sztuka dekoracyjna, rodzaj sztuki plastycznej, której dzieła wraz z architekturą tworzą formę artystyczną otaczająca osobęśrodowisko materialne i wprowadzić do niego początek estetyczny, ideologiczny i figuratywny.

Zawiera różne sztuki, służące do ozdabiania dzieł architektury i sztuki krajobrazu (sztuka monumentalna i zdobnicza), tworzenia obiektów artystycznych do użytku publicznego i prywatnego (sztuka dekoracyjna i użytkowa), artystycznego projektowania festiwali, spektakli, ekspozycji itp. (sztuka dekoracyjna).

Sztuka i rzemiosło

(z łac. Decoro - dekoruję) - dział okładek artystycznych tworzenie wyrobów artystycznych, mający cel użytkowy i artystyczny. Termin zbiorczy, który tradycyjnie łączy dwa szerokie rodzaje sztuki: dekoracyjną i użytkową. W przeciwieństwie do dzieł sztuki, przeznaczonych dla przyjemności estetycznej i należących do czystej sztuki, liczne przejawy sztuka i rzemiosło mogą mieć praktyczne zastosowanie w życiu codziennym.

Dzieła sztuki dekoracyjnej i użytkowej stanowią część obiektywnego środowiska otaczającego człowieka i wzbogacają je estetycznie.

Dzieła sztuki dekoracyjnej i użytkowej spełniać kilka wymagań: mieć walory estetyczne; zaprojektowany z myślą o efekcie artystycznym; służyć do. Do takich wyrobów należą: odzież, tkaniny odzieżowe i dekoracyjne, dywany, meble, szkło artystyczne, porcelana, ceramika, biżuteria i inne wyroby artystyczne. W literatura naukowa Od drugiej połowy XIX wieku ustalono klasyfikację gałęzi sztuki zdobniczej i użytkowej ze względu na materiał (metal, ceramika, tekstylia, drewno), ze względu na technikę obróbki materiału (rzeźba, malowanie, drukowanie, odlewanie) , tłoczenie, intarsja itp.) oraz według cech użytkowych przedmiotu (meble, naczynia, zabawki). Klasyfikacja ta wynika z ważnej roli zasad projektowania i technologii w sztuka i rzemiosło i jego bezpośredni związek z produkcją.

Sztuka dekoracyjna i użytkowa, która pojawiła się w czasach starożytnych, stała się jedną z najważniejszych dziedzin sztuka ludowa. Jego historia związana jest z rzemiosłem artystycznym, przemysłem artystycznym, działalnością artystów zawodowych i rzemieślników ludowych, a od początku XX wieku z budownictwem artystycznym i wzornictwem.

Historia rozwoju sztuki zdobniczej

Sztuka i rzemiosło istniała już na wczesnym etapie rozwoju społeczeństwa ludzkiego i przez wiele stuleci była najważniejszym, a dla wielu plemion i narodowości głównym obszarem twórczości artystycznej. Najstarsze dzieła sztuka i rzemiosło charakteryzuje się wyjątkową treścią obrazów, dbałością o estetykę materiału, racjonalną konstrukcją. W tradycyjnej sztuce ludowej tendencja ta przetrwała do dziś.

Człowiek od dawna starał się ozdobić swój dom i wszystko, co spotykał w życiu codziennym. Tworząc jakąkolwiek rzecz, rzemieślnik ludowy myślał nie tylko o jej praktycznym przeznaczeniu, ale także o jej pięknie. Z najprostszych materiałów – drewna, metalu, kamienia, gliny – stworzył prawdziwe dzieła sztuki, które przekazały poetyckie rozumienie otaczającego go świata przez mistrza.

W sztuka ludowa zawsze znajdowało swoje odbicie rodzima przyroda. Zioła i kwiaty znane każdemu z dzieciństwa, obrazy ptaków i zwierząt, nieba i słońca, ziemi i wody, przetworzone wyobraźnią artysty, zostały w produkcie przekształcone w jasną, wyrazistą dekorację.

Z biegiem czasu wszystko wyższa wartość nabywa zainteresowanie bogactwem materialnym i. Wyróżniono produkty służące reprezentacji (przedmioty rytuałów religijnych czy ceremonii dworskich, ozdoby domów szlacheckich), w których dla zwiększenia ich emocjonalnego wydźwięku często poświęcana jest codzienna celowość konstruowania formy.

Nowoczesne wyroby sztuki dekoracyjnej i użytkowej tworzone są z uwzględnieniem zarówno tradycji ludowych, jak i współczesnych trendów mody. Do tej pory najpopularniejszymi przedmiotami tej sztuki, spowitymi mgłą starożytnych tradycji, są wyroby wykonane ze stali i brązu, ręcznie robione dywany i zdobione tradycyjnymi wzorami – w krajach wschodnich; ceramika, przedmioty wykonane z muszli morskich – na południu; maski rytualne – w Afryce; wyroby z bursztynu - w regionie bałtyckim; porcelana, emalia cloisonne, tkaniny malowane w kwiaty, owoce, fantastyczne zwierzęta - w Chinach i Japonii, Korei.

Stylizacja w sztuce i rzemiośle

Sztuka dekoracyjna i użytkowa ma swój własny język i własne prawa. Wyrażając ideę piękna za pomocą jej specyficznych środków, nigdy nie stara się ślepo kopiować otaczającego go świata, ale przekazuje tylko to, co najbardziej charakterystyczne i wyraziste. Artysta twórczo przerabia formy występujące w naturze, uwzględniając konkretny materiał, jego walory dekoracyjne i cechy obróbki technologicznej.

Język sztuki zdobniczej i użytkowej wyróżnia stylizacja lub wręcz niezwykła precyzja form; identyfikowanie i zabawa fakturą i właściwościami plastycznymi materiału; wykorzystanie zdobnictwa, obejmującego zarówno motywy tradycyjnych obrazów, jak i formy awangardowe. Struktura kompozycyjna wystrój obiektów sztuki dekoracyjnej i użytkowej zawsze opiera się na harmonii części i całości.

Znany od czasów starożytnych. Jako metoda twórczości artystycznej osiągnęła wysoki poziom w ozdobach asyryjsko-babilońskich, perskich, starożytnego Egiptu i starożytnej Grecji, w których często używano obiektów flory i fauny, zarówno rzeczywistych, jak i fikcyjnych, wraz z geometrycznymi liniami i wzorami , stylizowane z dużym kunsztem i smakiem, a nawet postacie ludzi. Obecnie szeroko stosowane są kompozycje zdobnicze z elementami stylizacji malowidła ścienne, mozaiki, biżuteria i wyroby formowane, rzeźbione, rzeźbione i kute, w hafcie, w kolorach tkanin.

Kreatywna stylizacja w plastyce to konieczność indywidualny charakter, implikuje autorską wizję i artystyczne przetwarzanie zjawisk i obiektów otaczającej rzeczywistości, a co za tym idzie, ich eksponowanie elementami nowości.

Obok stylizacji twórczej istnieje stylizacja naśladowcza, która zakłada obecność gotowego wzoru do naśladowania i polega na naśladowaniu stylu danej epoki, znanych ruchów artystycznych, stylów i technik twórczości konkretnego ludu oraz styl znanych mistrzów. Jednak pomimo istniejącego modelu stylizacja odtworzeniowa nie powinna mieć charakteru bezpośredniego kopiowania. Naśladując określony styl, twórca stylizowanego dzieła musi dążyć do wprowadzenia do niego własnej indywidualności, na przykład wybraną fabułą, nową wizją kolorystyczną, czy ogólnym rozwiązaniem kompozycyjnym. To właśnie stopień tej artystycznej nowości z reguły w dużej mierze będzie decydował o wartości stylizowanego dzieła.

Przy tworzeniu wyrobów sztuki dekoracyjnej i użytkowej najbardziej owocną metodą jest kreatywna stylizacja. Lepszą nazwą dla tej ważnej metody artystycznej może nie być stylizacja, ale interpretacja, która trafniej oddaje istotę i specyfikę tego procesu twórczego: artysta patrzy na przedmiot z otaczające życie interpretuje je i przekazuje emocjonalnie tak, jak je czuje i odczuwa. Inaczej mówiąc, zdaje się odtwarzać ten naturalny przedmiot, tyle że w formie artystycznego symbolu. W tej interpretacji najlepiej kierować się twórczą zasadą triady: „Poznawać, oceniać i doskonalić”.

Kompozycja dekoracyjna to kompozycja o wysokim stopniu wyrazistości, zawierająca elementy zmodyfikowane, stylizowane lub abstrakcyjne, które nadając jej dekoracyjny wygląd, wzmacniają jej percepcję zmysłową. Zatem głównym celem kompozycji dekoracyjnej jest osiągnięcie maksymalnej wyrazistości i emocjonalności przy częściowym lub całkowitym (w kompozycjach nieobiektywnych) odrzuceniu autentyczności, która staje się niepotrzebna, a nawet niepokojąca.

Głównymi cechami wspólnymi, jakie powstają w procesie stylizacji przedmiotów i elementów kompozycji dekoracyjnej, są prostota form, ich ogólność i symbolika, ekscentryczność, geometryczność, barwność i zmysłowość.

Stylizację dekoracyjną cechuje ogólność i symbolika przedstawianych obiektów i form. Ta metoda artystyczna zakłada świadome odrzucenie całkowitej autentyczności obrazu i jego szczegółowych szczegółów. Metoda stylizacji polega na oddzieleniu od obrazu wszystkiego, co zbędne, wtórne, zakłócające wyraźną percepcję wzrokową, aby wydobyć istotę przedstawianych obiektów, wydobyć to, co w nich najważniejsze, zwrócić uwagę widza na ukryte wcześniej piękno i przywołać w nim odpowiadające im żywe emocje.

Wraz z rozwojem architektury wnętrz pojawiła się potrzeba tworzenia dzieł sztuki dekoracyjnej i użytkowej, które bez stylizacji nie spełniałyby współczesnych wymagań estetycznych.

Dekoracyjne i stosowane odmiany sztuki i rzemiosła

Konieczne jest rozróżnienie dekoracyjnych i użytkowych odmian sztuki dekoracyjnej i użytkowej. Jeśli zatem przedmioty sztuki użytkowej (meble, naczynia, naczynia, biżuteria) okażą się wyraziste artystycznie, to przede wszystkim dzięki estetycznej doskonałości formy (piękno sylwetki, proporcje, elegancja linii, mistrzowskie wykonanie materiału itp.) , to prace dekoracyjne (malowanie ścian i przedmiotów gospodarstwa domowego, dekoracyjne płaskorzeźby rzeźbiarskie, drobne figurki, gobeliny, hafty, dywany, dekoracje rzeźbione itp.) są nieodłącznie związane z kompozycjami malarskimi, przedmiotowymi lub dekoracjami zdobniczymi.

Aby produkty nie były pozbawione wartości estetycznych, zapraszany jest artysta, którego funkcje nie obejmują wytwarzania produktu jako całości, a jedynie jego dekorację: artysta zaczął „nakładać” swoją sztukę na gotowy produkt. Tak więc wraz z rozwojem produkcji przemysłowej powstaje przemysł artystyczny, w którym znajduje swoje miejsce metoda sztuki użytkowej - produkty wykończeniowe za pomocą malowania, rzeźbienia, inkrustacji itp. Ale piękno przedmiotu nie polega tylko na wykończeniu, chociaż to także wymaga wielkich umiejętności. Obiekt musi być wyrazisty w całości – w swoim projekcie, proporcjach i szczegółach.

W sztuce użytkowej forma produktu, jego projekt architektoniczny niesie w sobie zarówno utylitarną istotę przedmiotu, jak i jego estetyczną wyrazistość. Jednocześnie formy wyrobów sztuki użytkowej są historycznie zmienne: w różnych epokach charakteryzują się one różnymi motywami - luksusem, manieryzmem lub odwrotnie, prostotą i naturalnością. Współczesna rzeczywistość wyraża tendencję do prostoty, zwięzłości, odmowy nadmiernego detalu, w stronę małych rozmiarów i oszczędności. Artystycznie zaprojektowane rzeczy nie tylko ozdabiają życie codzienne, ale także odgrywają ogromną rolę w kształtowaniu gustu artystycznego.

Wiele wspaniałych przykładów sztuki zdobniczej i użytkowej można zobaczyć w muzeach artystycznych, historycznych, etnograficznych i historii lokalnej, a także w książkach, albumach i na łamach czasopism. Każda wystawa sztuki ludowej jest zawsze odkryciem świata piękna i doskonałości. Wyroby dawnych mistrzów i współczesnych artystów niezmiennie budzą podziw zwiedzających, a niektórzy pragną naśladować przykład rzemieślników ludowych.

Aby przedmiot stał się dziełem sztuki, musi zostać nie tylko poddany obróbce „zgodnie z prawami piękna”, ale także nieść określoną treść ideologiczną i emocjonalną. W tym celu należy odpowiednio wykorzystać materiał, uwzględnić najwłaściwszą formę przedmiotu (jego proporcje, powtórzenia rytmiczne, strukturę tektoniczną), szczególnego znaczenia nabiera stosunek skal pomiędzy poszczególnymi częściami obiektu i osobą, i zastosowano specjalną metodę obróbki powierzchni przedmiotu - dekor. Dlatego tworzenie rzeczy pięknych jest znaczącym przejawem obiektywnej działalności, niosącej głęboką ekspresję estetyczną. Wrażenie wywierane przez sztukę użytkową może często być tak silne, jak obraz lub rzeźba.

W przeciwieństwie do produktów bez twarzy produkcja masowa, rzeczy ręcznie robione są zawsze wyjątkowe. Mistrzowsko wykonane sprzęty gospodarstwa domowego, meble i elementy wyposażenia wnętrz są drogie. A jeśli w dawnych czasach takie rzeczy były przedmiotami użytkowymi, to w naszych czasach przeszły do ​​kategorii sztuki. Piękna rzecz wykonana przez wprawnego rzemieślnika zawsze będzie cenna.

Napływ sił artystycznych do sztuki użytkowej

Techniki rzemieślnicze

W Europie Zachodniej pozycja artysty zaczęła się zmieniać w XVI wieku. Upadek gospodarki miejskiej, który objął niemal całe terytorium Europa Zachodnia, pociągnęło za sobą kryzys życia artystycznego. We Włoszech warsztaty artystyczne tracą swoje dawne znaczenie. Rzeczywiście, jaka mogłaby być prawdziwa władza cechu, gdyby istnieli tak niezależni ludzie jak Michał Anioł czy Tycjan? W niektórych miastach cechy są podporządkowane władzy państwowej, w innych są całkowicie likwidowane, a artyści pozostają bez zwykłego wsparcia klasowego, pozostawieni samym sobie. Część z nich staje się elementem zdeklasowanym, swego rodzaju poprzednikami bohemy. Niektórzy szukają schronienia na dworach i zostają sługami szlachty. Dążenie do zdobycia stopni dworskich i tytułu szlacheckiego jest powszechne.

Konsekwencją trudnej sytuacji sztuk pięknych, powstałej w związku z rozprzestrzenianiem się reformacji, był napływ sił artystycznych do sztuki użytkowej: często kwitł jubilerstwo, srebro i stolarstwo, produkcja naczyń ceramicznych i cyny itp (luksusowo zaprojektowane zegarki, przyrządy nawigacyjne, broń i zbroje). Cechą charakterystyczną XVI wieku w krajach Europy Północnej było podporządkowanie mistrzów sztuk pięknych rzemieślnikom użytkowym: rysownicy i rytownicy wykonywali specjalne projekty zdobnicze, rzeźbiarze wykonywali modele do dekoracji mebli, sprzętów i naczyń. Powszechne stają się techniki rzemieślnicze: replikowanie próbek rzeźbiarskich, stosowanie technik trawienia w grawerowaniu w celu przyspieszenia obróbki płyt miedzianych itp.

Sztuka dekoracyjna i użytkowa, dział sztuki; obejmuje szereg branż kreatywnych, które zajmują się tworzeniem produktów artystycznych przeznaczonych przede wszystkim do użytku codziennego. Jego dziełami mogą być: rozmaite naczynia, meble, tkaniny, narzędzia, pojazdy, a także odzież i wszelkiego rodzaju biżuteria. Wraz z podziałem dzieł sztuki dekoracyjnej i użytkowej według ich praktycznego przeznaczenia w literaturze naukowej 2. połowy XIX wieku. ustalono klasyfikację gałęzi przemysłu według materiału (metal, ceramika, tekstylia, drewno) lub techniki (rzeźba, malarstwo, haft, materiały drukowane, odlewanie, tłoczenie, intarsja itp.). Klasyfikacja ta wynika z ważnej roli zasady konstrukcyjnej i technologicznej w sztuce dekoracyjnej i użytkowej oraz jej bezpośredniego związku z produkcją. Rozwiązywanie łącznie, podobnie jak architektura, problemów praktycznych i artystycznych, sztuki dekoracyjnej i użytkowej należy jednocześnie do sfer tworzenia wartości zarówno materialnych, jak i duchowych. Dzieła tego typu sztuki są nierozerwalnie związane z kulturą materialną ich współczesnej epoki i są ściśle związane z odpowiadającym jej życiem codziennym, z takimi czy innymi lokalnymi cechami etnicznymi i narodowymi oraz różnicami grup społecznych. Stanowiąc organiczną część obiektywnego środowiska, z którym człowiek styka się na co dzień, dzieła sztuki dekoracyjnej i użytkowej wraz ze swoimi walorami estetycznymi, strukturą figuratywną i charakterem wywierają ciągły wpływ stan umysłu człowiek, jego nastrój, są ważnym źródłem emocji, które wpływają na jego stosunek do otaczającego go świata.

Estetycznie nasycając otoczenie człowieka, dzieła tego gatunku zdają się być nim jednocześnie wchłonięte, gdyż są zwykle postrzegane w powiązaniu z jego projektem architektoniczno-przestrzennym, z innymi elementami wchodzącymi w jego skład lub ich zespołami (serwis, komplet mebli, garnitur, komplet biżuterii). Dlatego też treść ideową dzieł sztuki zdobniczej i użytkowej można najpełniej zrozumieć jedynie dzięki jasnemu wyobrażeniu (rzeczywistemu lub odtworzonemu mentalnie) o owych relacjach przedmiotu z otoczeniem i z człowiekiem.

Architektonika obiektu, zdeterminowana jego przeznaczeniem, możliwościami konstrukcyjnymi i właściwościami plastycznymi materiału, często odgrywa zasadniczą rolę w kompozycji dzieła artystycznego. Często w sztuce dekoracyjnej i użytkowej piękno materiału, proporcjonalne relacje części i struktura rytmiczna służą jako jedyne środki ucieleśnienia treści emocjonalnej i figuratywnej produktu (na przykład produkty szklane pozbawione dekoracji lub innych materiały niebarwione). Wyraźnie widać tu szczególne znaczenie dla sztuki dekoracyjnej i użytkowej czysto emocjonalnych, niefiguratywnych środków języka artystycznego, których użycie upodabnia ją do architektury. Emocjonalny i wymowny obraz często aktywuje obraz skojarzeniowy (porównanie kształtu produktu z kroplą, kwiatem, postacią ludzką, zwierzęciem, jego poszczególnymi elementami, z jakimś innym produktem – dzwonkiem, tralką itp.). ). Dekor pojawiający się na produkcie znacząco wpływa także na jego strukturę figuratywną. Często to właśnie dzięki swojemu wystrojowi przedmiot gospodarstwa domowego staje się dziełem sztuki. Posiadający własną ekspresję emocjonalną, własny rytm i proporcje (często kontrastujące w stosunku do formy, jak na przykład w wyrobach mistrzów Khokhloma, gdzie skromny, prosty kształt misy i eleganckie, odświętne malowanie powierzchni różnią się emocjonalnym wydźwiękiem), wystrój wizualnie modyfikuje kształt, a jednocześnie łączy się z nim w jeden artystyczny obraz.

Do tworzenia dekoracji powszechnie stosuje się ozdoby i elementy (osobno lub w różnych kombinacjach) sztuk pięknych (rzeźba, malarstwo i rzadziej grafika). Środki sztuk plastycznych i zdobniczych służą nie tylko do tworzenia dekoracji, ale czasami wnikają w kształt przedmiotu (elementy mebli w postaci palmet, wolut, łap zwierząt, głów; naczynia w postaci kwiatu, owocu, figury ptak, zwierzę, człowiek). Czasami podstawą projektu produktu staje się ozdoba lub obraz (wzór kratki, koronki, wzór tkaniny, dywan). Konieczność harmonizacji wystroju z formą, obrazu ze skalą i charakterem produktu, z jego praktycznym i artystycznym przeznaczeniem, prowadzi do transformacji motywów wizualnych, do umowności interpretacji i porównywania elementów natury (np. połączenie motywów łapy lwa, skrzydeł orła i głowy łabędzia w projekcie nogi stołu).

Syntetyczny charakter sztuki dekoracyjnej i użytkowej przejawia się w jedności funkcji artystycznych i użytkowych produktu, we przenikaniu się formy i wystroju, zasad delikatnych i tektonicznych. Jego prace są zaprojektowane tak, aby można je było odbierać zarówno wzrokiem, jak i dotykiem. Dlatego ujawnienie piękna faktury i właściwości plastycznych materiału, umiejętność i różnorodność technik jego obróbki nabierają znaczenia szczególnie aktywnych środków oddziaływania estetycznego w sztuce dekoracyjnej i użytkowej.

Malarstwo

Malarstwo, rodzaj sztuki plastycznej, dzieła sztuki powstające przy użyciu farb nakładanych na dowolną twardą powierzchnię. Malarstwo, podobnie jak inne formy sztuki, spełnia zadania ideowe i poznawcze, a także jest sferą tworzenia tematyki. walory estetyczne, będąc jedną z wysoko rozwiniętych form pracy ludzkiej.

Malarstwo odzwierciedla i ocenia treść duchową epoki i jej rozwój społeczny w świetle określonych koncepcji. Silnie oddziałując na uczucia i myśli widzów, zmuszając ich do doświadczenia rzeczywistości przedstawionej przez artystę, jest skutecznym środkiem edukacja publiczna. Wiele dzieł malarstwa ma wartość dokumentacyjną i informacyjną.

Ocena życia artysty wyrażona w jego twórczości, dzięki klarowności obrazu, nabiera dla widza szczególnej przekonywującej siły. Tworząc obrazy artystyczne, malarstwo wykorzystuje kolor i wzór, ekspresję pociągnięć, co zapewnia elastyczność jego języka, pozwalając mu odtworzyć na płaszczyźnie barwne bogactwo świata, objętość przedmiotów, ich jakościową oryginalność i materialną cielesność, głębia przedstawianej przestrzeni, z kompletnością niedostępną dla innych rodzajów sztuk pięknych, środowiskiem świetlno-powietrznym. Malarstwo nie tylko bezpośrednio i wyraźnie ucieleśnia wszystkie widzialne zjawiska świata rzeczywistego (w tym przyrodę w jej różnych stanach), ukazuje szerokie obrazy życia ludzi, ale także stara się odsłonić i zinterpretować istotę procesów zachodzących w życiu i świecie wewnętrznym człowieka.

Szerokość i kompletność zasięgu dostępnego dla tego rodzaju sztuki rzeczywistość znajdują także odzwierciedlenie w bogactwie związanych z nią gatunków (historycznych, codziennych, bitewnych, zwierzęcych itp.).

Celowo, ze względu na charakter wykonania i obrazów, wyróżniają: malarstwo monumentalne i dekoracyjne (malowidła ścienne, abażury, panele), uczestniczące w organizacji przestrzeni architektonicznej, tworzące bogate ideologicznie środowisko dla ludzi; sztalugi (obrazy) o charakterze bardziej intymnym, zwykle nie kojarzącym się z konkretnym miejscem; scenografia (szkice scenografii i kostiumów teatralnych i filmowych); malowanie ikon; miniatura (ilustracje rękopisów, portretów itp.).

W zależności od charakteru substancji wiążących pigment (barwników) oraz od technologicznych sposobów utrwalania pigmentu na powierzchni różnią się one malarstwo olejne, malowanie farbami wodnymi na tynku - na mokro (fresk) i na sucho (a secco), temperą, malowanie klejem, malowanie woskiem, emalia, malowanie farbami ceramicznymi (spoiwa - szkło topliwe, topniki, szkliwa - utrwalane są poprzez wypalanie na ceramice), farbami silikatowymi (spoiwo - szkło rozpuszczalne) itp. Bezpośrednio z tym związane są mozaiki i witraże, które rozwiązują to samo problemów, takich jak malarstwo monumentalne, prace drobne i dekoracyjne. Dla wydajności obrazy Używa się również akwareli, gwaszu, pasteli i tuszu.

Główny środek wyrazu malarstwa – kolor – swoją ekspresją i zdolnością do wywoływania różnorodnych skojarzeń zmysłowych, wzmaga emocjonalność obrazu, wyznacza szerokie możliwości wizualne i dekoracyjne tego rodzaju sztuki. W pracach tworzy integralny system (kolor). Zwykle stosuje się taką lub inną serię powiązanych ze sobą kolorów i ich odcieni (gama kolorowa), chociaż zdarza się również malowanie w odcieniach tego samego koloru (monochromatyczne). Kompozycja kolorystyczna (system rozmieszczenia i relacji plam barwnych) zapewnia pewną jedność kolorystyczną dzieła, wpływa na przebieg jego odbioru przez widza, będąc częścią specyficznej dla dzieła jego struktury artystycznej. Inny wyrazisty środek malarski – rysunek (linia i światłocień) – rytmicznie i kompozycyjnie wraz z kolorem porządkuje obraz; Linia oddziela od siebie bryły, często stanowi podstawę konstrukcyjną formy obrazowej, pozwala w sposób uogólniony lub szczegółowy odtworzyć zarysy obiektów oraz zidentyfikować ich najmniejsze elementy.

Architektura

Architektura (łac. Architectura, od greckiego architéкtón – budowniczy), architektura, system budynków i budowli tworzących przestrzenne środowisko życia i działalności ludzi, a także sama sztuka tworzenia tych budynków i budowli zgodnie z prawami państwa uroda. Architektura jest niezbędną częścią środków produkcji i materialnych środków egzystencji społeczeństwa ludzkiego. Jej obrazy artystyczne odgrywają znaczącą rolę w życiu duchowym społeczeństwa. Funkcjonalne, konstrukcyjne i estetyczne walory architektury (użyteczność, siła, piękno) są ze sobą powiązane.

Dziełami architektury są budynki o zorganizowanej przestrzeni wewnętrznej, zespoły budynków, a także konstrukcje służące do dekoracji przestrzeni otwartych (pomniki, tarasy, nasypy itp.).

Przedmiotem celowej organizacji jest przestrzeń zaludnionego obszaru jako całość. Tworzenie miast, miasteczek i regulacja całego układu osadniczego stała się obszarem szczególnym, nierozerwalnie związanym z architekturą – urbanistyką.

Najważniejszym środkiem rozwiązywania praktycznych funkcji oraz problemów ideowo-artystycznych architektury jest sprzęt budowlany. Określa możliwość i ekonomiczną wykonalność realizacji określonych układów przestrzennych. Właściwości estetyczne dzieł architektonicznych w dużej mierze zależą od rozwiązania projektowego. Budynek musi nie tylko być, ale także wyglądać na trwały. Nadmiar materiału sprawia wrażenie nadmiernej ciężkości; widoczna (pozorna) niedostatek materiału wiąże się z niestabilnością, zawodnością i wywołuje negatywne emocje. W toku rozwoju technologii budowlanej nowe zasady kompozycji architektonicznej, odpowiadające właściwościom nowych materiałów i konstrukcji, mogą stać w sprzeczności z tradycyjnymi poglądami estetycznymi. Jednak w miarę rozpowszechniania się i dalszego doskonalenia projektu, definiowane w nim formy nie tylko przestają być postrzegane jako niezwykłe, ale także zamieniają się w masowej świadomości w źródło oddziaływania emocjonalnego i estetycznego.

Jakościowe zmiany w technologii budownictwa, powstawanie nowych konstrukcji i materiałów znacząco wpłynęły na współczesną architekturę. Szczególne znaczenie ma zastępowanie rzemieślniczych metod budowy, przemysłowymi, związanymi z nimi procesy ogólne rozwój produkcji, związany z koniecznością zwiększenia tempa budownictwa masowego i wymagający wprowadzenia standaryzacji, ujednoliconych projektów i części.

Głównymi środkami kreowania obrazu artystycznego w architekturze są kształtowanie przestrzeni i architektonika. Tworząc kompozycję wolumetryczno-przestrzenną (w tym wewnętrzną organizację konstrukcji), stosuje się zasady symetrii lub asymetrii, niuanse lub kontrasty przy porównywaniu elementów, ich różne relacje rytmiczne itp. W architekturze szczególne znaczenie ma proporcjonalność części i całości względem siebie (układ proporcji) oraz proporcjonalność konstrukcji i jej poszczególnych form do człowieka (skala). Do środków artystycznych architektury zalicza się także fakturę i kolor, których różnorodność osiąga się poprzez różne metody obróbki powierzchni budynku. Holistyczny system artystyczny i wyrazisty form dzieł architektury, spełniający wymagania funkcjonalne i konstrukcyjne, nazywany jest kompozycją architektoniczną.

Zrównoważona społeczność cechy charakterystyczne Formę artystyczną architektury oraz jej program ideowy i treściowy kształtuje jej styl. Kluczowe funkcje styl przejawia się w systemie organizacji funkcjonalno-przestrzennej budynków, w ich architekturze, proporcjach, plastyczności i wystroju.

Rzeźba

Rzeźba (łac. sculptura, od sculpo - rzeźbić, wycinać), rzeźba plastyczna (gr. plastike, od plasso - rzeźbić), forma sztuki oparta na zasadzie trójwymiarowego, fizycznie trójwymiarowego obrazu przedmiotu. Z reguły przedmiotem obrazu w rzeźbie jest osoba, rzadziej - zwierzęta ( gatunek zwierzęcy), jeszcze rzadziej - przyroda (pejzaż) i rzeczy (martwa natura). Umiejscowienie figury w przestrzeni, transmisja jej ruchu, postawy, gestu, modelowanie światła i cienia wzmacniające relief formy, architektoniczna organizacja bryły, wizualny efekt jej masy, stosunki wagowe, dobór proporcji , specyficzny w każdym przypadku charakter sylwetki są głównymi środkami wyrazu tego typu sztuki. Wolumetryczna forma rzeźbiarska budowana jest w rzeczywistej przestrzeni zgodnie z prawami harmonii, rytmu, równowagi, interakcji z otaczającym środowiskiem architektonicznym lub naturalnym oraz w oparciu o cechy anatomiczne (strukturalne) konkretnego modelu obserwowane w przyrodzie.

Istnieją dwa główne typy rzeźb: rzeźba okrągła, swobodnie umieszczona w przestrzeni, oraz płaskorzeźba, w której obraz znajduje się na płaszczyźnie stanowiącej jej tło. Do dzieł pierwszego, wymagających zwykle spojrzenia wszechstronnego, zalicza się: posąg (postać pełnometrażowa), grupę (dwie lub więcej postaci tworzących jedną całość), figurkę (figura znacznie mniejsza od życia -rozmiar), tułów (obraz ludzkiego tułowia), popiersie (obraz klatki piersiowej osoby) itp.

Ze względu na treść i funkcje rzeźbę dzieli się na monumentalno-dekoracyjną, sztalugową i tzw. rzeźba małych form. Chociaż odmiany te rozwijają się w ścisłej interakcji, każda z nich ma swoje własne cechy. Monumentalno-dekoracyjna: rzeźba przeznaczona jest dla konkretnego środowiska architektonicznego, przestrzennego lub naturalnego. Ma ona wyraźny charakter publiczny, skierowana jest do mas widzów, a lokowana jest przede wszystkim w miejscach publicznych – na ulicach i placach miasta, w parkach, na elewacjach i we wnętrzach budynków użyteczności publicznej. Rzeźba monumentalna i dekoracyjna ma na celu konkretyzację obrazu architektonicznego i uzupełnienie wyrazistości form architektonicznych nowymi odcieniami. Zdolność rzeźby monumentalnej i dekoracyjnej do rozwiązywania dużych problemów ideologicznych i figuratywnych szczególnie kompletnie ujawnia się w dziełach zwanych monumentalnymi, do których zaliczają się zwykle pomniki miejskie, pomniki i budowle pamięci. Majestat form i trwałość materiału łączą się w nich z wzniesieniem struktury figuratywnej i szerokością uogólnień. Rzeźba sztalugowa, która nie jest bezpośrednio związana z architekturą, ma charakter bardziej intymny. Hale wystawowe, muzea, wnętrza mieszkalne, gdzie można je obejrzeć z bliska i ze wszystkimi szczegółami, to jego typowe otoczenie. Determinuje to cechy plastycznego języka rzeźby, jej wymiary, ulubione gatunki (portret, gatunek codzienny, akt, gatunek zwierzęcy). Rzeźbę sztalugową w większym stopniu niż rzeźbę monumentalną i dekoracyjną cechuje zainteresowanie wewnętrznym światem człowieka, subtelny psychologizm i narracja. Rzeźba małych form obejmuje szeroką gamę dzieł przeznaczonych przede wszystkim do wnętrz mieszkalnych i pod wieloma względami jest ściśle powiązana ze sztuką zdobniczą i użytkową.

Cel i treść dzieła rzeźbiarskiego determinuje charakter jego struktury plastycznej, a to z kolei wpływa na wybór materiału rzeźbiarskiego. Technika rzeźby w dużej mierze zależy od cech naturalnych i sposobów ich obróbki. Do modelowania używa się miękkich substancji (glina, wosk, plastelina itp.); w tym przypadku najczęściej używanymi narzędziami są krążki i stosy drutu. Substancje stałe (różne rodzaje kamienia, drewna itp.) przetwarza się poprzez siekanie (rzeźbienie) lub rzeźbienie, usuwanie zbędnych części materiału i stopniowe uwalnianie ukrytej w nim formy objętościowej; Do obróbki bloku kamiennego stosuje się młotek (młotek) i zestaw narzędzi metalowych; do obróbki drewna stosuje się głównie dłuta kształtowe i wiertła. Do odlewania rzeźb przy użyciu specjalnie wykonanych form wykorzystuje się substancje przechodzące ze stanu ciekłego w stan stały (różne metale, gips, beton, tworzywa sztuczne itp.).

Teatr

Teatr (od greckiego théatron – miejsce spektaklu, spektakl), rodzaj sztuki. Teatr jest formą świadomości społecznej, jest nierozerwalnie związany z życiem ludzi, jego historia narodowa i kultura. Teatr osiąga zazwyczaj rozwój artystyczny wtedy, gdy przepojony zaawansowanymi ideami epoki, walczy o ideały humanistyczne, głęboko i zgodnie z prawdą odsłania złożoność wewnętrznego świata człowieka i jego dążeń.

Artystyczne odbicie życia, afirmacja pewnych idei, światopoglądów i ideologii dokonuje się w teatrze poprzez akcję dramatyczną wykonywaną przez aktorów przed publicznością. Walka bohaterów, ujawnianie konfliktów społecznych i psychologicznych, które wpływają na losy ludzi, ich relacje leżą w centrum spektaklu i spektaklu. Specyfika teatru wymaga emocjonalnej i duchowej jedności sceny i publiczności, obecności wspólnych zainteresowań twórców spektaklu i publiczności. Teatr odgrywa ważną rolę w edukacji estetycznej, moralnej i politycznej. W tym celu dysponuje bogatymi środkami artystycznego uogólnienia, wyrazistości i oddziaływania na masową publiczność.

Podstawą spektaklu teatralnego jest dramat. Teatr przenosi dzieło literackie w obszar akcji scenicznej i specyficznej obrazowości teatralnej; Postacie i konflikty dramatu ucieleśniają żywe twarze i działania. Słowo „mowa” jest najważniejszym środkiem, w jaki dramat wyposaża teatr. W teatrze słowo także podlega prawom akcji dramatycznej. W niektórych przypadkach zamienia mowę w środek codziennej charakterystyki postaci, w innych poprzez werbalną tkankę roli odsłania złożone konflikty świadomości i psychologii bohatera. Mowa na scenie może mieć formę dłuższej wypowiedzi (monolog), mieć charakter rozmowy z partnerem (dialog), być skierowana do widza, przypominać odbicie bohatera, jego „monolog wewnętrzny” itp.

Teatr jest sztuką zbiorową. Spektakl to dzieło charakteryzujące się artystyczną jednością i harmonią wszystkich elementów. Powstaje pod kierunkiem reżysera i zgodnie z jego planem, dzięki wspólnemu wysiłkowi aktorów, scenografa, kompozytora, choreografa i wielu innych. Spektakl opiera się na reżyserskiej interpretacji spektaklu, jego gatunku i decyzji stylistycznej. Akcja spektaklu jest zorganizowana w czasie (tempo, rytm, wzloty i upadki). stres emocjonalny) i w przestrzeni (zagospodarowanie przestrzeni scenicznej, zasady jej wykorzystania, mise-en-scène, scenografia, ruch itp.).

Głównym nośnikiem akcji teatralnej jest aktor, którego twórczość ucieleśnia istotę teatru: umiejętność porywania publiczności sztuką. spektakl życia przepływający bezpośrednio przed ich oczami, proces twórczy jego wcielenia. Wizerunek aktora tworzony jest na podstawie spektaklu i jego interpretacji przez reżysera spektaklu. Ale nawet w systemie ściśle zorganizowanego spektaklu aktor pozostaje artystą niezależnym, zdolnym tylko on sam, przy pomocy dostępnych środków, odtworzyć żywy obraz. ludzki wizerunek, oddają złożoność i bogactwo ludzkiej psychologii. Praca nad sobą i nad rolą na próbie to – jak uważał K. S. Stanislavsky – dwa nierozerwalnie powiązane aspekty działania aktora.

Często aktor tworzy na scenie obraz odmienny od jego własnego, zmieniający się zewnętrznie i wewnętrznie w różnych rolach. Wcielając się w wygląd i charakter postaci, performer posługuje się środkami plastycznej i rytmicznej ekspresji, sztuką mowy, mimiką i gestem. Historia teatru światowego zna aktorów, którzy posiadali wirtuozerską umiejętność zewnętrznej transformacji.

W teatrze muzycznym akcja ucieleśnia się za pomocą dramaturgii muzycznej, która opiera się na ogólnych prawach dramatu - obecności wyraźnie wyrażonego konfliktu centralnego, ujawniającego się w walce przeciwstawnych sił, pewnej sekwencji etapów ujawniania się dramaty. plan. W każdym z rodzajów sztuki muzycznej i scenicznej te ogólne wzorce znajdują specyficzne załamanie, zgodnie ze swoją naturą wyraziste środki: w operze akcję rozgrywającą się na scenie wyraża muzyka, czyli śpiew bohaterów, a także brzmienie orkiestry; w balecie rolę podobną do śpiewu w operze pełni taniec i pantomima. Jednocześnie w obu przypadkach muzyka jest głównym środkiem uogólniającym, spajającym wszystkie elementy dramatu. W operetce, która jest rodzajem opery z mówionym dialogiem, ogromne znaczenie ma piosenka i taniec wierszowany. W gatunku muzycznym wykorzystywane są ekspresyjne środki sztuk dramatycznych, operowych i choreograficznych, muzyki pop i codziennej.

Muzyka

Muzyka (od greckiego musike, dosłownie – sztuka muz), rodzaj sztuki, która odzwierciedla rzeczywistość i oddziałuje na człowieka poprzez znaczące i specjalnie zorganizowane sekwencje dźwiękowe, składające się głównie z tonów. Muzyka jest specyficznym rodzajem dźwiękowej aktywności człowieka. Łączy się z innymi odmianami (mową, sygnalizacją dźwiękowo-instrumentalną itp.) poprzez zdolność do wyrażania myśli, emocji i procesów wolicjonalnych człowieka w formie słyszalnej i służy jako środek komunikacji między ludźmi i kontroli ich zachowania. Jednocześnie różni się znacznie od wszystkich innych rodzajów ludzkiej aktywności dźwiękowej. Zachowując pewne pozory dźwięków prawdziwego życia, dźwięk muzyczny zasadniczo różni się od nich ścisłą wysokością tonu i organizacją czasową (rytmiczną). Dźwięki te są częścią historycznie ustalonych systemów, których podstawą są tony. W każdym utworze dźwięki tworzą swój własny system powiązań pionowych i ciągów poziomych – swoją formę.

W treści muzycznej dominującą rolę odgrywają stany i procesy emocjonalne (oraz dążenia wolicjonalne). Ich czołowe miejsce w treści muzycznej jest z góry zdeterminowany brzmieniem (intonacją) i tymczasowym charakterem muzyki, co pozwala jej z jednej strony opierać się na wielowiekowym doświadczeniu ludzi, zewnętrznie identyfikując swoje emocje i przekazując je przede wszystkim innym członkom społeczeństwa, a także głównie poprzez dźwięki, a z drugiej strony adekwatne wyrażenie doświadczenia emocjonalnego jako ruchu, procesu ze wszystkimi jego zmianami i odcieniami, dynamicznymi wzlotami i upadkami, wzajemnymi przejściami emocji i ich zderzeniami.

Spośród różnych rodzajów emocji muzyka ucieleśnia przede wszystkim nastroje. Emocjonalne aspekty intelektualnych i wolicjonalnych cech jednostki (oraz odpowiadające im procesy) są również szeroko reprezentowane w treści muzycznej. Pozwala to temu rodzajowi sztuki ukazać nie tylko stany psychiczne ludzi, ale także ich charaktery. W najbardziej konkretnym (choć nie przełożonym na słowa), bardzo subtelnym i „zaraźliwym” wyrażaniu emocji muzyka nie ma sobie równych. Na tym opiera się powszechna definicja go jako „języka duszy” (A. N. Serow).

Dążąc do szerszego ujęcia świata idei filozoficznych i społecznych, kompozytorzy często wykraczają poza tzw. muzykę czystą (instrumentalną nieprogramową), zwracając się do słowa jako nośnika określonej treści konceptualnej (wokalna i programowa muzyka instrumentalna zob. program muzyczny), a także do akcji scenicznej. Dzięki syntezie ze słowami, czynami itp. powstają nowe typy obrazów muzycznych, które w świadomości społecznej na stałe kojarzą się z koncepcjami i ideami wyrażanymi przez inne składniki syntezy, a następnie przechodzą do „czystej” muzyki jako nośników te same koncepcje i pomysły. Do wyrażania myśli kompozytorzy posługują się także symbolami dźwiękowymi (wyłonionymi w praktyce społecznej melodiami lub melodiami istniejącymi w określonym środowisku społecznym, które stały się „muzycznymi emblematami” określonych koncepcji) lub tworzą własne, nowe „znaki muzyczne” (np. motywy przewodnie). W rezultacie treść M. obejmuje ogromny i stale wzbogacany wachlarz pomysłów.

W muzyce dostępne są różne typy treści: epickie, dramatyczne, liryczne. Jednocześnie jednak teksty piosenek ze względu na swój niefiguratywny charakter są jej najbliższe.

Materialnym ucieleśnieniem treści muzyki, sposobem jej istnienia jest forma muzyczna- ten system dźwięków muzycznych, w którym realizowane są emocje, myśli i idee figuratywne kompozytora. Nawet rozpatrywane indywidualnie, dźwięki muzyczne mają już podstawowe możliwości ekspresji. Każdy z nich jest w stanie wywołać fizjologiczne uczucie przyjemności lub niezadowolenia, podniecenia lub spokoju, napięcia lub odprężenia, a także odczucia synestetyczne (ciężar lub lekkość, ciepło lub zimno, ciemność lub światło itp.) oraz proste skojarzenia przestrzenne.

W każdym utworze muzycznym z poszczególnych elementów jego formy, w procesie ich unifikacji i podporządkowania, powstaje ogólna struktura, złożona z kilku odrębnych struktur. Do tych ostatnich zaliczają się struktury: melodyczna, rytmiczna, modowo-harmoniczna, teksturowana, barwowa, dynamiczna itp. Szczególne znaczenie ma struktura tematyczna, której elementy są motywy muzyczne(wraz z różne typy i etapy ich zmiany i rozwoju). W większości stylów muzycznych tematy są materialnymi nośnikami obrazów muzycznych.

Muzyka ma swoją strukturę. Tak więc w rozwiniętej kulturze muzycznej kreatywność reprezentowana jest przez wiele odmian, które można różnicować według różnych cech. 1) Według rodzaju treści: liryczne, epickie, dramatyczne, a także bohaterskie, tragiczne, humorystyczne itp.; w innym aspekcie - poważna muzyka i lekka muzyka. 2) Wykonując cel: wokalny i instrumentalny; w innym aspekcie - solo, zespołowo, orkiestrowo, chóralnie, mieszanie (z możliwością dalszego doprecyzowania kompozycji: na przykład na orkiestrę symfoniczną, na orkiestrę kameralną, na jazz itp.). 3) Przez syntezę z innymi rodzajami sztuki i słowem: muzyka teatralna, muzyka taneczna, program instrumentalny, melodramat (czytanie do muzyki), wokal ze słowami. Muzyka poza syntezą – wokalizy (śpiew bez słów) i „czysty” instrumentalny (bez programu). Z kolei pierwsza dzieli się na rozrywkę i koncert, druga na mszę i rytuał. Każdą z czterech powstałych odmian (grup gatunkowych) można dalej różnicować.

Sztuka filmowa

Kinematografia, rodzaj sztuki, którego dzieła powstają poprzez filmowanie rzeczywistych, specjalnie inscenizowanych lub odtworzonych wydarzeń rzeczywistości za pomocą animacji.

W sztuce filmowej właściwości estetyczne literatury, sztuk teatralnych, wizualnych i muzyki syntezowane są w oparciu o właściwe tylko jej środki wyrazu, z których głównymi są fotograficzny charakter obrazu, który pozwala odtworzyć dowolny obraz rzeczywistości z najwyższą niezawodnością i montażem. Mobilność kamery filmowej i różnorodność optyki stosowanej w filmowaniu pozwalają ukazać w kadrze ogromne przestrzenie i duże masy ludzi (plan ogólny), małe grupy ludzi w ich relacjach (plan średni), portret ludzki lub osobny szczegół (zbliżenie). Dzięki temu w kadrze można wyeksponować najważniejsze, istotne estetycznie aspekty przedstawianego obiektu. Połączenie klatek w montażu stanowi wyraz myśli autora, tworzy ciągłość w rozwoju akcji, porządkuje wizualną narrację i pozwala poprzez porównanie różnych części. Plany interpretacji akcji metaforycznie kształtują rytm filmu.

Tworzenie dzieła sztuki filmowej to z reguły złożony proces twórczy i produkcyjny, w którym łączą się prace artystów różnych specjalności: dramaturga filmowego (autora scenariusza); reżyser, który ustala interpretację i realizację koncepcji oraz kieruje pracą pozostałych uczestników przedstawienia; aktorzy wcielający się w postacie; operator charakteryzujący akcję poprzez interpretację kompozycyjną, świetlną i kolorystyczną kadrów; artysta odnajdujący wizualne cechy otoczenia i kostiumy bohaterów (a w animacji zewnętrzne cechy bohaterów); kompozytor itp.

W trakcie rozwoju kinematografii ukształtowały się 4 główne typy kinematografii: kinematografia fabularna (fabularna), która ucieleśnia dzieła dramatu filmowego lub adaptowane dzieła prozatorskie, dramatyczne i poetyckie za pomocą twórczości wykonawczej; kinematografii dokumentalnej, tj specjalny rodzaj dziennikarstwo figuratywne, oparte przede wszystkim na bezpośrednim zapisie rzeczywistości na filmie; kinematografia animowana, „animowanie” postaci graficznych lub lalkowych; kinematografii popularnonaukowej, wykorzystującej środki tych 3 typów do popularyzacji wiedzy naukowej.

Kino fabularne ma dostęp do możliwości eposu, liryzmu i dramatu, jednak w filmach o charakterze narracyjnym zawsze pojawiają się cechy przybliżające je do dramatu, zwłaszcza konfliktu dramatycznego. Kino dokumentalne ma w sobie pełnię możliwości publicystycznych gatunków literatury i publicystyki. Łączy w sobie zarówno twórczość figuratywnego dziennikarstwa filmowego, jak i filmów informacyjnych (reportaż filmowy). Obrazy animacji graficznej i trójwymiarowej powstają poprzez filmowanie stacjonarnych kolejnych faz ruchu rysowanych lub marionetkowych postaci. Szczególną uwagę poświęca tworzeniu filmów dla dzieci. Kino popularnonaukowe wprowadza widza w życie przyrody i społeczeństwa, odkrycia i wynalazki naukowe, odtwarza przebieg poszukiwań twórczych naukowców i artystów, w klarowny sposób ukazuje procesy fizyczne, chemiczne i biologiczne. Aby rozwiązać te problemy, posługuje się zarówno środkami czysto dydaktycznymi, jak i artystyczno-figuratywnymi, w zależności od tematu i celu filmu.

Gatunki filmowe, które na wczesnych etapach rozwoju kina były stosunkowo wyraźnie od siebie odgraniczone (melodramat, film przygodowy, komiks itp.), zmieniają się, mają tendencję do łączenia się, przenikania, a nawet rozpadu. Nowatorskie aspiracje twórców filmowych determinują połączenie w jednym dziele cech charakterystycznych dla prozy, dramatu i tekstu.

Co to jest sztuka i rzemiosło

Sztuka dekoracyjna i użytkowa jest złożonym i wieloaspektowym zjawiskiem kulturowym. Obejmuje wiele rodzajów rzemiosła ludowego związanych z tworzeniem wyrobów artystycznych mających praktyczne zastosowanie w życiu codziennym oraz artystyczną obróbką przedmiotów użytkowych (naczynia, meble, tkaniny, narzędzia, pojazdy, odzież, biżuteria, zabawki itp.) . Sztuka dekoracyjna i użytkowa żyje wśród ludzi, zakorzeniona w starożytności i rozwijająca się współcześnie.

Dzieła sztuki dekoracyjnej i użytkowej są zwykle ściśle powiązane z otoczeniem architektonicznym i przestrzennym, zespołem (na ulicy, w parku, we wnętrzu) ​​oraz między sobą, tworząc zespół artystyczny. Sztuka dekoracyjna i użytkowa, która pojawiła się w starożytności, stała się jedną z najważniejszych dziedzin sztuki ludowej. Jego historia związana jest z rzemiosłem artystycznym, przemysłem artystycznym, działalnością artystów zawodowych i rzemieślników ludowych, a od początku XX wieku. - z konstrukcją artystyczną i projektowaniem.

Wiele wspaniałych przykładów sztuki zdobniczej i użytkowej można zobaczyć w muzeach artystycznych, historycznych, lokalnych i etnograficznych, a także w książkach, albumach i na łamach czasopism. Każda wystawa sztuki ludowej jest zawsze odkryciem świata piękna i mądrości. Wyroby dawnych i współczesnych artystów niezmiennie budzą zachwyt zwiedzających, a niektórzy pragną naśladować rzemieślników ludowych.

Ważne jest, aby każdy, kto ma kontakt z dziełami sztuki dekoracyjnej i użytkowej, nie pozostał bezczynnym widzem, ale starał się być badaczem, za każdym razem próbując zrozumieć, jakie techniki artystyczne i techniczne mistrz był w stanie osiągnąć doskonałość. Wiele z tego, co każdy z was będzie próbował z miłością zrobić własnymi rękami, przyniesie radość ludziom wokół was.

Przyjrzyj się przedmiotom sztuki dekoracyjnej i użytkowej na stronach podręcznika. Jak i w jakim celu starożytni ludzie ozdabiali przedmioty i narzędzia gospodarstwa domowego?

Przeanalizuj symbolikę ozdób na różnych dziełach sztuki zdobniczej i użytkowej. Jakie informacje niosą ze sobą kształty i dekoracje tych przedmiotów?

Posłuchaj melodii i melodii ludowych. Które przedmioty przedstawione na rozkładówce odpowiadają ich stylowi?

Haft

Haft od czasów starożytnych był ozdobą domu, dodawał uroku ubraniom, był używany na obrusach, serwetkach, zasłonach i ręcznikach, był podstawą sztuki dekoracyjnej i użytkowej na Ukrainie i Rusi.

Każda gospodyni domowa mogła za pomocą haftu dodać przytulności swojemu domowi, ozdobić ubrania swoich bliskich i zrealizować swoje artystyczne pomysły, ponieważ ten rodzaj sztuki zdobniczej i użytkowej był dostępny dla każdego.

Hafty różnych narodów są pełne różnorodności i oryginalności wzorów i kolorów, gdyż powstawały one na przestrzeni wieków i były zależne od historii i kultury danego ludu. Ponieważ w tamtych czasach nie było magazynów o modzie, w których można było znaleźć wzór na każdy gust, ludzie nadawali haftowi pewne znaczenie.

Haft był nie tylko pięknym elementem ubioru, ale także służył ważną rolę amulety. Jeśli zwróciłeś uwagę na hafty, prawdopodobnie zauważyłeś, że wśród ozdób najczęściej spotykane są wzory geometryczne. Na przykład starożytny symbol słońca, płodności i kobiecej zasady, która przynosi szczęście i dobrobyt, został przedstawiony w hafcie w kształcie rombu. Symbol wody reprezentował witalność i został narysowany w formie falistych linii. Ozdoby poziome niosły ze sobą symbol ziemi i oznaczały pomyślność rodzinnego ogniska.

Jeśli zauważyłeś, w niektórych haftach ozdoba przedstawia okrąg, wewnątrz którego wyhaftowany jest krzyż; taki element haftu symbolizuje Słońce i służy jako talizman, który chroni przed złem. Ale haftowany krzyż we wzorze oznacza duchowe oczyszczenie, ponieważ jest symbolem ognia.

Ukraińcy preferowali ozdoby na ręczniki o charakterze kwiatowym, powszechne były także wizerunki ptaków i zwierząt. W schemat kolorów najczęściej woleli używać kolorów czerwonego, czarnego i niebieskiego.

Motywy kwiatowe w hafcie nie zostały po prostu wymyślone i miały także swoje specyficzne znaczenie. Wizerunek liści dębu w ozdobie symbolizował siłę, a kalina była uważana za symbol piękna. Maki haftowane na ubraniach oznaczały płodność i pamięć o rodzinie, a kiście winogron wnosiły szczęście i radość w życie rodzinne. Haftowany barwinek był symbolem wierności, a róże były symbolem młodości i miłości.

Również w ukraińskich ozdobach często można znaleźć wizerunki gołębi, jaskółek, kogutów, koni oraz innych zwierząt i ptaków. Takie hafty działały jak amulety, chroniąc osobę przed różnymi siły zła i duchy.

Koszula z haftem ukraińskim

Haftowana koszula zawsze była integralną częścią ukraińskiej garderoby męskiej i damskiej. Ozdoba na koszuli charakteryzowała pewien obszar. Na podstawie tych wzorów z łatwością można było odróżnić mieszkańców Połtawy od ludności Ziemi Podolskiej, a ozdoby huculskie różniły się od poleskich. Osobliwość Te haftowane koszule miały nie tylko wzory, ale także technikę wykonania i kolorystykę.

Na Ukrainie haftem zajmowały się głównie kobiety. Poświęcali temu rzemiosłu każdą wolną chwilę. Haftowano podczas wspólnych zebrań i podczas skracania długich zimowe wieczory, a nawet po pracy w terenie, podczas krótkiego odpoczynku, często można spotkać Ukrainkę wykonującą haft.

Ukrainki wkładały miłość i duszę w tworzenie ozdób na swoich ubraniach, a haftowana koszula, którą nosiły, była oznaką jej umiejętności i ciężkiej pracy.

Wraz z uzyskaniem przez Ukrainę niepodległości, miłość ludzi do swoich tradycji zaczęła odradzać się. W ostatnio, ukraińskie haftowane koszule znów zaczęły zyskiwać na popularności. Stało się trendem w modzie nie tylko wśród rodaków, ale także daleko poza jej granicami. Wszędzie można spotkać ludzi w haftowanych koszulach. Sprawdzi się zarówno na uroczystych imprezach, jak i na uroczystościach ukończenia szkoły, na weselach czy wiecach.

Haft artystyczny ucieleśnia najlepsze tradycje naszego ludu i znalazł tysiące wielbicieli tego pięknego rodzaju sztuki dekoracyjnej i użytkowej.

Zadania artystyczne i twórcze

Wybierz informacje dotyczące historii jednego ze słynnych rzemiosł ludowych, przygotuj album, stojak, prezentację komputerową i przedstaw go swoim kolegom z klasy.

> Wykonaj szkic obrazu opartego na dowolnym rosyjskim rzemiośle ludowym: Zhostovo, Gorodets, Khokhloma itp. (opcjonalnie), na jeden z tematów: „Pory roku”, „Poranek”, „Leśna opowieść”,
„Złote Żyto” i inne.

> Przygotuj wraz z kolegami z klasy wystawę dzieł sztuki i rzemiosła różnych gatunków. Przemyśl to akompaniament muzyczny, wybierz przykłady ludowej twórczości słownej (fragmenty baśni, legend, przysłów, powiedzeń itp.). Oprowadzanie po tej wystawie młodszych uczniów, rodziców i gości szkoły.

Sztuka i rzemiosło ludowe są zjawiskiem złożonym i wieloaspektowym. Zawiera różnorodne kierunki, rodzaje, formy. Wszystkich jednak łączy połączenie praktyczności produktów z naturalnym pięknem ich wyglądu, płynącym z otaczającej przyrody (69, s. 263).

Sztuka i rzemiosło ludowe stanowią integralną część kultury, aktywnie wpływają na kształtowanie gustów artystycznych, wzbogacają sztukę profesjonalną i wyraziste środki estetyki przemysłowej.

Ludowa sztuka zdobnicza i użytkowa to sztuka, która przyszła do nas z głębi wieków, z głębi pokoleń, głównie sztuka zbiorowa, kształtowana w środowisku ludowym, chłopskim.

Tradycje w dziedzinie sztuki i rzemiosła ludowego obejmują najbardziej wyraziste proporcje i kształty przedmiotów, ich kolorystykę, wybraną i dopracowaną przez wiele pokoleń rzemieślników, w zdobnictwie artystyczne odzwierciedlenie środowiska naturalnego, flory i fauny, na podstawie z których ukształtowała się ta kultura zdobnicza i umiejętności rzemieślnicze zgromadzone przez wieki, przetwarzając różne naturalne materiały. Z pokolenia na pokolenie przekazywano tylko to, co żywotne, postępowe, potrzebne i zdolne do dalszego rozwoju.

Na starożytnej Rusi całe życie ludzi było dosłownie przesiąknięte pragnieniem piękna i harmonii ze środowiskiem naturalnym. Dom, palenisko, meble, narzędzia, ubrania, naczynia, zabawki - wszystko, czego dotknęły ręce rzemieślników ludowych, ucieleśniało ich. miłość do ojczyzny i wrodzone poczucie piękna, A wtedy zwykłe przedmioty gospodarstwa domowego stały się dziełami sztuki. Piękno ich formy dopełniały zdobnictwo w postaci ornamentów, wizerunków ludzi, zwierząt, ptaków i scen fabularnych.

Od czasów starożytnych rzemieślnicy ludowi w swojej twórczości wykorzystywali to, co dała im sama natura - drewno, glinę, kość, żelazo, len, wełnę. Natura zawsze była głównym źródłem inspiracji dla rzemieślników ludowych. Ale ucieleśniając obrazy natury w swoich dziełach, mistrzowie nigdy nie kopiowali ich dosłownie. Oświetlona ludową fantazją rzeczywistość nabrała czasem cech magicznych, baśniowych; rzeczywistość i fikcja wydawały się nierozłączne

To właśnie oryginalność sztuki i rzemiosła ludowego, jej wyjątkowa wyrazistość i proporcjonalność inspirowała i nadal inspiruje profesjonalnych artystów. Jednak nie wszystkim udaje się w pełni zrozumieć i przemyśleć na nowo całą jego głębię i duchowy potencjał.

W nowoczesne warunki Rośnie zapotrzebowanie społeczeństwa na sztukę ludową, na jej autentyczność i duchowość. Jednak znalezienie sposobów na zachowanie sztuki ludowej i jej owocny rozwój jest możliwe tylko poprzez zrozumienie jej istoty, twórczej i duchowej, oraz jej miejsca we współczesnej kulturze.

Sztuka i rzemiosło ludowe są różnorodne. Są to hafty, ceramika, lakiery artystyczne, tkanie dywanów, artystyczna obróbka drewna, kamienia, metalu, kości, skóry itp.

Artystyczna obróbka drewna. Drzewo jest jednym ze starożytnych symboli Rosji. W starożytnej mitologii słowiańskiej drzewo życia symbolizowało wszechświat. Od czasów starożytnych zacienione gaje i lasy dębowe, tajemnicze ciemne zarośla i jasnozielona koronka brzegów lasów przyciągają koneserów piękna i rozbudzają twórczą energię naszego ludu. To nie przypadek, że drewno jest jednym z najbardziej ulubionych materiałów naturalnych wśród rzemieślników ludowych.

W różnych częściach Rosji rozwinęły się oryginalne rodzaje artystycznej obróbki drewna. Każdy z nich ma swoją historię i swoje unikalne cechy.

Rzeźba Abramcewa-Kudrinskiej.

Dekoracyjny wazon

Produkty Bogorodska wykonane są z miękkiego drewna - lipy, olchy, osiki. Głównymi narzędziami rzemieślników ludowych był topór, specjalny nóż bogorodski i zestaw okrągłych dłut różnej wielkości. Ostrze noża Bogorodsk kończy się trójkątnym skosem i jest zaostrzone do ostrości brzytwy.

Rzeźba Bogorodska. I. K. Stulov.

„Król Dodon i astrolog”

Na przestrzeni wieków rozwinęły się tak zwane techniki rzeźbienia swingowego. Każdy produkt jest wycinany nożem „od ręki”, od razu czysty, szybko, dokładnie, bez żadnych wstępnych szkiców przygotowywanych w rysunku czy glinie.

Zabawki Bogorodskie są interesujące nie tylko ze względu na rzeźby, ale także ze względu na oryginalny design. Najczęściej są to zabawki z ruchem. Ich tradycyjnym bohaterem jest niedźwiedź bogorodski - mądry i aktywny niedźwiadek, który występuje w towarzystwie człowieka.

Rzeźba Bogorodska. V.S. Szyszkin. Zabawka „Strażacy”

Tradycyjnym rodzajem rosyjskiej sztuki ludowej i rzemiosła jest produkcja artystycznie zaprojektowanych wyrobów z kory brzozowej, kora brzozy.

Kora brzozy już w starożytności przyciągała artystów ludowych swoją olśniewającą bielą. Kora brzozy po przetworzeniu zachowała swoje naturalne właściwości: miękkość, aksamitność, elastyczność i niesamowitą wytrzymałość, dzięki czemu wykorzystywano ją do wyrobu naczyń na płyny, mleko i miód. Wiadomo, że na zalesionych terenach Rosji - w prowincjach Wołogdy, Archangielska, Ołoniecka, Wiatki, Włodzimierza, Niżnego Nowogrodu, a także na Uralu i Syberii - w prowincjach Perm i Tobolsk rzemiosło zasłynęło od czasów starożytnych z wyrobów z kory brzozowej czasy.

Należą do nich niskie, szerokie, otwarte naczynia - checkmany, pudełka, tarcze. Znaczącą część stanowi wyroby wikliniarskie. Należą do nich solniczki, buty wiklinowe – brodki, pokrowce, torby – naramienniki. Najbardziej złożone i pracochłonne elementy przyborów to buraki, pudełka i tueski.

Tuesok.

Wielki Ustiug. Tuesok. AE Markowa

Rozszerzona kora brzozy

Artystyczna obróbka kamienia. Specyfika materiału – jego twardość, wytrzymałość, piękno i różnorodność kolorów – decyduje o powszechnym zastosowaniu twardego kamienia w przemyśle jubilerskim. Jest to szczególny obszar artystycznej obróbki twardego kamienia, który jest obecnie bardzo rozpowszechniony. Naszyjniki, wisiorki, broszki, bransoletki, pierścionki, kolczyki, spinki do włosów - szeroka gama produktów wykonanych z twardych kamieni.

Rzemieślnicy zajmujący się tworzeniem biżuterii czerpią z najbogatszych tradycji tej sztuki w Rosji. Artyści starają się wydobyć naturalne piękno kamienia, wykorzystując surową powierzchnię, w której szczególnie wyraźnie widoczne są odcienie koloru i naturalne wtrącenia.

Oprócz biżuterii dość szeroka gama produktów wykonana jest z twardego kamienia. Są to małe wazony dekoracyjne, tace na biżuterię, zastawa stołowa na przybory do pisania oraz miniaturowa rzeźba zwierzątka.

Rzeźba w kamieniu.

L.N. Puzanow. Wazon „Jesień” Rzeźba w kamieniu.

T.Ch. Ondar. Koza z dzieckiem

Rzeźba z kości. Kość jest materiałem szeroko stosowanym od czasów starożytnych.

Rzemiosło artystyczne polegające na obróbce kości rozwinęło się głównie na północy. Materiałami do obróbki artystycznej były kły słoni, mamutów i morsów. Rzemieślnicy ludowi potrafili zidentyfikować i wykorzystać niezwykłe właściwości tego materiału do wyrobów artystycznych.

Kość słoniowa mamuta ma piękny żółtawy odcień i fakturę w postaci miniaturowej siateczki. Ze względu na swoją twardość, imponujące rozmiary i piękną kolorystykę nadaje się do tworzenia różnorodnych wyrobów artystycznych. Można z niego wykonać wazony, filiżanki, rzeźby dekoracyjne na blaty i przedmioty z ażurowymi rzeźbami.

Kieł Morsa - piękny materiał Używano go do tworzenia miniaturowych rzeźb, różnorodnych wyrobów z rzeźbami ażurowymi i reliefowymi, a także do grawerowania. Oprócz tych głównych rodzajów kości, do tworzenia wyrobów artystycznych wykorzystuje się proste kości zwierzęce - stęp, a także róg bydlęcy. Choć prosta kość zwierzęca po wybieleniu i odtłuszczeniu nabiera białego koloru, nie ma już tych właściwości, piękna, koloru i twardości, jakie mają kły morsa i mamuta.

Rzeźba z kości Kholmogory. Wazon dekoracyjny „Wiosna”. Kość morsa. Ażurowa rzeźba

Rzeźbiona kość.

LI Teyutina. „Ubój morsów w kolonii”

Rzeźbiona kość. Tabakierka stołowa

„Na Tonym”, 1976. A.V. Leontyjew

Rzeźbiona kość.

N. Kililo.

Niedźwiedzia rodzina

Artystyczna obróbka metali ma starożytne tradycje. Powstanie ośrodków artystycznej obróbki metali w danym regionie wynikało z szeregu przyczyn historycznych, geograficznych i ekonomicznych.

Rosyjski tłum. Stopa. XVII wiek Izba Zbrojowni

Poz. Mstera.

Wazon-miska na cukierki.

Miedź, filigran, srebrzenie

Ceramika ludowa. Ceramika - różne przedmioty wykonane z wypalonej gliny. Tworzą je garncarze. Wszędzie tam, gdzie istniały naturalne zasoby gliny nadającej się do przetworzenia, mistrzowie garncarstwa wykonywali misy, dzbany, naczynia, flaszki i inne przedmioty o różnorodnych kształtach i dekoracjach, które były powszechnie używane przez ludzi w życiu codziennym.

Ceramika skopińska. Dzbanek.

Ostatnia ćwierć XIX wieku

Ceramika Gżel. W Gżelu w obwodzie moskiewskim od dawna trwa produkcja wyrobów ceramicznych, którą zajmowała się prawie cała ludność lokalnych wiosek.

Już w XVII wieku. Rzemieślnicy z Gzhel słynęli z ceramiki, a gliny, których używali, były wysokiej jakości.

W połowie XVIII wieku rzemieślnicy Gzhel rozpoczęli produkcję wyrobów techniką majoliki, malowaną na surowej emalii. Dekorowali naczynia, kwas chlebowy i dzbany eleganckimi obrazami w odcieniach zieleni, żółci i fioletu. Przedstawiały kwiaty, drzewa, architekturę i całe sceny fabularne.

Naczynia zdobiono także rzeźbami: konwencjonalnie przedstawianymi postaciami ludzkimi, ptakami i zwierzętami. Rzeźba została wykonana osobno.

Ceramika. sztuczna inteligencja Rozżko.

Kvasnik na dwóch ptakach Ceramika. Z.V. Okulova. Zestaw czajników

Tworzenie koronek. Rosyjskie ręcznie tkane koronki znane są w historii naszego ludowego rzemiosła artystycznego od końca XVIII wieku. Koronki ręcznie robione powstały i powstały natychmiast jako rzemiosło ludowe, bez przechodzenia przez etap rzemiosła domowego. Koronki zachodnioeuropejskie zaczęły przenikać do Rosji w drugiej połowie XVII - na początku XVIII wieku; służyła jako dekoracja ubiorów szlachty i właścicieli ziemskich. Wraz z upowszechnieniem się mody na koronki i wykończenia koronkowe, wielu szlachciców założyło warsztaty koronkarstwa pańszczyźnianego. Wczesne koronki, pochodzące z XVIII – pierwszej połowy XIX wieku, często wykonywano z nici złotych i srebrnych z dodatkiem pereł. .

Koronka Wołogdy

Koronka Yelets

Haft- jeden z najstarszych rodzajów sztuki użytkowej. Sztuka ta powstała od niepamiętnych czasów i była przekazywana z pokolenia na pokolenie. Na przestrzeni wieków stopniowo rozwijała się tradycyjna gama wzorów i kolorów, a także opracowano liczne techniki haftu.

Haft ludowy wykonano bez rysunku wstępnego. Hafciarze znali swoje wzory na pamięć, ucząc się ich i zapamiętując, doskonaląc jednocześnie sam proces wykonania. Do dziś zachowały się główne tradycyjne wzory, charakterystyczne dla każdego obszaru (69, s. 263-304).

Haft Mstery

Haft Iwanowo Haft Krestetsky'ego

Integralną częścią jest sztuka ludowa i dekoracyjna kultura artystyczna. Dzieła sztuki użytkowej odzwierciedlają tradycje artystyczne narodu, światopogląd, światopogląd i doświadczenia artystyczne narodu oraz zachowują pamięć historyczną.

Dziś jest już oczywiste, że sztuka ludowa jest pełnoprawną i cenną częścią kultury artystycznej, a jeszcze kilkadziesiąt lat temu naukowcy musieli to udowadniać.

Sztuka ludowa rozwija się według własnych praw, określonych przez jej istotę, jako samodzielny rodzaj twórczości wchodzi w interakcję inny rodzaj twórczości - sztuka profesjonalnych artystów.

Szczególnie ważne jest, aby pamiętać, że sztuka ludowa, jako część kultury duchowej, może być źródłem pomysłów i inspiracji dla profesjonalnych artystów. W obrazy wybitni starzy mistrzowie A. Venetsianov, V. Vasnetsov, M. Vrubel, K. Petrov-Vodkin, V. Popov ucieleśniali ludowe wyobrażenia o świecie, wielkości człowieka i natury, wspólności tradycji starożytnej sztuki rosyjskiej i sztuki ludowej.

Szereg współczesnych profesjonalnych artystów zajmujących się malarstwem, grafiką, tkaniną, tkaniem dywanów, obróbką artystyczną

szkło, ceramikę, drewno, metal, a także sięgnąć po sztukę ludową.

W szerokim znaczeniu sztuka ludowa (folklor) - są tworzone” przez ludzi na podstawie zbiorowego doświadczenia twórczego, tradycje narodowe i poezję popularną (legendy, baśnie, eposy), muzykę (pieśni, melodie, sztuki teatralne), teatr (dramat, teatr lalek, sztuki satyryczne), taniec, architekturę, sztuki piękne i dekoracyjne.

Dzieła sztuki ludowej mają wartość duchową i materialną, wyróżniają się pięknem i użytecznością. Mistrzowie sztuki ludowej i rzemiosła tworzą swoje dzieła z różnorodnych materiałów. Najczęściej ceramika artystyczna, tkactwo, koronkarstwo, haftowanie, malowanie, rzeźbienie w drewnie lub kamieniu, kucie, odlewanie, grawerowanie, goniarstwo itp. W życiu codziennym możemy wykorzystać malowane naczynia, koronkowe serwetki, rzeźbione deski drewniane, haftowane ręczniki i inne dzieła sztuki ludowej.

Świetna wartość w sztuce ludowej ornament, który zdobi przedmiot (rzecz) lub jest jego elementem konstrukcyjnym. Motyw: ozdoby mają starożytne korzenie mitologiczne.

W sztuce ludowej wyróżnia się dwa kierunki: miejskie rzemiosło artystyczne I sztuki ludowej i rzemiosła. Jako przykład tradycyjnego rzemiosła artystycznego można wymienić: malarstwo na drewnie Chochloma, Gorodiec, Dźwina Północna) i na porcelanie (Gżel), zabawki gliniane (Dymka, Kargopol, Filimonowo), lalki lęgowe (Siergijew Posad, Połchow – Majdan), tace (Zhostowo), miniatury lakieru(Fedoskino, Palekh, Kholuy), szaliki (Pavlovsky Posad), rzeźbione drewniane zabawki (Sergiev Posad, Bogorodskoye), biżuteria (Kubachi) itp.

Sztuka ludowa żyje od wieków. Umiejętności techniczne i odnalezione obrazy przekazywane są z pokolenia na pokolenie i utrwalane w pamięci twórcy ludowi. Z tego powodu w tradycji ugruntowanej na przestrzeni wieków odzwierciedlają się wyłącznie najlepsze osiągnięcia twórcze.

Sztuka dekoracyjna - To jeden z rodzajów sztuk plastycznych. Sztukę dekoracyjną dzielimy na związaną bezpośrednio z architekturą - sztuka monumentalna i dekoracyjna(witraże, mozaiki, obrazy na elewacjach i wnętrzach, dekoracyjne rzeźby ogrodowe itp. sztuka i rzemiosło (produkty artystyczne gospodarstwa domowego)

Sztuka dekoracyjna jest w dużej mierze związana z przemysłem artystycznym i projekt. Razem z architekturą i designem tworzy materialne środowisko obiektowo-przestrzenne, wprowadzając do niego element estetyczny, figuratywny. Ostatnio sztuka dekoracyjna została sklasyfikowana jako projektowanie. Dzieła sztuki dekoracyjnej zawsze nawiązują do otoczenia, dla którego są przeznaczone i zazwyczaj stanowią ensemble.

Sztuka dekoracyjna i użytkowa - obszar sztuki dekoracyjnej: z konstrukcją wyrobów artystycznych, które mają praktyczne zastosowanie w życiu codziennym i wyróżniają się dekoracyjnymi obrazami (naczynia, meble, tkaniny, odzież, biżuteria, zabawki itp.). Wszystkie przedmioty otaczające osobę powinny być nie tylko wygodne i praktyczne, ale także piękne. Przedmiot musi być wyrazisty jako całość - pod względem projektu, proporcji, detali i dekoracji. Malowanie dzbanka wzorami, dekorowanie deski do krojenia rzeźbami, robienie na drutach koronkowej serwetki, tkanie wzorów na tkaninie - wszystko to wymaga wielkich umiejętności. Prawdopodobnie takie produkty ozdobione ozdobami zalicza się do sztuki dekoracyjnej i użytkowej również dlatego, że trzeba włożyć ręce w pracę, aby stworzyć to niesamowite piękno. Użytek i piękno są zawsze w pobliżu, gdy artyści zabierają się do pracy i tworzą przedmioty gospodarstwa domowego będące dziełami sztuki z różnych materiałów (drewno, metal, szkło, glina, kamień, tkanina itp.).

Kolejny obszar sztuki dekoracyjnej i użytkowej związany jest z dekoracją samej osoby - stworzeniem artystycznie wykonanego kostiumu, który tworzy komplet wraz z nakryciem głowy, butami i biżuteria. Ale ostatnio garnitur jest coraz częściej rozważany do projektowania odzieży. Jednak wyroby dekoracyjne świadczą nie tylko o estetycznym guście i wyobraźni artysty. One, podobnie jak dzieła innych rodzajów sztuki, odzwierciedlają materialne i duchowe zainteresowania ludzi.” I choć dziś wytwory sztuki użytkowej tworzone są przez przemysł artystyczny, w dużej mierze zachowują cechy narodowe. Wszystko to pozwala nam powiedzieć, że w sztuce dekoracyjnej określonej epoki historycznej wyraźnie wyrażają się cechy jedności stylistycznej, na przykład okres gotyku, secesji, klasycyzmu itp.

Jak można stwierdzić, czy dany produkt jest dziełem sztuki dekoracyjnej? Czasami argumentują tak: jeśli wazon ma piękny kształt, ale nie jest niczym ozdobiony, to nie jest dziełem sztuki dekoracyjnej, ale jeśli nałożysz na niego jakiś wzór, natychmiast zamieni się w dzieło . To jest błędne. Czasami ozdoby zdobiące wazon czynią go niesmaczną podróbką i zamieniają w kicz. I odwrotnie, naczynie wykonane z czystej gliny lub drewna może być tak uderzające w swojej doskonałości, że jego wartość artystyczna staje się oczywista.

Jakie są podobieństwa i różnice pomiędzy dziełami sztuki ludowej i profesjonalnej sztuki zdobniczej i użytkowej? Po czym można rozpoznać, czy wazon lub dywan jest dziełem ludowej, czy profesjonalnej sztuki dekoracyjnej?

Może poziom wykształcenia mistrza lub artysty będzie tu pomocny? Nie, to nie pomoże, choć powszechnie przyjmuje się, że twórca ludowy nie ma specjalnego wykształcenia, ale artysta sztuki użytkowej musi koniecznie ukończyć specjalną placówkę edukacyjną. Jednak dzisiaj są wyspecjalizowane instytucje edukacyjne, które szkolą specjalistów dla takich ośrodków jak Gzhel, Fedoskino, Semenov itp.

Czasami, ze względu na sposób wykonania danej rzeczy, udział pracy ręcznej w tym procesie i masowy nakład, starają się klasyfikować dzieła sztuki użytkowej jako ludową lub profesjonalną sztukę zdobniczą. Jest to niezwykle trudne, gdyż czasami wyroby sztuki ludowej powstają w fabrykach, a czasami dzieła dekoracyjne profesjonalnych artystów powstają w jednym egzemplarzu.

Rzecz artystyczna dziś, podobnie jak sto lat temu, rzemieślnik ludowy wykonuje je głównie ręcznie. Jednocześnie mistrz może pracować samodzielnie lub w zespole, a także w zorganizowanych warsztatach, a nawet w fabrykach w ośrodkach tradycyjnej sztuki i rzemiosła ludowego. Z reguły dzieła sztuki dekoracyjnej i użytkowej tworzone są przez artystów z przedsiębiorstw lub warsztatów branży artystycznej. Uczestniczą zarówno w produkcji artykułów dekoracyjnych produkowanych w masowych ilościach, jak i w tworzeniu indywidualnych projektów designerskich. Profesjonalni artyści w swojej twórczości mogą opierać się na obrazach światowej kultury artystycznej, na swój sposób nawiązywać do tradycji sztuki ludowej lub całkowicie kierować się wyłącznie swoją indywidualnością i wyobraźnią.

Chyba najważniejszą rzeczą przy ustalaniu, jaki typ osoby jest w stanie nosić tę czy inną rzecz, jest ustalenie, w ramach jakiej kompozycji artystycznej została ona stworzona, czy w technologii przetwarzania zachowane są cechy określonego typu obrazu. tworzywo.

Twórczość rzemieślników ludowych i artystów użytkowych łączy przemyślaność form, celowość proporcji i stylistyczne rozmieszczenie wszystkich elementów.

Umiejętność analizy środków wyrazu obrazu artystycznego w sztuce ludowej i zdobniczej jest konieczna, aby poczuć i nauczyć się lepiej rozumieć to, co ogólne i wyjątkowe w każdej z nich.

W tym kontekście jednym z najważniejszych pytań staje się pytanie o relację między obrazowością a fizycznością w dziełach dekoracyjnych, o to, co w nich przeważa. figuratywność czy plastyczność. Należy powiedzieć o złożonej interakcji plastiku z brzuchem w sztuce dekoracyjnej. W niektórych produktach plastik niesie początek malowniczego - ceramika Skopin, Kargopol, zabawki Dymkowo. Synteza części i całości jest obowiązkowa dla artysty ludowego, niezależnie od tego, jak poszerza się jego paleta, niezależnie od tego, co dominuje - zasada wizualna czy mentalna.

Wyrazistość linii, sylwetki, rytmu, koloru, proporcji, kształtu, przestrzeni w każdym typie sztuki zdobniczej w dużej mierze zależy od zastosowanych materiałów i technologii ich obróbki.

Związek formy z materiałem jest oczywisty. Plastyczność gliny, drewna, kruchość i przezroczystość szkła oraz wytrzymałość metalu umożliwiają tworzenie naczyń o różnych kształtach, o najlepszym rozwiązaniu artystycznym decydują właściwości materiału;

Rzemieślnik ludowy lub twórca rzemiosła artystycznego stara się ukazać w swojej twórczości w najlepszy możliwy sposób właściwości estetyczne materiałów: drewna, tekstyliów, metalu, ceramiki, szkła, papieru, skóry, kamienia itp.

Dekoracyjność w sztuce ludowej i zdobniczej jest głównym środkiem wyrażania piękna, jest jednocześnie cechą dzieł innych dziedzin sztuki.

Należy wziąć pod uwagę, że w każdej formie sztuki: obraz ma swoją własną strukturę, zdeterminowaną z jednej strony specyfiką wyrażania treści duchowych, z drugiej strony technologicznym charakterem materiał, w którym zawarta jest ta treść. Wizerunek artystyczny w sztuce ludowej i zdobniczej ma obie cechy charakterystyczne.

Dekoracyjny obraz wyraża nie osobę, ale ogólną - „specyficzną”, konkretną” (liść, kwiat, drzewo, ptak, koń itp.). Obraz dekoracyjny wymaga myślenia artystycznego i figuratywnego, mitycznego i poetyckiego stosunku do rzeczywistości.

Dlatego w sztuce ludowej zwyczajowo podkreśla się typy wizerunkowe wyrobów tradycyjnego rzemiosła artystycznego, które odzwierciedlają mitologiczne i estetyczne idee ludzi. Na przykład wizerunek ptaka, konia, drzewa życia, kobiety, znaków-symboli ziemi, wody, słońca można zobaczyć w różnych materiałach artystycznych: hafcie, tkactwie, koronce, malowaniu na drewnie i metalu, rzeźba w drewnie, ceramika itp. Trwałość i tradycyjny charakter tych obrazów oraz ich archetypowość w dużej mierze decydują o wysokiej wartości artystycznej i estetycznej dzieł sztuki ludowej.

Jednocześnie uniwersalność typów obrazowych w sztuce różnych narodów świata ukazuje ich jedność, związaną z wspólnością podejść do procesu estetycznego poznania zjawisk przyrodniczych i społecznych.

Obrazy w profesjonalnej sztuce dekoracyjnej odzwierciedlają także wyobrażenia konkretnych ludzi o pięknie. Często powstają też w oparciu o motywy naturalne lub geometryczne, jednak tutaj dopuszcza się dużą swobodę w interpretacji obrazów. Przedmioty historyczne lub motywy współczesnego życia są aktywnie wykorzystywane w dziełach sztuki użytkowej.

Przyjrzyjmy się teraz podobieństwom i różnicom w pojęciach „obrazu artystycznego”, „symbolu” i „znaku” na przykładzie dzieł zdobnictwa ludowego. Najbardziej pojemną i wieloaspektową koncepcją będzie „wizerunek artystyczny”. W niektórych przypadkach symbol jest znakiem obdarzonym organiczną naturą i niewyczerpaną dwuznacznością obrazu. W innych symbol nie jest równoznaczny z artystycznym

wizerunek, ale co szczególnie ważne, zawsze powinien mieć wartość artystyczna. Zatem obraz artystyczny nie zawsze ma znaczenie symboliczne, a symbol nie zawsze jest wyrazisty w przenośni. Obraz symboliczny z reguły nie ma żadnego znaczenia figuratywnego i symbolicznego, chociaż w sztuce ludowej bardzo często wszystkie znaki są symbolami, a czasem nawet obrazami. Taka polisemia obrazów-symboli i znaków-symbolów w ludowej sztuce dekoracyjnej przedstawia pewien trudność. Na przykład ptak w malarstwie Gorodets lub w ceramice Gzhel ma inny obraz. Jeśli mówimy ogólnie o ptaku, nie będzie to wizerunek konkretnego ptaka, ani nawet wizerunek ptaka w tradycjach. jakieś rzemiosło, ale obraz zbliżony do znaku, symbol słońca może być dekoracyjnym wizerunkiem koguta, z drugiej strony wiele symboli może mieć nie tylko jedno, ale kilka znaczeń słońce może być nie tylko kogutem, ale także koniem. Taki system symboliczno-poetycki wywodzi się ze znaków-symboli związanych z kultem bóstw naturalnych.

Analizując walory artystyczne konkretnego dzieła sztuki zdobniczej ludowej lub zawodowej, należy zwrócić uwagę na jego rozwiązanie figuratywne, biorąc pod uwagę cechy materiału, wyrazistość formy i proporcji, kolorystykę, połączenie ozdoba związana z kształtem produktu, walorami plastycznymi, obrazowymi lub graficznymi rzeczy. Jednocześnie należy zwrócić uwagę, jak rytmiczne powtórzenia, cechy kompozycyjne konstrukcji ozdoby i rzeczy jako całości wpływają na jej figuratywne rozwiązanie.

Jeśli nauczysz się dobrze analizować obraz w którymkolwiek z systemów artystycznych, otworzą się bogate możliwości identyfikacji wzajemnych powiązań środków artystycznych i ekspresyjnych.

Rzemiosło ludowe i zawodowe rozumiane jest jako sztuka służąca potrzebom człowieka i jednocześnie zaspokajająca jego potrzeby estetyczne, ożywiająca piękno.

Trzeba jednak mieć świadomość znaczących różnic pomiędzy tymi rodzajami sztuk. Sztuka ludowa, która przekształca rzeczywistość, jest uważana przez historyków sztuki współczesnej za szczególny rodzaj twórczości artystycznej, którego charakterystycznymi cechami są: kolektywna zasada i tradycje, stałość tematów i obrazów, uniwersalność języka zrozumiałego dla wszystkich narodów świata, powszechność wartości duchowych. Wszystkie te cechy sztuki zdeterminowane są holistycznym postrzeganiem świata.

Wskazane walory w równym stopniu wpisują się zarówno w ludową sztukę zdobniczą i użytkową, jak i folklor ustny, muzyczny i poetycki, gry, dramaty i inne formy sztuki ludowej.

Sztuka ludowa jest zjawiskiem holistycznym, ponieważ jej podstawą jest życie i sposób życia ludzi, ich wyobrażenia o wszechświecie, aktywność zawodowa, rytuały i święta. Przedmioty sztuki ludowej materializują wyobraźnię ludzi. Na przestrzeni wieków różne rodzaje sztuki ludowej rozwinęły się i udoskonaliły w jedności: ustna sztuka ludowa, folklor muzyczny, sztuka dekoracyjna i użytkowa, architektura.

Rezultaty działalności artystycznej i twórczej ludzi odzwierciedlają ich życie, poglądy i ideały, dlatego dzieła sztuki ludowej zawierają doświadczenie uczuć moralnych, wiedzy i postępowania. Unikalne i bogate w treści doświadczenia nadają sztuce ludowej wyjątkową wartość jako środka wychowania moralnego i estetycznego człowieka. Dlatego stanowi w tym kontekście tak ważny obszar. życie społeczne jako pedagogika ludowa. Uniwersalność sztuki ludowej pozwala uznać ją za ogromną siłę wpływającą na jednostkę i społeczeństwo.

Sztuka ludowa to przede wszystkim ogromny świat duchowych przeżyć człowieka, jego pomysły artystyczne- integralna część kultury. Sztuka ludowa opiera się na twórczej aktywności ludzi, odzwierciedlającej ich samoświadomość i pamięć historyczną. Ogromną rolę edukacyjną pełni obcowanie ze sztuką ludową, z jej ideałami moralnymi i estetycznymi kształtowanymi na przestrzeni wieków. Atrakcyjność sztuki ludowej dla człowieka oraz wpływ na jego sferę intelektualną, emocjonalną i zmysłową otwiera ogromne możliwości wykorzystania tradycyjnej sztuki ludowej i rzemiosła w systemie edukacji.

Podstawy teoretyczne sztukę ludową, jej istotę i znaczenie jako całości uzasadnili czołowi uczeni krajowi A.B. Bakushinsky, I.Y. Baguslavskaya, G.K. Wagner, V.S. Voronov, M.A. Nekrasova, S.B. Rozhdestvenskaya, A.B. Saltykov i inni. W ich dziełach główne prawa rozwoju sztuki ludowej zdefiniowano jako „zasadę zbiorową” i „narodowość”.

Jednym z pierwszych badaczy sztuki ludowej, który docenił wysoką wartość artystyczną i naukową sztuki „chłopskiej”, był V.S. Tradycje artystyczne zdefiniował jako „styl ludowy”. Naukowiec wierzył, że tradycja jest zdolna do zmian, jest mobilna wewnętrznie i zewnętrznie.

Przez długi czas przez tradycję sztuki ludowej rozumiano przede wszystkim starożytność jej obrazów, form i technik, trwałość ich zachowania i ciągłość rozwoju.

Autorzy współczesnych studiów z zakresu historii sztuki uważają tradycje za zjawisko dialektyczne kojarzone nie tylko z przeszłością, ale także teraźniejszością i przyszłością. W rozumieniu S.B. Rozhdestvenskiej tradycja jest skarbnicą wszystkiego, co doskonałe pod względem estetycznym, przekazywanym z pokolenia na pokolenie, zespołem środków wizualnych, które są jednocześnie stabilne i zmienne.

Powstawanie i rozwój folkloru tradycje artystyczne określonego obszaru odbywało się pod wpływem czynników przyrodniczo-geograficznych, kulturowych i społeczno-ekonomicznych.

M. Nekrasova uważa sztukę ludową za system twórczy, kulturowy i historyczny, który potwierdza się poprzez ciągłość tradycji i funkcji jako szczególny rodzaj twórczości artystycznej w zbiorowej działalności narodu. A każdy naród ma własną kulturę tradycji poetyckich, figuratywnych i rzemieślniczych. Ich rozwój trwał wieki, a ich dopracowanie zajęło wiele pokoleń ludzi. Tradycjami sztuki ludowej przekazuje się nie tylko umiejętności, ale także obrazy, ukochane przez ludzi motywy, zasady i techniki artystyczne. Tradycje tworzą główne warstwy ludowej kultury artystycznej - szkoły i jednocześnie decydują o szczególnej żywotności sztuki ludowej.

Nie sposób nie docenić siły tradycji dla rozwoju sztuki ludowej. M.A. Niekrasowa na tej właśnie podstawie słusznie uzasadnia artystyczne bogactwo obrazów, form, środków i technik. Ona tylko w to wierzy szczególnie charakterystyczne w systemach krajowych, w układach regionalnych, w systemach szkół sztuki ludowej, życie sztuki ludowej jako ośrodka kulturalnego da się określić jedynie żywa tradycja stanowi drogę do jej rozwoju; Prawo tradycji okazuje się główna siła w rozwoju.

Tradycja niesiona przez wieki nie przeszkadza w pojawieniu się poczucia nowoczesności. W sztuce ludowej wyraża się ona nie tyle w zewnętrznych znakach czasu, choć one oczywiście też mają swoje miejsce, ale w umiejętności odpowiadania na wymagania współczesności w tradycyjnej formie. Znajduje to odzwierciedlenie przede wszystkim w postrzeganiu świata, w idei piękna.

Bardzo ważne jest, aby sztuka ludowa ze swoją metaforą i symboliką - żyj kreatywnością i jednocześnie żywa pamięć historyczna, pamięć o początkach kultury. Przynosi doświadczenie poznania świata. Kluczem do jej zrozumienia jest integralność sztuki ludowej jako struktury artystycznej. Tradycja w takim razie - metoda twórcza.

„Traktując tradycję jako żywą, musimy ją przede wszystkim rozumieć jako całościową relację ze światem. Dopiero wtedy sztuka ludowa ujawni się w pełnym zakresie jej znaczeń, treści ideowych, emocjonalnych i estetycznych. Integralność nie oznacza jednak niezmienności sztuki ludowej.

Sztuka ludowa reinterpretuje obrazy, oryginalne motywy i stałe elementy nowe relacje, dołączanie do nich nowych doświadczeń i pomysłów. Stąd bierze się jego różnorodność form. Jednak jednocześnie nie powinno zanikać to, co wyjątkowe, wyróżniające ten czy inny ośrodek sztuki ludowej w jego cechach narodowych i regionalnych; wręcz przeciwnie, okazuje się niezbędnym warunkiem różnorodności artystycznej” – mówi M.A. Nekrasova 1.

Tradycja pojawia się w sztuce ludowej w postaci systemu, dla którego istotne są następujące aspekty: związek człowieka z przyrodą, ekspresja narodowa, szkoły sztuki ludowej (krajowa, regionalna, regionalna, szkoła rzemiosła indywidualnego).

Najbardziej kompletna definicja pojęcia „Skoda” podane przez M.A. Niekrasową. Uważa, że ​​w tym pojęciu koniecznie mieści się ciągłość kulturowa, czyli sztuka ludowa – artystyczna ta/nasza, utworzone przez tradycję. Zatem w sztuce ludowej za szkołę uważa się umiejętności, techniki zawodowe i systemy artystyczne, utrwalone ciągłością tradycji i charakterystyczne dla danego ośrodka sztuki ludowej, a nie miejsce kształcenia mistrzów.

Ciągłość tradycji kształtuje artystyczną kulturę ludową regionu i sprzyja wysokiemu profesjonalizmowi rzemiosła ludowego. To właśnie ta cecha pozwala nam podkreślić cechy konkretnej szkoły jako społeczności kreatywnej. Tylko szkoła, jako ciągłość kulturowa zdeterminowana istnieniem tradycji, jest w stanie zapewnić taką bazę artystyczną, która ożywia w czasie sztukę ludową i pozwala na rozwój rzemiosła artystycznego.

Główną postacią rzemiosła artystycznego jest mistrz ludowy, szczególna osobowość twórcza, duchowo związana z ludźmi, kulturą, przyrodą ziemi, nosiciel tradycji i zbiorowego doświadczenia.

„W każdym dotknięciu dłoni mistrza stworzonej jaskini pojawia się poczucie piękna, organicznego dla wewnętrznej struktury postrzegania ludowego w sztuce ludowej wyraża się narodowy temperament i charakter narodowy. To one w dużej mierze determinują różnorodność form sztuki ludowej.

W sztuce ludowej umiejętności artystyczne, zręczność techniczna, metody pracy i motywy są przekazywane z mistrza na ucznia. System artystyczny rozwija się wspólnie.”

Po ich opanowaniu uczniowie mają możliwość urozmaicenia swoich ulubionych motywów malarskich. I dopiero na podstawie zdobytych doświadczeń przechodzą do improwizacji opartej na malarstwie i komponowaniu własnych kompozycji. Jeśli każdy bezbłędnie przejdzie przez etap powtórzeń i wariacji, to na poziomie improwizacji zaczną pracować tylko najzdolniejsi uczniowie, którzy mogą stać się prawdziwymi mistrzami w swoim rzemiośle.

Dzieła ludowej i profesjonalnej sztuki zdobniczej ozdabiają i przemieniają życie.

3. Kompozycja w sztuce ludowej i zdobniczej

Kompozycję jako istotny związek pomiędzy częściami dzieła sztuki w sztuce ludowej i zdobniczej można budować według różnych schematów. Konwencjonalnie wyróżnia się następujące aktywne elementy kompozycji dekoracyjnej: kolor, ornament, fabuła (motyw), planarne lub wolumetryczne rozwiązanie plastyczne.

Aby zrozumieć wzorce kompozycyjne, konieczne jest postrzeganie obrazu obiektu artystycznego lub kompozycji przestrzenno-objętościowej jako całości.

Kolor (jeden ze środków wyrazu w sztuce ludowej i zdobniczej) uważany jest za najważniejszy składnik obrazu dekoracyjnego. Nie jest ona powiązana ze specyficznymi cechami przedstawianego obiektu czy zjawiska. Każdy ośrodek sztuki ludowej tworzy własne rozwiązania kolorystyczne obiektów artystycznych, związane z tradycyjną technologią obróbki materiałów, zachowaniem archetypów i innymi warunkami zbiorowej twórczości. Osiągnięcie wyrazistości w prace dekoracyjne związane z kontrastami tonalnymi i kolorystycznymi.

W twórczości dekoracyjnej artyści dbają również o harmonijne współgranie kolorów, a rzeczywiste kolory przedmiotów można zastąpić symbolicznymi. Jedność kolorystyczną wszystkich elementów ozdoby osiąga się za pomocą kontrastów lub niuansów kolorystycznych. Przy doborze relacji kolorystycznych w pracach dekoracyjnych bierze się pod uwagę wielkość części wzoru, ich rytmiczne ułożenie, przeznaczenie przedmiotu i materiał, z którego jest wykonany.

Ozdoba, jako element dekoracyjnego wizerunku rzeczy, odgrywa bardzo ważną rolę w kształtowaniu jej wyglądu. To samo naczynie, ozdobione różnymi zdobieniami, za każdym razem zyskuje nowy obraz, a co za tym idzie inną wyrazistość. Lokalizacja ozdoby i

tylko cienki pasek; w innym przypadku można ozdobić całą jego powierzchnię. Ozdabiając przedmiot, należy koniecznie wziąć pod uwagę związek między ozdobą a kształtem przedmiotu. Duży kwiat i to samo mały kwiatek Ozdabiają filiżankę na zupełnie inne sposoby.

Ceramiczne naczynia, metalowe tace czy pudełka z masy papierowej zdobione są nie tylko ozdobami, ale także rysunkami fabularnymi. Zwykle wykonuje się je bez uwzględnienia perspektywy, ponieważ rysunki powinny podkreślać płaszczyznę, a nie pokazywać głębię.

Temat i fabułę można wyrazić w rzeźbie dekoracyjnej lub na naczyniach ceramicznych na różne sposoby. Na przykład w ceramice Gzhel scena przyjęcia herbacianego jest przedstawiona na naczyniach lub wyrzeźbiona w małym plastiku. A naczynie można łatwo przekształcić w zwierzę lub ptaka.

Tematyczna kompozycja dekoracyjna ma swoje własne wzory, własne język artystyczny. Jak każde dzieło sztuki opowiada o ludziach, rzeczach i wydarzeniach. Ale jednocześnie opowieść obrazkowa jest podporządkowana celów dekoracyjnych z reguły służy do dekoracji przedmiotu. Dlatego kompozycja dekoracyjna jest również związana z ozdobą. Jego możliwości jest niezliczona ilość w zależności od konkretnych zadań, a możliwości artystyczne można poszerzać stosując różnorodne materiały i techniki, zmieniając przeznaczenie i skalę obrazu.

Temat kompozycji dekoracyjnej można wyrazić w sposób zasadniczo odróżniający ją od kompozycji obrazu. Relacje przestrzenne natury rzeczywistej mogą być całkowicie nieobecne. Obraz krajobrazu może rozwijać się nie w głębi, ale w górę; w tym przypadku odległe plany są umieszczone nad bliskimi.

Dekoracyjna kompozycja tematyczna - specjalna świat sztuki z własnym umownym porządkiem, a czasem z własną architekturą i specyficznymi, łatwo rozpoznawalnymi postaciami, które odnoszą się do siebie w zupełnie inny sposób niż w rzeczywistości.

Często obraz łączy się z ornamentem i nabiera charakteru niemal ozdobnego, jakby „rozpływał się” na płaszczyźnie, co wynika z uogólnienia form, konwencjonalnych charakterystyka koloru. Przy całej oryginalności obrazu dekoracyjnego wcale nie wyklucza on narracji i nie jest pozbawiony możliwości przeprowadzenia zabawnej historii. Nawet ilustracje książkowe można wykonać dekoracyjnie.

W kompozycji dekoracyjnej szczególną rolę odgrywa wyrazistość sylwetki, graficzne piękno konturów i linii postaci, bardzo ważne jest znalezienie odpowiedniego proporcji kolorów i tonów postaci oraz tła kompozycji , gdyż są istotne w stylizacji.

Podstawowe wzory kompozycyjne i wzory kompozycji dekoracyjnej są takie same, jak przy konstruowaniu obrazu (koło, trójkąt, kwadrat, owal itp.). Kompozycja może być symetryczna i asymetryczna, otwarta i zamknięta. Kompozycja zbudowana po przekątnej może przekazywać szybki ruch. Każdy z wymienionych środków wyrazu w kompozycji dekoracyjnej ma swoją niepowtarzalność.

Jednym z głównych środków artystycznej ekspresji kompozycji dekoracyjnej jest rytm. Wyraźna, rytmiczna organizacja kształtów, linii, plam barwnych, relacji tonalnych jest kluczem do konstruowania dekoracyjnych obrazów i wzorów.

Organiczną właściwością dekoracyjnej kompozycji tematycznej jest dekoracyjne przekształcenie dowolnej natury, odsłaniające elegancję, piękno, wzór otaczającego świata, zachowując pewną miarę konwencjonalności obrazu. Umiejętne uogólnianie formy wcale nie szkodzi wyrazistości. Odmowa drobnych szczegółów sprawia, że ​​główne detale stają się bardziej zauważalne i sprawiają, że brzmią z pełną mocą.

Temat kompozycji dekoracyjnej można uogólnić niemal do symbolu i mieć odpowiednie rozwiązanie artystyczne. Tematyczną kompozycję dekoracyjną można porównać do ozdoby, w której potrzeba łączenia elementów jest oczywista, nie tylko tam, gdzie występuje powtarzalność motywów, ale także we wzorze swobodnie wypełniającym płaszczyznę.

Zatrzymajmy się bardziej szczegółowo nad problemem koloru. Główną cechą odróżniającą obraz dekoracyjny od realistycznego jest to, że kolor przedmiotu można nadać bez uwzględnienia światła i cienia, możliwe jest nawet całkowite odrzucenie koloru obiektu w naturze. Najważniejsze jest stworzenie obrazu artystycznego za pomocą koloru.

Ale nie należy pochopnie rezygnować z prawdziwego koloru, można go przyjąć za podstawę, zwłaszcza że w naturze na przykład jabłko może być żółte, czerwone i zielone. Co więcej, nawet jeden kolor może być jasny i ciemny, ciepły i zimny oraz zawierać wiele odcieni.

Prawo integralności odgrywa bardzo ważną rolę w kompozycji dekoracyjnej. Nie wyklucza to możliwości łączenia w jednej pracy obrazów sylwetkowych i trójwymiarowych, bądź też posługiwania się obrazami uogólnionymi i szczegółowymi, bo jeden lepiej się wyróżnia, kontrastując z drugim. Jednocześnie nie powinniśmy zapominać o równowadze części, którą można osiągnąć, porzucając małe rzeczy, wzmacniając najważniejsze, łącząc wszystko ze światłem lub kolorem itp.

Ponadto techniki kompozycyjne w sztuce ludowej i zdobniczej mogą podkreślać objętość lub płaskość dekorowanego przedmiotu, wówczas położenie i charakter dekoracji oraz detali zostaną temu celowi podporządkowane. Wyrazistość kompozycji wolumetryczno-przestrzennej jako całości osiąga się w dużej mierze poprzez kompozycyjny układ jej części. Na przykład dekoracyjne kompozycje mozaikowe Z. Tsereteli, wykonane dla zespołu sanatoryjno-uzdrowiskowego w Adler, charakteryzują się urozmaiconą sylwetką, swobodnie rozproszonymi formami. Niektóre z nich płynnie przechodzą w siebie, inne natomiast zachowują swoją strukturę.

Formy zabawowe i rzeźby na dziedzińcach budynków mieszkalnych wyróżniają się szczególną różnorodnością technik kompozycyjnych.

Analizę cech kompozycyjnych dzieł sztuki ludowej i dekoracyjnej przeprowadza się z uwzględnieniem ogólnych praw sztuk plastycznych: z analizy forma ogólna przejdź do oceny układu części, a następnie ponownie do ogólnej wyrazistości obiektu.

4. Sztuka zdobnictwa

Ozdoba jest najważniejszą częścią sztuki ludowej i dekoracyjnej. Służy do ozdabiania budynków, odzieży, przedmiotów gospodarstwa domowego (naczynia, meble, narzędzia itp.), broni, ma szerokie zastosowanie w grafice książkowej i użytkowej, plakatach itp. Ozdobę można narysować materiałem graficznym oraz pomalować, wyhaftować lub utkane z nici, wyrzeźbione w drewnie lub wytłoczone w metalu itp. Ozdoba może stać się przedmiotem, jeśli jest utkana w formie koronki (serwetka, kołnierzyk, obrus itp.), maty lub odkuwana z metalu (a lampa, stojak, płot, brama itp.). Ozdoba może być wielokolorowa (polichromować) i monochromatyczne (monochromia), wykonany na powierzchni przedmiotu w sposób wypukły, reliefowy lub odwrotnie, pogłębiony. Ogólne cechy stylistyczne sztuki zdobniczej są określone przez cechy i tradycje kultury wizualnej każdego narodu, mają pewną stabilność w długim okresie historycznym i mają wyraźny charakter narodowy. Można zatem powiedzieć, że ozdoba jest stylem epoki, niezawodnym znakiem, że dzieło należy do określonego czasu i określonego kraju. (gotyk, barok, secesja itp.).

Przez wiele stuleci ludzie wierzyli w ochronną moc ozdoby, wierząc, że chroni ona od kłopotów oraz przynosi szczęście i dobrobyt. Stopniowo funkcja amuletu została utracona, ale główny cel ozdoby pozostał - uczynić przedmiot bardziej eleganckim i atrakcyjnym, wyrazistym artystycznie.

Właściwości ozdoby zależą od przeznaczenia, kształtu, konstrukcji i materiału, z jakiego wykonana jest rzecz. Ozdoba pomaga podkreślić cechy plastyczne i konstrukcyjne przedmiotu, uwydatnić jego figuratywny projekt i lepiej ukazać naturalne piękno materiału. Wszystko to jest możliwe pod warunkiem harmonijnego połączenia zdobnictwa i kształtu przedmiotu.