Testy 23 kwietnia przypada 120. rocznica jego urodzin wybitny kompozytor

, pianista i dyrygent Siergiej Siergiejewicz Prokofiew.

Rosyjski kompozytor, pianista i dyrygent, Artysta Ludowy RSFSR Siergiej Siergiejewicz Prokofiew urodził się 23 kwietnia (11 kwietnia w starym stylu) 1891 roku w majątku Sontsovka w obwodzie jekaterynosławskim (obecnie wieś Krasnoje w obwodzie donieckim na Ukrainie).

Jego ojciec był agronomem i zarządzał majątkiem, matka zajmowała się domem i wychowywaniem syna. Była dobrą pianistką i pod jej przewodnictwem lekcje muzyki rozpoczęły się, gdy chłopiec nie miał jeszcze pięciu lat. Wtedy też podjął pierwsze próby komponowania muzyki.

Spektrum zainteresowań kompozytora było szerokie – malarstwo, literatura, filozofia, kino, szachy. Siergiej Prokofiew był bardzo utalentowanym szachistą, wynalazł nowy system szachowy, w którym kwadratowe deski zastąpiono sześciokątnymi. W wyniku eksperymentów pojawiły się tak zwane „szachy dziewiątki Prokofiewa”. Posiadając wrodzony talent literacki i poetycki, Prokofiew napisał prawie wszystkie libretta do swoich oper; napisał opowiadania, które ukazały się w 2003 roku. W tym samym roku odbyła się w Moskwie prezentacja pełnego wydania „Dzienników” Siergieja Prokofiewa, które w 2002 roku zostały wydane w Paryżu przez spadkobierców kompozytora. Publikacja składa się z trzech tomów, obejmujących nagrania kompozytora z lat 1907–1933. W ZSRR i Rosji wielokrotnie wznawiano „Autobiografię” Prokofiewa, napisaną przez niego po ostatecznym powrocie do ojczyzny; V ostatni raz

został ponownie opublikowany w 2007 roku.

„Dzienniki” Siergieja Prokofiewa stały się podstawą filmu dokumentalnego „Prokofiew: Niedokończony dziennik” nakręconego przez kanadyjskiego reżysera Josepha Feiginberga.

Muzeum nazwane na cześć Glinka opublikowała trzy zbiory Prokofiewa (2004, 2006, 2007). W listopadzie 2009 roku w Muzeum Państwowe JAK. Puszkina w Moskwie odbyła się prezentacja unikalnego artefaktu stworzonego przez Siergieja Prokofiewa w latach 1916–1921. - „Drewniana księga Siergieja Prokofiewa – symfonia pokrewne dusze „. To zbiór powiedzeń wybitni ludzie znani artyści, muzycy, pisarze, bliscy przyjaciele i po prostu znajomi Siergieja Prokofiewa.

W 1947 Prokofiew otrzymał tytuł Artysta Ludowy RFSRR; był laureatem Nagród Państwowych ZSRR (1943, 1946 - trzykrotnie, 1947, 1951), laureatem Nagrody Lenina (1957, pośmiertnie).

Zgodnie z wolą kompozytora, w roku stulecia jego śmierci, czyli w 2053 roku, otwarte zostanie ostatnie archiwum Siergieja Prokofiewa.

Materiał został przygotowany w oparciu o informacje pochodzące z otwartych źródeł

Prokofiew Siergiej Siergiejewicz (1891-1953), kompozytor, pianista, dyrygent.

Urodzony 23 kwietnia 1891 r. w majątku Solntsevka (obecnie wieś Krasnoe) w obwodzie donieckim, gdzie jego ojciec był zarządcą. W 1904 r. Prokofiew wstąpił do Konserwatorium w Petersburgu; studiował kompozycję u A.K. Lyadova i instrumentację u N.A. Rimskiego-Korsakowa.

Ukończył konserwatorium w 1909 roku jako kompozytor, po czym wstąpił do niego ponownie w klasie fortepianu. Jeśli dyplom kompozytora jest moimi własnymi słowami Prokofiew był „kiepskiego” (nie układały mu się relacje z nauczycielami), następnie ukończenie konserwatorium w 1914 roku jako pianista okazało się genialne – otrzymał Nagrodę im. Antona Rubinsteina i dyplom z wyróżnieniem.

Jeszcze podczas studiów w konserwatorium Prokofiew napisał swój Pierwszy koncert fortepianowy, który triumfalnie wykonał na egzaminie końcowym. W sumie ma pięć koncertów na fortepian, dwa na skrzypce i jeden na wiolonczelę. W 1917 roku Prokofiew napisał I Symfonię, nazywając ją „klasyczną”. Aż do roku 1952, kiedy powstała ostatnia, VII Symfonia, kompozytor nieustannie sięgał po ten gatunek. Niemniej jednak głównymi gatunkami w jego twórczości są opera i balet. Prokofiew skomponował operę „Maddalena” w 1911 r. i balet „Opowieść o błaźnie, który oszukał siedmiu błaznów” – w 1915 r. Prawdziwym sukcesem była opera „Hazardzista” (1916) na podstawie opowiadania F. M. Dostojewskiego.

W latach 1918–1933 Prokofiew mieszkał w Ameryce. Za granicą z sukcesem koncertował i pisał muzykę. W 1919 r. ukazała się jego słynna opera „Miłość do trzech pomarańczy” według C. Gozziego, w 1925 r. – balet „Skok stali”, w 1928 r. – balet „ Syn marnotrawny" Szczytami jego twórczości baletowej są „Romeo i Julia” (1936) i „Kopciuszek” (1944). W gatunek opery Do największych osiągnięć Prokofiewa słusznie zalicza się „Wojnę i pokój” (1943) na podstawie L.N. Tołstoja oraz „Zaręczyny w klasztorze” (1940) na podstawie fabuły „Duenny” R. Sheridana.

Wybitny talent Prokofiewa został doceniony zarówno w kraju, jak i za granicą. W 1934 roku kompozytor został wybrany na członka Akademia Narodowa„Świętej Cecylii” w Rzymie, w 1946 r. – członek honorowy praskiej „Umiejętnej Rozmowy”, w 1947 r. – członek Królewskiej Szwedzkiej Akademii Muzycznej.

Był wielokrotnym zwycięzcą Nagroda Państwowa ZSRR, a pośmiertnie (1957) Prokofiew otrzymał Nagrodę Lenina.

Prokofiew zmarł w Moskwie we wspólnym mieszkaniu przy Kamergersky Lane z powodu kryzysu nadciśnieniowego 5 marca 1953 r. Ponieważ zmarł w dniu śmierci Stalina, jego śmierć przeszła niemal niezauważona, a bliscy i współpracownicy kompozytora mieli duże trudności w zorganizowaniu pogrzebu. S. S. Prokofiew został pochowany w Moskwie dnia Cmentarz Nowodziewiczy. Ku pamięci kompozytora na domu przy Kamergersky Lane umieszczono tablicę pamiątkową.

Jak zauważa G. Alfeevskaya 11, teatralny charakter myślenia kompozytora przesądził o znaczeniu w jego twórczości gatunków muzycznych i teatralnych, reprezentowanych przez opery, balety, muzykę do filmów i sztuk teatralnych, bogatych w żywe i różnorodne obrazy. Charakterystyczną cechą wielu baletów i oper jest zabawna intryga, szybkość dynamiki akcji i rola komediowego początku.

Jak zauważa L. Danko 12, ciągła proces twórczy Twórczość kompozytora w tym nurcie wyznacza rozwój dramaturgii muzycznej i scenicznej w powiązaniu z trzema głównymi nurtami:

Scherzo komediowe (na przykład balet „Głupiec”, opera „Miłość do trzech pomarańczy”)

Konflikt-dramat, począwszy od opery Gracz, a skończywszy na operze „Wojna i pokój”

Komedia liryczna (opera „Duena”, balet „Kopciuszek”)

Czwarty wers, kojarzący się z pieśnią ludową, powstał w ostatnich latach życia kompozytora (opera „Opowieść o prawdziwym mężczyźnie”, balet „Opowieść o kamiennym kwiecie”.

Tematyka wątków operowych obejmuje przykłady rosyjskiej i europejskiej literatury klasycznej; Zakres czasowy obejmuje okres od średniowiecza do współczesności. Ogólnie, twórczość operowa Prokofiewa wyróżnia dominacja symfonizmu, tendencja do intensyfikacji epizodów orkiestrowych oraz chęć odtworzenia w muzyce współczesnych ideałów i oddania cech charakterystycznych danej epoki.

Należy zaznaczyć, że S.S. Prokofiew, będąc dramaturgiem, aktualizuje gatunek opery, wprowadzając do niego elementy teatru i kina dramatycznego. Opery kompozytora wyróżnia także różnorodność obrazów i sytuacji scenicznych oraz biegunowość w odbiciu rzeczywistości.

Balety SS Prokofiew jest również bardzo zainteresowany. W XX wieku balet rosyjski dzięki wysoko rozwiniętym zasadom symfonicznym osiągnął nowy poziom, a nawet zaczął konkurować z operą. Ten trend jest w dużej mierze kojarzony z nazwiskiem S. Diagilewa, który często zamawiał balety u S.S. Prokofiewa 13.

Kontynuując idee P.I. Czajkowskiego, S.S. Prokofiew ostatecznie przekształca przedstawienie choreograficzne w przedstawienie dramatyczne. Balety SS Prokofiewa o różnych fabułach łączą następujące cechy: wszystkie balety są symfoniczne, orkiestra zaczęła odgrywać większą rolę, istnieje także rozwinięty system motywów przewodnich. Wszystkie balety kompozytora mają także charakter liryczny i psychologiczny, co oznacza, że ​​to właśnie klasyczna forma baletu stała się dla S. S. Prokofiewa główną formą baletu.

Muzyka instrumentalna to kolejny z najważniejszych obszarów twórczości S. S. Prokofiewa, w którym wyrażone zostały główne, charakterystyczne cechy stylu autora – złożone, ale bardzo wyrafinowane. Wszystkie dzieła łączy niezwykły dar melodyczny, harmonia, bogactwo z jasnym narodowym posmakiem. Należy podać przykłady: I ​​Symfonia, napisana w stylu klasycznym, „Haydnowskim”; symfonie nr 2-4, napisane za granicą i oddające ducha czasów współczesnych kompozytora, symfonie nr 5-7, powstałe w późnym okresie jego życia, niemniej jednak przepełnione optymizmem i radością życia (nr 7) 14 .

S. S. Prokofiew stworzył 6 kantat („Them Seven”, „Kantata na 20. rocznicę Rewolucji Październikowej”, „Uzdrowisko”, „Aleksander Newski” i in.). Na przykład „Aleksander Newski” zyskał masową popularność dzięki temu, że w 1938 roku na ekranach kin pojawił się film Siergieja Eisensteina „Aleksander Newski” z muzyką S. Prokofiewa. Kantata ta zajmuje w twórczości kompozytora szczególne miejsce – bohatersko-epicki temat narodowy będzie dalej rozwijany w operze „Wojna i pokój”, w muzyce do „Iwana Groźnego”, w V Symfonii i niektórych innych utworach 15.

Innowacja kompozytora mocno przeniknęła do muzyki fortepianowej. Twórczość fortepianową kompozytora charakteryzują wątki liryczne połączone z narodowym akcentem, charakterystycznym dla całej twórczości kompozytora. Dla kompozytora ważne było jak najdokładniejsze przedstawienie idei muzycznej i ukazanie ulgi harmonii. Stąd chęć „przejrzystości” brzmienia; tematy często ujawniają się w górnym rejestrze i nie są przeładowane polifonią. Rozwój myśli podąża za ruchem linii melodycznej. Zazwyczaj twórczość fortepianowa Prokofiewa dzieli się na trzy okresy:

1) Wczesny . Przed wyjazdem za granicę (1908 - 1918). W tym okresie powstały cztery sonaty, dwa koncerty, etiudy (op. 2), sztuki teatralne (op. 3, 4), Toccata (op. 11), Sarkazmy (op. 17), Przemijalność (op. 22);

2) Zagraniczny (1918 - 1933). W twórczości następuje pogłębienie sfery lirycznej. Powstały koncerty III, IV, V, V sonata, „Opowieści” (op. 31), cztery utwory (op. 32);

3) radziecki (połowa lat 30. XX w.). Według samego Prokofiewa w tym okresie twórczości następuje „przejście do nowej prostoty”. Napisane „Muzyka dla dzieci” (op. 65), transkrypcje, sonaty 6-9 16.

Nowe cechy stylistyczne muzyki młodego Prokofiewa powstały jako swego rodzaju negacja estetyki muzycznego impresjonizmu. Melodyjno-rytmiczną niejasność impresjonizmu należało skontrastować z przejrzystością i aktywnością; płynność krawędzi – prostopadłość, rozwarstwienie, podkreślenie kadencji; półtony, półświatła – wyrazistość barw i odcieni. Natura talentu młodego Prokofiewa, cały jego sposób myślenia, pozostawały w zadziwiającej harmonii z tymi ważnymi zadaniami muzycznymi i twórczymi. Człowiek o niezwykłej jasności i harmonii światopoglądowej Prokofiew znalazł naturalne oparcie dla swojego myślenia kompozycyjnego w klasycyzmie. Jasna harmonia klasycystycznej estetyki i wyrafinowany porządek uniwersalnych zasad budowania form odpowiadały jego artystycznym aspiracjom. L. Gakkel w swojej książce „Muzyka fortepianowa XX wieku” tak zdefiniował założenia artystyczne Prokofiewa:

1) napisz dla „ duża sala„, pracować dla szerokiego grona odbiorców, być aktualnym, to znaczy, że muzyka powinna być dźwięczna, kontrastowa, określona rytmicznie;

2) pisać muzykę zaraźliwą emocjonalnie (mobilne rozmieszczenie formy, ruchome tempa, dynamiczna eskalacja) 17.

Rozwój stylu S. Prokofiewa charakteryzuje się stopniowo wzrastającą skłonnością do melodyzowania w porównaniu z motoryką i scherzem, co było charakterystyczne dla wczesnego okresu twórczości, kojarzonego nie tyle z okresem życia kompozytora, co z miejsce i czas pobytu kompozytora.

Charakterystyczny twórczość fortepianowa kompozytor

Do najbardziej znanych należą dzieła fortepianowe Siergieja Prokofiewa ciekawe strony jego twórczość. Wiadomo, że kompozytor wyczuwał instrumentalną specyfikę fortepianu i po mistrzowsku ucieleśniał swoje oryginalne pomysły artystyczne w nowatorskiej pisarstwie fortepianowym i oryginalnej pianistyce. Prokofiew twórca dzieł fortepianowych i Prokofiew pianista są od siebie nierozłączni, a zjawiska te można właściwie zrozumieć tylko w połączeniu, a nie osobno.

Prokofiew przez całe swoje twórcze życie komponował, z nielicznymi wyjątkami, na fortepian. Jego litera fortepianowa skrystalizowała się indywidualny styl, cechy jego pisma. Jego pierwsze utwory fortepianowe sięgają dzieciństwa i młodości, a ostatnie powstały w okresie ciężkiej choroby, w przededniu śmierci.

Wkład kompozytora w muzykę fortepianową jest ogromny: 5 koncertów z orkiestrą, 9 sonat, 3 sonaty, około 75 utworów oryginalnych (w tym 6 cykle fortepianowe) oraz 50 transkrypcji, głównie własnych utworów orkiestrowych.

Dzieła fortepianowe Prokofiewa otworzyły nowy rozdział nie tylko w rosyjskiej, ale także światowej twórczości pianistycznej. Kompozytor pokazał dzięki nim bogate możliwości muzyki na ten instrument wzajemne oddziaływanie gatunków. I tak na przykład wpływ muzyki symfonicznej, a zwłaszcza teatralnej na fortepian, dla nikogo nie był tak korzystny, jak dla Prokofiewa; jednocześnie gatunek fortepianu całkowicie zachował swoją instrumentalną specyfikę.

Kompozytor wprowadził do kultury pianistycznej XX wieku element orzeźwiający i afirmujący życie, wprowadzając do niej „namacalną” konkretność i skuteczność 18 . Światło i radość, młodzieńczy entuzjazm i energia na początku muzyka fortepianowa Prokofiew, a także jej miękkie, głęboko ludzkie, czasem delikatne i przeważnie surowe rysy liryczne, były specyficznymi źródłami ucieleśnienia optymistycznego i odważnie humanistycznego obrazowania w radzieckiej muzyce fortepianowej.

W znacznej części swojej twórczości Prokofiew opiera się na podstawach rosyjskiej pieśni ludowej i rozwoju „kuczków”. Wpływ europejskiej klasyki muzycznej XVIII i początek XIX wieków, zwłaszcza twórczość Haydna i wczesnego Beethovena (częściowo D. Scarlattiego) 19. Ale Prokofiew zawsze pozostał wierny swojemu ścieżka twórcza: polegaj na tradycjach tylko po to, aby dalej iść do przodu, zinterpretuj je w sposób innowacyjny i pozostań do końca artystą swoich czasów, swoim ludem.

Prokofiew nieustannie poszukiwał czegoś nowego, w odwiecznym poszukiwaniu nowoczesności. To postępowe, nowatorskie osiągnięcia Prokofiewa zapewniły żywotność i nieśmiertelność jego dziełom fortepianowym. Chciałbym rozważyć główne, najważniejsze cechy innowacyjności twórczości fortepianowej Prokofiewa. Aby je zrozumieć, trzeba zanurzyć się w muzyczną atmosferę tamtych czasów, zrozumieć przyczyny i przesłanki, które wpłynęły na pojawienie się nowego języka muzycznego twórczości S. Prokofiewa.

Jeden z najbardziej cechy charakterystyczne zaawansowana sztuka początku XX wieku jest w niej swego rodzaju załamaniem poetyki wzmożonego kontrastu 20.

Poetyka kontrastu w twórczości artystów tej epoki zawierała nie tylko konflikt samych obrazów czy zderzenie emocjonalnych antytez, ale także ich niezwykle nagą współzależność i przenikanie; odzwierciedlało to nie tylko wyjątkowość postrzegania życia, ale także specyfikę stosunku do sztuki.

Polaryzacja przeciwstawnych zasad i ich wzajemne powiązanie w jedność to jedna z wiodących cech muzyki dawnej Prokofiewa. Przecież właśnie od tego zaczął Prokofiew, intuicyjnie oddając nastrój lat przedwojennych, wojennych i przedrewolucyjnych (1908-1917), charakteryzujących się szybkim przewartościowaniem i gwałtownym załamaniem norm estetycznych. Co prawda poetyka kontrastu w twórczości jeszcze całkowicie apolitycznego Prokofiewa tamtych lat pozbawiona była bezpośredniej treści społecznej; miała raczej związek z niestabilnością poszukiwań, destrukcyjnością i destrukcyjnością niż z bezpośrednim odbiciem konfliktów rzeczywistości. się. Ale tu też narodziły się pozytywne i konstruktywne zasady sztuki Prokofiewa 21.

U Prokofiewa poetyka kontrastu objawiła się z zadziwiającą wyrazistością w najróżniejszych aspektach jego twórczości, ukazując w niej jedność realistycznego i romantyczne początki. Przypomnijmy sobie zderzenie jego „destrukcyjnych”, „barbarzyńsko” okrutnych i wściekłych obrazów z jednej strony, a obrazów poranka i wiosny, jasnych dziewczęcych tekstów, naiwnej dziecięcej spontaniczności i czystości z drugiej. I tak na przykład dynamiczne „scytyjskie” obrazy bujnej radości współistnieją z polarnymi, kontemplacyjnymi obrazami statycznego „zasypiania” i zamarzania lub z obrazami oświeconego smutku, które narastały w jego utworach fortepianowych, przede wszystkim z gatunkowego przemyślenia twórczości teatralnej i kantatowej - wizerunki Pięknej („Syn marnotrawny”), Julii i Kopciuszka, Zofii („Siemion Kotko”) i Nataszy („Wojna i pokój”), Kateriny („Opowieść o kamienny kwiat„), Panny młode („Aleksander Newski”) 22,

Prokofiew odważnie zestawia ze sobą obrazy realne i baśniowe, wzniosłe i podłe, tragiczne i komediowe, naiwne i sarkastyczne (a nawet demoniczne), kontemplacyjne i dynamiczne, obrazowe i medytacyjne. Kompozytor odważnie i ostro ukazuje współzależność tych wszystkich kontrastujących ze sobą obrazów, odsłaniając wzajemne przenikanie się i współdziałanie wszystkich sprzecznych aspektów życia, szczególnie charakterystycznych dla naszych czasów.

Kolejnym ważnym estetycznym warunkiem języka fortepianowego Prokofiewa jest jego nowatorskie podejście do psychologii percepcji muzycznej. Mówimy o zasadzie zrekompensuj kompleks prostym 23 . Jego zadaniem jest ułatwienie percepcji, nadanie wyrażonej złożoności cech dostępności. Zasada ta koresponduje z dążeniem kompozytora do nadania swojemu dziełu szerokiej funkcji społecznej, głęboko organicznego (u wczesnego Prokofiewa, głównie podświadomego) poczucia społecznej roli jego sztuki. Prokofiew nie tylko „nie chce”, ale i „nie może” zostać artystą dla nielicznych.

Aby zrozumieć tę zasadę kompensacji, trzeba wiedzieć, jak Prokofiew ogólnie traktował pojęcia „złożone” i „proste” w sztuce, na czym polegało jego pragnienie „nowej prostoty”. Nigdy nie utożsamiał pojęcia prostoty z pojęciem wulgarnego prymitywu, zużytego szablonu, a pojęcia złożoności z celowym wyrafinowaniem lub domowym zdobieniem. Prokofiew dążył do „niezwykłej prostoty”, jakby na nowo rozważając słynne powiedzenie wielkiego Diderota: „wszystko zwyczajne jest proste, ale nie wszystko proste jest zwyczajne”. Dążył do prostoty, wyrażając wewnętrzne napięcie emocjonalne oraz dużą i złożoną myśl w powściągliwych na zewnątrz, lakonicznych formach wyrazu.

Cechy „otwartości” w emocjonalizmie Czajkowskiego, Rachmaninowa i Skriabina również nie trafiały w jego indywidualny gust. Taki był jego indywidualny ideał estetyczny, kontrastujący z jego czystą powściągliwością i rygorem zarówno wobec bezpośredniego „nacisku” emocjonalnego romantyków, jak i niezwykle wyrafinowanego wyrafinowania impresjonistów. (To nie przypadek, że przez całe życie podziwiał Haydna i Mozarta, Beethovena i Schuberta, głęboko kochał Glinkę, Musorgskiego, Borodina, Rimskiego-Korsakowa.) O ten ideał walczył w swojej twórczości, wytrwale poszukiwał formy jego ucieleśnienia i podszedł do tego różne okresy kreatywność z różnym powodzeniem.

Jednak połączenie kompleksowości z prostotą, charakterystyczną dla Prokofiewa już na samym początku jego twórczości, nie doprowadziło do mechanicznego podsumowania różnych stylów wypowiedzi, ale stworzyło ich nową jakość. Tak więc w wyniku syntezy organicznej, wzajemnego przenikania się pozornie odmiennych elementów stylistycznych, powstał nowy styl, nowy system wyrazistości. I ten nowy, indywidualnie niepowtarzalny i specyficznie Prokofiewowski styl jest jednym z najciekawszych przykładów współdziałania środków wyrazu artystycznego, przykładami wieloaspektowego i wewnętrznie organicznego dialektyzmu twórczości Prokofiewa.

Trzecią, być może najważniejszą przesłanką estetyczną stylu fortepianowego Prokofiewa, jest jego styl głęboki optymizm 24 . Mówimy o aktywnym, silnym dążeniu muzyki fortepianowej (i oczywiście nie tylko fortepianowej) Prokofiewa do jasnej radości, słonecznej młodości.

Cała jego muzyka prace indywidualne w różnym stopniu) jest pełen optymizmu. A zatem kompozytor, którego pierwsze dzieła wciąż kojarzą się z kryzysowymi latami początku stulecia, jednak może nim być ogólnie zaliczany do artystów nowej kultury socjalistycznej. Prokofiew wyczuwał, a następnie rozumiał główny kierunek rozwoju naszego życia, a co za tym idzie, główny kierunek rozwoju sztuki. I to go radośnie zainspirowało.

To nie przypadek, że Prokofiew tak chętnie ucieleśniał w swojej twórczości obrazy z dzieciństwa; wiosenna, radosna, harmonijna wizja świata przez dzieci była bliska jego artystycznej naturze. Przypomnijmy jego „Brzydkie kaczątko”, „Piotruś i wilk”, „Strażnik świata”, „Dwanaście łatwych utworów”, op. 65, IX Sonata fortepianowa, VII Symfonia...

Zdrowe, jasne, radosne postrzeganie świata i życia, brzmiące w muzyce Prokofiewa, zdeterminowało także optymistyczne koncepcje jego monumentalnych dzieł na fortepian – sonat i koncertów, przede wszystkim aktywny, energetyczny charakter finałów jego dzieł cyklicznych w szczególności.

Tu – w koncepcji optymistycznej – należy szukać emocjonalnych korzeni radosnego, dynamicznego rytmu dzieł kompozytora, rytmu wyrażającego szaleństwo potężnych sił jego wiecznie młodej, porywczej natury.

Wzmożona poetyka kontrastu, zasada kompensowania kompleksu prostym i głębokim, dalekosiężnym optymizmem – to trzy najważniejsze estetyczne podstawy języka muzycznego Prokofiewa w ogóle, a zwłaszcza jego dzieł fortepianowych. Te podstawowe zasady odcisnęły piętno na twórczości kompozytora, z całą jej oryginalnością, przejawiającą się w naturze obrazowości.

Jednocześnie najmocniejsze dzieła kompozytora charakteryzują się klasycyzm(w szerokim rozumieniu tego terminu, wykraczającym poza styl historyczny); nieodłącznymi są nie tylko narodowe, społeczne i ideowo-estetyczne znaki rosyjskiej sztuki radzieckiej, sztuki socrealizmu, ale także międzynarodowe, trwałe, uniwersalne znaki kategorii piękna, wieczne znaki doskonałości architektonicznej. Są to: podporządkowanie tego, co wtórne, główne, absolutna konieczność wszystkich elementów, logiczna kolejność w rozwoju obrazu, niezwykle wyraźna umiejętność selekcji w masie użytych środków językowych, najlepszy sposób ich organizacja w celu wyrażenia głównej idei i prawa ich ekonomii itp. Ale jedność tego, co narodowe i międzynarodowe, indywidualnie niepowtarzalne i uniwersalne, historycznie specyficzne i wieczne w sztuce, jest obowiązkowym znakiem prawdziwego klasycyzmu, w wielkim, filozoficzne i etyczne znaczenie tego pojęcia.

Umiejętność wyrażenia czegoś nowego, na swój sposób, odważnie i świeżo, nie tracąc przy tym wskazanych cech klasycyzmu (a w każdym razie jasnego wyrażania się) tendencja dla niej) jest uderzającą cechą wielu dzieł fortepianowych Prokofiewa. Aby to wszystko poczuć, trzeba nie tylko je przeanalizować, ale także nieco „odsunąć się” od nich, jakby ogarnąć te dzieła „jednym okiem” jako konstrukcję architektoniczną.

Prokofiew stworzył transkrypcje z baletów: „Kopciuszek” (10 utworów op. 97, 6 utworów op. 102, 3 utwory op. 95.), „Miłość do trzech pomarańczy” (2 fragmenty Marsz i Scherzo op. 33), „ Opowieść o kamiennym kwiecie” (4 utwory na fortepian op. 3.), „Romeo i Julia” (10 utworów op. 75), trzy aranżacje z op. 96 (Walc z czwartej sceny opery „Wojna i pokój” , z filmu „Lermontow” – 1942), trzy utwory z sześciu utworów op. 52 (przedstawiające zredagowane fragmenty baletu „Syn marnotrawny”), gawot (op. 77 z muzyki do spektaklu „Hamlet”) 25. Transkrypcja fortepianowa „Romea i Julii” jest bardzo znana i cieszy się dużym zainteresowaniem zarówno wśród wykonawców, jak i słuchaczy.

Mimo że balet, z którego zaczerpnięto tematykę tych sztuk, został już gruntownie przestudiowany, to jednak Dziesięć utworów op. 75 są nie mniej ważne i zasługują na dużą uwagę, co zostanie omówione w następnym rozdziale.

Siergiej Siergiejewicz Prokofiew to jeden z najważniejszych kompozytorów XX wieku, i to nie tylko dla krajowych fanów muzyka klasyczna. Jego opowieść symfoniczna dla dzieci „Piotr i Wilk”, balet „Romeo i Julia” oraz melancholijna VII Symfonia znajdują się na wszystkich listach światowych arcydzieł.

Dzieciństwo i młodość

Siergiej urodził się w obwodzie donieckim, we wsi Soncówka, która obecnie nazywa się wsią Krasnoje. Ojciec Prokofiewa był naukowcem zajmującym się agronomią, więc rodzina należała do inteligencji. W wychowaniu syna zaangażowana była matka, a ponieważ kobieta w dzieciństwie całkiem dobrze nauczyła się grać na pianinie, zaczęła oswajać dziecko z muzyką i instrumentem.

Seryozha po raz pierwszy zasiadł do fortepianu w wieku 5 lat, a kilka miesięcy później napisał swoje pierwsze sztuki. Matka spisywała wszystkie jego prace w specjalnym zeszycie, dzięki czemu prace tych dzieci przetrwały dla potomności. W wieku 10 lat Prokofiew miał już w swoim arsenale wiele dzieł, w tym dwie opery.

Dla wszystkich wokół niego było jasne, że tak talent muzyczny wymaga rozwoju i dla chłopca zostaje zatrudniony jeden ze słynnych rosyjskich nauczycieli, Reinhold Gliere. W wieku 13 lat Siergiej wyjechał do Petersburga i wstąpił do stołecznego konserwatorium. Co więcej, utalentowany młody człowiek ukończył ją na trzech kierunkach jednocześnie: jako kompozytor, pianista i organista.

Kiedy w kraju doszło do rewolucji, Prokofiew stwierdza, że ​​pobyt w Rosji nie ma sensu. Wyjeżdża do Japonii, a stamtąd stara się o pozwolenie na wyjazd do Stanów Zjednoczonych. Jeszcze w Petersburgu Siergiej Siergiejewicz zaczął występować jako pianista i na koncertach wykonywał wyłącznie własne utwory.

Zrobił to samo w Ameryce, później odbył tournée po Europie wielki sukces. Ale w 1936 roku mężczyzna wrócił do Związku Radzieckiego i zamieszkał na stałe w Moskwie, z wyjątkiem dwóch krótkotrwałych wycieczek pod koniec lat 30.

Kompozytor

Oprócz twórczości wczesnej, czyli dziecięcej, Siergiej Prokofiew od samego początku twórczości dał się poznać jako innowator języka muzycznego. Jego harmonie były tak gęste od dźwięków, że nie zawsze dobrze rezonowały z publicznością. Na przykład w 1916 roku, kiedy w Petersburgu po raz pierwszy wykonano Suitę scytyjską, wielu słuchaczy opuściło sala koncertowa, gdyż muzyka spadła na nich jak żywioł naturalny i wzbudziła strach i przerażenie w ich duszach.

Prokofiew osiągnął ten efekt poprzez połączenie złożonej, często dysonansowej polifonii. Efekt ten jest szczególnie wyraźnie słyszalny w operach „Miłość do trzech pomarańczy” i „ Ognisty Anioł”, a także w II i III Symfonii.

Ale stopniowo styl Siergieja Siergiejewicza stał się spokojniejszy, bardziej umiarkowany. Do jawnego modernizmu dodawał romantyzm i w rezultacie komponował najwięcej słynne dzieła, wpisany do światowej kroniki muzyki klasycznej. Lżejsze i bardziej melodyjne harmonie pozwoliły uznać balet „Romeo i Julia” oraz operę „Zaręczyny w klasztorze” za arcydzieła.

I baśń symfoniczna „Piotruś i Wilk”, napisana specjalnie dla Centrali teatr dziecięcy, a walc z baletu „Kopciuszek” stał się całkowicie wizytówki kompozytora i nadal, wraz z VII Symfonią, uważane są za szczytowe osiągnięcie jego twórczości.

Nie sposób nie wspomnieć o muzyce do filmów „Aleksander Newski” i „Iwan Groźny”, za pomocą której Prokofiew udowodnił, że potrafi pisać w innych gatunkach. Co ciekawe, dla zachodnich słuchaczy i muzyków to właśnie kompozycje Siergieja Prokofiewa są ucieleśnieniem rosyjskiej duszy. Z tej perspektywy jego melodie wykorzystywał m.in. brytyjski muzyk rockowy i amerykański reżyser filmowy.

Życie osobiste

Podczas tournée po Europie kompozytor poznał w Hiszpanii Karolinę Codinę, córkę rosyjskich emigrantów. Pobrali się i wkrótce w rodzinie pojawili się dwaj synowie - Światosław i Oleg. Kiedy w 1936 r. Prokofiew wrócił do Moskwy, towarzyszyła mu żona i dzieci.

Wraz z początkiem Wielkiego Wojna Ojczyźniana Siergiej Siergiejewicz wysłał swoich krewnych do ewakuacji i mieszkał oddzielnie od nich. Nigdy więcej nie zamieszkał z żoną. Faktem jest, że kompozytor poznał Marię Cecylię Mendelssohn, którą wszyscy nazywali Mirą. Dziewczyna studiowała w Instytucie Literackim i była 24 lata młodsza od swojego kochanka.

Prokofiew złożył pozew o rozwód, lecz Lina Kodina odmówiła, zdając sobie sprawę, że dla niej, jako osoby urodzonej za granicą, liczy się jedynie małżeństwo z znana osoba jest ratunkiem w okresie masowych aresztowań i represji.

Jednak w 1947 roku władze radzieckie uznały pierwsze małżeństwo Prokofiewa za nieoficjalne i nieważne, więc kompozytor mógł bez przeszkód ożenić się ponownie. I rzeczywiście Lina została aresztowana i zesłana do obozów w Mordowie. Po masowej rehabilitacji w 1956 roku kobieta wyjechała do Londynu, gdzie przeżyła były mąż przez 30 lat.

Siergiej Prokofiew był wielkim fanem szachów i nie grał na poziomie amatorskim. Kompozytor był poważnym rywalem nawet dla uznanych arcymistrzów, a nawet pokonał przyszłego mistrza świata, Kubańczyka Jose Raula Capablankę.

Śmierć

Pod koniec lat 40. stan zdrowia kompozytora znacznie się pogorszył. Prawie nigdy nie opuszczał swojej daczy pod Moskwą, gdzie przestrzegał rygorystycznego reżimu lekarskiego, ale nadal pracował - pisząc jednocześnie sonatę, balet i symfonię. Siergiej Prokofiew spędził zimę w moskiewskim mieszkaniu komunalnym. Tam 5 marca 1953 roku zmarł w wyniku kolejnego kryzysu nadciśnieniowego.

Ponieważ kompozytor zmarł tego samego dnia, cała uwaga kraju skupiła się na śmierci „przywódcy”, a śmierć kompozytora okazała się praktycznie niezauważona i nierelacjonowana przez prasę. Krewni musieli nawet napotkać trudności w organizacji pogrzebu, w wyniku czego Siergiej Siergiejewicz Prokofiew został pochowany na cmentarzu Nowodziewiczy.

Fabryka

• Opera „Wojna i pokój”
• Opera „Miłość do trzech pomarańczy”
• Balet „Romeo i Julia”
• Balet „Kopciuszek”
• Klasyczna (pierwsza) symfonia
• Siódma Symfonia
• Bajka symfoniczna dla dzieci „Piotruś i Wilk”
• Gra „Przelotność”
• Koncert nr 3 na fortepian i orkiestrę

Człowiek-fenomen w jasnożółtych butach w kratkę, z czerwono-pomarańczowym krawatem, niosący w sobie buntowniczą siłę – tak opisał Prokofiewa wielki rosyjski pianista. Opis ten doskonale oddaje zarówno osobowość kompozytora, jak i jego muzykę. Twórczość Prokofiewa jest skarbnicą naszej muzyki i kultura narodowa, ale życie kompozytora jest nie mniej interesujące. Wyjeżdżając na Zachód na samym początku rewolucji i mieszkając tam przez 15 lat, kompozytor stał się jednym z nielicznych „powracających”, co stało się dla niego głęboką osobistą tragedią.

Nie sposób podsumować twórczości Siergieja Prokofiewa: pisał ogromna ilość muzyka, pracowałem całkowicie różne gatunki, zaczynając od małych utwory na fortepian a na koniec muzyka filmowa. Niepohamowana energia popychała go nieustannie do rozmaitych eksperymentów, a nawet kantata gloryfikująca Stalina zadziwia swą całkowitą genialna muzyka. Być może koncert na fagot z orkiestra ludowa nie pisał, a twórczość tego wielkiego rosyjskiego kompozytora zostanie omówiona w tym artykule.

Dzieciństwo i pierwsze kroki w muzyce

Siergiej Prokofiew urodził się w 1891 roku we wsi Soncówka w obwodzie jekaterynosławskim. Od samego początku wczesne dzieciństwo Zidentyfikowano dwie jego cechy: niezwykle niezależny charakter i niepohamowany głód muzyki. Już w wieku pięciu lat zaczyna komponować drobne utwory na fortepian, a w wieku 11 lat pisze prawdziwą operę dla dzieci „Olbrzym”, przeznaczoną do wystawienia podczas wieczoru kina domowego. W tym samym czasie do Soncówki wysłano młodego, nieznanego wówczas jeszcze kompozytora Reinholda Gliere, aby uczył chłopca podstawowych umiejętności techniki kompozytorskiej i gry na fortepianie. Gliere okazał się znakomitym nauczycielem; pod jego ścisłym kierownictwem Prokofiew zapełnił kilka teczek swoimi nowymi dziełami. W 1903 roku z całym tym bogactwem udał się do Konserwatorium w Petersburgu. Rimski-Korsakow był pod wrażeniem takiej pracowitości i natychmiast zapisał go do swojej klasy.

Lata studiów w Konserwatorium w Petersburgu

W konserwatorium Prokofiew studiował kompozycję i harmonię u Rimskiego-Korsakowa i Lyadowa oraz grę na fortepianie u Esipowej. Żywy, dociekliwy, ostry, a nawet żrący w języku, zyskuje nie tylko wielu przyjaciół, ale także złych życzeń. W tym czasie zaczyna prowadzić swój słynny pamiętnik, który zakończy dopiero przeprowadzką do ZSRR, szczegółowo zapisując niemal każdy dzień swojego życia. Prokofiewa interesowało wszystko, ale przede wszystkim szachy. Na turniejach potrafił stać godzinami, przyglądając się grze mistrzów, a sam osiągnął na tym polu znaczące sukcesy, z których był niesamowicie dumny.

W tym czasie twórczość fortepianowa Prokofiewa została uzupełniona I i II Sonatą oraz I Koncertem na fortepian i orkiestrę. Od razu zdecydowano się na styl kompozytora – świeży, zupełnie nowy, odważny i odważny. Zdawało się, że nie ma ani poprzedników, ani naśladowców. W rzeczywistości nie jest to oczywiście do końca prawdą. Tematyka twórczości Prokofiewa wyłoniła się z krótkiego, ale bardzo owocnego rozwoju muzyki rosyjskiej, logicznie kontynuując drogę zapoczątkowaną przez Musorgskiego, Dargomyżskiego i Borodina. Ale załamane w energicznym umyśle Siergieja Siergiejewicza zrodziły całkowicie oryginał język muzyczny.

Wchłonąwszy kwintesencję ducha rosyjskiego, a nawet scytyjskiego, twórczość Prokofiewa działała na słuchaczy jak zimny prysznic, wywołując albo dziki zachwyt, albo oburzone odrzucenie. Dosłownie wpadł świat muzyki— Ukończył Konserwatorium w Petersburgu jako pianista i kompozytor, grając na egzaminie maturalnym swój I Koncert fortepianowy. Komisja, reprezentowana przez Rimskiego-Korsakowa, Lyadowa i innych, była przerażona wyzywającymi, dysonansowymi akordami i uderzającym, energicznym, a nawet barbarzyńskim sposobem gry. Nie mogli jednak nie zrozumieć, że mają do czynienia z potężnym zjawiskiem w muzyce. Wysoka ocena prowizji wyniosła pięć z trzema plusami.

Pierwsza wizyta w Europie

W nagrodę za pomyślne ukończenie konserwatorium Siergiej otrzymuje od ojca wycieczkę do Londynu. Tutaj bliżej poznał Diagilewa, którego od razu wziął pod uwagę młody kompozytor niezwykły talent. Pomaga Prokofiewowi zorganizować tournée po Rzymie i Neapolu oraz wydaje polecenie napisania baletu. Tak powstała „Ala i Lolliy”. Diagilew odrzucił fabułę ze względu na jej „banalność” i doradził, aby następnym razem napisać coś o tematyce rosyjskiej. Prokofiew rozpoczął pracę nad baletem „Opowieść o błaźnie, który oszukał siedmiu błaznów” i jednocześnie zaczął próbować swoich sił w pisaniu opery. Kanwą fabuły była powieść Dostojewskiego „Hazardzista”, którą kompozytor kochał od dzieciństwa.

Prokofiew nie ignoruje swojego ulubionego instrumentu. W 1915 roku zaczął pisać cykl utworów fortepianowych „Przemijanie”, odkrywając jednocześnie dar liryczny, którego nikt wcześniej nie podejrzewał u „kompozytora piłkarskiego”. Teksty Prokofiewa to temat szczególny. Niesamowicie wzruszająca i delikatna, ubrana w przezroczystą, precyzyjnie skalibrowaną fakturę, urzeka przede wszystkim prostotą. Twórczość Prokofiewa pokazała, że ​​był wspaniałym melodystą, a nie tylko niszczycielem tradycji.

Obcy okres w życiu Siergieja Prokofiewa

W rzeczywistości Prokofiew nie był emigrantem. W 1918 roku zwrócił się do Łunaczarskiego, ówczesnego Komisarza Ludowego Oświaty, z prośbą o pozwolenie na wyjazd za granicę. Wydano mu zagraniczny paszport i dokumenty towarzyszące bez daty ważności, w których celem podróży było ustalenie stosunki kulturalne i poprawę zdrowia. Matka kompozytora przez długi czas przebywała w Rosji, co wywołało wiele niepokoju Siergieja Siergiejewicza, dopóki nie udało mu się wezwać jej do Europy.

Najpierw Prokofiew wyjeżdża do Ameryki. Dosłownie kilka miesięcy później przybywa tam kolejny największy rosyjski pianista i kompozytor, Siergiej Rachmaninow. Była z nim konkurencja główne zadanie Na początek Prokofiew. Rachmaninow natychmiast stał się bardzo sławny w Ameryce, a Prokofiew zazdrośnie świętował każdy swój sukces. Jego stosunek do starszego kolegi był bardzo zróżnicowany. W pamiętnikach kompozytora z tego okresu często pojawia się nazwisko Siergieja Wasiljewicza. Zauważając jego niesamowitą pianistykę i doceniając jego walory muzyczne, Prokofiew uważał, że Rachmaninow nadmiernie ulegał gustom publiczności i niewiele pisał o własnej muzyce. Siergiej Wasiljewicz naprawdę niewiele napisał przez ponad dwadzieścia lat życia poza Rosją. Początkowo po emigracji popadał w głęboką i długotrwałą depresję, cierpiąc na ostrą nostalgię. Wydawało się, że twórczość Siergieja Prokofiewa wcale nie ucierpiała na braku związku z ojczyzną. Pozostało równie genialne.

Życie i twórczość Prokofiewa w Ameryce i Europie

Podczas podróży po Europie Prokofiew ponownie spotyka się z Diagilewem, który prosi go o przerobienie muzyki do „Głupca”. Produkcja tego baletu przyniosła kompozytorowi pierwszy sensacyjny sukces za granicą. Następnie wystawiono słynną operę „Miłość do trzech pomarańczy”, której marsz stał się tym samym utworem na bis, co Preludium cis-moll Rachmaninowa. Tym razem Ameryka uległa Prokofiewowi – w Chicago odbyła się premiera opery „Miłość do trzech pomarańczy”. Obydwa te dzieła mają ze sobą wiele wspólnego. Humorystyczne, czasem wręcz satyryczne – jak np. w „Miłości”, gdzie Prokofiew ironicznie portretował wzdychających romantyków jako postaci słabe i bolesne – tryskają typową dla Prokofiewa energią.

W 1923 kompozytor osiadł w Paryżu. Tutaj poznaje uroczą młodą piosenkarkę Linę Kodinę (pseudonim Lina Lubera), która później zostanie jego żoną. Wykształcona, wyrafinowana, oszałamiająca hiszpańska piękność, od razu przyciągnęła uwagę innych. Jej relacje z Siergiejem nie były zbyt gładkie. Od dawna nie chciał legitymizować ich związku, uważając, że artysta powinien być wolny od wszelkich zobowiązań. Pobrali się dopiero, gdy Lina zaszła w ciążę. Byli absolutnie genialną parą: Lina w niczym nie ustępowała Prokofiewowi - ani pod względem niezależności charakteru, ani ambicji. Często wybuchały między nimi kłótnie, po których następowało czułe pojednanie. O oddaniu i szczerości uczuć Liny świadczy fakt, że nie tylko poszła za Siergiejem do obcego jej kraju, ale także wypiwszy do dna kielich sowieckiego systemu karnego, pozostała wierna kompozytorowi do końca swoich dni, pozostając jego żoną i dbając o jego dziedzictwo.

Twórczość Siergieja Prokofiewa w tym czasie charakteryzowała się zauważalnym nastawieniem na stronę romantyczną. Spod jego pióra wyszła opera „Ognisty anioł” na podstawie noweli Bryusowa. Ponury, średniowieczny klimat oddany jest w muzyce za pomocą mrocznych, wagnerowskich harmonii. Było to dla kompozytora nowe doświadczenie, dlatego z zapałem pracował nad tym utworem. Jak zawsze udało mu się to perfekcyjnie. Materiał tematyczny opery został później wykorzystany w III Symfonii, jednej z najszczerszych dzieła romantyczne, z których nieliczne obejmują twórczość kompozytora Prokofiewa.

Powietrze obcego kraju

Powodów powrotu kompozytora do ZSRR było kilka. Życie i twórczość Siergieja Prokofiewa miały swoje korzenie w Rosji. Po około 10 latach życia za granicą zaczął odczuwać, że zagraniczne powietrze negatywnie wpływa na jego stan. Stale korespondował ze swoim przyjacielem, kompozytorem N. Ya Myaskowskim, który pozostał w Rosji, dowiadując się o sytuacji w swojej ojczyźnie. Oczywiście rząd radziecki zrobił wszystko, aby odzyskać Prokofiewa. Było to konieczne, aby wzmocnić prestiż kraju. Regularnie wysyłano do niego pracowników kultury, którzy w żywych kolorach opisali, jaka czeka go świetlana przyszłość w ojczyźnie.

W 1927 r. Prokofiew odbył swoją pierwszą podróż do ZSRR. Przyjęli go z radością. W Europie, mimo sukcesu swoich pism, nie znalazł odpowiedniego zrozumienia i sympatii. Rywalizacja z Rachmaninowem i Strawińskim nie zawsze była rozstrzygana na korzyść Prokofiewa, co raniło jego dumę. W Rosji miał nadzieję znaleźć to, czego mu brakowało – prawdziwe zrozumienie swojej muzyki. Ciepłe przyjęcie kompozytora podczas jego podróży w latach 1927 i 1929 skłoniło go do poważnego zastanowienia się nad swoim ostatecznym powrotem. Co więcej, przyjaciele z Rosji z entuzjazmem pisali mu w swoich listach, jak wspaniale byłoby dla niego mieszkać w kraju Sowietów. Jedynym, który nie bał się przestrzec Prokofiewa przed powrotem, był Myaskowski. Nad głową zaczęła już gęstnieć atmosfera lat 30. XX wieku, a on doskonale rozumiał, co tak naprawdę mogło czekać kompozytora. Jednak w 1934 roku Prokofiew podjął ostateczną decyzję o powrocie do Unii.

Powrót do ojczyzny

Prokofiew całkowicie szczerze przyjął idee komunistyczne, widząc w nich przede wszystkim chęć zbudowania czegoś nowego, wolne społeczeństwo. Imponował mu duch równości i antyburżuazji, pilnie wspierany przez ideologię państwową. Żeby było sprawiedliwie, trzeba powiedzieć, że wielu ludzie radzieccy Dzielili się tymi poglądami całkowicie szczerze. Choć fakt, że dziennik Prokofiewa, który przez wszystkie poprzednie lata prowadził punktualnie, kończy się właśnie w momencie jego przybycia do Rosji, nasuwa się pytanie, czy Prokofiew rzeczywiście aż tak bardzo nie znał kompetencji organów bezpieczeństwa ZSRR. Na zewnątrz było otwarte Władza radziecka i lojalny wobec niej, choć wszystko doskonale rozumiał.

Niemniej jednak rodzime powietrze wywarło niezwykle owocny wpływ na twórczość Prokofiewa. Jak twierdzi sam kompozytor, starał się jak najszybciej zaangażować w prace na tematy sowieckie. Po spotkaniu z reżyserem z zapałem zabiera się do pracy nad muzyką do filmu „Aleksander Newski”. Materiał okazał się na tyle samowystarczalny, że obecnie wykonywany jest na koncertach w formie kantaty. W tym utworze, pełnym patriotycznego entuzjazmu, kompozytor wyraził miłość i dumę do swego ludu.

W 1935 roku Prokofiew ukończył jedno ze swoich najlepszych dzieł – balet Romeo i Julia. Jednak publiczność nie zobaczyła go szybko. Cenzorzy odrzucili balet ze względu na szczęśliwe zakończenie, które nie dorównywało oryginałowi Szekspira, a tancerze i choreografowie narzekali, że muzyka nie nadaje się do tańca. Nowa plastyczność i psychologizacja ruchów wymagana przez język muzyczny tego baletu nie została od razu zrozumiana. Prawykonanie odbyło się w Czechosłowacji w 1938 r., w ZSRR, publiczność obejrzała je w 1940 r., kiedy główne role zagrał Konstantin Siergiejew. To im udało się znaleźć klucz do zrozumienia języka scenicznego ruchów do muzyki Prokofiewa i gloryfikować ten balet. Do tej pory rozważana jest Ulanova najlepszy wykonawca rolę Julii.

Dzieło „dziecięce” Prokofiewa

W 1935 r. Siergiej Siergiejewicz i jego rodzina po raz pierwszy odwiedzili dzieci teatr muzyczny pod przewodnictwem N. Satsa. Prokofiew był nie mniej urzeczony akcją na scenie niż jego synowie. Był tak zainspirowany pomysłem pracy w podobnym gatunku, że krótkoterminowy napisał muzyczna bajka„Piotruś i Wilk”. W trakcie występu dzieci mają okazję zapoznać się z brzmieniem różnorodnych instrumentów instrumenty muzyczne. Do twórczości Prokofiewa dla dzieci zalicza się także romans „Chatterbox” na podstawie wierszy Agni Barto oraz suita „Winter Fire”. Kompozytor bardzo kochał dzieci i lubił pisać muzykę dla tej publiczności.

Koniec lat 30.: wątki tragiczne w twórczości kompozytora

Pod koniec lat 30. XX w twórczość muzyczna Prokofiew był przepojony niepokojącymi intonacjami. To jego triada sonat fortepianowych, zwana „wojskową” - szósta, siódma i ósma. Skończyli różne czasy: Szósta Sonata - w 1940 r., Siódma - w 1942 r., Ósma - w 1944 r. Ale kompozytor zaczął pracować nad wszystkimi tymi utworami mniej więcej w tym samym czasie - w 1938 r. Nie wiadomo, czy w tych sonatach jest więcej – 1941 czy 1937. Ostre rytmy, dysonansowe harmonie, pogrzeb dzwonki te pisma dosłownie się przepełniają. Ale jednocześnie typowo Prokofiewowski liryzm objawił się w nich najdobitniej: drugie części sonat to czułość przeplatająca się z siłą i mądrością. Premiera VII Sonaty, za którą otrzymał Prokofiew Nagroda Stalina, odbyła się w 1942 roku w wykonaniu Światosława Richtera.

Sprawa Prokofiewa: drugie małżeństwo

Dramat miał miejsce także w życiu osobistym kompozytora. Związek z Ptaszką – tak Prokofiew nazywał swoją żonę – pękał w szwach. Niezależna i towarzyska kobieta, przyzwyczajona do komunikacji społecznej i doświadczająca jej dotkliwego niedoboru w Unii, Lina stale odwiedzała zagraniczne ambasady, co cieszyło się dużym zainteresowaniem Departamentu Bezpieczeństwa Państwa. Prokofiew nie raz powtarzał żonie, że warto ograniczać tak karygodną komunikację, zwłaszcza w niestabilnej sytuacji międzynarodowej. Biografia i twórczość kompozytora bardzo ucierpiały z powodu zachowania Liny. Nie zwracała jednak uwagi na ostrzeżenia. Między małżonkami często wybuchały kłótnie, a związek, już burzliwy, stał się jeszcze bardziej napięty. Odpoczywając w sanatorium, gdzie Prokofiew był sam, poznał młodą kobietę, Mirę Mendelssohn. Badacze wciąż spierają się, czy został on wysłany specjalnie do kompozytora, aby chronić go przed krnąbrną żoną. Mira była córką pracownika Gosplanu, zatem ta wersja nie wydaje się mało prawdopodobna.

Nie wyróżniała się żadną szczególną urodą ani niczym zdolności twórcze, pisała wiersze bardzo przeciętne, nie wahając się ich cytować w listach do kompozytora. Jej głównymi zaletami były uwielbienie dla Prokofiewa i całkowite poddanie się. Wkrótce kompozytor postanowił poprosić Linę o rozwód, którego ona mu odmówiła. Lina zrozumiała, że ​​dopóki pozostanie żoną Prokofiewa, ma przynajmniej pewne szanse na przeżycie w tym wrogim jej kraju. Potem nastąpiła absolutnie niesamowita sytuacja, która w praktyce prawniczej ma nawet swoją nazwę – „sprawa Prokofiewa”. Oficjalne organy Związek Radziecki wyjaśnił kompozytorowi, że skoro jego małżeństwo z Liną Codiną zostało zarejestrowane w Europie, to z punktu widzenia prawa ZSRR jest ono nieważne. W rezultacie Prokofiew poślubił Mirę, nie rozwiązując małżeństwa z Liną. Dokładnie miesiąc później Lina została aresztowana i wysłana do obozu.

Prokofiew Siergiej Siergiejewicz: twórczość w latach powojennych

To, czego podświadomie obawiał się Prokofiew, wydarzyło się w 1948 r., kiedy wydano niechlubny dekret rządowy. Opublikowany w „Prawdzie” potępił drogę niektórych kompozytorów jako fałszywą i obcą światopoglądowi sowieckiemu. Prokofiew znalazł się wśród tych „zagubionych” ludzi. Twórczość kompozytora charakteryzowała się: antynarodowością i formalizmem. To był straszny cios. NA przez wiele lat skazał A. Achmatową na „milczenie”, zepchnął w cień D. Szostakowicza i wielu innych artystów.

Ale Siergiej Siergiejewicz nie poddał się, do końca swoich dni nadal tworzył w swoim stylu. Twórczość symfoniczna Prokofiew ostatnie lata stał się efektem całej jego kariery kompozytorskiej. Siódma symfonia, napisana na rok przed śmiercią, jest triumfem mądrej i czystej prostoty, światła, do którego szedł przez wiele lat. Prokofiew zmarł tego samego dnia co Stalin. Jego odejście przeszło niemal niezauważone ze względu na ogólnonarodowy żal po śmierci ukochanego przywódcy narodów.

Życie i twórczość Prokofiewa można krótko opisać jako ciągłe dążenie do światła. Niesamowicie afirmujący życie, przybliża nas do idei ucieleśnionej przez wielkiego Beethovena w jego łabędzim śpiewie – IX Symfonii, gdzie w finale brzmi oda „Do radości”: „Obejmij miliony, połącz się w radości jednego”. Życie i dzieło Prokofiewa jest drogą wielki artysta, który całe swoje życie poświęcił służbie Muzyce i jej wielkiej Tajemnicy.