bez powodu namalował dwa żagle, drugi żagiel jest odbiciem pierwszego na powierzchni wody.
Aby nie popełnić błędu w sposobie zawieszenia obrazu, należy zwrócić uwagę na szczegóły. Większy żagiel powinien znajdować się na górze obrazu, a szczyt żagla obrazu powinien znajdować się w kierunku prawego górnego rogu.
Oszustwo w autoportrecie
Vincent van Gogh, „Autoportret z fajką”, 1889.
Istnieją legendy, że Van Gogh rzekomo odciął sobie ucho. Najbardziej wiarygodna wersja mówi, że van Gogh uszkodził sobie ucho podczas małej bójki z udziałem innego artysty, Paula Gauguina.
Autoportret jest o tyle ciekawy, że odzwierciedla rzeczywistość w zniekształconej formie: artysta ukazany jest z zabandażowanym prawym uchem, gdyż podczas pracy korzystał z lustra. W rzeczywistości dotknięte było lewe ucho.
Obce niedźwiedzie
Iwan Szyszkin, „Poranek Las sosnowy", 1889.
Słynny obraz należy nie tylko do Szyszkina. Wielu zaprzyjaźnionych ze sobą artystów często korzystało z „pomocy przyjaciela”, a Iwan Iwanowicz, który przez całe życie malował pejzaże, obawiał się, że jego dotykające niedźwiedzie nie wypadną tak, jak potrzebował. Dlatego Szyszkin zwrócił się do swojego przyjaciela, artysty zwierząt Konstantina Savickiego.
Savitsky narysował prawdopodobnie najlepsze niedźwiedzie w historii Malarstwo rosyjskie, a Tretiakow nakazał zmyć jego imię z płótna, ponieważ wszystko w obrazie „od koncepcji po wykonanie, wszystko mówi o sposobie malowania, o metoda twórcza, charakterystyczne dla Szyszkina.”
Niewinna historia „Gothica”
Granta Wooda”, Amerykański gotyk", 1930.
Twórczość Granta Wooda uznawana jest za jedną z najdziwniejszych i najbardziej przygnębiających w historii. Malarstwo amerykańskie. Obraz z ponurym ojcem i córką jest wypełniony szczegółami, które wskazują na surowość, purytanizm i wsteczny charakter przedstawionych ludzi.
W rzeczywistości artysta nie miał zamiaru przedstawiać żadnych horrorów: zauważył podczas podróży do Iowa mały dom V styl gotycki i postanowił sportretować te osoby, które jego zdaniem idealnie nadawałyby się na mieszkańców. Siostra Granta i jego dentysta zostają uwiecznieni jako bohaterowie, którymi mieszkańcy Iowa byli tak urażeni.
Zemsta Salvadora Dali
Obraz „Postać w oknie” został namalowany w 1925 roku, gdy Dali miał 21 lat. Gala nie była jeszcze wówczas obecna w życiu artysty, a jego muzą była jego siostra Ana Maria. Relacje między bratem i siostrą uległy pogorszeniu, gdy na jednym z obrazów napisał: „Czasami pluję na portret własnej matki i sprawia mi to przyjemność”. Ana Maria nie mogła wybaczyć tak szokującego zachowania.
W swojej książce Salvador Dali oczami siostry z 1949 roku pisze o swoim bracie bez żadnych pochwał. Książka rozwścieczyła Salvadora. Przez kolejne dziesięć lat wspominał ją ze złością przy każdej okazji. I tak w 1954 roku ukazał się obraz „Młoda dziewica oddając się grzechowi sodomii za pomocą rogów własnej czystości”. Postawa kobiety, jej loki, pejzaż za oknem i kolorystyka obrazu wyraźnie nawiązują do „Postać w oknie”. Istnieje wersja, w której Dali zemścił się na swojej siostrze za jej książkę.
Danae o dwóch twarzach
Rembrandt Harmens van Rijn, „Danae”, 1636 - 1647.
Wiele tajemnic jednego z najsłynniejszych obrazów Rembrandta wyszło na jaw dopiero w latach 60. XX wieku, kiedy płótno zostało naświetlone promieniami rentgenowskimi. Przykładowo strzelanina pokazała, że we wczesnej wersji twarz księżniczki, która wdała się w romans z Zeusem, była podobna do twarzy Saskii, żony malarza, zmarłej w 1642 roku. W ostatecznej wersji obrazu zaczął on przypominać twarz Gertje Dirks, kochanki Rembrandta, z którą artysta zamieszkał po śmierci żony.
Żółta sypialnia Van Gogha
Vincent Van Gogh, „Sypialnia w Arles”, 1888 - 1889.
W maju 1888 roku Van Gogh nabył małą pracownię w Arles na południu Francji, gdzie uciekł przed paryskimi artystami i krytykami, którzy go nie rozumieli. W jednym z czterech pokoi Vincent urządza sypialnię. W październiku wszystko jest już gotowe i postanawia namalować „Sypialnię Van Gogha w Arles”. Dla artysty bardzo ważny był kolor i wygoda pomieszczenia: wszystko musiało przywoływać na myśl o relaksie. Jednocześnie obraz jest utrzymany w niepokojących żółtych odcieniach.
Badacze twórczości Van Gogha tłumaczą to faktem, że artysta zażywał naparstnicę, lek na epilepsję, który powoduje poważne zmiany w postrzeganiu koloru przez pacjenta: cała otaczająca rzeczywistość jest pomalowana na odcienie zieleni i żółci.
Bezzębna doskonałość
Leonardo da Vinci, „Portret Lady Lisy del Giocondo”, 1503 - 1519.
Powszechnie panuje opinia, że Mona Lisa jest perfekcją, a jej uśmiech jest piękny w swojej tajemniczości. Jednak amerykański krytyk sztuki (i dentysta na pół etatu) Joseph Borkowski uważa, że sądząc po wyrazie twarzy, bohaterka straciła wiele zębów. Studiując powiększone fotografie arcydzieła Borkowski odkrył także blizny wokół ust. „Uśmiecha się” właśnie z powodu tego, co ją spotkało – uważa ekspert. „Wyraz jej twarzy jest typowy dla ludzi, którzy stracili przednie zęby”.
Specjalizacja w kontroli twarzy
Paweł Fiedotow, „Swatanie majora”, 1848.
Publiczność, która po raz pierwszy zobaczyła obraz „Swatanie majora”, roześmiała się serdecznie: artysta Fiedotow wypełnił go ironicznymi szczegółami, które były zrozumiałe dla ówczesnej publiczności. Na przykład major wyraźnie nie zna zasad etykiety szlacheckiej: pojawił się bez wymaganych bukietów dla panny młodej i jej matki. A jej kupieccy rodzice sami ubrali pannę młodą w wieczorową suknię balową, chociaż był dzień (wszystkie lampy w pokoju były zgaszone). Dziewczyna najwyraźniej po raz pierwszy przymierzyła głęboko wyciętą sukienkę, jest zawstydzona i próbuje uciec do swojego pokoju.
Dlaczego Liberty jest naga?
Ferdinand Victor Eugene Delacroix, „Wolność na barykadach”, 1830.
Zdaniem krytyka sztuki Etienne Julie Delacroix wzorował twarz kobiety na słynnej paryskiej rewolucjonistce – praczce Annie-Charlotte, która po śmierci brata z rąk królewskich żołnierzy poszła na barykady i zabiła dziewięciu gwardzistów. Artysta przedstawił ją z nagimi piersiami. Według jego planu jest to symbol nieustraszoności i bezinteresowności, a także triumfu demokracji: naga pierś pokazuje, że Liberty jako zwykły człowiek nie nosi gorsetu.
Kwadrat niekwadratowy
Kazimierz Malewicz, „Plac Czarnej Suprematyzmu”, 1915.
Tak naprawdę „Czarny kwadrat” wcale nie jest czarny i wcale nie jest kwadratowy: żaden z boków czworokąta nie jest równoległy do żadnego z pozostałych boków, ani do żadnego boku kwadratowej ramy otaczającej obraz. A ciemny kolor– to efekt zmieszania różnych kolorów, wśród których nie było czerni. Uważa się, że nie było to zaniedbanie autora, ale pryncypialne stanowisko, chęć stworzenia dynamicznej, poruszającej formy.
Specjaliści Galeria Trietiakowska odkryto inskrypcję autora słynny obraz Malewicz. Napis głosi: „Bitwa Czarnych w ciemnej jaskini”. To zdanie nawiązuje do tytułu humorystycznego obrazka Francuski dziennikarz, pisarz i artysta Alphonse Allais, „Bitwa Murzynów w ciemnej jaskini w środku nocy”, która była całkowicie czarnym prostokątem.
Melodramat austriackiej Mony Lisy
Gustav Klimt, „Portret Adele Bloch-Bauer”, 1907.
Jeden z najważniejszych obrazów Klimta przedstawia żonę austriackiego magnata cukrowniczego Ferdinada Blocha-Bauera. Cały Wiedeń dyskutował burzliwy romans Adele i znany artysta. Ranny mąż chciał zemścić się na swoich kochankach, ale wybrał bardzo niezwykły sposób: postanowił zamówić u Klimta portret Adele i zmusić go do wykonania setek szkiców, aż artysta zaczął na nią wymiotować.
Bloch-Bauer chciał, aby praca trwała kilka lat, aby opiekunka mogła zobaczyć, jak słabną uczucia Klimta. Złożył artyście hojną ofertę, której nie mógł odmówić, i wszystko potoczyło się zgodnie ze scenariuszem oszukanego męża: praca została ukończona w ciągu 4 lat, kochankowie już dawno stracili zainteresowanie sobą. Adele Bloch-Bauer nigdy nie wiedziała, że jej mąż był świadomy jej związku z Klimtem.
Obraz, który przywrócił Gauguina do życia
Paul Gauguin, „Skąd przychodzimy? Kim jesteśmy? Dokąd zmierzamy?”, 1897-1898.
Najbardziej słynny obraz Gauguin ma jedną osobliwość: „czyta się” go nie od lewej do prawej, ale od prawej do lewej, jak teksty kabalistyczne, którymi interesował się artysta. W tej kolejności alegoria duchowości i życie fizyczne człowieka: od narodzin duszy (śpiące dziecko w prawym dolnym rogu) aż do nieuchronności godziny śmierci (ptak z jaszczurką w szponach w lewym dolnym rogu).
Obraz został namalowany przez Gauguina na Tahiti, gdzie artysta kilkakrotnie uciekał przed cywilizacją. Ale tym razem życie na wyspie nie ułożyło się: totalna bieda doprowadziła go do depresji. Po ukończeniu płótna, które miało stać się jego duchowym testamentem, Gauguin wziął skrzynkę z arszenikiem i udał się w góry, aby umrzeć. Nie obliczył jednak dawki i samobójstwo się nie powiodło. Następnego ranka pojechał do swojej chaty i zasnął, a kiedy się obudził, poczuł zapomniane pragnienie życia. A w 1898 roku jego działalność zaczęła się poprawiać i rozpoczął się w jego pracy jaśniejszy okres.
112 przysłów na jednym obrazku
Pieter Bruegel Starszy, „Przysłowia holenderskie”, 1559
Pieter Bruegel Starszy przedstawił krainę zamieszkałą przez dosłowne obrazy holenderskich przysłów tamtych czasów. Obraz zawiera około 112 rozpoznawalnych idiomów. Niektóre z nich są stosowane do dziś, np.: „płyń pod prąd”, „walenie głową o ścianę”, „uzbrojony po zęby” czy „duża ryba zjada małą rybkę”.
Inne przysłowia odzwierciedlają ludzką głupotę.
Subiektywność sztuki
Paul Gauguin, „Bretońska wioska w śniegu”, 1894
Obraz Gauguina „Bretońska wioska w śniegu” został sprzedany po śmierci autora za jedyne siedem franków i w dodatku pod nazwą „Wodospad Niagara”. Mężczyzna prowadzący aukcję przez przypadek powiesił obraz do góry nogami, bo zobaczył na nim wodospad.
Ukryty obraz
Pablo Picasso, „Niebieski pokój”, 1901
W 2008 roku promieniowanie podczerwone ujawniło, że pod Błękitnym Pokojem ukryty był kolejny obraz – portret mężczyzny ubranego w garnitur z muszką i opierającego głowę na dłoni. „Tak szybko, jak Picasso nowy pomysł, wziął pędzel i ucieleśnił go. Ale nie miał możliwości zakupu nowego płótna za każdym razem, gdy odwiedzała go muza” – wyjaśnia możliwy powód krytyk sztuki Patricia Favero.
Niedostępne Marokańczycy
Zinaida Serebryakova, „Nago”, 1928
Kiedyś Zinaida Serebryakova otrzymała kusząca oferta- idź do twórcza podróż przedstawiać nagie postacie orientalnych dziewcząt. Okazało się jednak, że w tych miejscach po prostu nie da się znaleźć modeli. Z pomocą przyszedł tłumacz Zinaidy – przyprowadził do niej swoje siostry i narzeczoną. Nikomu wcześniej ani później nie udało się uchwycić nagich, orientalnych kobiet w zamknięciu.
Spontaniczny wgląd
Walentin Sierow, „Portret Mikołaja II w marynarce”, 1900
Przez długi czas Sierow nie mógł namalować portretu cara. Kiedy artysta całkowicie się poddał, przeprosił Nikołaja. Nikołaj był trochę zdenerwowany, usiadł przy stole i wyciągnął przed siebie ramiona... I wtedy dotarło do artysty - oto obraz! Prosty wojskowy w kurtce oficerskiej z czystym i smutnymi oczami. Ten portret jest brany pod uwagę najlepsze zdjęcie ostatni cesarz.
Kolejny dwójka
© Fedor Reshetnikov
Słynny obraz „Deuce Again” to dopiero druga część artystycznej trylogii.
Pierwsza część to „Przyjechałem na wakacje”. Oczywiście zamożna rodzina, ferie zimowe, radosny, doskonały student.
Druga część to „Znowu dwójka”. Biedna rodzina z robotniczych przedmieść, wys rok akademicki, przygnębiony paralizator, który ponownie złapał dwójkę. W lewym górnym rogu widać obraz „Przybył na wakacje”.
Trzecia część to „Ponowne badanie”. Wiejski dom, lato, wszyscy chodzą, jeden złośliwy ignorant, który nie zdał rocznego egzaminu, zmuszony jest siedzieć w czterech ścianach i tłoczyć się. W lewym górnym rogu widać obraz „Deuce Again”.
Jak rodzą się arcydzieła
Joseph Turner, Deszcz, para i prędkość, 1844
W 1842 roku pani Simon podróżowała pociągiem po Anglii. Nagle zaczęła się silna ulewa. Starszy pan siedzący naprzeciw niej wstał, otworzył okno, wystawił głowę na zewnątrz i patrzył przez około dziesięć minut. Nie mogąc powstrzymać ciekawości, kobieta również otworzyła okno i zaczęła patrzeć przed siebie. Rok później na wystawie w Królewskiej Akademii Sztuk odkryła obraz „Deszcz, para i prędkość” i rozpoznała w nim ten sam epizod w pociągu.
Lekcja anatomii od Michała Anioła
Michał Anioł, „Stworzenie Adama”, 1511
Para amerykańskich ekspertów w dziedzinie neuroanatomii uważa, że Michał Anioł rzeczywiście pozostawił pewne ilustracje anatomiczne w jednym ze swoich najbardziej znanych dzieł słynne dzieła. Wierzą, że prawa strona obrazu przedstawia ogromny mózg. Co zaskakujące, można znaleźć nawet złożone elementy, takie jak móżdżek, nerwy wzrokowe i przysadka mózgowa. A przyciągająca wzrok zielona wstążka idealnie komponuje się z położeniem tętnicy kręgowej.
„Ostatnia wieczerza” Van Gogha
Wincentego Van Gogha”, Nocny taras kawiarnia”, 1888
Badacz Jared Baxter uważa, że obraz Van Gogha „Taras kawiarni nocą” zawiera zaszyfrowaną dedykację dla „Ostatniej wieczerzy” Leonarda da Vinci. W centrum obrazu stoi kelner z długie włosy i w białej tunice przypominającej szaty Chrystusa, a wokół niego jest dokładnie 12 gości kawiarni. Baxter zwraca także uwagę na umieszczony bezpośrednio za kelnerem krzyż w kolorze białym.
Obraz pamięci Dali
Salvador Dali, „Trwałość pamięci”, 1931
Nie jest tajemnicą, że myśli, które nawiedziły Dali podczas tworzenia jego arcydzieł, zawsze miały formę bardzo realistycznych obrazów, które artysta następnie przeniósł na płótno. Zatem, według samego autora, obraz „Trwałość pamięci” powstał w wyniku skojarzeń, jakie narosły na widok sera topionego.
O czym Munch krzyczy?
Edvard Munch, „Krzyk”, 1893.
Munch opowiedział, jak wpadł na pomysł jednego z najbardziej tajemnicze obrazy w malarstwie światowym: „Szedłem z dwójką przyjaciół ścieżką - zachodziło słońce - nagle niebo zrobiło się krwistoczerwone, zatrzymałem się, czując zmęczenie, oparłem się o płot - spojrzałem na krew i płomienie nad niebieskawym -czarny fiord i miasto - moi przyjaciele poszli dalej, a ja stałam, drżąc z podniecenia, czując niekończący się płacz przeszywający naturę. Ale jaki zachód słońca mógł tak przestraszyć artystę?
Istnieje wersja, że pomysł na „Krzyk” narodził się u Muncha w 1883 roku, kiedy miało miejsce kilka potężnych erupcji wulkanu Krakatoa – tak potężnych, że zmieniły temperaturę ziemskiej atmosfery o jeden stopień. Po całym pomieszczeniu unosiły się ogromne ilości kurzu i popiołu na globus docierając nawet do Norwegii. Przez kilka wieczorów z rzędu zachody słońca wyglądały, jakby miała nadejść apokalipsa – jeden z nich stał się źródłem inspiracji dla artysty.
Pisarz wśród ludzi
Aleksander Iwanow, „Pojawienie się Chrystusa ludowi”, 1837-1857.
Dziesiątki modelek pozowało Aleksandrowi Iwanowowi do jego zdjęcia główne zdjęcie. Jeden z nich jest znany nie mniej niż sam artysta. W tle, wśród podróżników i jeźdźców rzymskich, którzy nie słyszeli jeszcze kazania Jana Chrzciciela, widać postać w tunice. Iwanow napisał to od Mikołaja Gogola. Pisarz utrzymywał ścisły kontakt z artystą we Włoszech, zwłaszcza w kwestiach religijnych i udzielał mu rad podczas procesu malowania. Gogol uważał, że Iwanow „już dawno umarł za cały świat, z wyjątkiem swojej pracy”.
Dna Michała Anioła
Rafaela Santi”, Szkoła ateńska", 1511.
Tworząc słynny fresk „Szkoła ateńska”, Rafael uwiecznił swoich przyjaciół i znajomych na obrazach starożytnych greckich filozofów. Jednym z nich był Michelangelo Buonarotti „w roli” Heraklita. Przez kilka stuleci fresk skrywał tajemnice życia osobistego Michała Anioła i współczesnych badaczy przyjął założenie, że dziwnie kanciaste kolano artysty wskazuje na chorobę stawów.
Jest to całkiem prawdopodobne, biorąc pod uwagę specyfikę stylu życia i warunków pracy artystów renesansu oraz chroniczny pracoholizm Michała Anioła.
Lustro pary Arnolfinich
Jan van Eyck, „Portret pary Arnolfinich”, 1434
W lustrze za parą Arnolfinich widać odbicie dwóch kolejnych osób w pokoju. Najprawdopodobniej są to świadkowie obecni przy zawarciu umowy. Jednym z nich jest van Eyck, o czym świadczy łaciński napis umieszczony wbrew tradycji nad lustrem w centrum kompozycji: „Jan van Eyck był tutaj”. W ten sposób zazwyczaj zawierano umowy.
Jak wada zamieniła się w talent
Rembrandt Harmens van Rijn, Autoportret w wieku 63 lat, 1669.
Badaczka Margaret Livingston przestudiowała wszystkie autoportrety Rembrandta i odkryła, że artysta cierpiał na zez: na obrazach jego oczy patrzą w różnych kierunkach, czego nie obserwuje się na portretach innych osób autorstwa mistrza. Choroba sprawiła, że artysta potrafi lepiej postrzegać rzeczywistość w dwóch wymiarach niż osoby o prawidłowym wzroku. Zjawisko to nazywane jest „ślepotą stereo” – niemożnością zobaczenia świata w 3D. Ponieważ jednak malarz musi pracować z obrazem dwuwymiarowym, właśnie ta wada Rembrandta może być jednym z wyjaśnień jego fenomenalnego talentu.
Bezgrzeszna Wenus
Sandro Botticelli, „Narodziny Wenus”, 1482-1486.
Przed pojawieniem się „Narodzin Wenus” wizerunek nagiego kobiece ciało w malarstwie symbolizował jedynie ideę grzechu pierworodnego. Pierwszy był Sandro Botticelli malarze europejscy Nie znalazłem w nim nic grzesznego. Co więcej, historycy sztuki są pewni, że na fresku symbolizuje pogańska bogini miłości chrześcijański wizerunek: jej pojawienie się jest alegorią odrodzenia duszy, która przeszła rytuał chrztu.
Lutniarz czy lutnista?
Michelangelo Merisi da Caravaggio, „Lutnista”, 1596.
Przez długi czas obraz był wystawiany w Ermitażu pod tytułem „Lutnista”. Dopiero na początku XX wieku historycy sztuki zgodzili się, że obraz przedstawia młodego mężczyznę (prawdopodobnie Caravaggio pozował jego przyjaciel artysta Mario Minniti): na nutach znajdujących się przed muzykiem widać zapis linii basu madrygału Jakuba Arkadelta „Wiesz, że cię kocham”. Kobieta nie mogłaby dokonać takiego wyboru - po prostu ciężko jest jej w gardle. Poza tym lutnia, podobnie jak skrzypce na samym brzegu obrazu, w czasach Caravaggia uważana była za instrument męski.
„Ogród rozkoszy ziemskich” to najsłynniejszy tryptyk Hieronima Boscha, którego nazwa wzięła się od tematu części centralnej, poświęconej grzechowi zmysłowości – Luxurii.
Hieronim Bosch (ok. 1460 -1516) Ogród rozkoszy ziemskich (tryptyk) Około 1500 r., Muzeum Prado, Madryt, Hiszpania. (wysoka rozdzielczość)
Oryginalny tytuł tego dzieła Boscha nie jest znany na pewno. Badacze nazwali tryptyk „Ogrodem rozkoszy ziemskich”. Generalnie żadna z obecnie dostępnych interpretacji obrazu nie jest uznawana za jedyną słuszną. Większość teorii na temat znaczenia obrazu powstała w XX wieku.
Hieronim Bosch. Ogród ziemskich rozkoszy. Prawica. Muzyczne piekło (fragment)
Biorąc jednak pod uwagę ogrom badań poświęconych Ogrodowi rozkoszy ziemskich, zaskakujący jest fakt, że tajemniczy fragment zapisu muzycznego, odciśniętego na pośladku jednego z grzeszników, dopiero niedawno, a nie wśród profesjonalistów, przykuł uwagę.
Hieronima Boscha. Ogród ziemskich rozkoszy. Prawica. Tajemniczy fragment zapisu nutowego
Amerykańska studentka Amelia Hamrick w 2010 roku zainteresowała się przedstawionym fragmentem melodii i „na kolanach” przetłumaczyła ją „według zasad współczesnej notacji muzycznej, przyjmując, że tonacja głosu dolnego to C-dur, jak to było w zwyczaju w średniowieczne chorały”.
Adekwatność dokonanej adaptacji budzi wątpliwości ekspertów. Istnieje inna wersja tego fragmentu muzycznego, wykonana w 2003 roku grupa szwedzka Vox Vulgaris.
Ale jak sami piszą:
- „...szansa, że nasza wersja osiągnie choć przybliżenie tego, jak mogłaby brzmieć w średniowieczu, jest znikomo mała. Nie szukamy żadnych prawd historycznych, a niektórych z nich nie da się odnaleźć, jeśli w ogóle istnieją.”
Hieronima Boscha. Ogród ziemskich rozkoszy. Prawica. Instrumenty muzyczne
I na koniec trzecia wersja „pieśni z piekła rodem”, wykonana przez przyjaciela Amelii Hamrick, Williama Esenzo, w aranżacji „chorałowej”:
Jednak ostateczna treść muzycznego przesłania Hieronima Boscha w „Ogrodzie rozkoszy ziemskich” pozostaje tajemnicą.
