Claudio Monteverdiego
Claudio Monteverdi urodził się w Cremonie. Znana jest jedynie data jego chrztu – 15 maja 1567 r. Cremona to miasto w północnych Włoszech, które od dawna słynie jako uniwersytet i centrum muzyczne ze znakomitą kaplicą kościelną i niezwykle wysoką kulturą instrumentalną. W XVI–XVII w. całe rodziny słynnych mistrzów kremońskich – Amati, Guarneri, Stradivari – wykonywały instrumenty smyczkowe, których piękno brzmienia nie miało sobie równych nigdzie indziej.
Ojciec kompozytora był lekarzem, on sam być może posiadał wykształcenie wyższe i w młodości rozwinął się nie tylko jako muzyk wprawny w śpiewie, grze na altówce, organach oraz komponowaniu pieśni sakralnych, madrygałów i canzonet, ale także jako artysta bardzo szerokie horyzonty i poglądy humanistyczne. Kompozycji uczył się u słynnego wówczas kompozytora Marca Antonio Ingeniera, który był dyrygentem katedry w Cremonie.
W latach osiemdziesiątych XVI w. Monteverdi mieszkał w Mediolanie, skąd w wieku dwudziestu trzech lat na zaproszenie księcia Vincenzo Gonzagi udał się na dwór mantuański jako śpiewak i wirtuoz gry na skrzypcach. Następnie (od 1601 r.) został nadwornym dyrygentem w Gonzadze. Materiały dokumentalne, a przede wszystkim korespondencja samego kompozytora, wskazują, że jego życie tam wcale nie było słodkie; cierpiał z powodu despotyzmu i chciwości swoich mecenasów, którzy władczo i małostkowo patronowali jego twórczości i skazywali go na wymuszenie. , żałosna egzystencja. „Wolałbym błagać, niż znowu zostać narażonym na takie upokorzenie” – napisał później. Niemniej jednak to właśnie w tych trudnych warunkach Monteverdi ostatecznie wyłonił się jako dojrzały, a w dodatku wybitny mistrz – twórca dzieł, które uwieczniły jego imię. Doskonaleniu jego sztuki sprzyjała codzienna praca ze znakomitymi zespołami kaplicy dworskiej i kościoła św. Barbary, wędrówka po Europie w orszaku Gonzagów na Węgrzech, we Flandrii, kontakt z wybitnymi współczesnymi, wśród których byli m.in. genialni artyści jak Rubens. Ale szczególnie ważnym czynnikiem postępu dla Monteverdiego była jego charakterystyczna skromność, niestrudzona praca i wyjątkowo surowa surowość wobec własne pisma W latach 1580-1600 w Cremonie, Mediolanie i Mantui powstało pięć pierwszych ksiąg pięknych pięciogłosowych madrygałów.
Znaczenie tego gatunku w formacji metoda twórcza a cała indywidualność artystyczna mistrza była ogromna. Nie chodzi tylko o to, że w dziedzictwie Monteverdiego madrygał ilościowo dominuje nad innymi (istnieje zaledwie około dwustu dzieł opartych na tekstach Tassa, Marine, Guariniego, Strigia i innych poetów). To właśnie ten obszar gatunkowy stał się dla Monteverdiego laboratorium twórczym, w którym w młodości podejmował najśmielsze, innowacyjne przedsięwzięcia. W chromatyzacji modu znacznie wyprzedził madrygalistów XVI wiek, nie popadając jednak w subiektywistyczne wyrafinowanie i arbitralność. Ogromnym, postępowym nabytkiem Monteverdiego było genialnie dokonane połączenie renesansowej polifonii i nowej struktury homofonicznej - dramatycznie zindywidualizowanej melodii różnego rodzaju z towarzyszeniem instrumentalnym. Ta, jak określił sam kompozytor, „druga praktyka”, która znalazła pełny i żywy wyraz w piątej księdze pięciogłosowych madrygałów, stała się drogą do osiągnięcia najwyższego celu estetycznego artysty, do poszukiwania i ucieleśnienia prawdy i ludzkość. Dlatego w przeciwieństwie do np. Palestriny ze swoimi ideałami religijnymi i estetycznymi, Monteverdi, choć zaczynał karierę od kultowej polifonii, ostatecznie ugruntował swoją pozycję w gatunkach czysto świeckich.
Nic nie pociągało go bardziej niż ukazanie wewnętrznego, duchowego świata człowieka w jego dramatycznych zderzeniach i konfliktach ze światem zewnętrznym. Monteverdi jest prawdziwym twórcą dramaturgii konfliktu o charakterze tragicznym. Jest prawdziwym śpiewakiem ludzkich dusz. Uparcie dążył do naturalnej wyrazistości muzyki. „Mowa ludzka jest panią harmonii, a nie jej sługą”. Monteverdi jest zdecydowanym przeciwnikiem sztuki idyllicznej, która nie wykracza poza dźwiękowe malowanie „amorków, pianek i syren”. A ponieważ jego bohater jest bohaterem tragicznym, jego „postacie melopoetyczne” wyróżniają się ostro napiętą, często dysonansową strukturą intonacyjną. To naturalne, że ten mocny, dramatyczny początek, im dalej szedł, tym bardziej zbliżał się do granic gatunku kameralnego.
Stopniowo Monteverdi zaczął rozróżniać „madrygał gestów” i „madrygał niegestów”. Ale już wcześniej poszukiwania dramatyczne zaprowadziły go na ścieżkę teatru operowego, gdzie od razu wystąpił w pełnym uzbrojeniu w swoją „drugą praktykę” z pierwszymi operami mantuańskimi „Orfeusz” (1607) i „Ariadna” (1608), które przyniosły mu wielką sławę.
Historia prawdziwej opery zaczyna się od jego „Orfeusza”. Przeznaczony na typową uroczystość dworską, Orfeusz napisany jest do libretta jednoznacznie kojarzącego się z baśniowym pasterstwem i luksusowymi przerywnikami dekoracyjnymi – typowymi atrybutami estetyki dworskiej. Ale muzyka Monteverdiego przekształca hedonistyczną baśniową sielankę w głęboki dramat psychologiczny. Pozorną pastoralność charakteryzuje tak wyrazista, indywidualnie niepowtarzalna muzyka, otoczona poetycką atmosferą żałobnego madrygału, że porusza nas do dziś.
„Ariadna dotknęła mnie, bo była kobietą, Orfeusz, bo był prostym człowiekiem. Ariadna wzbudziła we mnie prawdziwe cierpienie, razem z Orfeuszem błagałam o litość”. W tej wypowiedzi Monteverdiego zawarta jest zarówno istota jego własnej twórczości, jak i główny punkt rewolucję, jakiej dokonał w sztuce. Idea zdolności muzyki do ucieleśniania „bogactwa” świat wewnętrzny człowiek” za życia Monteverdiego nie tylko nie była oklepaną prawdą, ale była postrzegana jako coś niespotykanego nowego, rewolucyjnego. Po raz pierwszy od tysiąclecia w centrum uwagi znalazły się ziemskie doświadczenia ludzkie twórczość kompozytora naprawdę klasyczny poziom.
Muzyka opery skupia się na odsłonięciu wewnętrznego świata tragicznego bohatera. Jego rola jest niezwykle wieloaspektowa, łączy w sobie różne nurty emocjonalne i ekspresyjne oraz linie gatunkowe. Z entuzjazmem nawołuje do swoich rodzimych lasów i wybrzeży lub opłakuje utratę swojej Eurydyki w pozbawionych sztuki pieśniach ludowych.
W dialogach recytatywnych namiętne uwagi Orfeusza napisane są w wzburzonym, jak później określił to Monteverdi, „zagmatwanym” stylu, który celowo kontrastował z monotonnym recytatywem opery florenckiej. Wizerunek bohatera, jego natchniona sztuka, szczęśliwa miłość i żałoba, jego ofiarny wyczyn i osiągnięcie celów, tragiczny koniec i ostateczny triumf olimpijski piosenkarza - wszystko to jest poetycko ucieleśnione na tle kontrastujących scen muzycznych i scenicznych.
W całej operze melodyjne melodie rozsiane są hojną ręką, zawsze w zgodzie z wyglądem bohaterów i sytuacjami scenicznymi. Kompozytor nie zaniedbuje polifonii i od czasu do czasu wplata swoje melodie w elegancką kontrapunktową tkaninę. Niemniej jednak w „Orfeuszu” dominuje magazyn homofoniczny, którego partytura dosłownie mieni się odważnymi i cennymi znaleziskami harmonii chromatycznych, kolorowych, a jednocześnie głęboko uzasadnionych figuratywną i psychologiczną treścią tego czy innego odcinka dramatu.
Orkiestra Orfeusz była wówczas ogromna, a nawet zbyt zróżnicowana pod względem składu; odzwierciedlało to okres przejściowy, kiedy dużo ludzi grało jeszcze na starych instrumentach odziedziczonych od renesansu, a nawet średniowiecza, ale kiedy pojawiały się już nowe instrumenty. co odpowiadało nowemu systemowi emocjonalnemu, magazynowi, motywy muzyczne i możliwości ekspresyjne.
Instrumentacja „Orfeusza” jest zawsze estetycznie zgodna z melodią, kolorystyką harmoniczną i sytuacją sceniczną. Instrumenty towarzyszące monologowi śpiewaka w podziemiach przypominają o jego umiejętnej grze na lirze. Flety przeplatają proste melodie melodii pasterskich w sceny pasterskie. Ryk puzonów zagęszcza atmosferę strachu spowijającą ponury i groźny Hades. Monteverdi jest prawdziwym ojcem instrumentacji i w tym sensie Orfeusz jest operą podstawową.
Natomiast drugie dzieło operowe napisane przez Monteverdiego w Mantui, „Ariadna” (libretto O. Rinucciniego, recytatywy J. Peri), nie zachowało się. Wyjątkiem jest słynna na całym świecie aria bohaterki, którą kompozytor pozostawił w dwóch wersjach: do śpiewu solowego z towarzyszeniem oraz w wersji późniejszej – w formie pięciogłosowego madrygału. Aria ta charakteryzuje się rzadką urodą i słusznie uważana jest za arcydzieło wczesnej opery włoskiej.
W 1608 roku Monteverdi, od dawna obciążony swoją pozycją na dworze książęcym, opuścił Mantuę. Nie kłaniał się swoim żądnym władzy patronom i pozostał dumny, niezależny artysta ludowy, trzymając wysoko sztandar sztuki humanitarnej. Po krótkim pobycie w ojczyźnie w Cremonie, Rzymie, Florencji, Mediolanie, Monteverdi w 1613 roku przyjął zaproszenie do Wenecji, gdzie prokuratorzy San Marco wybrali go na dyrygenta tej katedry.
W Wenecji Monteverdi miał wystąpić na czele nowej szkoły operowej. Różniła się pod wieloma względami od swoich poprzedniczek i znacznie je wyprzedzała. Zostało to wyjaśnione przez innych warunki lokalne, inny, historycznie ustalony związek sił społecznych i nurtów ideologicznych. Wenecja tamtej epoki to miasto o strukturze republikańskiej, obalonej arystokracji, z bogatą, silną politycznie, kulturową burżuazją i odważną opozycją wobec tronu papieskiego. Wenecjanie w okresie renesansu stworzyli swoją sztukę, bardziej świecką, pogodną, realistyczną niż gdziekolwiek indziej na włoskiej ziemi. Tutaj, w muzyce końca XVI wieku, szczególnie szeroko i jasno wyrosły pierwsze cechy i zwiastuny baroku. Pierwszy opera San Cassiano zostało otwarte w Wenecji w 1637 roku.
Nie była to „akademia” dla wąskiego kręgu oświeconych humanistycznych arystokratów, jak we Florencji. Tutaj papież i jego dwór nie mieli władzy nad sztuką. Została zastąpiona przez władzę pieniądza. Burżuazja wenecka zbudowała sobie teatr według własny obraz i podobieństwo: stał się przedsiębiorstwo komercyjne. Źródłem dochodu była kasa fiskalna. Po San Cassiano w Wenecji wyrosły inne teatry, w sumie ponad dziesięć. Nieunikniona była także między nimi rywalizacja, walka o publiczność, artystów i dochody. Cała ta komercyjna i przedsiębiorcza strona odcisnęła piętno na sztuce operowej i teatralnej. Jednocześnie po raz pierwszy uzależnił się od gustów ogółu społeczeństwa. Znalazło to odzwierciedlenie w jej zakresie, repertuarze, produkcji i wreszcie stylu samej muzyki operowej.
Dzieło Monteverdiego stało się punkt kulminacyjny i potężny czynnik postępu włoskiego sztuka operowa. To prawda, że Wenecja go nie przywiozła całkowite wyzwolenie od uzależnienia. Przybył tam jako regent, kierując kaplicą wokalno-instrumentalną San Marco. Pisał muzykę kultową - msze, nieszpory, koncerty duchowne, motety i muzykę kościelną, religia nieuchronnie miała na niego wpływ. Mówiono już powyżej, że będąc z natury artystą świeckim, przyjął śmierć w duchowieństwie.
Przez kilka lat poprzedzających rozkwit opery weneckiej Monteverdi zmuszony był służyć także i tutaj mecenasom, choć nie tak potężnym i wszechmocnym jak w Mediolanie czy Mantui. Pałace Mocenigo i Grimani, Vendramini i Foscari zostały luksusowo ozdobione nie tylko obrazami, posągami, gobelinami, ale także muzyką. Kaplica św. Marka często występowała tu w czasie wolnym na balach i przyjęciach. służba kościelna. Obok dialogów Platona, pieśni Petrarki i sonetów Mariny miłośników sztuki urzekły madrygały Monteverdiego. Nie porzucił tego ukochanego gatunku w okresie weneckim i wtedy osiągnął w nim najwyższą doskonałość.
Szósta, siódma i ósma księga madrygałów powstała w Wenecji, kontynuując rolę gatunku, w którym Monteverdi eksperymentował przed powstaniem swoich ostatnich oper. Ale madrygały weneckie miały także ogromne, niezależne znaczenie. W 1838 r. ukazał się interesujący zbiór „Madrygałów wojskowych i miłosnych”. Odzwierciedlało to głębokie obserwacje psychologiczne artysty; muzyczna i poetycka dramatyzacja madrygału została tam doprowadzona do granic możliwości. W zbiorze tym znajdują się także prace wcześniejsze. „Niewdzięczne kobiety” to przerywnik okresu mantuańskiego i słynnej „Walki Tankreda i Clorindy” – wspaniałej sceny dramatycznej napisanej w 1624 roku na podstawie fabuły „Jerozolimy wyzwolonej” Tassa, przeznaczonej do przedstawienia z kostiumami i rekwizytami teatralnymi.
W ciągu trzydziestu lat mieszkania w Wenecji Monteverdi stworzył większość swoich musicali dzieła dramatyczne do występów teatralnych lub kameralnych.
Jeśli chodzi o same opery, Monteverdi ma ich w sumie osiem: „Orfeusz”, „Ariadna”, „Andromeda” (dla Mantui), „Wyimaginowany szalony alkohol” - jeden z pierwszych opery komiczne we Włoszech „Gwałt na Prozerpinie”, „Wesele Eneasza i Lawinii”, „Powrót Ulissesa do ojczyzny” i „Koronacja Poppei”. Z oper weneckich przetrwały tylko dwie ostatnie.
Najbardziej znacząca praca Wenecką operą Monteverdiego była Koronacja Poppei (1642), ukończona na krótko przed jego śmiercią u szczytu sławy „wyroczni muzycznej” – 29 listopada 1643 r. Opera ta, stworzona przez kompozytora w wieku siedemdziesięciu pięciu lat, nie tylko wieńczy jego własną drogę twórczą, ale niepomiernie wznosi się ponad wszystko, co w gatunku operowym powstało przed Gluckiem. Myśli, które dały jej odwagę i inspirację, były nieoczekiwane w tak zaawansowanym wieku.
Rozbieżność pomiędzy Koronacją Poppei a wszystkimi wcześniejszymi dziełami Monteverdiego jest uderzająca i niewytłumaczalna. W mniejszym stopniu dotyczy to samej muzyki: jej początków język muzyczny„Poppei” wywodzi się z poszukiwań prowadzonych przez cały poprzedni, ponad pół wieku okres. Jednak o ogólnym wyglądzie artystycznym opery, niezwykłym zarówno dla twórczości samego Monteverdiego, jak i dla teatru muzycznego XVII wieku w ogóle, zdecydowanie determinuje oryginalność fabuły i koncepcji dramatycznej. Pod względem kompletności ucieleśnienia prawdy życiowej, szerokości i wszechstronności ukazywania złożonych relacji międzyludzkich, autentyczności konfliktów psychologicznych, dotkliwości produkcji problemy moralneżadne z pozostałych dzieł kompozytora, które do nas dotarło, nie może się równać z Koronacją Poppei.
Kompozytor i jego utalentowany librecista Francesco Busenello sięgnęli po fabułę z historii starożytnego Rzymu, korzystając z kronik starożytnego pisarza Tacyta: cesarz Neron zakochany w kurtyzanie Poppei Sabinie wywyższa ją na tron, wypędzając byłą cesarzową Oktawię i stawiając na śmierć przeciwnika tej idei, jego mentora, filozofa Seneki.
Obraz ten namalowany jest szeroko, wieloaspektowo, dynamicznie. Na scenie występuje dwór cesarski, jego szlachta, doradca mędrca, pazi, kurtyzany, słudzy i pretorianie. Charakterystyka muzyczna bohaterów, skontrastowana ze sobą, jest psychologicznie trafna i trafna. W szybkiej i wieloaspektowej akcji, w pstrokatych i nieoczekiwanych kombinacjach ucieleśniają się różne plany i bieguny życia, tragiczne monologi - i niemal banalne sceny z życia; hulanki namiętności i rozważań filozoficznych; arystokratyczne wyrafinowanie - i prostota życia ludowego i moralności.
Monteverdi nigdy nie był w centrum mody, nigdy nie cieszył się tak powszechną popularnością, jak ta, która przypadła w udziale niektórym „umiarkowanym” twórcom madrygałów, a później „lekkim” canzonettom i arii. Był na tyle niezależny od poglądów i gustów współczesnych, o tyle szerszy od nich w swojej psychologii artystycznej, że w równym stopniu akceptował starożytne, polifoniczne i nowe, monodyczne pisarstwo.
Dziś nie ulega wątpliwości, że Monteverdi jest „twórcą muzyki współczesnej”. To właśnie w twórczości Monteverdiego ukształtował się charakterystyczny dla naszej epoki system myślenia artystycznego.
Z książki 100 świetnych aktorów autor Musski Igor AnatoliewiczRYSZARD BURBAGE (1567-1619) Największy Angielski aktor Renesans, przyjaciel i współpracownik Szekspira. Pierwszy wykonawca takich ról jak: Hamlet, Ryszard III, Lear, Henryk V, Otello, Romeo, Makbet i in. Richard Burbage urodził się w 1567 roku w Londynie w rodzinie teatralnej. Jego ojciec Jakub
Z książki Myśli, aforyzmy i dowcipy sławnych ludzi autorIzaak NEWTON (1643–1727) Angielski matematyk i fizyk Podczas studiowania nauk ścisłych przykłady są bardziej przydatne niż zasady. * * * Czuję się jak chłopiec zbierający na brzegu piękne muszle, podczas gdy wokół rozciąga się ogromny ocean nieznanego. * * * Jesteśmy jak karły na ramionach olbrzymów i dlatego
Z książki 100 świetnych muzyków autor Samin DmitryGIROLAMO FRESCOBALDI /1583-1643/ A.-V. Ambroży tak opisał twórczość Frescobaldiego: „Pod rękami Frescobaldiego po raz pierwszy objawił się cały przepych i majestat organów. W jego utworach organowych wszędzie płonie ogień geniuszu; rosną różne formy, kolorowo rozwijając się
Z książki 100 wielkich rzeźbiarzy autor Piżmowy Siergiej AnatoliewiczFrancois Duquesnoy (1597–1643) Francois Duquesnoy wszedł do historii świata kultura artystyczna za jednego z największych mistrzów rzeźby pierwszej połowy XVII wieku. Główne prace Duquesnoya znajdują się w Rzymie i Brukseli. Zainteresowanie nimi, osobowością samego mistrza nie słabnie
Z książki Historyczny opis ubioru i broni wojsk rosyjskich. Tom 11 autor Wiskowatow Aleksander Wasiljewicz Z książki Popularna historia muzyka autor Gorbaczowa Ekaterina GennadievnaClaudio Monteverdi Claudio Monteverdi to jeden z pierwszych kompozytorów kontrapunktycznych, którego twórczość zdeterminowała rozwój dramatu muzycznego, który powstał we Włoszech w drugiej połowie XVI wieku. Monteverdi urodził się 15 maja 1567 roku w Cremonie, ale przez większą część życia
Z książki 100 wielkich podróżników [z ilustracjami] autor Muromow IgorSamuel Champlain (1567–1635) Francuski kartograf, odkrywca Ameryki Północnej, pierwszy gubernator Kanady. W latach 1605–1607 zbadał część atlantyckiego wybrzeża Stanów Zjednoczonych; założył miasto Quebec w 1608 roku. W 1609 roku odkrył pasmo górskie Adirondack i jezioro nazwane jego imieniem.
Z książki Duży słownik cytaty i hasła autor Duszenko Konstanty WasiljewiczRené Robert Cavelier de La Salle (1643–1687) Francuski odkrywca Ameryki Północnej. Pierwszy, który zszedł z Missisipi do Zatoki Meksykańskiej (1681–1682). Ogłosił całe dorzecze rzeki Missisipi w posiadaniu króla francuskiego Ludwika (Ludwika) XIV i nazwał je Luizjaną. Zbadano Ohio i
Z książki Historia świata w powiedzeniach i cytatach autor Duszenko Konstanty WasiljewiczAQUAVIVA, Claudio (Aquaviva, Claudio, 1543–1615), Włoch, generał zakonu jezuitów 109 Bądźmy stanowczy w dążeniu do celu i miękcy w sposobach jego osiągnięcia. „Instrukcje leczenia chorób duszy” (Wenecja, 1606), 2, 1? Babiczow, s. 284; Markiewicz, s. 22 Stąd: „W istocie rzeczy – stanowczo, w metodach –
Z książki autoraAQUAVIVA, Claudio (Aquaviva, Claudio, 1543–1615), Włoch, generał zakonu jezuitów30 Bądźmy stanowczy w dążeniu do celu i łagodni w dążeniu do niego „Instrukcje leczenia chorób duszy” (Wenecja, 1606 ), 2, 1 (po łacinie.)? Babiczow, s. 284; Markiewicz, s. 22Stąd: „Co do istoty sprawy – zdecydowanie wg
MONTEVERDI (Monteverdi) Claudio (ochrzczony 15.05.1567, Cremona - 29.11.1643, Wenecja), włoski kompozytor. Studiował u M. A. Ingenieri – kapelmistrza katedra Cremonie, opanował tradycje polifonii chóralnej (J.P. da Palestrina, O. Lasso i in.). W 1582 r. opublikował zbiór 3-głosowych motetów „Małe pieśni duchowe” („Sacrae cantiunculae”), w 1587 r. – pierwszy zbiór madrygałów (5-głosowych). Od 1590 (lub 1591) śpiewak i altowiolista (wykonawca dn viole da gamba), od 1602 roku kapelmistrz na dworze księcia Vincenzo Gonzagi w Mantui. W 1607 r. wystawiono tam jego pierwszą operę „Orfeusz” (libretto A. Strigia na podstawie fabuły starożytny mit grecki, przedstawione głównie według Owidiusza i Wergiliusza). Po śmierci księcia Monteverdi przeniósł się do Wenecji i w 1613 roku objął stanowisko dyrygenta. Katedra św. Marka, stworzył 6 oper dla oper weneckich. Autor 8 zbiorów („książek”) madrygałów; późne madrygały, zwłaszcza z ksiąg 7 (1619) i 8 (1638), związane już z estetyką barokową, można nazwać madrygałami jedynie warunkowo - są to wielkoformatowe teatralne kompozycje wokalno-instrumentalne „Bitwa pod Tankredem i Clorindą” (tekst z „Jerusalem Liberated” T. Tasso), balli (madrygały z tańcami) „Ball of Ungrateful Women” i „Tyrsis and Chlora”, duety, tercety i arie solowe z basso continuo (np. „The Complaint of a Nymph” na sopran i terzetto męskie, zamknięta scena operowa). W 1651 roku ukazał się zbiór pod tytułem „Madrygały i Canzonetty, księga 9” muzyka świecka Monteverdi z różnych lat (w tym 11 niepublikowanych wcześniej sztuk); Najcenniejsze jest trio „Come dolce oggi l’auretta” („Jak delikatny jest teraz wiatr”) – jedyny zachowany utwór z jego opery „Porwana Prozerpina”. Najbardziej znaną muzyką sakralną kompozytora są „Nieszpory Najświętszej Maryi Panny” („Vespro della Beata Vergine” , 1610; jego kulminacją jest Magnificat); Oprócz, Monteverdiego napisał 3 msze (w tym „In illo tempore”) i motety – na tekstach słynnych psalmów „Dixit Dominus”, „Laudate Dominum omnes gentes”, „Beatus vir qui timet Dominum” itp., a także na tekście antyfona „Salve Regina” (3 różne motety). 37 kompozycji duchowych znalazło się w wielkoformatowym zbiorze „Selva morale e Spirite”, wydanym po raz pierwszy w Wenecji w 1640 roku.
Jeden z pierwszych i największych kompozytorów operowych w historii muzyki. Ze znacznej liczby dzieł Monteverdiego z tego gatunku (ok. 15) zachowały się w całości trzy: Orfeusz, Powrót Ulissesa do ojczyzny (libretto G. Badoaro na podstawie Odysei Homera, Wenecja, Karnawał 1639–40) i Koronacja Poppei” (libretto J. F. Busenello na podstawie „Roczników” Tacyta i innych źródeł starożytnych, Wenecja, karnawał 1642–1643); z opery „Ariadna” (Pałac Książęcy w Mantui, 1608) zachował się jedynie słynny Lamento Ariadny (lub Opłakiwanie Ariadny).
Główna cecha Język muzyczny Monteverdiego – połączenie (często w jednym utworze) polifonii imitacyjnej, charakterystycznej dla późnego renesansu, z homofonią jako osiągnięciem nowa era barokowy. Monteverdi uważał się za twórcę szczególnego stylu emocjonalnego: przykłady stylu „miękkiego” i „umiarkowanego” znajdował w twórczości swoich poprzedników, a „nigdy nie spotkał się z przykładami stylu podekscytowanego” (stile concitato). Monteverdi wierzył co muzyka powinna być w stanie przekazać ludzkie uczucia i namiętności (gniew, modlitwa, strach itp.), w tym w opozycji konfliktowej; objawiało się to w cechy muzyczne jego postacie operowe, dla którego znalazł indywidualne intonacje. Wraz z recytatywami i ariozami wprowadzono rozbudowane formy solowe i zespołowe do partii wokalnych jego oper (Scena u bram piekieł Orfeusza, Lament Ariadny, wirtuozowski Duet Nerona i Lucana z Koronacji Poppei), scen chóralnych (Scena Seneki Scena ze studentami z Koronacji Poppei”), uwertura (oryginalna nazwa „toccata”) pojawiła się po raz pierwszy w „Orfeuszu”. M. harmonia łączy w sobie zasady modalności i tonalności, także w formie chromatycznej. W wydanej w 1609 roku partyturze Orfeusza po raz pierwszy w historii odnotowano skład orkiestry operowej; łączy w sobie instrumenty grupy basso continuo i duża liczba instrumenty jednogłosowe (skrzypce, cynk, trąbki), którzy brali udział w wykonaniu sekcji orkiestrowych. Monteverdi jako jeden z pierwszych przekazywał za pomocą instrumentarium różnorodne efekty teatralne: np. w scenach pastoralnych opery „Orfeusz” używał smyczków, fletów, lutni, podziemne królestwo– cynki, puzony, królewskie.
Innowacja Monteverdiego spotkała się z niezrozumieniem wśród niektórych jego współczesnych. Wpływowy teoretyk muzyki G. Artusi w traktacie „O niedoskonałościach muzyki współczesnej” (cz. 1–2, 1600–03) skrytykował kompozytora (zwłaszcza za brawurowe stosowanie nieprzygotowanych dysonansów i chromatyki). W krótkiej przedmowie do V księgi madrygałów (1605) Monteverdi odpowiedział, że „ma wyższe przemyślenia dotyczące współbrzmień i dysonansów niż te zawarte w regulaminie szkolnym”. Po 2 latach brat Monteverdiego, kompozytor i organista Giulio Cesare Monteverdi (1573 - ok. 1630) w obszernym „Wyjaśnieniu listu wydrukowanego w księdze V” wyjaśnił stanowisko muzyczne i estetyczne brata, posługując się jednocześnie pojęciami: „pierwsza praktyka” (prima pratica) i „druga praktyka” (druga pratica). Według niego za „pierwszą praktykę” (jej przedstawicielami są wielcy polifoniści przeszłości Josquina Despresa, J. Okegem itp.) istotne było opanowanie techniki komponowania samo w sobie, prezentacja tekstu nie była aż tak istotna, natomiast „druga praktyka” (innowacyjni madrygaliści począwszy od C. de Rore i twórcy muzyki teatralnej) wymaga, aby muzyka króluje tekst najwyższy, który podlega melodii, harmonii i rytmowi. Swoje idee kompozytorskie Monteverdi przedstawił także we wstępie do VIII księgi madrygałów (1638).
Zainteresowanie Monteverdim odżyło w XX wieku, a jego dzieła pod redakcją V. d’Indy’ego, E. Krzenek, J.F. Malipiero i inne. Historyczne nagrania „Orfeusza” wykonali: P. Hindemith (1954), A. Wenzinger (1955), „Koronacja Poppei” – G. von Karajan (1963). „Nieszpory Najświętszej Maryi Panny” (z udziałem instrumentów dętych zaworowych i „wrażliwego” wokalu operowego) nagrano w 1966 roku w jego własnym wydaniu przez R. Krafta. Od końca lat 60-tych. Muzyka Monteverdiego jest aktywnie wykonywana przez przedstawicieli autentyczne wykonanie. Reprezentatywne wybory madrygałów Monteverdiego zostały umieszczone przez zespoły w ich albumach koncertowych
Claudio Giovanni Antonio Monteverdi(15.05.1567 (ochrzczony) - 29.11.1643) - włoski kompozytor, muzyk, śpiewak. Najważniejszy kompozytor baroku, jego dzieła są często postrzegane jako rewolucyjne, wyznaczające przejście w muzyce od renesansu do baroku. Żył w epoce wielkich przemian w muzyce i sam był człowiekiem, który ją zmienił.
Claudio Monteverdi urodził się w Cremonie jako syn farmaceuty i lekarza. Od dzieciństwa był uzdolniony muzycznie i już w wieku 15 lat opublikował swój pierwszy zbiór utworów. We wstępie do tej publikacji podaje, że jego nauczycielem był Mark Antonio Ingenieri, dyrygent katedry w Cremonie. Studiował kompozycję, śpiew i grę na instrumentach dętych instrumenty smyczkowe. Swoją drugą książkę opublikował w 1583 roku, rok po pierwszej. Zanim otrzymał pierwsze stanowisko, opublikował już kilka zbiorów.
Jego pierwszą pracą była praca jako wokalista i altowiolista na dworze księcia Mantui. Na dworze książęcym pracowało kilku znakomitych muzyków, na czele ze słynnym Jakubem de Wert. Monteverdi poznał wielu znanych muzyków, poetów, artystów (być może Petera Rubensa), rzeźbiarzy, m.in. tych z pobliskiej Ferrary. W 1599 roku w Mantui poślubił córkę jednego z muzyków, nadwornej śpiewaczki Claudii Cattaneo. Jego pierwsze posady były niskopłatne, ale wkrótce jego muzyka stała się powszechnie znana, został członkiem Akademii Rzymskiej Miejsca Cecylii w Rzymie, a w 1602 roku został głównym dyrygentem nadwornym. Podczas służby u księcia towarzyszył mu w podróżach i podróżach, m.in. na wojnę na Węgrzech z Turkami. Wysłał także kilka swoich utworów na dwór w Ferrarze.
Młody Monteverdi pracował już w nowym styl muzyczny. Stary styl był znany jako „Pierwsza praktyka” nowy styl otrzymał nazwę „”. Nadal używano „pierwszej praktyki”. muzyka kościelna. W tym stylu pisania muzyka jest uważana za ważniejszą niż słowa. Oznacza to, że muzyka może być bardzo kontrapunktowa, tj. z kilkoma jednocześnie brzmiące melodie, tak aby słowa tekstu nie były wyraźnie słyszalne. W drugiej praktyce słowa są ważniejsze niż muzyka, a muzyka powinna być na tyle prosta, aby słowa były wyraźnie słyszalne. Jest to szczególnie ważne w operze i madrygałach. Wśród muzyków toczyło się wiele dyskusji na temat zalet tych dwóch stylów i może to być przyczyną 11-letniej przerwy między jego trzecią a czwartą księgą madrygałów.
W lutym 1607 roku w Mantui wystawiono z wielkim sukcesem pierwszą operę Orfeusz (libretto Alessandro Strigio). „Orfeusz” jest niesamowity wczesna praca bogactwo wyraziste środki. Ekspresyjna recytacja i szeroka kantylena, chóry i zespoły, balet oraz rozbudowana partia orkiestrowa ucieleśniają głęboko liryczną koncepcję. Opera ta zyskała sławę w całej Europie i jest wystawiana do dziś.
W tym samym roku Monteverdi wrócił do Cremony, zmarła jego żona, pozostawiając go z trójką małych dzieci ( najmłodsza córka ona też wkrótce potem zmarła). Dla Monteverdiego była to straszna tragedia i nie chciał wracać do Mantui, ale książę napisał do niego, namawiając go, aby wrócił i zapewnił oprawę muzyczną ślubu księcia Francesco Gonzagi i Małgorzaty Sabaudzkiej. Monteverdi wrócił do Mantui, gdzie skomponował operę Ariadna. Występ miał wielki sukces, publiczność wzruszyła się do łez, niestety z całej opery zachowała się tylko jedna scena - słynny Lament Ariadny (Niech umrę...), który stał się pierwowzorem wielu arii w.
Choć sława i umiejętności Monteverdiego stale rosły, jednocześnie doszło do wielu sporów z jego pracodawcą. W końcu znalazł inną pracę, tym razem jako muzyk kościelny w największym kościele w Wenecji, katedrze. Podczas podróży z Mantui do Wenecji jego załoga została zaatakowana przez rabusiów, a pasażerowie zostali okradzieni. Przybył do Wenecji w październiku 1613 r.
Najbardziej podobała mi się praca na stanowisku maestro (dyrektora muzycznego) w bazylice San Marco w Wenecji prestiżowa praca dla każdego muzyka kościelnego w całej Europie. Jednak stan muzyki w tej katedrze był opłakany z powodu machinacji finansowych poprzednika Monteverdiego. Monteverdi zaczął reorganizować muzykę w katedrze: zakupił nowe dzieła muzyczne do biblioteki kościelnej i zaprosił nowych muzyków, a także komponował muzykę dla wielu święta kościelne. Dobrze wywiązywał się ze swojej pracy i w 1616 roku jego pensja wzrosła do 400 dukatów. Książę Mantui mógł bardzo żałować straty takiego muzyka, poprosił Monteverdiego o napisanie dla niego muzyki, a ponieważ Monteverdi pozostał jego poddanym, musiał być posłuszny i czasami pisał muzykę do ważnych wydarzeń w Mantui.
W 1619 roku Monteverdi opublikował swoją siódmą księgę madrygałów, ale od tego czasu zaczął publikować mniej muzyki, być może dlatego, że był bardzo zajęty, albo dlatego, że nie musiał już szukać sławy lub uważa się, że muzyka ta zaginęła.
W latach dwudziestych XVII wieku kontynuował pracę w Wenecji, zainteresował się alchemią i spotkał się z kompozytorem przebywającym wówczas w Wenecji. Po śmierci księcia Mantui w 1626 roku Monteverdi zaczął mniej pisać muzyki dla Mantui, przestali płacić za jego kompozycje, rozpoczęła się tam wojna o sukcesję mantuańską, doszło do wielkich zniszczeń i wybuchła zaraza.
W 1632 Monteverdi został księdzem. W 1637 roku w Wenecji otwarto pierwszą w historii operę publiczną, dla której Monteverdi, mając już 70 lat, pisał dla niej opery. Genialnie zakończył karierę operami Powrót Ulissesa (Il ritorno d'Ulisse in patria, 1640) i Koronacją Poppei (L'incoronazione di Poppea, 1642, historyczna), ta ostatnia uważana jest za zwieńczenie jego praca. Zawiera sceny tragiczne, romantyczne i komediowe (innowacja w operze), więcej realistyczne obrazy postacie i cieplejsze niż dotychczas melodie wykorzystuje niewielka orkiestra, rola chóru schodzi na dalszy plan. Ta opera (podobnie jak Orfeusz) znajduje się w repertuarze nowoczesne teatry.
Claudio Monteverdi zmarł w Wenecji 29 listopada 1643 roku i został pochowany w bazylice Frari, obok grobowca artysty Tycjana.
Twórczość Claudio Monteverdiego
W XVII wieku istniały dwa podejścia do tworzenia muzyki – „Pierwsza praktyka” lub „styl starożytny” stworzony przez Giovanniego Pierluigiego da Palestrina oraz nowy styl „Druga praktyka”. Monteverdi pisał w obu stylach z równymi umiejętnościami. Żył i pracował w erze zmian, kiedy muzyka renesansu ustąpiła miejsca stylowi barokowemu, i stymulował to przejście, rozwijając i przekształcając wszystkie aspekty muzyki.
Był pierwszym kompozytorem, który w pełni zrealizował potencjał twórczy nowego gatunku muzyczno-dramatycznego – opery. Sięgając po prymitywne środki stworzone przez florencką Cameratę, wzbogacił je o siłę dramatyczną, wyobraźnię i bogactwo brzmienia. Przekształcił recytatyw w elastyczną, wyraźną melodię o długich i spójnych liniach. W porównaniu z archaicznym słownictwem i metodami Periego, jego opery naprawdę reprezentują nową sztukę.
Używał rytmu, dysonansu, barw instrumentalnych i zmian tonacji, aby ucieleśnić dramatyczną akcję, przedstawiając postacie, nastroje i emocje w sposób niespotykany u jego poprzedników i współczesnych. Wynalazł techniki instrumentalne gry na instrumentach smyczkowych – pizzicato i tremolo – aby stworzyć niezbędne emocje, pasję i intensywność emocjonalną. jako pierwszy zrozumiał rolę orkiestry w operze, przypisując poszczególnym partiom inne instrumenty, rozumiejąc, że instrumenty dęte i perkusyjne nadają się do przedstawiania nastrojów militarnych, flety do scen pastoralnych, altówki i lutnie do epizodów sentymentalnych. Za swoje zasługi Monteverdi został nazwany „prorokiem opery”. W swoich madrygałach Monteverdi wprowadził także akompaniament instrumentalny, czyniąc go nie tylko ozdobą, ale integralną częścią dzieła.
Monteverdi okazał się kompozytorem pomysłowym i odważnym. Jego wynalazki oraz sposób posługiwania się harmonią i kontrapunktem zostały dobrze przyjęte przez słuchaczy, jednak wielu jego kolegów ostro go krytykowało. Choć był kompozytorem „nowoczesnym”, umiał też oddać hołd starszemu pokoleniu i jego tradycyjnym zasadom. Opublikował w jednym zbiorze dwa zupełnie różne utwory, „Missa in illo tempore” i „Vespro della Beata Vergine”, udowadniając, że jest prawdziwym mistrzem muzyki, łącząc swoją magią zupełnie różne style, zachowując przy tym ich indywidualne cechy – mogłoby to oby się tylko udało, geniuszu.
Monteverdi broni praw uczuć i wolności w muzyce. Mimo protestów obrońców zasad zrywa kajdany, w które splątała się muzyka, i chce, aby odtąd kierowała się wyłącznie nakazami serca.
R. Rollanda
Włoska kreatywność kompozytor operowy C. Monteverdi jest jednym z unikalne zjawiska V kultura muzyczna XVII wiek W swoim zainteresowaniu człowiekiem, jego namiętnościami i cierpieniami Monteverdi jest prawdziwym artystą renesansu. Żadnemu z ówczesnych kompozytorów nie udało się oddać w muzyce tragicznego uczucia życia, zbliżyć się do zrozumienia jego prawdy, odsłonić dziewiczą naturę ludzkich charakterów.
Monteverdi urodził się w rodzinie lekarza. Jego lekcje muzyki pod dyrekcją M. Ingenieri, doświadczonego muzyka, dyrygenta katedry w Cremonie. Rozwinął technikę polifoniczną przyszłego kompozytora i zapoznał go z najlepszymi dziełami chóralnymi G. Palestriny i O. Lasso. Moiteverdi zaczął komponować wcześnie. Już na początku lat 80. XVI w. Wydano pierwsze zbiory wokalnych dzieł polifonicznych (madrygały, motety, kantaty), a pod koniec tej dekady stał się znanym kompozytorem we Włoszech, członkiem Accademia di Sita Cecilia w Rzymie. Od 1590 roku Monteverdi służył w kaplicy dworskiej księcia Mantui (najpierw jako muzyk orkiestrowy i śpiewak, a następnie jako dyrygent). Bujny, bogaty dwór Vincenzo Gonzagi przyciągał najlepszych siły artystyczne tamtego czasu. Najprawdopodobniej Monteverdi mógł spotkać wielkich Włoski poeta T. Tasso, flamandzki artysta P. Rubens, członkowie słynnej Cameraty florenckiej, autorzy pierwszych oper – J. Peri, O. Rinuccini. Towarzysząc księciu w częstych podróżach i kampaniach wojskowych, kompozytor odwiedził Pragę, Wiedeń, Innsbruck i Antwerpię. W lutym 1607 r. w Mantui wystawiono z wielkim sukcesem pierwszą operę Monteverdiego „Orfeusz” (libretto A. Strigia). Monteverdi zamienił sztukę pasterską przeznaczoną na uroczystości pałacowe w prawdziwy dramat o cierpieniu i cierpieniu tragiczny los Orfeusz, o nieśmiertelnym pięknie swojej sztuki. (Monteverdi i Strigio zachowali tragiczną wersję rozwiązania mitu – Orfeusz opuszczając królestwo umarłych, łamie zakaz, spogląda wstecz na Eurydykę i traci ją na zawsze.) „Orfeusz” wyróżnia się zaskakującym bogactwem środków wczesne dzieło. Ekspresyjna recytacja i szeroka kantylena, chóry i zespoły, balet oraz rozbudowana partia orkiestrowa ucieleśniają głęboko liryczną koncepcję. Do dziś zachowała się tylko jedna scena z drugiej opery Monteverdiego, Ariadny (1608). To słynny „Lament Ariadny” („Pozwól mi umrzeć…”), który stał się pierwowzorem wielu arii lamento (arii skargi) we włoskiej operze. (Lament Ariadny znany jest w dwóch wersjach – na głos solowy i w formie pięciogłosowego madrygału.)
W 1613 roku Monteverdi przeniósł się do Wenecji i do końca życia pozostał w służbie dyrygenta w katedrze św. Marka. Bogate życie muzyczne Wenecji otworzyło przed kompozytorem nowe możliwości. Monteverdi pisze opery, balety, przerywniki, madrygały, muzykę na uroczystości kościelne i dworskie. Jednym z najoryginalniejszych dzieł tych lat jest scena dramatyczna „Pojedynek Tankreda i Clorindy” na podstawie tekstu z wiersza T. Tassa „Jerozolima wyzwolona”, która łączyła w sobie czytanie (partia Narratora) i grę aktorską (recytatyw partie Tankreda i Clorindy) oraz orkiestra obrazująca przebieg pojedynku, odsłania emocjonalny charakter tej sceny. W nawiązaniu do „Pojedynku” Monteverdi pisał o nowym stylu concitato (podekscytowany, podekscytowany), kontrastując go z dominującym wówczas stylem „miękkim, umiarkowanym”.
Wiele madrygałów Monteverdiego wyróżnia się także wysoce ekspresyjnym, dramatycznym charakterem (ostatni, ósmy zbiór madrygałów powstał w Wenecji, 1638). W tym gatunku jest wiele głosów muzyka wokalna Kształtował się styl kompozytora i dobierano środki wyrazu. Szczególnie oryginalny jest język harmoniczny madrygałów (odważne porównania tonalne, akordy chromatyczne, dysonansowe itp.). Pod koniec lat trzydziestych XVII w. – na początku lat 40. osiąga swój szczyt twórczość operowa Monteverdi („Powrót Ulissesa do ojczyzny” – 1640, „Adonis” – 1639, „Wesele Eneasza i Lavinii” – 1641; ostatnie 2 opery nie zachowały się).
W 1642 r. w Wenecji wystawiono „Koronację Poppei” Monteverdiego (libretto F. Businello na podstawie „Roczników” Tacyta). Ostatnia opera 75-letniego kompozytora stała się prawdziwym szczytem, w rezultacie ścieżka twórcza. Występują w nim konkretne, prawdziwe postacie historyczne – cesarz rzymski Neron, znany ze swojej zdrady i okrucieństwa, jego nauczyciel – filozof Seneka. Wiele w „Koronacji” sugeruje analogie z tragediami genialnego współczesnego kompozytorowi W. Szekspira. Otwartość i intensywność namiętności, ostre, iście „szekspirowskie” kontrasty scen wysublimowanych i codziennych, gatunkowych scen komediowych. W ten sposób pożegnanie Seneki z uczniami – tragiczny punkt kulminacyjny opowieści – zostaje zastąpiony wesołą przerwą między pazia a pokojówką, po czym rozpoczyna się prawdziwa orgia – Neron i jego przyjaciele drwią z nauczyciela i świętują jego śmierć.
„Jego jedynym prawem jest samo życie” – pisał o Monteverdim R. Rolland. Dzięki śmiałości odkryć dzieło Monteverdiego znacznie wyprzedziło swoje czasy. Kompozytor przewidywał bardzo odległą przyszłość teatru muzycznego: realizm dramaturgii operowej W. A. Mozarta, G. Verdiego, M. Musorgskiego. Być może dlatego losy jego dzieł były tak zaskakujące. Przez wiele lat pozostały w zapomnieniu i ożyły dopiero w naszych czasach.
I. Okhalova
Syn lekarza i najstarszy z pięciu braci. Studiował muzykę u M. A. Ingenieri. W wieku piętnastu lat opublikował Melodie duchowe, a w 1587 r. – pierwszą księgę madrygałów. W 1590 roku na dworze księcia Mantui Vincenzo Gonzaga został altowiolistą i śpiewakiem, a następnie kierownikiem kaplicy. Towarzyszy księciu na Węgrzech (w czasie kampanii tureckiej) i do Flandrii. W 1595 poślubił śpiewaczkę Claudię Cattaneo, która urodziła mu trzech synów; umrze w 1607 roku, wkrótce po triumfie Orfeusza. Od 1613 r. - dożywotnie stanowisko zwierzchnika kaplicy w Republice Weneckiej; komponowanie muzyki sakralnej, najnowsze książki madrygały, dzieła dramatyczne, w większości zaginione. Około 1632 roku przyjął święcenia kapłańskie.
Twórczość operowa Monteverdiego ma bardzo solidne podstawy, będące owocem wcześniejszych doświadczeń w komponowaniu madrygałów i muzyki sakralnej, gatunków, w których Mistrz kremonu osiągnęły nieporównywalne rezultaty. Główne etapy tego działalność teatralna– w każdym razie, na podstawie tego, co do nas dotarło – wydaje się, że można wyróżnić dwa wyraźnie rozróżnialne okresy: okres mantuański na początku stulecia i okres wenecki, który przypada na jego środek.
Klaudio(Giovan Antonio) Monteverdiego(ochrzczony 15 maja 1567 w Cremonie – 29 listopada 1643 w Wenecji) – kompozytor włoski.
Klaudio(Giovan Antonio) Monteverdiego(ochrzczony 15 maja 1567 w Cremonie – 29 listopada 1643 w Wenecji) – kompozytor włoski.
Twórczość Monteverdiego, pod wieloma względami nowatorska, wyznacza przejście w historii muzyki od epoki renesansu do epoki baroku. Uprawiał wiele gatunków muzyki świeckiej i kościelnej. Najbardziej godne uwagi są jego madrygały i opery, w tym opera Orfeusz, która jest wystawiana do dziś.
Claudio Monteverdi urodził się w 1567 roku w Cremonie, mieście w północnych Włoszech, w rodzinie Balthasara Monteverdiego, lekarza, farmaceuty i chirurga. Był najstarszym z pięciorga dzieci. Od dzieciństwa uczył się u M.-A. Ingenieri, dyrygent katedry w Cremonie. Monteverdi uczył się sztuki muzycznej, biorąc udział w wykonywaniu pieśni liturgicznych. Studiował także na uniwersytecie w Cremonie. Jego pierwsze zbiory, na które składały się małe motety i madrygały duchowne, ukazały się w latach 1582 i 1583 (Cantiunculae Sacrae, 1582; Madrigal Spirituali, 1583). Po nich pojawiły się zbiory canzonet trzygłosowych (1584), a później dwie „księgi” (zbiory) madrygałów pięciogłosowych (1587; 1590). Od 1590 (lub 1591) do 1612 Monteverdi pracował na dworze księcia Vincenzo Gonzagi (1562-1612) w Mantui, najpierw jako śpiewak i hazardzista, a od 1602 jako kapelmistrz, organizator wszelkich życie muzyczne na dworze książęcym.
W 1599 r. Monteverdi poślubił nadworną śpiewaczkę Claudię Cattaneo, z którą mieszkał przez 8 lat (Klaudia zmarła w 1607 r.). Mieli dwóch chłopców i dziewczynkę, którzy zmarli wkrótce po urodzeniu.
W 1613 Monteverdi przeniósł się do Wenecji, gdzie objął stanowisko dyrygenta katedry San Marco. Na tym stanowisku szybko przywrócił poziom zawodowy chórzystów i instrumentalistów (kaplica podupadała na skutek złego zarządzania funduszami przez jej poprzednika, Giulio Cesare Martinengo). Administratorzy bazyliki byli zachwyceni pozyskaniem tak wyjątkowego muzyka jak Monteverdi, ponieważ od śmierci Giovanniego Croce w 1609 roku muzyczny aspekt nabożeństw podupadł.
Około 1632 roku Monteverdi przyjął święcenia kapłańskie. W ostatnich latach życia spod jego pióra wyszły dwa ostatnie arcydzieła: Powrót Ulissesa (Il ritorno d „Ulisse in patria, 1641) oraz opera historyczna Koronacja Poppei (L"incoronazione di Poppea, 1642), w podstawa działki oparty na wydarzeniach z życia rzymskiego cesarza Nerona. Koronację Poppei uważa się za zwieńczenie całego dzieła Monteverdiego. Łączy w sobie sceny tragiczne, romantyczne i komiczne ( nowy krok w dramaturgii gatunku operowego), bardziej realistyczny cechy portretu postacie i melodie o niezwykłym cieple i zmysłowości. Do wykonania opery potrzebna była mała orkiestra, niewielką rolę odegrał także chór. Przez długi czas opery Monteverdiego postrzegano jedynie jako fakt historyczny i muzyczny. Od lat 60. XX w. Koronacja Poppei odżywa w repertuarze najważniejszych scen operowych świata.
Twórczość Monteverdiego reprezentują trzy grupy dzieł: madrygały, opery i muzyka sakralna. Główną cechą techniki kompozytorskiej Monteverdiego jest połączenie (często w jednym utworze) charakterystycznej dla kompozytorów polifonii imitacyjnej późny renesans i homofonia, osiągnięcia nowej epoki baroku. Innowacja Monteverdiego spotkała się z ostrą krytyką ze strony wybitnego teoretyka muzyki Giovanniego Artusiego w polemice, z którą Monteverdi (i jego brat Giulio Cesare) przedstawili swoje zaangażowanie w tzw. „drugą praktykę” muzyczną. Według deklaracji braci Monteverdich w muzyce króluje praktyka druga tekst poetycki, któremu podlegają wszystkie elementy mowy muzycznej, przede wszystkim melodia, harmonia i rytm. To właśnie ten tekst będzie usprawiedliwiał wszelkie nieprawidłowości w tym ostatnim.
