Sztuki performatywne Indii powstały w II wieku p.n.e. - I w. n.e., szczyt swojego rozwoju osiągnął w X w. n.e. W tym czasie powstały setki sztuk, uznanych później za klasykę teatru indyjskiego. Po X wieku, wraz z przybyciem islamskich zdobywców do Indii, teatr klasyczny popada w ruinę. Produkcje teatralne nadal istnieją w prymitywna forma w odległych zakątkach wsi. W okresie XV-XIX w. Następuje odrodzenie sztuki teatralnej. W połowie XIX wieku. Scena teatralna staje się środkiem walki z brytyjskimi rządami kolonialnymi, co skłania Brytyjczyków do wprowadzenia ścisłej kontroli nad działalnością teatralną w Indiach, zakazując przedstawień o treści politycznej i dopuszczając jedynie dramaty klasyczne. Od czasu uzyskania przez Indie niepodległości w 1947 roku w całym kraju w niekontrolowany sposób rozrastały się teatry, stając się ważną częścią przemysłu rozrywkowego.
indyjski sztuki performatywne dzieli się na trzy formy: klasyczny dramat sanskrycki, tradycyjny teatr ludowy i teatr nowoczesny.

Klasyczny dramat sanskrycki

Indyjski klasyczny dramat sanskrycki - jedna z najstarszych form sztuki teatralnej, która zaczęła aktywnie rozwijać się w I wieku. OGŁOSZENIE O istnieniu Dramat sanskrycki o tak starożytnych czasach świadczą takie autorytatywne źródła, jak: „Natya Shastra” - traktat o sztuce teatralnej, opracowany przez Bharatę Muniego (IV w. p.n.e. - IV w. n.e.) oraz „Mahabhashya” - komentarz do gramatyki indyjskiej, należący do Patanjalego ( II wiek p.n.e.).
Dramat indyjski jest osiągnięciem najwyższej doskonałości literatury indyjskiej. Jest skonstruowany w taki sposób, aby wywołać u widza silne przeżycia emocjonalne związane z charakterem i postępowaniem bohaterów. Niektóre postacie wywołują uczucie podziwu i zachwytu, inne wręcz przeciwnie, wstręt, a jeszcze inne wywołują śmiech i zabawę. Pismo Dramat sanskrycki wyraźnie podzielone ze względu na status społeczny.
W dramacie indyjskim wyróżnia się dwa rodzaje sztuk: lokadharmi, gdzie postacie są przedstawione realistycznie i natyadharmi to stylizowany dramat wykorzystujący język migowy.
Za pierwszego dramaturga piszącego w sanskrycie uważa się Aszwaghoszę (II w. n.e.). Ten wykształcony i utalentowany człowiek poprzez swoje dzieła głosił filozofię buddyzmu. Trzy słynne wiersze Ashvaghosy to Buddhacarita, Soundarananda i dramat Sharinutrakarana.
Jednak najbardziej znaczącą postacią indyjskiego dramatu jest poeta Kalidasa (IV-V w.), który komponował sztuki w sanskrycie na podstawie opowiadań z Puran. Bardzo słynne dzieła Kalidasa to dramaty „Malavikagnimitram”, „Vikramorvashi”, „Abhijnana-Shakuntala”. Głównym wątkiem w nich jest miłość bohatera i bohaterki. Po pokonaniu wielu przeszkód kochankowie zostają nagrodzeni możliwością ponownego zjednoczenia się.

Kalidasa

Inną ważną osobistością jest sanskrycki dramaturg Bhavabhuti (VIII w.). Spośród licznych dzieł autora tylko trzy dramaty „Mahaviracharita” (ok bohaterskie życie Rama), Malathimadhava (Historia miłosna) i Uttaramacharita ( Późniejsze życie Ramki).
Według badań indologa Dasharadha Sharmy (1903-1976) obaj ostatni dramatopisarze podczas pisania swoich dzieł opierali się na tekstach z Arthaśastry (starożytnego indyjskiego traktatu polityczno-gospodarczego, którego kompilator uważany jest za Kautilyę, główny doradca cesarza Chandragupty Mauryi (321-297 p.n.e.)). W ich dziełach istnieje wyraźna analogia w działaniach i polityce bohaterów. Co więcej, Bhavabhuti używa słów i idei z Arthaśastry w swojej romantycznej sztuce Malatimadhava.
Na uwagę zasługuje także północnoindyjski władca Harsha (panowanie 606-647) z rodziny Pushyabhuti, któremu przypisuje się autorstwo sztuk „Ratnavali”, „Priyadarshika” i „Nagananda”, a także poetów Shudraka i Bhasa, którzy napisał wiele sztuk w sanskrycie.
Dramat sanskrycki, który powstał w Indiach w czasach starożytnych, stał się jedną z form sztuki, która bez upiększeń odzwierciedla całą rzeczywistość życia. Później zostało uzupełnione taniec klasyczny. Połączenie muzyki, gestów i tańca pozwoliło indyjskiemu dramatowi zyskać na popularności nowy aspekt i przekształcić w dramat tańca klasycznego.

Klasyczny dramat taneczny
Ten nowy kierunek przekazał całe piękno życia, opierając się na boskich przykładach podanych w starożytnych eposach. Godne uwagi przykłady indyjskiego dramatu tańca klasycznego to: kudiattom, krishnanattom, ramanattom i kathakali (). Ponadto prawie wszystkie tańce klasyczne Indii można zaliczyć do dramatów tanecznych, ponieważ dziś są to przedstawienia teatralne. występ muzyczny, opowiadanie relacje miłosne bohater i bohaterka.

Tradycyjny teatr ludowy

Indyjski tradycyjny teatr ludowy , wyraźnie ukształtowana w średniowieczu, jest syntezą dramat klasyczny oraz bezpłatne improwizowane występy oparte na wydarzenia historyczne, a także motywy z Puran i eposów. Teatr ludowy odzwierciedla myśli, idee i emocje zwykłych ludzi. Właściwie tradycyjny teatr ludowy można podzielić na przedstawienia o charakterze religijnym i świeckim. Te pierwsze służą głoszeniu wartości religijnych, moralnych i tak naprawdę są refleksją na temat sensu życia. Celem drugiego jest rozrywka.
Ważne miejsce w indyjskim teatrze ludowym zajmuje piosenka, która odgrywa bardzo ważną rolę.
Tradycyjny teatr ludowy w Indiach jest niezwykle różnorodny. Każde państwo tego wielonarodowego kraju reprezentowane jest przez żywe, spektakularne występy, które odzwierciedlają lokalną moralność i zwyczaje. Wszystkich jednak łączy realizm życia, miłość, cnota i występek, często ozdobiony romantyczną ideą.
Nautanki to jedno z najpopularniejszych przedstawień komediowych i teatrów muzycznych w północnych Indiach. Fabuła nautanki na podstawie opowieści ludowe, opowieści o legendarnych bohaterach i epickich opowieściach. Muzyka ludowa, śpiew i taniec przeplatają się ze sobą nautanki. Spektakle grane są jakby w języku hinduski i dalej urdu. Przed nadejściem przemysłu filmowego występy nautanki były bardzo powszechnym sposobem rozrywki we wszystkich miastach i wioskach północnych Indii. Zgodnie z tradycją występ nautanki rozpoczyna się późnym wieczorem i trwa nieprzerwanie przez całą noc aż do świtu. Istnieją także krótkie wersje spektakli, trwające około dwóch godzin, poruszające współczesne tematy społeczne, takie jak problemy rodzinne, ochrona zdrowia i feminizacja (emancypacja kobiet).

Nautanki

Swang/sang to forma tańca i teatru muzycznego powszechna w Haryana, Uttar Pradesh, Radżastanie i Madhya Pradesh. Faktycznie zamachnął się bardzo podobny do nautanki. Istnieją tylko niewielkie różnice. Nautanki- To czysto komediowa forma przedstawienia. Będąc w Swange Jest zarówno satyra, jak i romans heroiczny. Zgłoszenia zamachnął się fascynuje swoim bogatym repertuarem pieśni ludowe i taniec. Tradycyjnie wszystkie role odgrywają mężczyźni. Aby stworzyć odpowiednią atmosferę, koncert rozpoczyna się na godzinę przed występem, przygotowując publiczność do występu.
Bhand pater jest formą teatru ludowego powszechną w stanie Dżammu i Kaszmir. Przedmioty bhand pater opierają się na mitologicznych opowieściach i tradycjach regionu i mają głównie charakter satyryczny. Spektakle wyraźnie ukazują elementy kaszmirskiego szaiwizmu i tradycji kaszmirskiego sufizmu. Ale najważniejsze fabuła jest sprzeciwem miejscowej ludności wobec obcych najeźdźców. Choć tematyka produkcji oscyluje wokół starożytnych opowieści o królach, wprowadzone zostały do ​​niej także współczesne wątki społeczne. Główny język aktorów w przedstawieniach bhand pater jest Kaszmir . Aby jednak podkreślić humorystycznie absurdalne sytuacje i podkreślić niezgodne wyrażenia, w produkcjach zastosowano także język pendżabski, gudżari, dogri, perski i angielski. Przedstawianie zwierząt w sztukach teatralnych bhand pater aktorzy ubierają się w obszerne kostiumy i noszą maski.

Bhand pater

Yatra to popularna forma tradycyjnego teatru pieśni ludowych rozciągająca się od Bengalu Zachodniego i Orisy po Assam, Tripurę i Bihar. W IX-XII wieku. pod nazwą ten występ muzyczny rozprzestrzenił się po całym Bengalu (dzisiejszy Bengal Zachodni i Bangladesz). Charia. Później w XVI w. podczas ruchu bhakti, Charia stał się znany jako Yatra(religijna procesja kaznodziejów) i miała charakter religijno-ewangelizacyjny. Ale już w XIX w. treść przedstawień stała się pouczająca moralnie. I w XX wieku Yatra przekształciło się w zwykły, trwający cztery godziny spektakl rozrywkowy, poprzedzony długim wstępem muzycznym. Dziś tematyka przedstawień jest obszerna i obejmuje tradycyjne opowieści epickie i puraniczne, legendy historyczne i lokalny folklor. Tradycyjnie w Yatra wszystkie role grali mężczyźni, ale z XIX wieku. Kobiety zaczęły przyłączać się do męskich grup. Obecnie do tworzenia żywych efektów w produkcjach wykorzystywane są wszystkie nowoczesne środki.

Yatra

Dużo to tradycyjny teatr ludowy w stanie Madhya Pradesh. Jest to stosunkowo młoda forma teatru ludowego, która powstała pod koniec XVIII w. początek XIX wieki Dużo został opracowany znani aktorzy tamtych czasów, tacy jak Guru Gopalji i Kaluram Ustad. Nie tylko napisali scenariusze, ale także wyreżyserowali spektakle. Dużo tradycyjnie wykonywane przez mężczyzn. Przedstawienia odbywają się w języku hindi. Tematy występów mach jest obszerny i dotyka zagadnień religijnych, historycznych i społecznych.

Tamasza- muzyczno-taneczna forma teatralna, która powstała w XVI wieku. w Maharasztrze. Serce wszystkich występów Tamasza nazywają się piosenki o miłości Lavani, które są uzupełniane tradycyjne tańce. Oprócz tańca w przedstawieniach Tamasza dominują także występy akrobatyczne.

Tamasza

Jakszagana jest formą tradycyjnego dramatu tanecznego, który powstał w XVI-XVII wieku. w Karnatace. Termin jakszagana dosłownie oznacza „pieśń duchów natury” i łączy różne kształty dramat taneczny, np aata, Bayalata, podobny I daśavatara. Jakszagana powstał z muzyki ludowej, tańca i teatru Karnataki podczas południowoindyjskiego ruchu Bhakti. Ponieważ Bhakti, czyli wisznuizm, popularyzuje religię poprzez prostotę produkcje teatralne, jakszagana szybko zyskał uznanie na całym świecie południowe Indie. Działki Jakszagana są epizody z Mahabharaty, Ramajany i Puran. Zgodnie z tradycją występ rozpoczyna się o zmroku. Występ aktorów na scenie poprzedzony jest długą (około godzinną) uwerturą muzyczną. Wszystkie role pełnią wyłącznie mężczyźni. Akcji towarzyszy śpiew narratora (bhagavathi). Stałym charakterem wszystkich przedstawień jest błazen, tzw kodangi. Niesamowite kostiumy i makijaże aktorów tworzą wyjątkowy nastrój, wciągając widza niesamowity świat wyobraźnia.

Terukkuttu- forma rytuału teatr uliczny, powszechny w Tamil Nadu i sąsiedniej Sri Lance. Występy są w języku tamilskim. Terukkuttułączy muzykę, taniec i teatr. Tematyka spektakli jest bardzo obszerna. Ale w zasadzie wszystkie wątki opierają się na opowieściach z Mahabharaty, a dokładniej na tych fragmentach eposu, w których Draupadi jest postacią centralną. Podczas corocznego festiwalu Maryamman, poświęconego bogini deszczu o tym samym imieniu, wystawiane są sztuki z Ramajany.

Moudiettu to tradycyjny teatr rytualny w stanie Kerala, którego przedstawienia odbywają się wyłącznie w świątyniach poświęconych bogini Kali. Spektakle przedstawiają bitwę pomiędzy boginią Bhadrakali a asurą Dariką, w której zwycięża ta pierwsza. Te rytualne występy odbywają się po żniwach, od lutego do maja. Sam występ rozpoczyna się w pomyślnym momencie i trwa 41 dni.

Tradycyjny indyjski ludowy teatr lalek

Teatr lalek (indyjski) teatr lalek) - jeden z najstarszy gatunek rozrywka w Indiach, zwłaszcza na obszarach wiejskich. W takiej czy innej formie rozkwita od wieków i jest integralną częścią kultura ludowa. W zręcznych rękach lalkarza lalki ożywają, ucieleśniając w rzeczywistości sceny z Mahabharaty i Ramajany, a także naśladując prawdziwe życie. Teatr lalek jest najpopularniejszy w Gujarat, Radżastanie, Kerali, Karnatace i Andhra Pradesh. W Indiach używają różne typy lalki – lalki drewniane, skórzane lub szmaciane sterowane za pomocą kija lub sznurków, lalki w rękawiczkach, a także lalki płaskie stosowane w teatrze cieni.
Katputli- Radżastański teatr lalek. Przetłumaczone z języka radżastańskiego kat oznacza „drzewo” i putli- „martwa lalka”. Uważa się, że teatr katputli powstała w Radżastanie około dwóch tysięcy lat temu, o czym świadczą odniesienia do drewnianych lalek w lokalnych legendach i pieśniach. Żaden festiwal ani jarmark religijny w Radżastanie nie odbywa się bez zabawnych przedstawień kukiełkowych.

Rządzące rodziny Radżastan patronował tej formie sztuki na wszelkie możliwe sposoby. Będąc nie tylko formą rozrywki, ale także źródłem wychowania moralnego, katputli kwitła aż do przybycia Mogołów w Radżastanie. W tym okresie katputli stopniowo traciło sens. Ale dziś, jak za dawnych czasów, teatr katputli po raz kolejny zachwyca publiczność ognistymi występami.
Tradycyjnie katputli to zawód dziedziczny dla społeczności nomadów bhat, mieszkający w zachodnim Radżastanie. Podobnie jak sami lalkarze, liczne warsztaty w państwie wykonują lalki: wycinają z drewna głowy lalek, malują je i uzupełniają jasnymi strojami, haftowanymi cekinami, złotymi warkoczami i lustrami. Z reguły kolor lalki determinuje wizerunek postaci. Szlachetne postacie są lekko pomalowane, mają efektowne wąsy i ubrane są w kolorowe szaty. Negatywne znaki zazwyczaj ciemny kolor. Kobiece lalki są zawsze w kolorowych i jasnych strojach.
Pociągając za linkę przyczepioną do lalek, lalkarz umiejętnie wprawia je w taniec na prowizorycznej scenie. Jeźdźcy na koniach i wielbłądach, zaklinacze węży, wojownicy z mieczami, tańczące kobiety i wiele innych fascynują publiczność.

Dużą popularnością cieszą się także lalki odwrócone do góry nogami, gdy podczas przedstawienia nagle zamieniają się w tańczącą kobietę brodaty mężczyzna. Każdy przedstawienie kukiełkowe przesiąknięty humorem i przechodzi w dół akompaniament muzyczny. Fabuła występów katputli zwykle przychodzi wolny temat, czasem zaczerpnięte z lokalnych baśni i legend. Jednak główny repertuar składa się z ballad o walecznym Amarze Singhu Rathore (1613-1644), księciu radżputów służącym na dworze Mogołów, którego legendarna odwaga i umiejętności bojowe zapewniły mu osobiste uznanie cesarza. Te przedstawienia z długimi scenami batalistycznymi są nie tylko bardzo inspirujące młodzi widzowie, ale także pokolenie dorosłych.

Zmieniające się lalki

Początek Putula to kolejny rodzaj teatru lalek rozprzestrzeniający się od Bengalu Zachodniego po Tripurę i Assam. Lalki putul początek dość duży, około 1,5 m wysokości. Są rzeźbieni z drewna i ubrani w piękne stroje. W skład trupy artystów wchodzą lalkarze śpiewający piosenki i recytujące poezję oraz muzycy grający na fisharmonii, perkusji i metalowych talerzach. Przedstawienia często odbywają się na jarmarkach wiejskich. Odgrywają historie o Krysznie lub improwizują na dowolny temat, podczas którego lalki po prostu tańczą.

Pavakathakali to popularny teatr lalek tanecznych w Kerali. kathakali. Spektakl odbywa się przy użyciu lalek w rękawiczkach o wymiarach 30-50 cm. Różne historie z Mahabharaty są bohaterami przedstawień odbywających się nocą przy świetle oliwnej lampy. Czas trwania występu waha się od godziny do dwóch, a czasami dłużej. W dramacie tańca kathakali historia opowiadana jest za pomocą gestów i mimiki. Ale ten język nie jest dostępny dla drewnianych lalek i dlatego główną rolę spektakl nadawany jest słowu, za pomocą którego śpiewacy przekazują treść przedstawienia. W przeszłości przedstawienia miały charakter wyłącznie religijny i wystawiane były jako ofiary składane bogom w czasie suszy i epidemii. Również pavakathakali grany podczas festiwalu Śiwaratri. Do lat 80-tych XX wieku tradycja pavakathakali prawie zniknął. Ale dzięki staraniom Ministerstwa Kultury Indii ten tradycyjny teatr lalek został wskrzeszony i przeniesiony na poziom międzynarodowy. Dzisiejsze występy pavakathakali można również zobaczyć na festiwale międzynarodowe sztuka

Teatr cieni

Uważa się, że teatr cieni powstał trzy tysiące lat temu Azja Południowo-Wschodnia i stopniowo przedostał się do Hindustanu. Teatr cieni jest bardzo popularny w Andhra Pradesh, Karnataka, Kerala i Orisa. Tradycyjnie marionetki cienia z Orisy i Kerali są czarno-białe. A w Karnatace i Andhra Pradesh są kolorowe.
Tholu bommalata to tradycyjna forma sztuk performatywnych w stanie Andhra Pradesh. Dosłownie tola oznacza „skórę” i bommalatu- „taniec lalek”. Bez posiadania stałe miejsce rezydencje, wędrowni lalkarze tola bommalata wędrując po stanie, dają przedstawienia, wykonują akrobacje, a także wróżą, sprzedają biżuterię i naprawiają naczynia. Miejscowi do nich dzwonią gomberamy.
Tradycyjne, klasyczne lalki Tholu Bommalata wykonane są ze skóry barwionej barwnikami roślinnymi. Obecnie wycina się je nawet z kliszy do prześwietleń rentgenowskich. Rozmiar gotowych figurek sięga prawie metra wysokości. Ręce i nogi lalek są ruchome. Sterowanie samymi lalkami odbywa się za pomocą przyczepionych do nich patyków. Prosty biały ekran staje się centrum spektaklu opowiadającego historie z Ramajany, Mahabharaty i lokalnych legend.

Tholu bommalata

Togalu gombiyata/Togalu bombyata- spektakl teatru cieni w Karnatace. Wcześniej był to religijny rytuał składania ofiar bogom wraz z modlitwą o deszcz lub ochronę przed chorobami. Dzisiaj togalu gombiyata po prostu sposób na rozrywkę. Głównymi wątkami są historie z Ramajany i Mahabharaty. Tradycyjnie występy rozpoczynają się późnym wieczorem i trwają do rana. Lalki do przedstawień wykonane są ze skóry koziej i pomalowane na jaskrawe kolory. Ten teatr cieni można zobaczyć w wielu wioskach Karnataki, lecz mimo to, jak wszystko, co tradycyjne, traci on na znaczeniu, ustępując miejsca nowoczesne trendy jak telewizja, internet itp.

Tholpavakuthu jest forma teatr cieni w stanie Kerala. Uważa się, że sztuka ta powstała w IX wieku. Tholpavakuthu- rytuał czysto religijny poświęcony Bhadrakali, który odprawiany jest w licznych świątyniach Devi (Durga). Przedstawienie reprezentuje pełna wersja Kamba Ramajana jest tamilską wersją Ramajany. Produkcja odbywa się w języku tamilskim, sanskrycie i malajalam i trwa 21 dni po 9 godzin. Ale zdarzają się też wersje dłuższe, trwające do 70 dni, w zależności od tradycji świątyni, w której odbywają się te przedstawienia. Zgodnie z tradycją przedstawienie rozpoczyna się wieczorem i kończy o świcie. W tym teatralnym rytuale bierze udział od 180 do 200 lalek, co wymaga obecności około 40 wykonawców. Lalki z ruchomymi rękami i nogami mają zwykle nieco ponad metr wysokości. Wykonane są ze skóry koziej. Tholpavakuthu, podobnie jak wiele tradycyjnych form sztuki, stało się zagrożone. Do niedawna w gminie było tylko kilka rodzin pulawar kontynuował tę tradycję. Tylko dzięki wsparciu rządu, wprowadzeniu do repertuaru tematów współczesnych i skróceniu czasu występu udało się nieco poprawić tę sytuację. Dziś przedstawienia odbywają się nie tylko w świątyniach, ale także na uczelniach, a także na Międzynarodowym Festiwalu Filmowym w Kerala.

Tholpawakuthu

Rawana chhaja
Nazywa się Teatr Cieni Orisy Rawana chhaja, co dosłownie oznacza „cień Rawany”. Jest to najbardziej prymitywny ze wszystkich teatrów cieni zachowanych w Indiach. Rawana chhaja był powszechny na terenach wiejskich, gdzie mieszkańcy traktowali go jako rytuał mogący zapobiec klęskom żywiołowym i chorobom. Fabuła spektaklu jest krótka wersja słynny epos „Ramajana” do słów średniowiecznego poety z Orisy, Vishwanatha Khuntiyi. Małe kukiełki wykonane są ze skóry jelenia i przymocowane do bambusowych patyków. Lalki są monochromatyczne, ich kończyny są nieruchome. W przedstawieniu wykorzystano około 700 figurek. Często w produkcjach wydarzenia opisane w eposach przecinają się z naszymi czasami. Spektakl, który trwa 7 dni, pokazywany jest nocą w rytmicznym rytmie muzyka ludowa, recytacja narratora i śpiew dwóch śpiewaków. W ostatnio Rawana chhaja zaczął szybko tracić na popularności. Z tego powodu Centrum Narodowe Sztuka nazwana na cześć Indiry Gandhi poczyniono znaczne wysiłki, aby utrzymać i ożywić ten rodzaj sztuki.

Nowoczesny teatr

W okresie panowania brytyjskiego zaczął kształtować się nowy kierunek w teatrze indyjskim. Scena teatralna stać się bronią w walce z rządami kolonialnymi. Pod tym względem Brytyjczycy przejmują kontrolę nad wszystkim działalność teatralna w kraju. Wszelkie skandaliczne improwizacje obnażające zachłanność polityki kolonialnej są zabronione. Ale w ciągu dwustu lat obecności brytyjskiej nie było małej wymiany kulturalnej. Powstała fuzja kultur Wschodu i Zachodu nowoczesna forma Teatr indyjski. Z biegiem czasu opowieści o bogach, mędrcach i legendarnych bohaterach zeszły na dalszy plan, ustępując miejsca opowieściom o zwykłych ludziach z ich palącymi problemami.
Kalkuta i Madras stały się pierwszymi megamiastami, w których zaczął rozwijać się teatr w stylu zachodnim.
Na początku XX wieku. Teatr indyjski idzie do nowa runda rozwój. W 1922 roku powstała Komunistyczna Partia Indii, która w 1942 roku utworzyła jej skrzydło kulturalne, czyli Indyjskie Stowarzyszenie Teatru Ludowego (IPTA/Indyjskie Stowarzyszenie Teatru Ludowego). Istotny wpływ na rozwój miała działalność organizacji kultura teatralna w kraju. Działalność IPTA cieszy się dużym poparciem głównie ze strony osób preferujących Europę Zachodnią, Model amerykański rozwój społeczeństwa.
Nowy punkt nowoczesny teatr indyjski otrzymał wsparcie w 1953 roku, po otwarciu Akademii Sangeet Natak (indyjska Państwowa Akademia muzyka, taniec i teatr).
Dziś Indie są jednym z niewielu krajów, które mogą pochwalić się znaczną liczbą specjalistów szkoły teatralne z których największe znajdują się w największych miast takich jak Delhi, Kalkuta, Bombaj.

Nawet w okresie wedyjskim. W Indiach przedstawienia teatralne wykonywało niebo. Na początku naszej ery w kraju pojawiły się pierwsze małe sale teatralne. Brakowało im scenografii, rekwizyty teatralne były wyjątkowo ubogie, zastąpiono je innymi konwencjami artystycznymi: pewnym chodem, mimiką, gestem.

Poświęcono wiele uwagi aranżacja muzyczna występy. Jednak w odróżnieniu od współczesnych przedstawień indyjskich, które zdaniem europejskich widzów teatralnych są przesycone śpiewem, w starożytnych indyjskich monologach i dialogach aktorzy recytowali lub śpiewali, ale nie śpiewali. Godną uwagi cechą starożytnego teatru indyjskiego był. Jego zamiłowanie do melodramatu i patosu jest nieodłącznie związane z obecną sztuką teatralną kraju. Tematy tragiczne nie były wpuszczane na scenę, ponieważ w prawdziwym życiu zdarza się wiele tragedii.

Teatr cieszył się ogromną popularnością. Starożytny. W Indiach, zwłaszcza wśród inteligencji, zawód artysty nie należał jednak do prestiżowych, uznawano go za „podły”, sami artyści byli Shudrami

Starożytni Indianie stworzyli serię instrumenty muzyczne, z których najczęstszy był podobny do starożytnej egipskiej liry winnej. Muzycy grali także na flecie, innych instrumentach trzcinowych i perkusyjnych

Opracowany w. Starożytny. Indie mają także sztukę wokalną. Śpiew był najczęściej wariacją na temat prostej melodii, którą sprowadzano dosłownie do jednej frazy muzycznej.

Indyjska sztuka tańca niewiele się zmieniła na przestrzeni wieków.

W tańcach starożytnych główną rolę odgrywały także rytm muzyczny i gestach, a w tańcu brała udział niemal każda część ciała tancerza lub tancerza, drobny ruch małego palca czy brwi opowiadał całą historię wtajemniczonym w tajniki tej sztuki. Sztuka Taniec indyjski bardzo złożone. Opanowanie tego wymagało lat ciężkiej pracy.

Klasyfikacja teatru indyjskiego

W kulturze indyjskiej istnieje podział teatru na kilka typów:

• Ludowe Ten widok sztuki performatywne miał fabułę opartą na mitologii epickiej i indyjskiej. Zawód aktorski w Indiach nie był szanowany. Wynika to z faktu, że artysta przedstawił bogów w zabawnej i obscenicznej formie. Aktorzy byli upokarzani i uważani za niższe klasy społeczne. Ale żeby zdobyć mistrzostwo w tym zawodzie, trzeba było być osobą dość wykształconą;

• Dworzanin. W celach rozrywkowych na dziedzińcach szlacheckich odbywały się przedstawienia.

W indyjskich zespołach teatralnych uczestniczyli zarówno mężczyźni, jak i kobiety. Nieustannie wędrowali od miasta do miasta, dając ludziom występy.

Głównymi elementami przedstawień teatralnych w Indiach był taniec i muzyka. Wszelkie działania uczestników spektaklu podporządkowane były dźwiękom muzyki. Taniec jest podstawą całego indyjskiego teatru. Swoje pochodzenie zawdzięcza tańcom rytualnym, które po rozwoju i udoskonalaniu stały się dokładnie tym, co widzimy dzisiaj.

Szczególnie popularne w Indiach teatr narodowy Kathakali, które powstało w południowej części tego kraju. Kathakali opiera się na rytuale religijnym i muzyka instrumentalna, mimika i gesty są tylko dodatkiem. Ten gatunek sztuki teatralnej ma kilka cech. Po pierwsze zaczyna się zawsze o zachodzie słońca, a po drugie trwa co najmniej sześć godzin.

Indie mają najdłuższą i najbogatszą na świecie tradycję teatralną, sięgającą ok co najmniej 5000 lat temu. Początki teatru indyjskiego są ściśle związane ze starożytnymi rytuałami i sezonowymi festiwalami obowiązującymi w tym kraju. Natyashastra (2000 r. p.n.e. – IV w. n.e.) była najwcześniejszym i najbardziej złożonym traktatem o dramacie i tańcu na świecie. Tradycyjnie Natyashastra twierdzi, że teatr indyjski ma boskie pochodzenie, a jego początki przypisuje się Natyaveda, świętej księdze dramatu stworzonej przez Pana Brahmę.

Natyashastra zebrała i skodyfikowała różne tradycje tańca, pantomimy i dramatu. Natyashastra opisuje dziesięć klasyfikacji dramatu, od jednoaktowego do dziesięcioaktowego. Żadna starożytna książka na świecie nie zawiera tak wyczerpującego studium dramatu jak Natyashastra. Od tysięcy lat kieruje dramatopisarzami, reżyserami i aktorami, gdyż w Bharacie Munim ci trzej byli nierozłączni przy tworzeniu sanskryckiego dramatu Natyaka, którego nazwa wywodzi się od słowa oznaczającego taniec. W tradycyjnym dramacie hinduskim treść sztuki wyrażała się poprzez muzykę i taniec, a także akcję, zatem każde przedstawienie było w zasadzie połączeniem opery, baletu i dramatu.

Według legendy pierwszy taniec odbył się w niebie, gdy bogowie, pokonawszy demony, postanowili uczcić swoje zwycięstwo. Hinduscy teoretycy od czasów starożytnych organizowali dwa rodzaje przedstawień tanecznych: lokadharmi (realistyczny), w którym tancerze na scenie przedstawiali ludzkie zachowania, oraz natyadharmi (konwencjonalny), w którym wykorzystywano stylizowane gesty i symbole (ten rodzaj tańca uznawano za bardziej artystyczny niż realistyczne).

Teatr w Indiach zaczynał się od formy opisowej, dlatego recytacja, śpiew i taniec stały się integralnymi elementami teatru. Nacisk na elementy narracyjne sprawił, że teatr w Indiach zaczął obejmować wszystkie inne formy literatury i sztuk wizualnych w swoich fizycznych przejawach: literaturę, pantomimę, muzykę, taniec, ruch, malarstwo, rzeźbę i architekturę – wszystkie zmieszane razem i zaczęto nazywać „natya” lub „teatr”.

Przedstawieniom teatralnym w Indiach, całemu życiu religijnemu, nabożeństwom w świątyniach, procesjom towarzyszy muzyka. Co więcej: muzyka już dawno wniknęła głęboko w życie codzienne. Ludy indyjskie i zajmuje wysokie miejsce wśród sztuk zdobiących życie. O pochodzeniu muzyki krążą legendy i poświęcono jej liczne badania. Jest praktykowany zarówno przez profesjonalistów, jak i amatorów.

Biorąc pod uwagę ten stan muzyki, jest całkiem zrozumiałe, że powstało wiele różnych instrumentów. Instrumenty te są często pochodzenia lokalnego, ale w wielu przypadkach są przywożone z Frontu lub Azja Środkowa wraz z innymi wartościami kulturowymi. Życie muzyczne Indie znacznie się wzbogaciły podczas rządów muzułmańskich. Wiadomo, że cesarze Mogołów, na przykład Babar, byli wielkimi miłośnikami i znawcami tej sztuki. W przeciwieństwie do Europy, używanie instrumentów muzycznych w Indiach jest ograniczone szeregiem zakazów.

Na przykład Hindusi z wyższe kasty nie może grać na instrumentach zawierających części zabitych zwierząt, np. błony bębenkowe wykonane ze skóry lub struny wykonane z jelit. Szereg instrumentów wykorzystywanych jest wyłącznie podczas czynności religijnych, z których natomiast inne instrumenty są wyłączone. Istnieją specjalne instrumenty dla kobiet, na których mężczyźni nie grają i odwrotnie. Pomimo różnorodności i bogactwa instrumentów muzycznych, uderzające są ich stosunkowo niskie walory brzmieniowe. Jednocześnie inną uwagę przywiązuje się do dekoracji zewnętrznej w postaci rzeźbienia, malowania i wymyślania fantazyjnych kształtów.

To zostało wyjaśnione z różnych powodów: po pierwsze produkcja instrumentów muzycznych jest zajęciem pobocznym tokarzy, stolarzy, kowali, którzy oczywiście nie specjalizują się w walorach dźwiękowych; po drugie, muzyka instrumentalna nie odgrywa w Indiach tej samej niezależnej roli, co tutaj; towarzyszy głównie śpiewom lub ma na celu uzyskanie prymitywnych efektów, jak podczas procesji lub tańców; po trzecie, jak w całej kulturze indyjskiej, całą uwagę zwraca się na umiejętności i umiejętności osoby, która wydobywa wysoce artystyczne rezultaty ze słabo przystosowanego materiału i przy użyciu prymitywnych narzędzi. Indyjski muzyk wydobywa z prostej bambusowej fajki takie muzyczne figury, które dadzą do myślenia dobremu europejskiemu fleciście lub klarneciście. Zazwyczaj instrumenty muzyczne dzieli się na trzy duże grupy w zależności od sposobu wytwarzania dźwięku: instrumenty perkusyjne, dęte i smyczkowe.

Sztuka teatralna Indii Nawiązuje do teatru indyjskiego najstarszych teatrówświat: jego teoria i praktyka rozwinęły się około II wieku. PRZED CHRYSTUSEM mi. Jest nie tylko oryginalny, ale także niósł tę oryginalność przez wieki. Mistrzostwo klasycznego teatru indyjskiego jest tak delikatne, że opanowanie go przez przedstawicieli innych krajów i narodów jest prawie niemożliwe.

W ogólny zarys Teatr indyjski można historycznie i merytorycznie podzielić na klasyczny dramat sanskrycki, teatr ludowy i teatr europejski.

Istnieje opinia, że ​​klasyczny dramat sanskrycki jest w pewnym stopniu powiązany z klasyczną sztuką grecką, która przedostała się do Indii w wyniku kampanii Aleksandra Wielkiego (tło scena teatralna okres powstawania klasycznej poezji sanskryckiej nazwano „yavanika”, czyli „greckim”). Ale nie ma na to bezpośrednich dowodów. Tak czy inaczej, ale w II wieku. PRZED CHRYSTUSEM mi. pojawia się podstawowe dzieło mędrca Bharaty, „Traktat o sztuce teatralnej” („Natyashastra”), w którym badane są takie zagadnienia, jak artystyczne środki wyrazu działań rytualnych i scenicznych, w tym ruchów i śpiewów, akompaniament muzyczny do tańców i pieśni, opis muzyki instrumenty, zasady tworzenia dzieła dramatyczne, teoria wersyfikacji, historia sztuki scenicznej itp. Natyashastra jest napisana w poetyckiej formie kupletów.

Kolejnym specyficznym zjawiskiem dla indyjskiej sztuki teatralnej jest teatr ludowy. Najprawdopodobniej powstał jako swego rodzaju synteza dramatu klasycznego, któremu patronowali władcy, i misteriów ludowych, wspieranych przez zwykłych ludzi. Teatr w stylu europejskim w Indiach ma swoją specyfikę, która odróżnia go od teatrów europejskich w naszym rozumieniu. W Indiach nie ma opery, baletu, stałych teatrów dramatycznych ze stałym zespołem, bogatym repertuarem i wieloletnim istnieniem.

Według ekspertów współczesny dramat indyjski skupiał się na uwydatnieniu następujących zagadnień: głównych problemów egzystencji człowieka w Indiach, upadku moralności i obyczajów, relacji między jednostkami we współczesnym społeczeństwie. W niektórych miejscach następuje połączenie teatru ludowego i współczesnego. Spektakle w językach regionalnych przełamują bariery językowe i stają się wydarzeniem ogólnoindyjskim. Piszą także utalentowani dramatopisarze angielski. Tym samym sztuka Manjuli Padmanabhan „Bitter Harvest” zyskała międzynarodowe uznanie. Pomimo wielu istniejących trudności, współczesny teatr indyjski niewątpliwie żyje i rozwija się.

TEATR KRAJÓW AZJI. Teatry w krajach azjatyckich nie są do siebie podobne. Każdy kraj ma swój własny język, swoją kulturę, swoją własną tradycje narodowe. A jednak jest coś, co łączy sztukę teatralną tych krajów.

Kultura Indii, Chin i Japonii ewoluowała przez tysiące lat, zachowując w kolejnych etapach główne cechy poprzednich. Dlatego sztukę teatralną nazywa się tradycyjną, odsłaniającą w niej do dziś cechy dawnych czasów.

W Indiach, Chinach, Japonii i innych krajach u zarania ludzkości rozwinęło się wiele podobnych pomysłów na temat otaczającego nas świata i człowieka. Wtedy Niebo, Ziemia i Człowiek były postrzegane jako jedna całość, gdzie prawa Kosmosu dyktowały ich warunki, które człowiek starał się zrozumieć i przestrzegać. Zgodnie z tymi prawami powstała sztuka teatralna. Ogarnąć bezmiar, ukazać jedność, kompletność świata, nie jest zadaniem łatwym. Wymagała specjalnego systemu wyraziste środki, który opierał się na zasadzie symbolizacji. Gest sceniczny, akompaniament muzyczny, przestrzeń sceniczna, makijaż i wystrój kostiumu scenicznego miały charakter symboliczny. Jedność wyrażała się także w szczególnej formie teatru – dramacie muzycznym, który łączył mowę, śpiew i taniec. Synteza ta stworzyła środek stylistyczny groteski, podporządkowujący ruch sceniczny, taniec, sposób śpiewu i mowy.

Szczególną rolę odegrał system wierzeń religijnych, zwłaszcza buddyzm, który przybył z Indii najpierw do Chin, a następnie do Japonii, wzbogacając literaturę i poezję chińską i japońską oraz oczywiście dramat o opowieści buddyjskie. Buddyzm wpłynął na styl gestu symbolicznego, poszerzając jego paletę semantyczną.

Pochodzenie sztuki teatralnej w Indiach, Chinach i Japonii jest ściśle związane z rytuałem religijnym, który wpłynął na ukształtowanie się kanonu teatralnego. Ustalił rygorystyczne zasady sztuki scenicznej i warsztatu aktorskiego, wymagające od wykonawcy opanowania wszystkich rodzajów technik aktorskich.

Teatr indyjski

Wczesnym dowodem pojawienia się sztuki teatralnej była brązowa figurka tańczącej dziewczyny, znaleziona podczas wykopalisk w mieście Mohendżo-Daro w III tysiącleciu p.n.e. Dokładnie taniec rytualny i stał się rdzeniem, wokół którego powstał indyjski teatr klasyczny. Wzorem dla tancerza był wizerunek tańczącego Śiwy, w którego tańcu manifestowała się twórcza i niszczycielska energia Wszechświata.

W Starożytne Indie przedstawienia teatralne- część święta poświęcona bogom, na przykład bogu piorunów Indrze. Na jego cześć wzniesiono „sztandar”, który symbolizował drzewo przyniesione z lasu. Po ceremonii utopiono go w rzece, aby dać siłę ziemi i wodzie. W festiwalu uczestniczyli muzycy, magicy, zapaśnicy, linoskoczki i zabawiacze, których nazywano „ nata" Później taką nazwę nadano zawodowym aktorom, do których można znaleźć odniesienia Literatura indyjska już z drugiej połowy I tysiąclecia p.n.e.

Długo wcześniej nowa era W Indiach rozwinął się teatr ludowy, który cieszy się popularnością do dziś. Jedną z najpowszechniejszych form takiego teatru w północnych Indiach jest dramat muzyczno-taneczny ( Leela– przetłumaczone z sanskrytu jako „gra”). Według Hindusów wszelkie działania Boga są grą. W rdzeniu lil napisano dwa indyjskie eposy Mahabharata I Ramajana, składający się ze zbiorów mitów o czynach potężnych bogów, ich walce ze złymi demonami. Obok Boga Rama jest zawsze jego asystentem – małpim królem Hanumanem. Tkanina etniczna Mahabharata opowiada o walce dwóch walczących ze sobą klanów – Pandawów i Kaurawów. Walka trwa do momentu, gdy bóg Kryszna interweniuje po stronie urażonych, kończąc wrogość zwycięstwem sprawiedliwości. Artyści występują w kolorowych strojach i maskach. Akcja toczy się bez scenerii. Ramalila i Krishnalila są popularne w Indiach nawet w czasach nowożytnych.

Na południu kraju rozwinęła się inna forma teatru misteryjnego, związana ze sztuką gawędziarzy świątynnych - Czakiary. Recytowali wersety w sanskrycie, a następnie wyjaśniali ich tekst w miejscowym języku. Narrator posługiwał się mimiką i gestami. Później zastąpił go aktor, który recytacji towarzyszył taniec. Występ został wywołany kutiyattam(w sanskrycie „taniec zbiorowy”).

W połowie I tysiąclecia p.n.e. powstał klasyczny teatr indyjski. Jego rozkwit przypada na okres od I do IX wieku, kiedy to powstały słynne dzieła dramatu sanskryckiego. Najbardziej znani dramatopisarze to Bhasa, Kalidasa, Shudraka. Daty ich życia są przybliżone; informacje badaczy czasami różnią się od wieków. Spośród trzynastu dzieł Bhasy (II lub III wiek) brane są pod uwagę najlepsze Vasavadata pojawił się we śnie- sztuka o miłości króla do jego żony Vasavadata.

Autorstwo sławnych Wózek z gliną(prawdopodobnie IV wiek) przypisywany królowi Shudrace. Spektakl wystawiany był na scenach wielu teatrów całego świata już w XX wieku. Spektakl opowiada historię miłości aktorki-kurtyzany do bramina Charudatty, mężczyzny należącego do najwyższej kasty i także żonatego. Ta fabuła wykraczała poza tradycyjną. Po wielu próbach kochankowie ponownie się zjednoczyli.

Szczyt dramaturgii starożytnych Indii - dramat Szakuntala Kalidasa (w niektórych źródłach Sakuntala). Z tego pochodzi fabuła sztuki o lojalności i miłości Shakuntali do króla Dushyanty Mahabharata, ale został rozszerzony przez Kalidasę, aby fabuła była bardziej dramatyczna. Spektakl utrwalił się nie tylko we współczesnych teatrach Indii, ale podróżował po scenach teatrów całego świata: wystawiano go w Berlinie; w 1914 w teatrze kameralnym A. Tairowa; w 1957 r. – w Pekinie.

Szczególną formą teatru indyjskiego jest taniec klasyczny, który obejmuje mowę, a czasem także śpiew. To poprzez taniec Bóg Śiwa stworzył świat. W jednej ze świątyń znajduje się słynny wizerunek tańczącego Śiwy. Kolumny przedstawiają 108 jego pozycji tanecznych, o których mowa w traktacie teatralnym Natyashastra.

Jeden z najstarszych stylów - Bharat Natya dotarł do nas, dzięki dewasi – tancerze świątynni, którzy poświęcili swoje życie bóstwu. Z biegiem czasu taniec stał się sposobem rozrywki feudalnej arystokracji, a nazwa „devasi” stała się synonimem kurtyzany. Taniec był kombinacją nritya(historia tańca) i snritta(taniec w najczystszej postaci). Następnie odbyła się przerwa ( paddam), w którym tancerka gestami przekazuje treść utworu wykonywanego w sanskrycie. Polifonia semantyczna interludium zrodziła się z powtarzania przez śpiewaka tej samej linijki, której poddawał różne interpretacje, oraz z różnych interpretacji tego samego tekstu przez tancerza.

BHARAT NATYA - taniec klasyczny południowych Indii

ODISSI – taniec klasyczny wschodnich Indii

W XV wieku W północnych Indiach pojawia się klasyczny styl tańca Kathak. W tym czasie wyłoniło się państwo, w którym zasymilowali się muzułmańscy zdobywcy, dając impuls fuzji sztuki muzułmańskiej i hinduskiej katak był wynikiem połączenia dwóch kultur. Taniec wykonywany był w strojach perskich, ale był kontynuacją legend o miłości Wadhy i Kryszny. Inaczej Bharat Natyam, gdzie ruchy nóg są zsynchronizowane z ruchami rąk i oczu, katak zbudowany na improwizacji. Charakteryzuje się umiejętnymi ruchami stóp, różnorodnością i złożonością rytmów. Aby sprawdzić umiejętności tancerza, perkusista od czasu do czasu maskuje główny rytm. Z kolei tancerka stara się zmienić swój rytm, próbując zrzucić rytm perkusisty. Zabawa rytmów kończy się ogólną zgodą tańca i rytmicznego akompaniamentu, czemu zawsze towarzyszy zachwyt publiczności.

MANIPURI - taniec klasyczny północno-wschodnich Indii

W XVII wieku Teatr narodził się w południowych Indiach Kathakali. Pantomimiczny dramat taneczny o bogach i demonach, ich miłości i nienawiści. Przedstawienie odbywa się na dziedzińcu świątyni lub na świeżym powietrzu. Jego widzami są chłopi z okolicznych wiosek, którzy na dźwięk bębna porzucają swoje nocne zmartwienia i sprawy. Spektakl teatralny rozgrywa się na czarnym tle nocy. Postacie w jasnym makijażu – zielonym, czerwonym i czarnym – wyłaniają się z ciemności i znikają w ciemności. Makijaż i jego rysunek mają znaczenie symboliczne, dobrze znane widzowi.

KLASYCZNY TANIEC POŁUDNIOWYCH INDYJÓW

Pismo kathakali dzielą się na siedem typów: pakcha– szlachetni bohaterowie; koci – arogancki i arogancki; rudobrodzy- złoczyńcy i ambitni ludzie; białobrody, najczęściej są to doradcy małpiego króla Hanumana - wizerunek szlachetny i bohaterski; czarnobrody– leśnicy i myśliwi; kari – złe olbrzymki i żeńskie demony; minukku – mędrcy, pustelnicy, bramini i kobiety.

CHARAKTER KATHAKALI – Małpi Król Hanuman

Mistrzostwo kathakali uczył się od dzieciństwa pod okiem guru. Aktor uczy się rozumieć wewnętrzną istotę tego, co przedstawia, czy to osoby, kwiatu czy ptaka.

Jeśli chodzi o teorię teatru, pierwszy sanskrycki traktat na temat teatru był dziełem starożytnego mędrca Bharaty Natyashastra (Traktat o sztuce aktora). Naukowcy datują pojawienie się traktatu na III–IV wiek. Do tej pory zasady ustalone w tej książce pozostają prawem dla indyjskich aktorów wszystkich pokoleń.

Według traktatu istnieją cztery główne środki wyrazu: Angika,mudra,Wachika,aharja.Angika – język konwencjonalnych gestów dłoni, palców, ust, szyi i stóp. Zaleca się trzynaście ruchów głową, siedem ruchów brwiami, trzydzieści sześć ruchów oczami; sześć za nos, sześć za policzki, siedem za brodę, trzydzieści dwa za nogi. Zapewnione są różne pozycje nóg i różne chody - dostojny chód, mielenie lub tkanie itp. Mudra - gest, który ma znaczenie symboliczne. Istnieją dwadzieścia cztery podstawowe gesty, z których każdy ma ponad trzydzieści różnych znaczeń. . Wachika– dykcja, intonacja i tempo mówienia, które tworzą określony nastrój. Aharya – kanonizowany kolor oraz szczegóły kostiumu i makijażu. Dla bogów i niebiańskich dziewic - makijaż pomarańczowy, dla słońca i Brahmy - złoty, dla Himalajów i Gangesu - biały. Demony i krasnoludy noszą rogi - jelenie, baranie lub bawoły. Makijaż ludzi zależy od ich statusu społecznego i kasty. Przedstawiciele najwyższych kast – bramini i ksatrijowie – mają makijaż czerwony, śudrowie – ciemnoniebieski, królowie – bladoróżowy, pustelnicy – ​​fioletowy.

MUDRA – gest o znaczeniu symbolicznym

Element teatralny sattvika- to stany psychiczne przekazywane przez aktora (bhava), i nastrój publiczności po tym, co zobaczyli na scenie ( wyścig). Aktor musi przyzwyczaić się do uczuć swojej postaci i umieć przekazać najsubtelniejsze przeżycia, do czego musi opanować technikę aktorską. Umiejętność uronienia łzy, pokazania jak skóra twarzy napina się z zimna, jak dreszcz przebiega całe ciało ze strachu, czyli tzw. mistrzowska technika aktorska potrafi wywołać u widza określony nastrój. Cała koncepcja estetyczna indyjskich sztuk performatywnych opiera się na nauczaniu bhava I wyścig. Dosłownie słowo „rasa” oznacza smak lub smak, tj. nastrój, który pozostaje w widzach po występie. Wyścig Jest dziewięć rodzajów: erotyczne, komiczne, smutne, wściekłe, bohaterskie, przerażające, obrzydliwe, niesamowite, kojące. Każdy wyścig oznaczony konkretnym kolorem: w kolejności - przezroczysty zielonkawy, biały, popielaty, czerwony, jasnopomarańczowy, czarny, niebieski, żółty. Dziewięć wyścig dopasuj dziewięć bhava, które z kolei mogą być stabilne lub przejściowe.

Natyashastra napisany w trudnej do odczytania, archaicznej formie i na przestrzeni wieków opatrzony wieloma komentarzami.

W drugiej połowie XIX w. W Indiach rodzi się nowa dramaturgia i nowy teatr dramatyczny. Pierwsze próby stworzenia nowej dramaturgii podejmowali bengalscy dramatopisarze Dinobondhu Mitro, Modhushudon Dotto, Ramcharainou Tarkorotnu. Ich prace wyróżniała głębia społeczna i antybrytyjska orientacja. W tym samym czasie grupy teatralne pojawiały się w innych województwach kraju. Powstanie dramatu hindi wiąże się z nazwiskiem Bharatendu Harishchandry, którego twórczość łączył tradycje dramatu narodowego i zachodnioeuropejskiego.

Idee walki narodowowyzwoleńczej i żądanie niepodległości znajdują odzwierciedlenie w pracach S. Govindasa ( Droga służby, Po co cierpieć? itp.). W latach czterdziestych XX wieku życie teatralne krajach stała się znacznie bardziej aktywna. Powstało Stowarzyszenie Teatrów Ludowych Indii, którego działalność wywarła znaczący wpływ na rozwój kultury teatralnej w kraju. Po odzyskaniu niepodległości w 1947 roku w Indiach stworzono warunki do rozwoju zarówno tradycyjnych form sztuki teatralnej, jak i teatru dramatycznego. Powołano Indyjską Akademię Muzyki i Dramatu, która prowadzi prace naukowe w dziedzinie sztuki teatralnej. Najlepsze dzieła światowego dramatu wystawiane są w teatrach indyjskich, m.in. u Szekspira, Ibsena, Moliera, Turgieniewa, Gorkiego i Czechowa.