Co to jest malowanie?

Malarstwo to rodzaj sztuki plastycznej, której dzieła powstają przy użyciu farb nakładanych na dowolną powierzchnię.
„Malarstwo to nie tylko fantazja, to praca, którą należy wykonywać sumiennie, jak każdy sumienny pracownik” – przekonywał Renoir.

Malarstwo to niesamowity cud przekształcania dostępnych materiałów artystycznych w różnorodne widzialne obrazy rzeczywistości. Opanowanie sztuki malarstwa polega na umiejętności przedstawiania rzeczywistych obiektów o dowolnym kształcie, innym kolorze i materiale w dowolnej przestrzeni.
Malarstwo, jak każda inna dziedzina sztuki, ma swoją specyfikę język artystyczny, poprzez który artysta odzwierciedla świat. Ale wyrażając swoje rozumienie świata, artysta jednocześnie ucieleśnia w swoich pracach swoje myśli i uczucia, aspiracje, ideały estetyczne, ocenia zjawiska życia, wyjaśniając na swój sposób ich istotę i znaczenie.
W dzieła sztuki różne gatunki dzieł sztuki tworzone przez malarzy wykorzystują rysunek, kolor, światło i cień, ekspresję pociągnięć, fakturę i kompozycję. Umożliwia to odtworzenie na płaszczyźnie barwnego bogactwa świata, objętości obiektów, ich jakościowej oryginalności materialnej, głębi przestrzennej i środowiska świetlno-powietrznego.
Świat malarstwa jest bogaty i złożony, jego skarby ludzkość gromadziła przez wiele tysiącleci. Najstarsze dzieła malarstwa odkryli naukowcy na ścianach jaskiń, w których żyli prymitywni ludzie. Pierwsi artyści z niezwykłą dokładnością i ostrością przedstawiali sceny myśliwskie i zwyczaje zwierząt. Tak narodziła się sztuka przedstawiania farbami na ścianie, posiadająca cechy charakterystyczne monumentalne malarstwo.
Istnieją dwa główne rodzaje malarstwa monumentalnego - freski i mozaiki.
Fresk to technika malowania farbami rozcieńczonymi czystą lub wapienną wodą na świeżym, wilgotnym tynku.
Mozaika to obraz wykonany z cząstek kamienia, smaltu, płytek ceramicznych z jednorodnych lub różnych materiałów, które są utrwalone w warstwie gleby - wapna lub cementu.
Freski i mozaiki to główne rodzaje sztuki monumentalnej, które ze względu na swoją trwałość i trwałość koloru służą do ozdabiania brył i płaszczyzn architektonicznych (malowidła ścienne, abażury, panele).
Malarstwo sztalugowe (obraz) ma samodzielny charakter i znaczenie. Szerokość i kompletność zasięgu prawdziwe życie znajduje odzwierciedlenie w różnorodności typów i gatunków właściwych malarstwu sztalugowemu: portret, pejzaż, martwa natura, życie codzienne, historyczne, batalistyczne.
Inaczej o monumentalnym malarstwo sztalugowe nie jest połączona z płaszczyzną ściany i może być swobodnie eksponowana.
Ideologiczny wartość artystyczna dzieła sztuki sztalugowej nie zmieniają się w zależności od miejsca, w którym się znajdują, choć ich artystyczny wydźwięk zależy od warunków ekspozycji.
Oprócz powyższych rodzajów malarstwa istnieją obrazy dekoracyjne - szkice scenografia teatralna, scenografię i kostiumy kinowe, a także miniatury i ikonografię.
Aby stworzyć dzieło miniaturowe lub monumentalne (na przykład obraz na ścianie), artysta musi znać nie tylko istotę konstrukcyjną przedmiotów, ich objętość, materialność, ale także zasady i prawa obrazowego przedstawiania przedmiotów. natura, harmonia koloru i kolor.

W obrazowym obrazie natury należy wziąć pod uwagę nie tylko różnorodność kolorów, ale także ich jedność, zdeterminowaną siłą i kolorem źródła światła. Żadna plama koloru nie powinna być wprowadzana na obraz bez dopasowania jej do ogólnego stanu kolorystycznego. Kolor każdego obiektu, zarówno w świetle, jak i w cieniu, musi być powiązany z całością kolorystyczną. Jeżeli kolory obrazu nie oddają wpływu barwy oświetlenia, nie będą podlegały jednej kolorystyce. Na takim obrazie każdy kolor będzie się wyróżniał jako coś obcego i obcego danemu stanowi oświetlenia; będzie wyglądać losowo i zrujnuje integralność kolorów obrazu.
Zatem naturalne ujednolicenie kolorystyki farb poprzez ogólną barwę oświetlenia jest podstawą do stworzenia harmonijnej struktury kolorystycznej obrazu.
Kolor jest jednym z najbardziej wyrazistych środków stosowanych w malarstwie. Artysta przekazuje na płaszczyźnie barwne bogactwo tego, co zobaczył, za pomocą poznawanej i odzwierciedlanej formy barwnej świat. W procesie przedstawiania natury rozwija się poczucie koloru i jego wielu odcieni, co pozwala na użycie farb jako głównego środki wyrazu obraz.
Postrzeganie koloru, a oko artysty jest w stanie rozróżnić ponad 200 jego odcieni, jest być może jednym z najbardziej szczęśliwe cechy w jakie natura obdarzyła człowieka.
Znając prawa kontrastu, artysta porusza się po zmianach kolorystycznych przedstawianej natury, które w niektórych przypadkach są trudne do uchwycenia dla oka. Postrzeganie koloru zależy od środowiska, w którym znajduje się obiekt. Dlatego artysta, przekazując barwę natury, porównuje kolory ze sobą, upewniając się, że są one postrzegane we wzajemnych powiązaniach lub wzajemnych relacjach.
„Przyjmowanie relacji światło-cień” oznacza zachowanie różnicy między kolorami w jasności, nasyceniu i odcieniu, zgodnie z tym, jak występuje w naturze.
Kontrast (zarówno świetlny, jak i kolorystyczny) jest szczególnie zauważalny na krawędziach sąsiednich plam barwnych. Zatarcie granic między kontrastującymi kolorami wzmacnia efekt kontrastu kolorów, a wyrazistość granic plamek go zmniejsza. Znajomość tych praw poszerza możliwości techniczne w malarstwie, pozwala artyście za pomocą kontrastu zwiększać intensywność barwy farb, zwiększać ich nasycenie, zwiększać lub zmniejszać ich lekkość, co wzbogaca paletę malarza. W ten sposób bez stosowania mieszanin, a jedynie kontrastujące zestawienia ciepłych i zimnych kolorów, można uzyskać szczególną kolorystykę obrazu.

- jest to jeden z głównych rodzajów sztuk pięknych; reprezentuje obraz artystyczny obiektywny świat kolorowe farby na powierzchni. Malarstwo dzielimy na: sztalugowe, monumentalne i dekoracyjne.

- reprezentowane głównie przez prace wykonane farbami olejnymi na płótnie (tekturowym, drewnianym lub gołym). Jest to najpopularniejszy rodzaj malarstwa. To właśnie ten typ jest zwykle stosowany w odniesieniu do terminu „ obraz".

to technika malowania na ścianach przy dekorowaniu budynków i elementów architektonicznych w budynkach. Szczególnie powszechne w Europie fresk - malarstwo monumentalne na mokrym tynku farbami wodorozcieńczalnymi. Ta technika rysowania jest dobrze znana od starożytności. Później technikę tę wykorzystano przy projektowaniu wielu chrześcijańskich kościołów religijnych i ich sklepień.

Malarstwo dekoracyjne - (z Słowo łacińskie od Decoro - do dekoracji) to sposób rysowania i nanoszenia obrazów na przedmioty i detale wnętrz, ściany, meble i inne elementy dekoracyjne. Nawiązuje do sztuki dekoracyjnej i użytkowej.

Możliwości Sztuka obrazowa Szczególnie wyraźnie ujawnia się malarstwo sztalugowe z XV w., z czasów masowego stosowania farb olejnych. To w nim dostępna jest szczególna różnorodność treści i głęboko rozwinięta forma. W sercu malowniczego środki artystyczne kolory (możliwości farb) leżą w nierozerwalnej jedności z światłocieniem i linią; kolor i światłocień są opracowywane i rozwijane za pomocą technik malarskich o kompletności i jasności niedostępnej dla innych rodzajów sztuki. Od tego zależy doskonałość modelowania wolumetrycznego i przestrzennego, właściwa malarstwu realistycznemu, żywe i dokładne oddanie rzeczywistości, możliwość realizacji wymyślonych przez artystę wątków (i sposobów konstruowania kompozycji) oraz inne walory wizualne.

Kolejną różnicą w różnicach między rodzajami malarstwa jest technika wykonania w zależności od rodzaju farb. Nie zawsze wystarczy wspólne cechy do ustalenia. Granica malarstwa i grafiki w każdym indywidualnym przypadku: np. prace wykonane akwarelą lub pastelami mogą należeć do obu dziedzin, w zależności od podejścia artysty i postawionych przez niego zadań. Choć rysunki na papierze zaliczane są do grafik, stosowanie różnych technik malarskich czasami zaciera różnicę pomiędzy malarstwem a grafiką.

Należy wziąć pod uwagę, że sam termin semantyczny „malarstwo” jest słowem w języku rosyjskim. Został on przyjęty jako termin podczas tworzenia się sztuk pięknych w Rosji w epoce baroku. Użycie słowa „malarstwo” odnosiło się wówczas tylko do pewnego rodzaju malarstwa realistycznego. Ale pierwotnie wywodzi się z kościelnej techniki malowania ikon, która używa słowa „pisać” (związanego z pisaniem), ponieważ słowo to jest tłumaczeniem znaczenia w tekstach greckich (te „zaginęły w tłumaczeniu”). Rozwój w Rosji własny Szkoła Artystyczna i dziedzictwo europejskiej wiedzy akademickiej z zakresu sztuki, rozwinęło zakres rosyjskiego słowa „malarstwo”, wpisując je w terminologię pedagogiczną i język literacki. Ale w języku rosyjskim osobliwość znaczenia czasownika „pisać” powstała w odniesieniu do pisania i rysowania obrazów.

Gatunki malarstwa

W trakcie rozwoju sztuk pięknych powstało kilka klasycznych gatunków malarstwa, które nabyły swoje własne cechy i zasady.

Portret to realistyczne przedstawienie osoby, w którym artysta stara się osiągnąć podobieństwo do oryginału. Jeden z najpopularniejszych gatunków malarstwa. Większość klientów wykorzystywała talent artystów do utrwalenia własnego wizerunku lub chcąc uzyskać wizerunek kochany, krewny itp. Klienci starali się uzyskać podobiznę portretu (a nawet go upiększyć), pozostawiając wizualne ucieleśnienie w historii. Portrety różne style stanowią najbardziej masywną część ekspozycji większości muzeów sztuki i kolekcji prywatnych. Ten gatunek obejmuje taki rodzaj portretu jak autoportret - wizerunek samego artysty, namalowany przez niego samego.

Sceneria- jeden z popularnych gatunków malarstwa, w którym artysta stara się przedstawić naturę, jej piękno lub osobliwość. Różne rodzaje przyrody (nastrój pory roku i pogoda) mają jasność wpływ emocjonalny dla każdego widza - to cecha psychologiczna osoba. Chęć uzyskania emocjonalnego wrażenia z krajobrazów uczyniła ten gatunek jednym z najpopularniejszych w twórczości artystycznej.

- gatunek ten pod wieloma względami przypomina pejzaż, ma jednak kluczową cechę: obrazy przedstawiają pejzaże z udziałem obiektów architektonicznych, budynków czy miast. Szczególny nacisk położono na widoki ulic miast, które oddają atmosferę miejsca. Innym kierunkiem tego gatunku jest ukazanie piękna architektury konkretnego budynku - jego wyglądu lub wizerunków jego wnętrz.

- gatunek, w którym głównym tematem obrazów jest wydarzenie historyczne lub jego interpretacja przez artystę. Co ciekawe, należy do tego gatunku wielka ilość obrazy o tematyce biblijnej. Już w średniowieczu historie biblijne uznano za wydarzenia „historyczne”, a głównymi odbiorcami tych obrazów był kościół. Tematyka biblijna „historyczna” jest obecna w twórczości większości artystów. Drugie narodziny malarstwa historycznego mają miejsce w okresie neoklasycyzmu, kiedy artyści zwracają się ku sławie tematy historyczne, wydarzenia ze starożytności czy legendy narodowe.

- odzwierciedla sceny wojen i bitew. Osobliwością jest nie tylko chęć odzwierciedlenia wydarzenia historycznego, ale także przekazanie widzowi emocjonalnego wzniesienia wyczynu i bohaterstwa. Następnie gatunek ten staje się również polityczny, pozwalając artyście przekazać widzowi swój pogląd (swoją postawę) na to, co się dzieje. Podobny efekt akcentu politycznego i siły talentu artysty widzimy w twórczości V. Vereshchagina.

to gatunek malarstwa z kompozycjami przedmiotów nieożywionych, z wykorzystaniem kwiatów, produktów i naczyń. Ten gatunek jest jednym z najnowszych i powstał w szkoła holenderska obraz. Być może jego pojawienie się wynika ze specyfiki szkoły holenderskiej. Rozkwit gospodarczy XVII wieku w Holandii doprowadził do pragnienia niedrogiego luksusu (obrazów) wśród znacznej liczby ludności. Sytuacja ta przyciągnęła do Holandii dużą liczbę artystów, powodując między nimi ostrą konkurencję. Modelki i warsztaty (ludzie w odpowiednich strojach) nie były dostępne dla biednych artystów. Malując obrazy na sprzedaż, komponowali obrazy za pomocą improwizowanych środków (obiektów). Ta sytuacja w historii szkoły holenderskiej stała się przyczyną rozwoju malarstwa gatunkowego.

Malarstwo rodzajowe - tematem obrazów są sceny z życia codziennego lub święta, zazwyczaj z udziałem zwykli ludzie. Podobnie jak martwa natura, rozpowszechniła się wśród artystów holenderskich w XVII wieku. W okresie romantyzmu i neoklasycyzmu gatunek ten nabiera nowych kształtów; obrazy starają się nie tyle odzwierciedlać życie codzienne, ile je romantyzować, wprowadzać do fabuły pewne znaczenie lub moralność.

przystań- rodzaj krajobrazu, w którym przedstawiane są obrazy morskie gatunki, nadmorskie krajobrazy z widokiem na morze, wschody i zachody słońca na morzu, statki, a nawet bitwy morskie. Chociaż istnieje odrębny gatunek bitew, bitwy morskie nadal należą do gatunku „marina”. Rozwój i popularyzację tego gatunku można przypisać także szkole holenderskiej XVII wieku. Był popularny w Rosji dzięki twórczości Aiwazowskiego.

— cechą tego gatunku jest tworzenie realistycznych obrazów przedstawiających piękno zwierząt i ptaków. Jedną z ciekawych cech tego gatunku jest obecność obrazów przedstawiających nieistniejące lub mityczne zwierzęta. Nazywani są artyści specjalizujący się w wizerunkach zwierząt zwierzęcy.

Historia malarstwa

Od tego czasu istnieje zapotrzebowanie na realistyczne obrazy starożytność, ale miał szereg wad wynikających z braku technologii, usystematyzowanej szkoły i edukacji. W starożytności częściej można spotkać przykłady malarstwa użytkowego i monumentalnego techniką rysowania na gipsie. W starożytności wyższa wartość ze względu na talent wykonawcy, artyści mieli ograniczoną technologię wytwarzania farb i możliwość systematycznego kształcenia. Ale już w starożytności ukształtowała się specjalistyczna wiedza i dzieła (Witruwiusz), które będą podstawą nowego rozkwitu Sztuka europejska w okresie renesansu. Malarstwo dekoracyjne znacznie rozwinęło się w okresie starożytności greckiej i rzymskiej (szkoła zanikła w średniowieczu), której poziom osiągnął dopiero po XV wieku.

Malowanie fresku rzymskiego (Pompeje, I w. p.n.e.), przykład poziomu technologii malarstwa starożytnego:

„Ciemne wieki” średniowiecza, wojownicze chrześcijaństwo i inkwizycja doprowadziły do ​​zakazów studiowania dziedzictwa artystycznego starożytności. Zakazane jest ogromne doświadczenie starożytnych mistrzów, wiedza z zakresu proporcji, kompozycji, architektury i rzeźby, i wiele innych wartości artystyczne zniszczone z powodu oddania się starożytnym bóstwom. Powrót do wartości sztuki i nauki w Europie następuje dopiero w okresie renesansu (odrodzenia).

Artyści wczesnego renesansu (odrodzenia) musieli dogonić i wskrzesić dorobek i poziom artystów starożytnych. To, co podziwiamy w twórczości artystów wczesnego renesansu, to poziom mistrzów rzymskich. Wyraźny przykład utraty kilku stuleci rozwoju sztuki europejskiej (i cywilizacji) podczas „ciemnych wieków” średniowiecza, wojującego chrześcijaństwa i inkwizycji - różnica między tymi obrazami z XIV wieku!

Pojawienie się i rozpowszechnienie technologii wytwarzania farb olejnych oraz techniki malowania nimi w XV wieku dało początek rozwojowi malarstwa sztalugowego i szczególnego rodzaju wytworów artysty - obrazów kolorowych farbami olejnymi na zagruntowanym płótnie lub drewnie.

Malarstwo przeżyło w okresie renesansu ogromny skok jakościowy, głównie dzięki twórczości Leona Battisty Albertiego (1404-1472). Jako pierwszy położył podwaliny perspektywy w malarstwie (traktat „O malarstwie” z 1436 r.). Dla niego (jego prace nad systematyzacją wiedza naukowa) europejska szkoła artystyczna jest zobowiązana do pojawienia się (odrodzenia) realistycznej perspektywy i naturalnych proporcji w obrazach artystów. Słynny i znany rysunek Leonarda da Vinci "Człowiek witruwiański"(proporcje ludzkie) z 1493 r., poświęcona usystematyzowaniu starożytnej wiedzy Witruwiusza o proporcjach i kompozycji, Leonardo stworzył pół wieku później niż traktat Albertiego „O malarstwie”. A twórczość Leonarda jest kontynuacją rozwoju europejskiej (włoskiej) szkoły artystycznej renesansu.

Ale malarstwo otrzymało jasny i powszechny rozwój począwszy od XVI i XVII wieku, kiedy rozpowszechniła się technika malarstwa olejnego, pojawiły się różne technologie wytwarzania farb i powstały szkoły malarskie. To właśnie system wiedzy i edukacji artystycznej (technika rysunkowa) w połączeniu z zapotrzebowaniem na dzieła sztuki wśród arystokracji i monarchów doprowadził do szybkiego rozkwitu sztuk pięknych w Europie (okres baroku).

Nieograniczone możliwości finansowe europejskich monarchii, arystokracji i przedsiębiorców stały się doskonałą podstawą dalszy rozwój malarstwo XVII-XIX w. A słabnący wpływ kościoła i świeckiego stylu życia (pomnożony przez rozwój protestantyzmu) pozwolił na narodziny wielu tematów, stylów i ruchów w malarstwie (barok i rokoko).

W toku rozwoju sztuk pięknych artyści rozwinęli wiele stylów i technik, które prowadzą do najwyższego poziomu realizmu w ich dziełach. Pod koniec XIX wieku (wraz z pojawieniem się ruchów modernistycznych) rozpoczęły się ciekawe przemiany w malarstwie. Dostępność edukacji artystycznej, masowa konkurencja i wysokie wymagania wobec umiejętności artystów ze strony publiczności (i nabywców) powodują powstanie nowych kierunków w środkach wyrazu. Sztuka piękna nie jest już ograniczona jedynie poziomem techniki, artyści starają się wprowadzać do dzieł szczególne znaczenia, sposoby „patrzenia” i filozofię. To, co często odbywa się kosztem poziomu wykonania, staje się spekulacjami lub metodą szokowania. Różnorodność rodzących się stylów, ożywione dyskusje, a nawet skandale powodują rozwój zainteresowania nowymi formami malarstwa.

Nowoczesne technologie rysowania komputerowego (cyfrowego) należą do grafiki i nie można ich nazwać malarstwem, chociaż wiele programów i sprzętu komputerowego pozwala na całkowite powtórzenie dowolnej techniki malarskiej za pomocą farb.

Większość obrazów, które widzisz, to przedmioty sztalugowe. Termin ten oznacza, że ​​obrazy zostały namalowane na specjalnej maszynie – sztalugach. Można je oprawić w ramkę, powiesić na ścianie lub podarować jako prezent. Innymi słowy sztaluga to obraz namalowany na płaskim tle: papierze, desce. W tym typie malarstwa dominują obrazy olejne, ale także obrazy wykorzystujące inne materiały - gwasz i akwarelę, pastele, tusz, węgiel drzewny, farby akrylowe, kredki itp.

Jeden z stosowane typy malarstwo sztalugowe to malarstwo teatralne i dekoracyjne - szkice kostiumów bohaterów i mise-en-scène.

Malarstwo monumentalne - malowanie budynków

Malarstwo monumentalne nie może istnieć w oderwaniu od miejsca, w którym jest wykonywane. Ten rodzaj malarstwa był bardzo popularny w XVI-XIX wieku, kiedy to budowano majestatyczne świątynie, a ich sklepienia malowali najlepsi artyści. Najpopularniejszym typem jest fresk, malowanie farbami na bazie wody na mokrym tynku.

Powszechne było także malowanie na suchym tynku – secco, lecz tego typu prace przetrwały do ​​dziś w gorszym stanie. Najbardziej znanym malarstwem monumentalnym jest malarstwo wielkoformatowe Kaplica Sykstyńska, w którym brał udział Michał Anioł. Zdaniem krytyków freski znajdujące się w kaplicy można porównać do ósmego cudu świata.

Najstarszymi dziełami malarstwa monumentalnego są malowidła naskalne pierwszych ludzi.

Malarstwo dekoracyjne - sztuka użytkowa

Malarstwo dekoracyjne jest ściśle powiązane ze sztuką dekoracyjną i użytkową. Spełnia raczej rolę pomocniczą przy ozdabianiu różnych przedmiotów. Malarstwo dekoracyjne to różnorodne wzory i ozdoby zdobiące przedmioty gospodarstwa domowego, meble i architekturę. Autorzy tego typu malarstwa mogą być nieznani – obrazy proste domy chłopskie i meble również należą do tego typu.

Malarstwo miniaturowe - urocze małe rzeczy

Początkowo malarstwo miniaturowe reprezentowało projekty książek. Zabytkowe książki były wykonane z wielką starannością i były bardzo drogie. Do ich dekoracji zatrudniono specjalnych rzemieślników, którzy pięknie zaprojektowali karty tytułowe, okładki i opaski pomiędzy rozdziałami. Takie publikacje były prawdziwymi dziełami sztuki. Istniało kilka szkół, które trzymały się ścisłych kanonów malarstwa miniaturowego.

Później miniatury zaczęto nazywać dowolnymi obrazami na małą skalę. Służyły jako pamiątki i niezapomniane prezenty. Mimo niewielkich rozmiarów, ten rodzaj malarstwa wymagał dużej precyzji i umiejętności. Najpopularniejszymi materiałami na miniatury pamiątkowe były płyty z kości, kamienia i metalu.

Wskazówka 2: Jakie są rodzaje sztalug: podstawowe i popularne

Rysunek to jedna z najciekawszych dziedzin kreatywności. Aby jednak namalować obraz, trzeba wybrać odpowiednie pędzle i farby, ale także sztalugi.

Dla niektórych kreatywność, czyli rysowanie, jest integralną częścią życia w formie hobby lub działalność zawodowa. Artyści i hobbyści przywiązują szczególną wagę do materiałów i urządzeń, z którymi pracują. Dlatego sztalugi są integralną częścią proces twórczy, dlatego należy bardziej szczegółowo rozważyć te elementy pomocnicze.

Więc w ten moment Istnieją trzy główne typy: sztalugi trójnożne, sztalugi z panelami pionowymi (stacjonarne) i szkicowniki. Każdy rodzaj sztalugi ma swoją własną charakterystykę. Na przykład statywy są bardzo łatwe w montażu i obsłudze. Taką sztalugę zawsze można zdemontować, a po złożeniu urządzenie to zajmuje bardzo mało miejsca.

Jednocześnie sztalugi panelowe pionowe są bardzo wygodne, posiadają funkcję regulacji wysokości i kąta nachylenia, lecz ze względu na stacjonarność zajmują dużo miejsca. Zasada mocowania papieru lub naciągniętego płótna w tego typu sztalugach pozostaje praktycznie niezmieniona. Na dole znajduje się niewielki panel do przechowywania materiałów eksploatacyjnych: ołówków, farb, pędzli i innych.

Szkicowniki można używać na zewnątrz do rysowania z natury. Jednocześnie po złożeniu urządzenie to zamienia się w małą walizkę, z którą można odbywać długie podróże do miejsca malowania płótna.

Najpopularniejsze sztalugi

Najpopularniejsze są sztalugi trójnożne. Wynika to z ich wygody i zwartości. Ponadto możesz samodzielnie wykonać taką sztalugę, jeśli nie chcesz wydawać pieniędzy na jej zakup.

Do pracy w studiu lub w domu często wykorzystuje się stoły sztalugowe, czyli sztalugi z panelem pionowym. Ten typ jest wygodny podczas pracy w jednym miejscu, ponieważ jego transport jest utrudniony przez niemożność rozłożenia obiektu na mniejsze części, a następnie ponownego złożenia. Co więcej, każdy rodzaj sztalug przeznaczony jest do określonego zastosowania, jednak statyw można słusznie uznać za najbardziej uniwersalny, gdyż można go używać zarówno do stała praca w studiu i do pracy z naturą, oczywiście, jeśli nie jest ona zbyt duża.

Źródła:

• Klasyfikacja sztalug

Sztuka zdobienia powierzchni farbami i pędzlem nazywana jest malarstwem artystycznym. Samo pojęcie malarstwa znacznie różni się od malarstwa, gdyż jest częścią przestrzeni wymyślonej przez artystę.

Malarstwo artystyczne początkowo dotyczyło wszelkich dostępnych i łatwo dostępnych materiałów: skóry, drewna, tkanin naturalnych, gliny itp. Umiejętności przekazywane z pokolenia na pokolenie przez mistrzów są specyficzne techniki artystyczne, które pomogły produktom. Z czasem wybrano najbardziej wymowne i wyraziste zastosowanie ozdoby. W architekturze obrazami zaczęto ozdabiać sufity, sklepienia, ściany, belki, a w życiu codziennym dekorowano przedmioty gospodarstwa domowego.

Systematyzacja różne rodzaje prace malarskie zapoczątkował w 1876 roku profesor A.A. Isajew w swojej dwutomowej książce pt. „Procesy prowincji moskiewskiej”. Przedsiębiorstwa malarstwo artystyczne i obecnie rozwijają swoją działalność, aby zaspokoić popyt na rynkach rosyjskich i zagranicznych.

Malarstwo Khokhloma

W bogatych motywach kwiatowych wykorzystano delikatne prace pędzla pochodzące z klasztorów. Stąd wyprowadzono sekret malowania naczyń na złoto bez użycia złota. Malarstwo nie zmieniło się do dziś, a proces jego malowania przebiega tak samo od czasów starożytnych do współczesności. Półfabrykat zastawy stołowej jest toczony z drewna na tokarce, a następnie gruntowany specjalnie przygotowanym roztworem gliny lub stosuje się sztuczne podkłady. Naczynia pokrywane są farbą na bazie cyny lub srebra, rzadziej aluminium. Maluje się je według zamierzonego motywu i suszy w piecu, następnie lakieruje i ponownie suszy na gorąco.

Ponieważ produkt poddawany jest kilkukrotnej intensywnej obróbce cieplnej, kolory wybrano spośród tych, których jasność wysokie temperatury nie miał żadnego wpływu. Jest czerń, złoto i cynober.

Porcelana Gżel

Gzhel jest wyjątkowy, ponieważ każdy artysta, wykorzystując klasyczne i znane motywy, tworzy technikę indywidualnie. główną rolę należy do doświadczenia mistrza i ruchu jego pędzla. Jednocześnie na bieli już od jednego pociągnięcia pojawiają się harmonijne przejścia od ciemnoniebieskiego do delikatnego błękitu. Używana jest tylko jedna farba, kobaltowa, a rysunek wykonuje się bardzo szybko, już za pierwszym razem.

Matrioszka

Te figurki o różnej wielkości, zagnieżdżone jedna w drugiej, pochodzą z Japonii. Lalki te zyskały dużą popularność w 1900 roku, po wystawie w Paryżu. Główna produkcja odbywała się we wsi Połchowski Majdan, słynącej zarówno z malarstwa, jak i tokarzy – w końcu trzeba było jeszcze wyrzeźbić kształt lalki lęgowej.

Połchowska ma cechy charakterystyczne, po czym można ją rozpoznać m.in. Ma twarz pomalowaną drobnymi pociągnięciami, a na czole kwiat róży świerkowej. Kolor szalika kontrastuje z kolorem sukienki, a od tyłu lalka Matrioszka jest w 2/3 szkarłatna lub zielona. Fartuch jest owalny i biegnie od szyi do ziemi.

Najtrudniejsza w obróbce, inkrustowana słomą lalka Matrioszka firmy Vyatka.

Prawie każda dziewczyna, jeśli ona czas wolny nie jest przeciążony nauką ani randkami, ma jedno lub więcej hobby. Niektóre z nich urzekają ją swoją oryginalnością na krótki czas, inne są towarzyszami na całe życie.

Instrukcje

Najpopularniejszy rodzaj kobiecego hobby można nazwać wszelkiego rodzaju robótkami ręcznymi: szydełkowaniem, makramą, szyciem, haftem. To hobby nie bierze się znikąd, tradycyjnie pochodzi od matek i babć, które angażują się w nie w obecności swoich córek i wnuczek. Mała dziewczynka zaczyna się nią interesować i prosi dorosłych, aby pokazali jej pętelki, supełki, ściegi czy łańcuszki. Na początku to nie wychodzi, może nawet na jakiś czas porzuci nowe hobby, ale po kilku latach natura zrobi swoje i teraz nastolatka uszyje swoje pierwsze dżinsy lub zrobi na drutach beret.

Nie tak czasochłonną, pozostawiającą wieczory wolne na inne zajęcia jest kwiaciarstwo. Wszystkie kobiety kochają kwiaty, a największym zainteresowaniem cieszą się te wyhodowane własnoręcznie. Monitorowanie wyglądu pędów, ich wzrostu i późniejszego kwitnienia przypomina macierzyństwo, dlatego sprawia przyjemność wielu przedstawicielkom płci pięknej. Jeśli nie masz cierpliwości do pielęgnacji róż i fiołków, możesz zacząć od chlorofilu, czyli prostych kaktusów.

Najwcześniejsze hobby, jakie rozwija małe dziecko, to rysowanie i poruszanie się w rytm muzyki. Jeśli masz do nich talent, Twoje przedsięwzięcia nie zostaną utracone, ale rozwiną się w umiejętność odzwierciedlania świata zewnętrznego i wewnętrznego poprzez malarstwo i taniec. Jeśli nie ma talentu, ale dusza uparcie domaga się wyrażenia wszystkich swoich impulsów, dziewczyna staje się dobrym fotografem. Na jej zdjęciach najczęściej pojawiają się bliscy i przyjaciele, ważne miejsca i zakątki natury, które pobudzają wyobraźnię.

Inną metodą wykorzystania swojego potencjału jest wykonywanie rzemiosła z różnych materiałów. Obejmuje to modelowanie w glinie, wytwarzanie mydła, rzeźbienie i projektowanie. To drugie może zamienić się w zawód i stać się dobrym sposobem na zarobek. A rzeźbienie można nazwać odmianą powszechnego, ale dalekiego od wszechstronnego hobby - gotowania. Prawie każda dziewczyna potrafi ugotować najprostszą owsiankę i zupę, upiec pizzę ze wszystkiego, co jest w lodówce, ale tylko nieliczne mają sztukę przygotowywania oryginalnych potraw.

I wreszcie uniwersalnym hobby kobiet w każdym wieku i każdej kategorii społecznej jest wróżenie. Najczęściej na kartach, ale do osiągnięcia rezultatów wykorzystuje się również fusy z kawy, chiromancję i inne metody wróżenia. Poznanie przeszłości i przyszłości nigdy się nie nudzi, a specjalizacja w oddzielny formularz może zmienić dziewczynę w prawdziwego mistrza.

Okrągłe i płaskie, z rączką drewnianą i plastikową, kuna i kucyk. Różnorodność kształtów i rodzajów pędzli pomaga artyście tworzyć arcydzieła na płótnie lub papierze. Na przykład pędzel wiewiórkowy służy głównie do pracy z farbą akwarelową, a pędzel liniowy służy do nakładania napisów.

Kształty pędzli

Jednym z najpopularniejszych i najbardziej uniwersalnych kształtów pędzli jest okrągły. Pęczek takiego pędzla mocowany jest w okrągłym klipsie, zwykle metalowym. Pędzle mogą być różne rozmiary. Mała wiązka służy do tworzenia miniatur, a duża wiązka służy do dużych krajobrazów. Okrągły pędzel tworzy jednolitą linię o jednakowej grubości, chociaż doświadczony artysta może to zmienić.

Pędzle płaskie nadają się do pracy na dużych obszarach kompozycji, mieszczą dużo farby. Pociągnięcia takim pędzlem są gładkie i szerokie.

Pędzel zwany „kocim okiem” ma kształt owalny lub kopułowy. Pędzel ten ma bardzo indywidualne zastosowanie i można go używać tak samo, jak pędzla okrągłego lub płaskiego.

Podtypem pędzli płaskich są pędzle konturowe; mają podobny kształt, ale wiązka jest krótsza i odpowiednio bardziej elastyczna. Pędzle takie stosowane są w technikach malarstwa olejnego, łatwo można na nich wykonać płaskie pociągnięcia i wyraźne kontury.

Pędzle typograficzne posiadają długi, okrągły pędzelek z cienką, ostrą końcówką, który umożliwia wykonywanie napisów i nakładanie konturów. Pędzle te są używane z farbami płynnymi.

Pędzle retuszowe są również rodzajem pędzli płaskich; ich cechą szczególną jest to, że końcówka jest ścięta pod kątem. Pędzle te służą do tworzenia bardzo cienkich pociągnięć oraz płynnego i precyzyjnego przejścia od jednego koloru do drugiego. Dzieje się tak dzięki cienkiej i ostrej końcówce.

Pędzle liniowe, podobnie jak pędzle czcionkowe, mają długi okrągły kształt i służą do nakładania napisów oraz tworzenia długich proste linie. Pędzle liniowe są krótsze niż szczotki typu, ale dłuższe i cieńsze niż szczotki okrągłe.

Oprócz malowania, pędzle fletowe służą do nakładania makijażu, a mianowicie pudru lub różu. Te miękkie pędzle są przeznaczone do odręcznego malowania akwarelami. Zatrzymują dużo wody, dzięki czemu mogą bez przerwy rysować długie, ciągłe i jednolite linie.

Pędzle wachlarzowe mają cienką kępkę w kształcie wachlarza. Służą do tworzenia wyrafinowanych rozciąganie koloru, przejścia kolorów i kontrastów.

Rodzaje pędzli

Oprócz kształtów i rozmiarów istnieje znacząca różnica między rodzajami szczotek, a mianowicie z jakiego rodzaju włosów wykonany jest wiązka. Najpopularniejszym rodzajem pędzla jest wiewiórka. Takie szczotki są wykonane z przetworzonych włosów z ogona wiewiórki, ponieważ ogon zawiera najdłuższy włos. Pędzle wiewiórkowe są bardzo miękkie i delikatne, dlatego wymagają szczególnej pielęgnacji. Służą do pracy z farbą akwarelową lub inną farbą na bazie wody.

Pędzle Kolinsky wykonane są z przetworzonego włosia ogonowego Kolinsky. Pędzle te są dość miękkie i jednocześnie elastyczne. Dlatego się ich używa

Malarstwo wyróżnia się różnorodnością gatunków i typów. Każdy gatunek ogranicza się do własnego zakresu tematów: wizerunku osoby (portret), otaczającego świata (krajobraz) itp.
Odmiany (rodzaje) malarstwa różnią się przeznaczeniem.

Pod tym względem istnieje kilka rodzajów malarstwa, o których dzisiaj porozmawiamy.

Malarstwo sztalugowe

Najpopularniejszy i znane gatunki malarstwo – malarstwo sztalugowe. Nazywa się to tak, ponieważ wykonuje się je na maszynie - sztaludze. Podstawą jest drewno, karton, papier, ale najczęściej płótno naciągnięte na noszach. Obraz sztalugowy to samodzielne dzieło wykonane w określonym gatunku. Charakteryzuje się bogactwem kolorów.

Farby olejne

Najczęściej malarstwo sztalugowe wykonuje się farbami olejnymi. Farbami olejnymi można malować na płótnie, drewnie, kartonie, papierze i metalu.

Farby olejne
Farby olejne to zawiesiny nieorganicznych pigmentów i wypełniaczy podczas schnięcia oleje roślinne lub oleje schnące lub na bazie żywic alkidowych, czasami z dodatkiem substancji pomocniczych. Stosowany w malarstwie lub do malowania drewna, metalu i innych powierzchni.

V. Perow „Portret Dostojewskiego” (1872). Płótno, olej
Ale malowniczy obraz można również stworzyć za pomocą tempery, gwaszu, pasteli i akwareli.

Akwarela

Farby akwarelowe

Akwarela (francuska Aquarelle - wodnista; włoska acquarello) to technika malarska wykorzystująca specjalne farby akwarelowe. Po rozpuszczeniu w wodzie tworzą przezroczystą zawiesinę drobnego pigmentu, która tworzy efekt lekkości, zwiewności i subtelnych przejść kolorystycznych.

J. Turnera „Jezioro Firvaldstät” (1802). Akwarela. Tate Britain (Londyn)

Gwasz

Gwasz (gwasz francuski, włoska farba wodna guazzo, plusk) to rodzaj klejącej farby rozpuszczalnej w wodzie, gęstszej i bardziej matowej niż akwarela.

Farby gwaszowe
Farby gwaszowe wykonane są z pigmentów i kleju z dodatkiem bieli. Domieszka bieli nadaje gwaszowi matowy, aksamitny charakter, jednak po wyschnięciu kolory ulegają pewnemu wybieleniu (rozjaśnieniu), co artysta musi wziąć pod uwagę podczas rysowania. Używając farb gwaszowych, możesz pokryć ciemne odcienie jasnymi.

Vincent Van Gogh „Korytarz w Asulum” (czarna kreda i gwasz na różowym papierze)

Pastelowe [e]

Pastel (od łac. makaron – ciasto) – materiały artystyczne, stosowany w grafice i malarstwie. Najczęściej występuje w postaci kredek lub ołówków bez oprawek, w kształcie sztabek o przekroju okrągłym lub kwadratowym. Pastel się zdarza trzy typy: „sucha”, tłusta i woskowata.

I. Lewitan „Dolina rzeki” (pastel)

Tempera

Tempera (włoska tempera, od łac. temperare – do mieszania farb) – farby wodorozcieńczalne przygotowywane na bazie suchych pigmentów proszkowych. Spoiwem do farb temperowych jest żółtko jaja kurzego rozcieńczone wodą lub całe jajo.
Farby temperowe są jednymi z najstarszych. Przed wynalezieniem i rozpowszechnieniem farb olejnych do XV-XVII wieku. Podstawowym materiałem do malowania sztalugowego były farby temperowe. Stosowane są od ponad 3 tysięcy lat. Słynne malowidła sarkofagów starożytnych egipskich faraonów zostały wykonane farbami temperowymi. Malarstwo temperowe było dziełem głównie mistrzów bizantyjskich. W Rosji dominowała technika malarstwa temperowego koniec XVII V.

R. Streltsov „Rumianki i fiołki” (tempera)

Enkaustyczny

Enkaustyka (od starogreckiego ἐγκαυστική – sztuka spalania) to technika malarska, w której spoiwem farb jest wosk. Malowanie odbywa się za pomocą stopionych farb. Tą techniką namalowano wiele ikon wczesnochrześcijańskich. Pochodzi ze starożytnej Grecji.

"Anioł". Technika enkaustyczna

Zwracamy uwagę, że można spotkać jeszcze inną klasyfikację, według której akwarela, gwasz i inne techniki wykorzystujące farby papierowe i wodne zaliczane są do grafiki. Łączą w sobie cechy malarstwa (bogactwo tonu, konstrukcja formy i przestrzeni za pomocą koloru) i grafiki (aktywna rola papieru w konstruowaniu obrazu, brak specyficznej płaskorzeźby pociągnięcia pędzla, charakterystycznej dla powierzchni malarskiej).

Malarstwo monumentalne

Malarstwo monumentalne – malowanie dalej konstrukcje architektoniczne lub inne powody. Ten najstarszy gatunek malarstwo znane z paleolitu. Dzięki swojej stacjonarności i trwałości zachowały się liczne jej przykłady z niemal wszystkich kultur, które stworzyły rozwiniętą architekturę. Głównymi technikami malarstwa monumentalnego są freski, secco, mozaika, witraże.

Fresk

Fresk (z włoskiego fresk - świeży) - malowanie na mokrym tynku farbami wodnymi, jedna z technik malarstwa ściennego. Zawarte w tynku wapno po wyschnięciu tworzy cienką przezroczystą warstwę wapnia, dzięki czemu fresk jest trwały.
Fresk ma przyjemną matową powierzchnię i jest trwały w warunkach wewnętrznych.

Klasztor Gelati (Gruzja). Kościół Najświętszej Marii Panny. Fresk na górnej i południowej stronie Łuku Triumfalnego

Sekunda

A secco (z włoskiego a secco – wytrawny) – Sztuka ścienna, wykonany, w odróżnieniu od fresków, na twardym, wyschniętym tynku, ponownie zwilżonym. Stosuje się farby mielone na kleju roślinnym, jajku lub mieszane z wapnem. Secco pozwala na pomalowanie większej powierzchni w ciągu jednego dnia roboczego niż przy użyciu tej metody malowanie alfresko, ale nie jest to aż tak trwała technika.
Technika a secco rozwinęła się w malarstwie średniowiecznym wraz z freskami i była szczególnie rozpowszechniona w Europie w XVII-XVIII wieku.

Leonardo da Vinci " Ostatnia Wieczerza(1498). Technika sekundę

Mozaika

Mozaika (francuska mosaïque, włoska mozaika z łac. (opus) musivum – (dzieło poświęcone muzom) to sztuka dekoracyjna, użytkowa i monumentalna różnych gatunków. Obrazy w mozaice powstają poprzez ułożenie, ustawienie i utrwalenie na powierzchni wielobarwnych kamieni, smalty, płytek ceramicznych i innych materiałów.

Panel mozaikowy „Kot”

Witraż

Witraże (francuskie vitre – szyba, z łac. vitrum - szkło) - dzieło z kolorowego szkła. Witraże od dawna wykorzystywane są w kościołach. W okresie renesansu witraże istniały jako malarstwo na szkle.

Witraż Pałacu Kultury Mieżsojuzny (Murmańsk)
Rodzaje malarstwa obejmują także dioramę i panoramę.

Diorama

Budowa dioramy „Burza na górze Sapun 7 maja 1944” w Sewastopolu
Diorama to obraz w kształcie wstążki, półkolicznie zakrzywiony, z obiektem na pierwszym planie. Powstaje iluzja obecności widza w przestrzeni naturalnej, którą osiąga się poprzez syntezę środków artystycznych i technicznych.
Dioramy przeznaczone są do sztucznego oświetlenia i umieszczane są głównie w specjalnych pawilonach. Większość dioram poświęcona jest bitwom historycznym.
Najsłynniejsze dioramy: „Burza na górze Sapun” (Sewastopol), „Obrona Sewastopola” (Sewastopol), „Bitwy o Rżew” (Rżew), „Przerwanie oblężenia Leningradu” (Sankt Petersburg), „Burza na Berlin ” (Moskwa) itp.

Panorama

W malarstwie panorama to obraz z okrągłym widokiem, w którym płaskie tło obrazkowe łączy się z trójwymiarowym pierwszym planem obiektu. Panorama tworzy iluzję prawdziwej przestrzeni otaczającej widza w pełnym okręgu horyzontu. Panoramy służą głównie do przedstawiania wydarzeń obejmujących duży obszar i duża liczba Uczestnicy.

Muzeum Panorama „Bitwa pod Borodino” (budynek muzeum)
W Rosji najsłynniejsze panoramy to Muzeum Panorama „Bitwa pod Borodino”, „Bitwa pod Wołoczajewem”, „Klęska wojsk hitlerowskich pod Stalingradem” w Muzeum Panoramy „Bitwa pod Stalingradem”, „Obrona Sewastopola”, panorama kolei transsyberyjskiej.

Franza Roubo. Obraz panoramiczny „Bitwa pod Borodino”

Malarstwo teatralne i dekoracyjne

Scenografia, kostiumy, makijaże, rekwizyty pomagają w dalszym ukazaniu treści spektaklu (filmu). Sceneria daje wyobrażenie o miejscu i czasie akcji oraz aktywizuje percepcję widza tego, co dzieje się na scenie. Artysta teatralny stara się ostro wyrażać w szkicach kostiumowych i makijażowych indywidualny charakter postacie, ich status społeczny, styl epoki i wiele więcej.
W Rosji rozkwit sztuki teatralnej i dekoracyjnej nastąpił na przełomie XIX i XX wieku. W tym czasie rozpoczęła się praca w teatrze wybitni artyści MAMA. Vrubel, V.M. Wasnetsow, A.Ya. Golovin, L.S. Bakst, N.K. Roericha.

M. Vrubel „Miasto Lollipopa”. Scenografia do opery N.A. „Opowieść o carze Saltanie” Rimskiego-Korsakowa dla Rosyjskiej Opery Prywatnej w Moskwie. (1900)

Miniaturowy

Miniatura to dzieło malarskie o małych formach. Szczególną popularnością cieszyła się miniatura portretowa – portret małego formatu (od 1,5 do 20 cm), wyróżniający się szczególną subtelnością pisma, wyjątkową techniką wykonania i użyciem środków właściwych tylko tej formie obrazowej.
Rodzaje i formaty miniatur są bardzo różnorodne: malowane były na pergaminie, papierze, tekturze, kości słoniowej, metalu i porcelanie, przy użyciu akwareli, gwaszu, specjalnych emalii artystycznych lub farby olejne. Autor może wpisać wizerunek, zgodnie ze swoją decyzją lub na życzenie klienta, w okrąg, owal, romb, ośmiokąt itp. Za klasyczną miniaturę portretową uważa się miniaturę wykonaną na cienkiej płycie z kości słoniowej.

Cesarz Mikołaj I. Fragment miniatury G. Morselliego
Istnieje kilka technik miniaturowych.

Lakier miniaturowy (Fedoskino)

Miniatura z portretem księżniczki Zinaidy Nikołajewnej (biżuteria Jusupowa)

Malarstwo to rodzaj sztuki plastycznej polegający na tworzeniu obrazów, obrazy, najpełniej i jak najbardziej realistycznie odzwierciedlając rzeczywistość.

Malarstwo nazywa się dziełem sztuki wykonanym farbami (olejnymi, temperowymi, akwarelowymi, gwaszami itp.) na dowolną twardą powierzchnię. Głównym środkiem wyrazu malarstwa jest kolor, jego zdolność do wywoływania różnych uczuć i skojarzeń wzmacnia emocjonalność obrazu. Artysta zazwyczaj rysuje na palecie kolor niezbędny do malowania, a następnie na płaszczyźnie malarskiej zamienia farbę w kolor, tworząc porządek kolorystyczny – kolorowanie. W zależności od charakteru zestawień kolorystycznych, może być ciepły i zimny, wesoły i smutny, spokojny i napięty, jasny i ciemny.

Obrazy na obrazie są bardzo wizualne i przekonujące. Malarstwo jest w stanie przekazać objętość i przestrzeń, naturę i odkryć złożony świat ludzkie uczucia i postacie, ucieleśniają uniwersalne ludzkie idee, wydarzenia z przeszłości historycznej, obrazy mitologiczne i odlot fantazji.

W przeciwieństwie do malarstwa jako niezależnego rodzaju sztuki pięknej, podejście (metoda) obrazkowe może być stosowane w innych jego odmianach: w rysunku, grafice, a nawet w rzeźbie. Istota podejścia obrazkowego polega na przedstawieniu obiektu w relacji z otaczającym go przestrzennym środowiskiem świetlno-powietrznym, w subtelnej gradacji przejść tonalnych.

Różnorodność przedmiotów i wydarzeń z otaczającego świata, blisko

zainteresowanie artystów nimi doprowadziło do pojawienia się w XVII w.

XX wieki gatunki malarstwa: portret, martwa natura, pejzaż, zwierzęcy, codzienny ( Malarstwo rodzajowe), gatunki mitologiczne, historyczne, bitewne. W dziełach sztuki może występować kombinacja gatunków lub ich elementów. Na przykład martwa natura lub krajobraz mogą z powodzeniem uzupełniać obraz portretowy.

Ze względu na stosowane techniki i materiały malarstwo można podzielić na następujące typy: olej, tempera, wosk (enkaustyka), emalia, klej, farby wodne na mokrym tynku (fresk) itp. W niektórych przypadkach trudno jest oddzielić malarstwo od grafiki. Prace wykonane akwarelą, gwaszem i pastelami mogą odnosić się zarówno do malarstwa, jak i grafiki.

Malowanie może być jednowarstwowe, wykonywane od razu lub wielowarstwowe, obejmujące podmalowanie i szkliwienie, nakładanie warstw farby transparentnej i półprzezroczystej na wyschniętą warstwę farby. Pozwala to uzyskać najdrobniejsze niuanse i odcienie kolorów.

Ważnymi środkami ekspresja artystyczna w malarstwie oprócz koloru (koloru), plamy i charakteru kreski, obróbki powierzchni farby (faktury), walorów ukazujących subtelne zmiany tonu w zależności od oświetlenia, refleksów pojawiających się w wyniku interakcji sąsiadujących kolorów.

Konstrukcja objętości i przestrzeni w malarstwie wiąże się z perspektywą linearną i zwiewną, przestrzennymi właściwościami ciepłych i zimnych barw, modelowaniem formy światłem i cieniem oraz przeniesieniem ogólnej tonacji kolorystycznej płótna. Aby stworzyć obraz, oprócz koloru, potrzebujesz dobry rysunek i wyrazista kompozycja. Artysta z reguły pracę na płótnie rozpoczyna od poszukiwania najskuteczniejszego rozwiązania w szkicach. Następnie w licznych malowniczych szkicach z życia on

opracowuje niezbędne elementy kompozycji. Pracę nad obrazem można rozpocząć od narysowania kompozycji pędzlem, podmalowania i

bezpośrednie malowanie płótna za pomocą tego lub innego środka obrazowego. Co więcej, nawet szkice i opracowania przygotowawcze mają czasami samodzielne znaczenie artystyczne, zwłaszcza jeśli należą do pędzli znanego malarza. Malarstwo to bardzo stara sztuka, która na przestrzeni wieków przeszła ewolucję od paleolitycznych malowideł naskalnych po najnowsze trendy w malarstwie XX wieku. Malarstwo ma szerokie możliwości realizacji idei od realizmu po abstrakcjonizm. W trakcie jego rozwoju zgromadzono ogromne skarby duchowe. W czasach starożytnych chęć rozmnażania się prawdziwy świat sposób, w jaki dana osoba to widzi. Spowodowało to pojawienie się zasad światłocienia, elementów perspektywy i pojawienie się obrazów wolumetryczno-przestrzennych. Otworzyły się nowe możliwości tematyczne przedstawiania rzeczywistości za pomocą środków obrazowych. Malarstwo służyło do ozdabiania świątyń, mieszkań, grobowców i innych budowli, stanowiąc artystyczną jedność z architekturą i rzeźbą.

Malarstwo średniowieczne miało głównie treści religijne. Wyróżniała się ekspresją dźwięcznych, głównie lokalnych barw i wyrazistością konturów.

Tło fresków i obrazów z reguły było konwencjonalne, abstrakcyjne lub złote, ucieleśniające boską ideę w jej tajemniczym migotaniu. Symbolika kolorów odegrała znaczącą rolę.

W okresie renesansu poczucie harmonii wszechświata, antropocentryzm (człowiek w centrum wszechświata) znalazło odzwierciedlenie w kompozycjach malarskich o tematyce religijnej i mitologicznej, w portretach, scenach codziennych i historycznych. Wzrosła rola malarstwa, rozwijając oparty na nauce system perspektywy liniowej i powietrznej, światłocienia.

Pojawia się malarstwo abstrakcyjne, co oznaczało odrzucenie figuratywności i aktywne wyrażanie osobistego stosunku artysty do świata, emocjonalności i umowności koloru, przesady i geometryzacji

formy, dekoracyjność i skojarzalność rozwiązań kompozycyjnych.

W XX wieku Poszukiwania nowych barw i technicznych środków tworzenia obrazów trwają, co niewątpliwie doprowadzi do pojawienia się nowych stylów w malarstwie, jednak malarstwo olejne nadal pozostaje jedną z najbardziej ulubionych technik artystów.