Jak wybrać się do opery i czerpać z niej tylko przyjemność, a nie rozczarowanie? Jak nie zasnąć w trakcie koncerty symfoniczne, a potem tylko żałować, że to wszystko szybko się skończyło? Jak zrozumieć muzykę, która na pierwszy rzut oka wydaje się zupełnie przestarzała?

Okazuje się, że tego wszystkiego może się nauczyć każdy. Dzieci uczą się tego w szkole muzycznej (i muszę przyznać, że z dużym powodzeniem), ale każdy dorosły może sam opanować wszystkie tajemnice. Z pomocą przyjdzie podręcznik literatury muzycznej. I nie trzeba bać się słowa „podręcznik”. Czym dla dziecka jest podręcznik, tym dla dorosłego jest „książka z bajkami z obrazkami”, która intryguje i fascynuje swoją „ciekawością”.

O temacie „literatura muzyczna”

Być może jeden z najbardziej ciekawe przedmioty, którą podejmują uczniowie szkoły muzycznej – literatura muzyczna. Kurs ten swoją treścią przypomina nieco kurs literatury, którego uczy się w zwykłej szkole średniej: tylko zamiast pisarzy - kompozytorzy, zamiast wierszy i prozy - najlepsze dzieła muzyczne klasyki i czasów współczesnych.

Wiedza przekazywana na lekcjach literatury muzycznej rozwija erudycję i niezwykle poszerza horyzonty młodych muzyków w obszarach muzyki właściwej, rodzimej i obca historia, fikcja, teatr i malarstwo. Ta sama wiedza ma również bezpośredni wpływ na ćwiczenia praktyczne muzyka (gra na instrumencie).

Każdy powinien studiować literaturę muzyczną

Kurs literatury muzycznej ze względu na swoją wyjątkową przydatność można polecić dorosłym lub początkującym muzykom-samoukom. Nikt inny kurs muzyczny nie dostarcza tak kompletnej i fundamentalnej wiedzy o muzyce, jej historii, stylach, epokach i kompozytorach, gatunkach i formach, o instrumenty muzyczne i głosy śpiewające, sposoby wykonania i kompozycja, wyraziste środki i możliwości muzyczne itp.

Co dokładnie obejmujesz w ramach kursu literatury muzycznej?

Literatura muzyczna jest przedmiotem obowiązkowym na wszystkich wydziałach szkoły muzycznej. Kurs trwa cztery lata, podczas których młodzi muzycy zapoznają się z dziesiątkami różnych dziedzin sztuki dzieła muzyczne.

Rok pierwszy – „Muzyka, jej formy i gatunki”

Pierwszy rok z reguły poświęcony jest opowieściom o podstawowych środkach wyrazu, gatunkach i formach muzycznych, różne typy orkiestrami i zespołami, o tym, jak prawidłowo słuchać i rozumieć muzykę.

Rok drugi – „Zagraniczna literatura muzyczna”

Drugi rok ma zazwyczaj na celu opanowanie warstwy obcej kultury muzycznej. Opowieść o nim zaczyna się od czasów starożytnych, od jego powstania, przez średniowiecze, aż po najważniejsze osobistości kompozytorskie. Sześciu kompozytorów wyróżnia się jako osobni główne tematy i przestudiować kilka lekcji. To niemiecki kompozytor epoki baroku, trzech „klasyków wiedeńskich” - J. Haydn, V.A. Mozart i L. van Beethoven, romantycy F. Schubert i F. Chopin. Jest wielu kompozytorów romantycznych; zapoznaj się z twórczością każdego z nich lekcje szkolne Nie będzie wystarczająco dużo czasu, ale oczywiście podano ogólne pojęcie o muzyce romantyzmu.

Wolfganga Amadeusza Mozarta

Sądząc po dziełach, podręcznik literatury muzycznej obce kraje przedstawia nam imponującą listę różnorodnych dzieł. Jest to opera „Wesele Figara” oparta na fabule francuskiego dramatopisarza Beaumarchais i aż 4 symfonie – 103 symfonia Haydna (tzw. „Z kotłami tremolo”), 40. słynna symfonia g-moll Mozarta, Beethovena V symfonia z „tematem losu” „I” Niedokończona symfonia» Schubert, z majora dzieła symfoniczne Wykonywana jest także Uwertura Egmont Beethovena.

Ponadto badane są sonaty fortepianowe - 8. sonata „Pathetique” Beethovena, 11. sonata Mozarta ze słynnym „ Rondo tureckie„w finale i promiennej sonacie D-dur Haydna. Wśród innych dzieł fortepianowych książka przedstawia etiudy, nokturny, polonezy i mazurki wielkiego polskiego kompozytora Chopina. Badane są także dzieła wokalne - pieśni Schuberta, jego genialna pieśń-modlitwa „Ave Maria”, ballada „Król lasu” na podstawie tekstu Goethego, ulubiona przez wszystkich „Wieczorna serenada”, szereg innych piosenek, a także cykl wokalny„Piękna żona młynarza”.

Rok trzeci „Rosyjska literatura muzyczna XIX wieku”

Trzeci rok studiów jest w całości poświęcony muzyce rosyjskiej z jej udziałem starożytne czasy i prawie koniec XIX wiek. Jakie pytania nie są uwzględnione? początkowe rozdziały rozmawiać o muzyka ludowa, o sztuce śpiewu kościelnego, o początkach sztuki świeckiej, o najważniejszych kompozytorach epoki klasycznej– Bortnyansky i Bieriezowski, o twórczości romantycznej Warlamowa, Gurilewa, Alyabiewa i Wierstowskiego.

Liczby sześciu są ponownie przedstawiane jako centralne główni kompozytorzy: , JAK. Dargomyżski, A.P. Borodina, M.P. Musorgski, N.A. Rimski-Korsakow, P.I. Czajkowski. Każdy z nich pojawia się nie tylko jako genialny artysta ale także jako wyjątkowa osobowość. Na przykład Glinka nazywana jest założycielką rosyjskiej muzyki klasycznej, Dargomyżski nazywany jest nauczycielem prawdy muzycznej. Borodin, będąc chemikiem, komponował muzykę tylko „w weekendy”, a Musorgski i Czajkowski wręcz przeciwnie, opuścili służbę dla muzyki, Rimski-Korsakow w młodości chodził do opłynięcie.

MI. Opera Glinka „Rusłan i Ludmiła”

Materiał muzyczny jaki jest opanowany na tym etapie jest obszerny i poważny. W ciągu roku powstaje cała seria świetnych filmów rosyjskich: „Iwan Susanin”, „Rusłan i Ludmiła” Glinki, „Rusałka” Dargomyżskiego, „Książę Igor” Borodina, „Borys Godunow” Musorgskiego, „Śnieżna dziewica”, „Sadko” i „Opowieść o carze Saltanie”, „Rimski-Korsakow”, „Eugeniusz Oniegin” Czajkowskiego. Zapoznając się z tymi operami, studenci mimowolnie stykają się z dziełami literackimi, które stanowią ich podstawę. Co więcej, jeśli mówimy konkretnie o szkole muzycznej, to klasycznych dzieł literatury uczy się przed rozpoczęciem nauki w szkole ogólnokształcącej – czyż nie jest to korzyść?

Oprócz oper w tym samym okresie studiuje się wiele romansów (Glinki, Dargomyżskiego, Czajkowskiego), wśród których znów znajdują się te pisane do wierszy wielkich rosyjskich poetów. Wykonywane są także symfonie – „Bogatyrskaja” Borodina, „Winter Dreams” i „Pathetic”, a także genialna suita symfoniczna Rimski-Korsakow – „Szeherezada” na podstawie baśni „Księgi tysiąca i jednej nocy”. Wśród dzieł fortepianowych można wymienić główne cykle: „Obrazy z wystawy” Musorgskiego i „Pory roku” Czajkowskiego.

Rok czwarty – „Muzyka krajowa XX wieku”

Czwarta książka o literaturze muzycznej odpowiada czwartemu rokowi nauczania tego przedmiotu. Tym razem zainteresowania studentów skupiają się w kierunku muzyki rosyjskiej XX i XXI wieku. W odróżnieniu od poprzednich wydań podręczników literatury muzycznej, to najnowsze jest aktualizowane z godną pozazdroszczenia regularnością – materiał do nauki jest całkowicie przerysowany, wypełniony informacjami o najbardziej najnowsze osiągnięcia muzyka akademicka.

SS. Balet Prokofiewa „Romeo i Julia”

Czwarty numer opowiada o osiągnięciach takich kompozytorów jak S.V. Rachmaninow, A.N. Skriabin, I.F. Strawiński, SS Prokofiew, D.D. Szostakowicz, G.V. Sviridova, a także całą plejada kompozytorów czasów najnowszych i współczesnych – V.A. Gavrilina, R.K. Szczedrina, E.V. Tiszczenko i inni.

Wachlarz analizowanych dzieł niezwykle się poszerza. Nie trzeba ich wszystkich wymieniać, wystarczy wymienić tylko takie arcydzieła, jak ulubiony na świecie II Koncert fortepianowy Rachmaninowa, słynne balety Strawińskiego („Pietruszka”, „Ognisty ptak”) i Prokofiewa („Romeo i Julia”, „Kopciuszek” „), Symfonia „Leningradzka” Szostakowicza, „Wiersz ku pamięci Siergieja Jesienina” Sviridowa i wiele innych genialne dzieła.

Jakie są podręczniki do literatury muzycznej?

Obecnie nie ma wielu opcji podręczników do literatury muzycznej dla szkoły, ale nadal istnieje „różnorodność”. Jednymi z pierwszych podręczników, które zaczęto uczyć masowo, były książki z serii podręczników o literaturze muzycznej autorstwa I.A. Prochorowa. Bardziej współcześni popularni autorzy - V.E. Bryantseva, O.I. Averyanova.

Autorką podręczników literatury muzycznej, którą studiuje obecnie prawie cały kraj, jest Maria Shornikova. Posiada podręczniki do wszystkich czterech poziomów nauczania szkolenie temat. Fajnie, że w najnowszym wydaniu podręczniki wyposażone są także w płytę z nagraniem omawianych prac najlepsza wydajność- w ten sposób rozwiązuje się problem znalezienia tego odpowiedniego materiał muzyczny na lekcje, prace domowe lub do samokształcenie. Dla ostatnio Ukazało się wiele innych znakomitych książek z zakresu literatury muzycznej. Powtarzam to Dorośli również mogą z wielką korzyścią przeczytać takie podręczniki.

Podręczniki te szybko wyprzedają się w sklepach i nie są tak łatwo dostępne. Rzecz w tym, że publikowane są w bardzo małych nakładach i od razu stają się bibliograficzną rzadkością. Aby nie tracić czasu na szukanie, sugeruję zamów całą serię tych podręczników bezpośrednio na tej stronie po cenach wydawcy: wystarczy kliknąć przycisk „Kup” i złożyć zamówienie w wyświetlonym oknie sklepu internetowego. Następnie wybierz metodę płatności i dostawy. I zamiast rund godzinowych księgarnie szukając tych książek, dostaniesz je w ciągu zaledwie kilku minut.

Przypomnę, że dzisiaj jakoś przypadkowo zaczęliśmy rozmawiać o literaturze, która przyda się każdemu początkującemu muzykowi lub po prostu się nim zainteresuje muzyka klasyczna osoba. Tak, nawet jeśli są to podręczniki, ale spróbuj je otworzyć, a potem przestań czytać?

Podręczniki do literatury muzycznej to podręczniki złe, zbyt ciekawe, żeby można je było nazwać podręcznikami. Według nich przyszli szaleni muzycy ćwiczą w swoim szaleństwie szkoły muzyczne och, a w nocy, kiedy młodzi muzycy śpią, ich rodzice czytają te podręczniki z zachwytem, ​​bo jest ciekawie! Tutaj!

Krótki kurs

literaturę muzyczną

JEST. HUK
1. Polifonia to polifonia. Utwór polifoniczny może mieć od dwóch do pięciu głosów, z których każdy rozwija się niezależnie, ale wszystkie są wplecione w jedną muzyczną tkaninę. Polifonia była powszechna w okresie renesansu (XVI – XVII w.) Wybitni muzycy polifonistów z I połowy XVII w. byli: kompozytorzy niemieccy Georg Friedrich Handel, Georg Philipp Telemann, kompozytor angielski – Henry Purcell, kompozytor francuski Jean Baptiste Lully.
We Włoszech wyróżniał się Antonio Vivaldi. Powszechnie znane są jego koncerty skrzypcowe i suita „Pory roku”. We Francji najbardziej znanymi kompozytorami są klawesyniści: Jean Philippe Rameau, Francois Couperin, Louis Claude Daquin. Sonaty klawesynowe włoskiego kompozytora Domenico Scarlattiego cieszą się obecnie dużą popularnością.
Ale wielki niemiecki kompozytor Johann Sebastian Bach (1685 – 1750) słusznie uważany jest za „ojca” polifonii. Jego twórczość jest wielka i różnorodna.
Bach urodził się w niemieckim mieście Eisenach. Tam spędził dzieciństwo, gdzie uczył się gry na organach, skrzypcach i klawesynie. Od 15 roku życia mieszkał samodzielnie: najpierw w mieście Lüneburg, następnie w poszukiwaniu pracy przeniósł się do miasta Weimar, gdzie pełnił funkcję organisty w kościele i napisał swoje najlepsze prace organów: „Toccata i fuga d-moll”, preludia i fugi chorałowe organowe. Następnie przenosi się do miasta Köthen.
W Köthen pełni funkcję nadwornego muzyka księcia Köthen i tutaj pisał najlepiej klawiatura działa: I tom HTK (klawiersz o dobrym temperamencie), 6 suit angielskich i 6 francuskich, wynalazki, „Fantazja chromatyczna i fuga”.
Bach ostatnie lata swego życia spędził w Lipsku. Tutaj pracował jako kierownik szkoły chóralnej (kantor) przy kościele św. Tomasza i napisał wiele dzieł chóralnych: „Msza h-moll”, „Pasja według św. Mateusza” i inne najlepsze próbki kantata i oratorium. Tutaj napisał drugi tom HTC.

JEST. Bach stał się twórcą muzyki polifonicznej. Nikt nie pisał polifonii lepiej od niego. Zostali także jego trzej synowie znani kompozytorzy, ale nazwisko Jana Sebastiana Bacha przeszło do historii sztuka muzyczna na zawsze! Jego muzyka jest wieczna i zrozumiała dla ludzi - jest żywa.
2. Wiedeńska Szkoła Klasyczna.
To twórczy kierunek w muzyce koniec XVIII- początek XIX wieku, który rozwinął się w Wiedniu (stolicy Cesarstwa Austriackiego). Należą do niego trzej kompozytorzy:Josepha Haydna, Wolfganga Amadeusza Mozarta i Ludwiga van Beethovena. W ich twórczości powstał cykl sonatowo-symfoniczny. Ich prace są doskonałe w formie i treści (czyli klasyczne). Dlatego też nazywano je wielkimi klasykami wiedeńskimi.
Muzyka kompozytorów wiedeńskich szkoła klasyczna nadal pozostaje niedoścignionym przykładem kompozycji (klasycznej – w jednym ze znaczeń tego słowa – wzorowej). Szkoła jest tu pojęciem sukcesji, czyli tzw. kontynuacja i udoskonalenie przez jednego kompozytora tradycji i idei swojego poprzednika.
Klasycy wiedeńscy wykorzystali nowość magazyn muzyczny(sposób przedstawienia myśli muzycznej) – homofonoharmoniczny, gdzie występuje główny głos melodyczny, a melodii towarzyszą pozostałe głosy (towarzyszą jej). Ich praca składa się z 8-taktowego (kwadratowego) okresu. Wynika to z użycia języka austriackiego i niemieckiego motywy ludowe. W harmonii dominują triady głównych stopni T, S, D.

Józefa Haydna (1732-1809) był najstarszym z wiedeńskich klasycystów. W jego twórczości ostatecznie ukształtowały się gatunki sonaty, symfonii, koncertu i kwartetu. Nazywany jest „ojcem” symfonii (ma ich ponad 100). Jego muzyka opiera się na tematach tańce ludowe i piosenki, które rozwija z największymi umiejętnościami. Jego dzieło stworzyło także kompozycję orkiestra symfoniczna, składający się z trzy grupy instrumenty - smyczki, instrumenty dęte i perkusyjne. Niemal całe życie służył jako muzyk nadworny księcia Esterhazego, tworząc 104 symfonie, 52 sonaty, koncerty i 83 kwartety. Ale szczytem było jego 12 londyńskich symfonii, oratoria „Pory roku” i „Stworzenie świata”, napisane w Londynie pod koniec jego życia.

Niemiecki kompozytor stał się naśladowcą twórczości Haydna W.A.Mozart (1756-1791). Jego jasna muzyka jest wciąż nowoczesna - świecący przykład klasycyzm. Od najmłodszych lat zaczął komponować sonaty, symfonie i opery. Wykorzystując cykl sonatowo-symfoniczny Haydna, Mozart rozwinął go i wzbogacił. Jeśli u Haydna kontrast między częścią główną i wtórną nie jest wyraźnie wyrażony, to u Mozarta główna impreza Ma ona zupełnie inny charakter niż część boczna i dlatego rozwinięcie (część środkowa) jest bardziej intensywne. Muzyka Mozarta z niezwykłą siłą przekazuje zarówno żałobne, tragiczne nastroje („Requiem”), humorystyczne obrazy, jak i piękną przyrodę. Muzyka Mozarta wyróżnia się pięknem i wdziękiem. Mozart jest autorem wielu oper, z których najbardziej znane to: „Wesele Figara”, „ Czarodziejski flet„, „Don Juanie”. W swoim dorobku ma około 50 symfonii (najsłynniejsze to G-moll nr 40 i „Jowisz” nr 41), wiele sonat, koncertów na klawesyn, skrzypce, obój, flet i rozrywkowe.

Ludwiga van Beethovena (1770-1827) – trzeci klasyk wiedeński.
Wielki niemiecki kompozytor urodził się w Bonn. Współczesny Wielki rewolucja francuska ucieleśniał w swojej muzyce buntowniczy patos, marzenie o wolności i szczęściu ludzkości. Stworzył 9 symfonii (najsłynniejsze: c-moll nr 5, nr 9), szereg uwertur („Coriolanus”, „Egmont”, „Leonora”); 32 sonaty („Lunar” nr 14, „Pathetique” nr 8, „Appassionata” nr 23 i in.) opera „Fidelio”, 5 koncertów fortepianowych, koncert skrzypcowy i sonaty skrzypcowe, 16 kwartety smyczkowe. Twórczość Beethovena jest przepełniona ogromną energią, kontrast między tematami jest bardzo wyraźny, jego muzyka jest dramatyczna, a jednocześnie afirmująca życie i zrozumiała dla wszystkich.
3. Era romantyzmu w muzyce.
Romantyzm jest kierunkiem artystycznym, który powstał na początku XIX wieku, w okresie reakcji po francuskiej rewolucji burżuazyjnej. Ludzie sztuki w tamtych czasach nie potrafili wiernie odzwierciedlać rzeczywistości i musieli albo udać się w świat fantazji, albo poddać się refleksji świat wewnętrzny uczucia i emocje danej osoby.
W muzyce pierwszym kompozytorem romantycznym byłFranza Schuberta (1797-1828) – wielki austriacki kompozytor i autor tekstów (ma ich ponad 600).
W młodości musiał doświadczyć wielu strat. Znalazłszy się sam w Wiedniu, mieszkał z przyjaciółmi i znajomymi i był pełen nadziei na wspaniałą przyszłość. Jego pieśni z tego okresu były lekkie w treści (cykl „Piękna żona młynarza”). Ale stopniowo zaczyna rozumieć, że życie nie jest tak bezchmurne, jak mu się wydawało, że losem muzyka jest bieda i potrzeba. W utworze „Organ Grinder” namalował portret siebie – piosenkarza wyrzuconego przez społeczeństwo. Ponure nastroje odzwierciedlają cykl „Zimowe odosobnienie”, „Łabędzi śpiew”. Pod słowami Goethego powstały takie arcydzieła jak ballada „Król lasu” i „Margarita przy kołowrotku”. „Serenada” Schuberta na stałe wpisała się do repertuaru znani piosenkarze. Oprócz pieśni Schubert napisał także 8 symfonii (najsłynniejsza „Niedokończona” h-moll nr 8 w dwóch częściach). Ma także wiele drobnych dzieł fortepianowych: momenty muzyczne, improwizowane, ekozaise, walce.
Schubert zmarł bardzo wcześnie – w wieku 31 lat, jednak swoimi dziełami zdążył przygotować pojawienie się naśladowców jego twórczości.
Jednym z nich był polski kompozytor gatunku fortepianowegoFryderyka Chopina (1810 – 1849).
Jego muzyka jest genialna. Mimo że pisał wyłącznie na fortepian, otworzył przed nim cały świat – z tajemnych głębin ludzkie uczucia do prostych scen z życia wsi.
Zwracając się do Polski gatunki narodowe– mazurki, polonezy, walce, pokazywał je z różnych stron. Na przykład jego mazurki mogą mieć charakter balowy lub przypominać prosty taniec wiejski. Polonezy są czasem genialne, czasem tragiczne.
Walce mają także bardzo różnorodny charakter, a jego etiudy wykraczają poza zakres dzieła czysto technicznego – są już utworami koncertowymi – obrazami. Preludia Chopina są niewielkich rozmiarów, ale bardzo różnią się odcieniami poruszanych w nich uczuć. Nokturny Chopina są przykładami melodii i harmonii. Chopin jest twórcą nowego gatunku muzyki fortepianowej – gatunku balladowego. Ma także sonaty. Marsz pogrzebowy Chopin jest wszystkim znany – to III część sonaty h-moll.
Fryderyk Chopin to ulubiony kompozytor wielu pianistów. Od 1927 roku w Warszawie regularnie odbywają się Światowe Konkursy Chopinowskie.
Trzeci romantyk muzyki zagranicznej -Roberta Schumanna (1810 – 1856).
To wielki niemiecki kompozytor – marzyciel i wynalazca. Miał niesamowitą umiejętność przedstawiania portretów ludzi w muzyce, często z humorem. Jego najsłynniejszym dziełem jest cykl fortepianowy „Karnawał”. Napisał wiele drobnych utworów na fortepian, „Album dla młodzieży”, „Motyle”, 3 sonaty, „Etiudy symfoniczne” i inne.
4 . Twórczość kompozytorów drugiej połowy XIX i początku XX wieku.

Ryszarda Wagnera (1813-1883) - Wilhelm Richard Wagner był niemieckim kompozytorem i teoretykiem dramatycznym, reżyserem teatralnym, dyrygentem i polemistą, który zasłynął dzięki swoim operam, które wywarły rewolucyjny wpływ na muzykę zachodnią. Do jego głównych dzieł należą „Latający Holender” (1843), „Tannhäuser” (1845), „Lohengrin” (1850), „Tristan i Izolda” (1865), „Parsifal” (1882 .) i tetralogia „. Pierścień Nibelungów” (1869–1876).

Giuseppe Verdiego (1813-1901) - słynny Włoski kompozytor, autor wielu dzieła nieśmiertelne. Jego twórczość uważana jest za najwyższy punkt rozwoju muzyki XIX wieku w jego rodzinnym kraju. Działalność Verdiego jako kompozytora trwała ponad pół wieku. Była kojarzona głównie z gatunkiem operowym. Pierwszą z nich Verdi stworzył mając 26 lat (Oberto, hrabia di San Bonifacio), a ostatnią napisał w wieku 80 lat (Falstaff). Autorem 32 oper (w tym nowych wydań dzieł napisanych wcześniej) jest Giuseppe Verdi. Jego biografia do dziś budzi ogromne zainteresowanie, a dzieła Verdiego do dziś znajdują się w głównym repertuarze teatrów na całym świecie.. Jego najsłynniejsze opery to Aida, Rigoletto i Traviata.

Edwarda Griega (1843 – 1907) - okres, figura, ,. Twórczość Griega powstała pod wpływem Norwegów kultura ludowa.

Wśród najbardziej słynne dzieła Grieg – dwie suity z muzyki do dramatu „”, sonaty skrzypcowe.

Grieg skupił swoją uwagę na piosenkach, których wydał ponad 600. Około dwudziestu kolejnych jego sztuk ukazało się pośmiertnie. Kompozycje wokalne Grieg pisany czasami słowami duńskimi i norweskimi niemieccy poeci.

Claude Debussy (1862-1918) - Kompozytor francuski K. Debussy nazywany jest często ojcem muzyki XX wieku. Pokazał, że każdy dźwięk, akord, tonację można usłyszeć w nowy sposób, można żyć swobodniej, bardziej kolorowo, jakby ciesząc się samym jego dźwiękiem, jego stopniowym, tajemniczym rozpuszczeniem w ciszę. To nie przypadek, że Debussy jest uważany za głównego przedstawiciela. Ulubionym gatunkiem kompozytora jest suita programowa (orkiestra i fortepian), przypominająca serię różnych obrazów, w której statyczne pejzaże urozmaicają szybko poruszające się, często rytmy taneczne. Są to suity na orkiestrę „” (1899), „” (1905) i „” (1912). Na fortepian powstaje „”, „, „”, które Debussy zadedykował swojej córce.

5. Rosyjska kultura muzyczna.

Michaił Iwanowicz Glinka (1804-1857)
Wielki rosyjski kompozytor jest twórcą narodowej muzyki klasycznej.
Po ukończeniu uniwersyteckiej szkoły z internatem szlacheckim dużo podróżował po Europie, studiując muzykę obcych krajów (Włochy, Niemcy, Austria). Wracając do ojczyzny, Glinka przystąpił do tworzenia rosyjskiej narodowej szkoły muzycznej i udało mu się to.
Glinka zbierała i przetwarzała rosyjski pieśni ludowe i pisał swoje utwory, posługując się ich intonacją, ubierając je w ścisłe, klasyczne formy.
Glinka jest autorką około 80 romansów i piosenek, w tym takich arcydzieł jak „Wątpliwość”, „Pamiętam” cudowna chwila”, „Skowronek” i inne.
Jego pierwsza opera fabuła historyczna„Życie dla cara” („Iwan Susanin”).
Z tej opery wywodzi się odłam rosyjskiej opery historycznej (stała się przykładem tego gatunku). Druga opera Glinki powstała na podstawie baśni A. S. Puszkina „Rusłan i Ludmiła”. Położyła podwaliny pod rosyjską operę baśniową.
Ponadto „Wszystko rosyjskie muzyka symfoniczna jest zawarta w Kamarynskiej Glinki jak dąb w żołędziu.” - napisał P.I. Czajkowski. To prawda. Oprócz „Kamarinskiej” Glinka napisała dwie uwertury na tematy hiszpańskie „ Jota aragońska” i „Noc w Madrycie”, a jego „Waltz Fantasy” jest przykładem pięknych tekstów w muzyka instrumentalna.
Podsumowując wszystko, co stworzyli przed nim rosyjscy kompozytorzy, Glinka podniósł muzykę rosyjską na jakościowo nowy poziom i zdobył uznanie muzyki rosyjskiej na światowym poziomie.

Aleksander Siergiejewicz Dargomyżski (1813 – 1869)
Naśladowca i młodszy współczesny Glince, zapisał się w historii rosyjskiej kultury muzycznej jako twórca dzieł odkrywczych społecznie. Wśród nich jest opera oparta na fabule tragedia pod tym samym tytułem„Rusałka” Puszkina, w której kompozytor przekazał tragedię prostej chłopki Nataszy, porzuconej przez księcia, ku smutkowi ojca. Kolejna opera oparta jest na tekście małej tragedii Puszkina „Kamienny gość”. To także dramat społeczno-psychologiczny. W swoich operach Dargomyżski wprowadził nową zasadę od końca do końca rozwój muzyczny. To było to numery muzyczne arie, arioso, duety, chóry – płynnie i bez przerwy przechodzą w recytatyw i odwrotnie, a partia orkiestry często przekazuje to, czego nie da się wyrazić słowami.
Dargomyżski jest autorem około 100 romansów i piosenek. Wśród nich bardzo popularne są: „Jestem smutny”, „Stary kapral”, „Radny tytularny”, „Robak” i inne.
W swojej muzyce Dargomyżski opierał się na pieśniach ludowych, ale jednocześnie na intonacjach żywej mowy ludzkiej. „Chcę, aby dźwięk bezpośrednio wyrażał słowo. Chcę prawdy!” - to twórcze credo Dargomyżskiego.

6. Kultura muzyczna drugiej połowy XIX wieku.
W drugiej połowie XIX wieku w Rosji rozpoczął się wzrost sztuka narodowa- literatura, malarstwo, muzyka. W tym czasie powstał krąg podobnie myślących muzyków, nazwany przez słynnego krytyka muzycznego Stasowa „Potężna gromada”. Nazywana jest także „Wielką Rosyjską Piątką” lub „Nową Szkołą Rosyjską”.
W kręgu znalazło się 5 kompozytorów.
Jej przywódcą był Milij Aleksiejewicz Bałakiriew (1837-1910) – jasna postać, talent muzyczny. Jego zasługą jest to, że zbierał i przetwarzał rosyjskie pieśni ludowe. Bałakiriew nie stworzył zbyt wielu dzieł. Najciekawsze z nich to fantasy „Islamey”, 8
Rosjanie pieśni ludowe w opracowaniu na fortepian, około 50 romansów.

Aleksander Porfiriewicz Borodin (1833-1887)
- wybitny chemik, pedagog, kompozytor. Autor opery „Książę Igor” opartej na fabule historycznej starożytnej kroniki rosyjskiej „Opowieść o kampanii Igora”, filmu symfonicznego „W Azja Środkowa”, wspaniałe 2 kwartety, 3 symfonie (najsłynniejsza II to „Bogatyrskaya”) i 18 romansów. Kompozytor ucieleśniony w swojej twórczości epicka epopeja Rosjan, a także oświetlił świat wschodnia Azja z pięknymi melodiami.
Modest Pietrowicz Musorgski (1839-1881) - trybun-kompozytor, który odzwierciedlał życie i historię ludu jasnowłosego. Jego opery „Borys Godunow”, „Khovanshchina” i monumentalne ludowe dramaty muzyczne są szczytem jego twórczości; komedia muzyczna oparta na Gogolu „Jarmark Sorochinskaya” ujawnia życie żywe obrazy zwykli ludzie; cykl „Obrazy z wystawy”, cykle pieśni „Dzieci”, „Pieśni i tańce śmierci”, romanse znajdują się w repertuarze teatrów światowych.
Cezar Antonowicz Cui (1835-1918) – kompozytor i krytyk muzyczny, autor baśni operowych „Czerwony Kapturek”, „Kot w butach”, „Głupiec Iwanuszka”, romansów, piosenek, krótkich utworów fortepianowych. Jego dzieła nie są tak znaczące, jak dzieła innych kompozytorów” Potężna gromada”, ale przyczynił się także do skarbnicy muzyki rosyjskiej.
Tym, co łączyło wszystkich kompozytorów „Potężnej Garści”, był pełen szacunku stosunek do rosyjskiej pieśni ludowej oraz dążenie do wzbogacenia rosyjskiej muzyki klasycznej i wyniesienia jej na skalę światową. Wszyscy są naśladowcami wielkich rosyjskich kompozytorów klasycznych M.I. Glinki i A.S. Dargomyżskiego.
Nikołaj Andriejewicz Rimski-Korsakow (1844-1908) - utalentowany rosyjski kompozytor, jedna z najważniejszych postaci w tworzeniu bezcennego rosyjskiego dziedzictwa muzycznego.
Centralne miejsce w spuściźnie Rimskiego-Korsakowa zajmują opery – 15 dzieł ukazujących różnorodność gatunkową kompozytora, rozwiązań stylistycznych, dramatycznych i kompozycyjnych. Twórczość kompozytora wyróżniają dwa główne kierunki: pierwszy to historia Rosji, drugi to świat baśni i eposów, za co otrzymał przydomek „gawędziarz”.
Z wyjątkiem działalność twórcza N.A. Rimski-Korsakow znany jest jako publicysta, kompilator zbiorów pieśni ludowych, którymi wykazywał duże zainteresowanie, a także jako kompletator dzieł swoich przyjaciół - Dargomyżskiego, Musorgskiego i Borodina. Rimski-Korsakow był twórcą szkoły kompozytorskiej, jako nauczyciel i dyrektor Konserwatorium w Petersburgu wykształcił około dwustu kompozytorów, dyrygentów i muzykologów, m.in. Prokofiewa i Strawińskiego.

Piotr Iljicz Czajkowski (1840 -1893) - rosyjski kompozytor okresu romantyzmu. Niektóre z jego kompozycji należą do najpopularniejszych utworów muzycznych. Był pierwszym rosyjskim kompozytorem, którego dzieło otworzyło się świat muzyki Rosja na poziomie międzynarodowym. Czynnikiem, który przyczynił się do popularności muzyki Czajkowskiego, była zmiana nastawienia do niej rosyjska publiczność. Publikacja jego piosenek od 1867 roku i znakomita muzyka fortepianowa na rynek krajowy również przyczyniły się do wzrostu popularności kompozytora. Pod koniec lat sześćdziesiątych XIX wieku Czajkowski zaczął komponować opery. Do jego najważniejszych dzieł należą opery: „Dama pik”, „Eugeniusz Oniegin”, „Dziewica Orleańska”, „Mazeppa”, „Czerewiczki” i inne, balety: „Dziadek do orzechów”, „Jezioro łabędzie”, „Śpiąca królewna”, I symfonia „Sny zimowe”, VI symfonia „Pathetique”, uwertura-fantazja „Romeo i Julia”, cykl fortepianowy„Album dla dzieci”; utwory symfoniczne, kameralne, fortepianowe, chóralne, wokalne i opracowania pieśni ludowych, a także wiele innych dzieł.

7. Twórczość kompozytorów końca XIX i początku XX wieku

Twórczość kompozytorów rosyjskich końca XIX i pierwszej połowy XX wieku stanowi holistyczną kontynuację tradycji szkoły rosyjskiej. Jednocześnie zmieniła się koncepcja podejścia do „narodowej” przynależności tej czy innej muzyki; praktycznie nie ma bezpośredniego cytowania melodii ludowych, ale pozostała intonacyjna rosyjska podstawa, rosyjska dusza.

Aleksander Nikołajewicz SKRYABIN (1872 - 1915) - rosyjski kompozytor i pianista, jedna z najwybitniejszych osobistości rosyjskiej i światowej kultury muzycznej. Oryginalna i głęboko poetycka twórczość Skriabina wyróżniała się innowacyjnością nawet na tle narodzin wielu nowych nurtów w sztuce związanych ze zmianami w sztuce. życie publiczne na przełomie XIX i XX wieku.
Szczyt twórczość kompozytora Skriabina stały się lata 1903-1908, kiedy III Symfonia („ Boski poemat„), symfoniczny „Poemat ekstazy”, „Tragiczne” i „Szatańskie” wiersze fortepianowe, 4. i 5. sonaty i inne dzieła. Kolejnym arcydziełem Skriabina jest „Prometeusz” („Poemat ognia”), w którym autor całkowicie zaktualizował jego językiem harmonicznym, odchodzącym od tradycyjnego układu tonalnego, i także po raz pierwszy w historii utworowi temu miała towarzyszyć muzyka kolorowa, jednak premiera ze względów technicznych odbyła się bez efektów świetlnych.
Ostatnią niedokończoną „Tajemnicą” był plan Skriabina, marzyciela, romantyka, filozofa, aby przemówić do całej ludzkości i zainspirować ją do stworzenia nowego fantastycznego porządku świata, zjednoczenia Ducha Uniwersalnego z Materią.

Siergiej Wasiljewicz RACHMANINOW (1873 - 1943) - największy na świecie kompozytor początku XX wieku, utalentowany pianista i dyrygent. Kreatywny obraz Kompozytora Rachmaninowa określa się często mianem „najbardziej rosyjskiego kompozytora”, podkreślając w tym krótkim sformułowaniu jego zasługi w zjednoczeniu tradycje muzyczne Moskwę i Petersburg szkoły kompozytorskie oraz w kreowaniu własnego, niepowtarzalnego stylu, który wyróżnia się na świecie kultura muzyczna.

Studiował w Konserwatorium w Petersburgu, po 3 latach studiów przeniósł się do Konserwatorium Moskiewskiego i ukończył je z dużym złotym medalem. Szybko dał się poznać jako dyrygent i pianista oraz komponował muzykę. Katastrofalna premiera nowatorskiej I Symfonii (1897) w Petersburgu spowodowała kryzys twórczy kompozytora, z którego na początku XX w. wyłonił się Rachmaninow z ukształtowanym stylem, który jednoczył rosyjską pieśń kościelną, pozostawiając Europejski romantyzm, nowoczesny impresjonizm i neoklasycyzm - a wszystko to jest pełne złożonej symboliki. W tym okresie twórczym narodziły się jego najlepsze dzieła, w tym 2 i 3 koncerty fortepianowe, II Symfonia i jego bardzo ulubiony kawałek- wiersz „Dzwony” na chór, solistów i orkiestrę.
W 1917 r. Rachmaninow wraz z rodziną został zmuszony do opuszczenia naszego kraju i osiedlenia się w USA.

Ciekawy fakt : w okresie Wielkiego Wojna Ojczyźniana Rachmaninow dał kilka koncerty charytatywne, z którego zebrane pieniądze zostały przekazane na fundusz Armii Czerwonej na rzecz walki z hitlerowskim okupantem.

Igor Fedorowicz STRAWIŃSKI (1882-1971) - jeden z najbardziej wpływowych kompozytorów światowych XX wieku, przywódca neoklasycyzmu. Strawiński stał się „lustrem” epoki muzycznej; w jego twórczości odbija się wielość stylów, nieustannie przenikających się i trudnych do sklasyfikowania. Swobodnie łączy gatunki, formy, style, wybierając je z wielowiekowej historii muzyki i poddając własnym regułom.

Zawodowo komponował stosunkowo późno, ale jego rozwój był szybki – seria trzech baletów: „Ognisty ptak” (1910), „Pietruszka” (1911) i „Święto wiosny” (1913) natychmiast wyniosła go w szeregi kompozytorów pierwszej wielkości.
W 1914 r. opuścił Rosję, jak się okazało, niemal na zawsze (w 1962 r. odbyły tournée po ZSRR). Strawiński jest kosmopolitą, zmuszony do zmiany kilku krajów – Rosji, Szwajcarii, Francji, aż ostatecznie zamieszkał w USA. Jego twórczość dzieli się na trzy okresy - „rosyjski”, „neoklasyczny”, amerykański ” produkcja seryjna„, okresów nie dzieli się ze względu na czas trwania różne kraje, ale według „pisma” autora.

Siergiej Siergiejewicz PROKOFIEW (1891-1953) - jeden z największych rosyjskich kompozytorów XX wieku, pianista, dyrygent. Prokofiewa można uznać za jednego z nielicznych (jeśli nie jedynych) rosyjskich „cudów muzycznych”, od 5 roku życia zajmował się komponowaniem, w wieku 9 lat napisał dwie opery (oczywiście dzieła te są jeszcze niedojrzałe, ale wykazują chęć tworzenia), w wieku 13 lat zdał egzaminy w Konserwatorium w Petersburgu, wśród jego nauczycieli był N.A. Rimski-Korsakow.

Do najbardziej uderzających dzieł należały opery „Wojna i pokój” oraz „Opowieść o prawdziwym mężczyźnie”; balety „Romeo i Julia” oraz „Kopciuszek”, które stały się nowym standardem światowej muzyki baletowej; oratorium „Strażnik Pokoju”; muzyka do filmów „Aleksander Newski” i „Iwan Groźny”; symfonie nr 5,6,7; dzieła fortepianowe.
Twórczość Prokofiewa zadziwia wszechstronnością i bogactwem tematów, oryginalnością jego myślenia muzycznego, świeżością i oryginalnością stanowiła całą epokę w światowej kulturze muzycznej XX wieku i wywarła potężny wpływ na wiele sowieckich i kompozytorzy zagraniczni.

Dmitrij Dmitriewicz SZOSTAKOWICZ ( 1906 - 1975) to jeden z najważniejszych i najczęściej wykonywanych kompozytorów na świecie, jego wpływ na współczesną muzykę klasyczną jest niezmierzony. Jego dzieła są prawdziwym wyrazem tego, co wewnętrzne ludzki dramat i kroniki trudnych wydarzeń XX wieku, gdzie to, co głęboko osobiste, splata się z tragedią człowieka i ludzkości, z losem kraj ojczysty. Już na początku lat dwudziestych, pod koniec konserwatorium, Szostakowicz miał bagaż własnych dzieł i stał się jednym z najlepsi kompozytorzy kraje. Światowa sława trafił do Szostakowicza po zdobyciu 1 Międzynarodowy konkurs Chopina w 1927 r.
Do pewien okres, czyli przed wystawieniem opery „Lady Makbet” Rejon Mtsensk„Szostakowicz pracował jako wolny artysta - „awangarda”, eksperymentując ze stylami i gatunkami. Ze wszystkich obszernych dzieł Szostakowicza we wszystkich gatunkach centralne miejsce zajmują symfonie (15 dzieł), najbardziej dramatycznie intensywne. symfonie 5, 7, 8, 10, 15, które stały się szczytem radzieckiej muzyki symfonicznej .

Literatura muzyczna to przede wszystkim nauka o śpiewie.

Jeśli lekcje solfeżu i śpiewu uczą nut, interwałów i tonacji, nazywa się to umiejętnością muzyczną. Na nim nie tylko trenujesz ucho do muzyki, ale także naucz się poprawnie dotykać instrumentu, grać ekspresyjnie i pięknie, wykonując melodie.

Literatura muzyczna i lekcje śpiewu uczą, jak grać ekspresyjnie i pięknie. Dlaczego literatura muzyczna jest potrzebna?

Faktem jest, że muzyka ma swoją niepowtarzalność język muzyczny, język jest wyjątkowy. Nie ma w nim znanych nam słów, tylko dźwięki. Te dźwięki nie są proste, ale magiczne, jak studio wokalne, które potrafi nie tylko rozśmieszyć, ale i popłakać, a także opowiedzieć całą historię.

Znasz już część literatury muzycznej. Na przykład mniejsze i większe. Muzyka smutna jest najczęściej w tonacji molowej, a muzyka wesoła w tonacji durowej. Szybka muzyka różni się od w wolnym tempie. Czasami jest muzyka w tonacji durowej i wesoła muzyka w tonacji molowej. Okazuje się, że tak, to naprawdę się zdarza. Charakter muzyki zależy oczywiście od trybu (moll i major to tryby), a także od wielu rzeczy wtórnych, które nazywane są środkami ekspresja muzyczna. Mozhar i moll wraz ze środkami muzycznymi stanowią podstawę języka muzycznego.

Studiuje się literaturę muzyczną objętą kursami wokalnymi klasyka muzyczna. Nie każdy potrafi zrozumieć muzykę klasyczną, bo jest ona „elitarna”. Słowo to pochodzi od słowa „elita”, co oznacza „najlepszy”, „wybrany”. Tylko najlepsi i wybrani ludzie potrafią zrozumieć muzykę klasyczną. Jednak odbieranie muzyki klasycznej i czerpanie z niej przyjemności wymaga przygotowania. Literatura to wyjątkowy tekst, którego czytania uczymy się od dzieciństwa. Muzyka też ma swój niepowtarzalny tekst i trzeba się też nauczyć go rozumieć.

Osobną kwestią jest także literatura muzyczna dyscyplina akademicka, którego uczą się uczniowie szkół średnich szkoły muzyczne i szkół muzycznych. Program kształcenia w zakresie literatury muzycznej obejmuje biografie najlepszych kompozytorów muzycznych, zarówno zagranicznych, jak i krajowych, zapoznanie się z ich unikalnym dziełem, a także studium poszczególnych znanych dzieł.

Dzięki szerokiemu rozpowszechnianiu literatury muzycznej każdy początkujący uczeń ma możliwość, przy pomocy nauczyciela lub samodzielnie, zdobyć niezbędne informacje w celu podniesienia edukacja muzyczna i sprawić, że nauka będzie bardziej efektywna.