Taniec powstał w czasach starożytnych. Początkowo były częścią starożytnych rytuałów, ich ruchy miały znaczenie rytualne: w języku tańca prymitywni ludzie komunikowali się ze swoimi starożytnymi bogami. Rytuały-działania, ustalone zwyczajowo. Rytuał może obejmować pieśni, tańce, zaklęcia i teatralne przedstawienia karnawałowe. Rytuał to kolejność czynności rytualnych, która była ściśle przestrzegana w każdym rytuale. Bliskie w znaczeniu rytuałowi jest pojęcie „ceremonii”. Ludzie prosili swoich bogów o udane polowanie lub obfite zbiory. Często ruchy takich tańców naśladowały ruchy robotnicze i odgrywano całe „sceny” polowań lub żniw.

Tańce ludowe

Ze starożytnych tańców rytualnych wywodzą się tańce ludowe, które służyły zabawie i utraciły swoje rytualne znaczenie. Zachowały się jednak w nich ślady starożytnych tańców. Na przykład prawie każdy kraj ma swoje własne tańce okrągłe - powolne tańce okrągłe. Ich główną cechą jest ruch po okręgu. Dawno, dawno temu, w czasach starożytnych, taki ruch miał magiczne, rytualne znaczenie: okrąg jest symbolem słońca. Okrągłym tańcom często towarzyszą piosenki. Pieśniom czasami towarzyszą inne tańce. Każdy naród ma swoje własne tańce. Odzwierciedlają cechy różne narody. Wszystkie narody mają tańce szybkie, szybkie i wolne, płynne. Ludy południa, bardziej temperamentne, charakteryzują się bardziej porywczymi, ogniste tańce. Na przykład gruzińska Lezginka, włoska tarantella czy węgierski Czardas („Tańce węgierskie” I. Brahmsa). U ludy północy dominują tańce bardziej powściągliwe, zgodne z ich spokojnym temperamentem. Rosyjskie tańce ludowe, szeroko rozpowszechnione w całej Rosji, obejmują trepak, kamarynską i taniec okrągły.

Trepak i Kamarinskaya to szybkie, wesołe tańce. Inne narody mają podobne: Ukraiński Hopak, Halling norweski i taniec wiosenny („Tańce norweskie” E. Griega). Kompozytorzy często sięgali po melodie tańca ludowego. A czasem sami komponowali melodie przypominające tańce ludowe.

Różnią się jasnością i różnorodnością taniec hiszpański- bolero („Bolero” na orkiestrę syfonową M. Ravela) i habanera (Habanera Carmen z opery „Carmen” J. Bizeta).

Starożytna suita taneczna z XVI wieku

Melodie tańców ludowych nie były spisywane, lecz przekazywane ustnie z pokolenia na pokolenie. Wraz z pojawieniem się tańca towarzyskiego pojawili się muzycy dworscy. Wykonali i nagrali specjalne adaptacje tańców ludowych, przystosowane na bale arystokratyczne. Nieco później muzycy dworscy sami zaczęli komponować i nagrywać melodie taneczne. Na balach opracowano własną etykietę – zasady postępowania w określonym miejscu i terenie pewne społeczeństwo. Pojęcie to jest powiązane z pojęciami „rytuał” i „ceremonia”.

Etykieta sali balowej obejmowała także pewną sekwencję tańców. W tej kolejności tańce zapisano w specjalnych zeszytach.

Z reguły tańce towarzyskie łączono w pary, które obejmowały szybkie i powolny taniec. W XVI wieku najczęstszą parą był pawan i galliarda.

Pavana (od słowa „pavo” - „paw”) to powolny taniec procesyjny pochodzenia hiszpańskiego. Bale zwykle otwierano tym tańcem: gospodarze witali gości tym tańcem. Rozmiar pavanu jest zwykle czteroklapowy.

Gagliarda (włoskie słowo „gagliarda” oznacza „wesoły, wesoły”) to szybki włoski taniec na trzy takty z lekkimi skokami. Taniec ten wymagał sporej zręczności, a na balach odbywały się nawet konkursy najlepsza wydajność galiardy.

Nadworni kompozytorzy zaczęli nadawać tym tańcom cechy wspólne, pojawiając się jeden po drugim. Z reguły oba tańce brzmiały w tej samej tonacji. Ale tempo i charakter pozostały różne dla każdego tańca.

Dzięki cechy ogólne te dwa tańce nie tylko następowały po sobie, ale zamieniły się w dwuczęściową suitę taneczną.

Starożytna suita taneczna z XVII wieku

W dawnych czasach, podobnie jak obecnie, panowała moda na osobne tańce. I ona też się zmieniła, ale znacznie wolniej. Moda na pawany i galiardy trwała około stu lat, lecz ostatecznie wyszła z mody. W XVII wieku popularne były już inne tańce, jednak tak jak dawniej łączono je w kontrastujące pary: wolny i szybki. Jedna z tych nowych par składała się z umiarkowanie powolnego allemande i żywego, poruszającego gongu. Pojawiła się także inna para: bardzo powolny hiszpański taniec procesyjny, sarabanda i szybki jig, wywodzący się z dziarskiego, szorstkiego tańca angielskich marynarzy. Te pary tańców tradycyjnie łączono w suity.

Pierwszym kompozytorem, który wymyślił dużą czteroczęściową suitę dwóch par nowych tańców, był Niemiecki kompozytor Johanna Jacoba Frobergera.

Kolejność tańców w suitach Frobergera była zawsze taka sama: allemande, courante, sarabanda i gigue.

• 1. Allemande to spokojny, pełen wdzięku taniec o dwóch taktach pochodzenia niemieckiego.
• 2. Courant – taniec składający się z trzech taktów, który istniał we Włoszech i Francji. Słowo сourante oznacza po rosyjsku „bieganie”. Jednak francuska courante jest tańcem

umiarkowane tempo i uroczysty charakter, natomiast gong włoski jest tańcem aktywnym. W apartamentach bardziej powszechna jest żywa wersja dzwonka, ponieważ każda para musi obejmować zarówno taniec wolny, jak i szybki.

• 3. Sarabanda – trzytaktowy taniec pochodzenia hiszpańskiego. To jest taniec procesyjny. W Hiszpanii, kolebce tego tańca, istniało wiele odmian sarabanda, także smutnych i żałobnych, które można było usłyszeć podczas hiszpańskich ceremonii pogrzebowych. Na balach słychać było uroczyste, majestatyczne sarabandy. To właśnie ta uroczysta procesja taneczna zadomowiła się w innych Kraje europejskie. Sarabanda to najwolniejszy taniec w suitie, zwykle w tonacji molowej. Sarabanda posiada cechę rytmiczną, która odróżnia ją od innych tańców: druga miara taktu jest często wydłużona, „cięższa”, a z pierwszej na drugą następuje przesunięcie taktu mocnego.
• 4. Gigue – szybki taniec angielski z ruchem triolowym. Istnieją przyrządy w rozmiarach 3/8, 6/8, 9/8, 12/8. We wszystkich tych rozmiarach jedno uderzenie to trzy ósme. Szybki ruch trójek zawsze nadaje muzyce prędkość. Ten sam rodzaj rytmicznego ruchu odnajdziemy w najbardziej wirujących i „ognistych” tańcach – włoskiej tarantelli i gruzińskiej Lezgince. W tej szybkiej części imitacja polifoniczna brzmi bardzo ekspresyjnie (jeśli zapomniałeś, co to jest, spójrz do rozdziału o fakturze) - głosy zdają się doganiać. Giga to najszybszy taniec w suitie.

Froberger stworzył swoje suity na klawesyn - instrument klawiszowy, poprzednik fortepianu. Zewnętrznie wygląda jak mały fortepian bez pedałów, ale często z dwoma klawiaturami. Dźwięk wydobywany był nie przez młoteczki, a przez pióra szarpiące struny, przez co przypomina nieco gitarę. Klawesyn nie miał możliwości tworzenia crescendo i diminuendo, ale jedna z dwóch klawiatur mogła brzmieć głośniej, a druga ciszej.

W wielu zakątkach Czarnego Kontynentu tradycje trwające od wieków są pieczołowicie pielęgnowane. A tańce narodów Afryki są świecący przykład tego, jak ludzie tutaj myślą, czują i żyją przez wiele stuleci.

Każdy taniec staje się tu spektaklem, zwłaszcza dla zwiedzających, ponieważ nie da się zrozumieć całej istoty i logiki ruchów, trzeba po prostu poczuć obecność w afrykańskich sercach i otaczająca przyroda tylko w ten sposób można docenić piękno lokalnej sztuki.

Jednocześnie taniec afrykański jest przykładem najstarszej formy światowej choreografii, w której zachowało się wiele starożytnych elementów. Każde plemię stara się zaszczepić wszystkim swoim członkom podstawy tradycyjnych kroków tanecznych od dzieciństwa, aby przekazać je nowemu pokoleniu. Pasja, z jaką mieszkańcy Afryki wykonują swoje zwykłe tańce, przekazywana jest każdemu obserwatorowi, dlatego są one znane na całym świecie i często są wykonywane przez obcokrajowców, nawet tych, którzy je szczegółowo studiują.

Zainteresowanie sztuką afrykańską po raz pierwszy stało się zauważalne w okresie kolonialnym, kiedy najeźdźcy aborygeńscy i europejscy. Następnie style afrykańskie przeniknęły do ​​Europy i odwrotnie.

Tańce narodów Afryki różnią się w zależności od regionu, ponieważ różne części kontynentu przechodziły własne etapy rozwoju i historii, niektórzy z nich odczuli aktywny wpływ obcych kultur, które zmieniły się na zawsze tradycyjne występy na przykład kraje Afryki Północnej stały się arabskie z odpowiednimi przejawami sztuki. Te same terytoria, odizolowane od cywilizacji, są nosicielami tradycji, oryginalnych i niepodobnych do niczego innego. Wszystko to sprawia, że ​​​​kontynent jest tak interesujący, jak to możliwe, pod względem różnorodności lokalnych tańców, których nauka może być bardzo długa i ekscytująca.

Tańce afrykańskie mają uderzające cechy, które odróżniają je od reszty:

• charakter masowy;
• akompaniament z instrumentami perkusyjnymi;
• określone ruchy.

Większość tańców świata jest sparowana, ale wcale nie jest to nieodłączne od tańców ludów Afryki, które zwykle wykonuje się w grupach i zwykle tancerze są podzieleni według płci, z których każdy tańczy dla drugiej płci.

Tańczą tu wszyscy, bez względu na wiek i status, tylko określony wiek ma swój taniec, dzięki czemu utrwala się rola plemienna i ustala się tożsamość grupowa.

Towarzyszą bowiem całemu życiu mieszkańców Afryki, zatem naturalnym jest, że wszystkie główne części wykonywane są przy rytmicznych i wpadających w ucho dźwiękach najróżniejszych instrumenty perkusyjne. Co więcej, wiele plemion nie wyobraża sobie nawet gry na bębnie bez tańca. Zwykle używane są następujące narzędzia:

• djembe;
• wibrator

Tradycyjni muzycy zawsze zachowują wszystkie stare rytmy i melodie, wiernie przekazując je takimi, jakie były setki lat temu. Dlatego sztukę muzyki i tańca traktuje się niezwykle poważnie, traktując je nie jako rozrywkę, ale jako sposób na zjednoczenie plemienia.

Osobno trzeba omówić ruchy tancerzy afrykańskich, gdyż ich umiejętność panowania nad ciałem wymyka się spod kontroli wielu zagranicznych mistrzów. Podczas tańca Afrykanie mogą z łatwością zmusić całe ciało lub wybrany narząd do ruchu w dowolnym kierunku, stosując jednocześnie kilka rytmów.

Wśród gładkich, skomplikowanych ruchów są też ostre:

• skoki;
• ciosy;
• machanie rękami lub wszelkiego rodzaju przedmiotami.

Tańcom męskim towarzyszą ruchy naśladujące zwierzęta lub myśliwych, dlatego często wykonuje się je z użyciem broni (kij, włócznia).

Korespondencyjny charakter mają tańce kobiece, są gładsze, nogi są zwykle ugięte, tułów pochylony do przodu, a kroki szurają. Specjalne ruchy wyróżniające tancerzy afrykańskich to:

• skręcenie;
• drżący.

Oczywiste jest, że każdy taniec w Afryce ma również swój własny głębokie znaczenie dlatego dla określonego wydarzenia i grupy ludzi dobierane są ich ruchy. Wyróżnia się różne tańce rytualne ludów Afryki, różniące się tradycje regionalne i temat:

• wojownicy;
• poświęcenie;
• myśliwi;
• Miłość;
• zbiór;
• wywoływanie i wypędzanie duchów.

Tańce wojowników są obecne we wszystkich częściach kontynentu i pomimo różnych nazw mają podobny ruch i znaczenie. Ich cechy to:

• agresywność stylu;
• charakterystyczne ruchy;
• złożone rytmy perkusyjne;
• używanie przedmiotów pomocniczych jako broni.

Nadal popularne w tradycji Plemiona afrykańskie Rytuałowi inicjacyjnemu zawsze towarzyszy taniec, który uważany jest za jeden z najważniejszych tańców rytualnych ludów Afryki. Przed jego wykonaniem młodzi członkowie plemienia odchodzą na miesiące na emeryturę, a potem dopiero pojawiają się przed całym społeczeństwem, ciesząc się z siebie i witając dojrzałość.

Polowanie stało się tradycyjny motyw dla wielu tańców afrykańskich, ponieważ jest to część życia, a mianowicie życie codzienne jest zwykle podstawą wszystkich obrazów w lokalnej sztuce. Ruchy taneczne są odpowiednie, naśladują zwierzęta i ludzi na polowaniu.

Aby uzyskać lepszy nastrój, stosuje się różne dodatki:

• pióra;
• skóry zwierzęce;
• maski zwierzęce.

Tańce miłości towarzyszą przede wszystkim tradycyjnym weselom i wykonywane są nie tylko przez nowożeńców, ale także na ich cześć. Więcej podobnych ruchów można zaobserwować podczas:

• rocznice;
• rytuały plemienne.

Tańce żniwne to najstarsze tańce rytualne ludów Afryki, są sposobem komunikowania się z boskimi istotami. Podczas takich ruchów członkowie plemienia proszą o przyzwoite zbiory.

Wiele tajemniczych i starożytnych rytuałów Ludy afrykańskie związane z przywoływaniem duchów, istnieją do tego odpowiednie tańce. Zwykle przywoływane obiekty nie są abstrakcyjnymi istotami z innego świata, ale konkretnymi jednostkami:

• bóstwa;
• przodkowie;
• duchy obiektów naturalnych.

Podczas takich tańców można przebłagać ducha i poprosić go o ochronę lub pomoc. Specjalnym dodatkiem do takiej akcji są maski, które towarzyszą różnym uroczystościom, w tym ślubom i pogrzebom, a w ten sam sposób wypędzane są duchy.

5. Taniec

Kolejny musical genre związany z ruch to jest taniec. Podobnie jak w marszu, tutaj muzyka pełni rolę organizatora ruchu. Znowu takie środki wyrazu jak tempo I rytm. Ale ruchy taneczne bardziej złożony i zróżnicowany niż zwykłe chodzenie. Dlatego muzyka taneczna jest bardziej różnorodny. Ale nie ze względu na złożoność. Przecież im bardziej złożone ruchy, tym prostsza i wyraźniejsza powinna być towarzysząca im muzyka. Powinno pomóc, a nie dezorientować.

Starożytne tańce rytualne

Taniec powstał w czasach starożytnych. Początkowo byli częścią starożytnych rytuały, ich ruchy miały rytuał znaczenie: w języku tańca prymitywni ludzie porozumiewali się ze swoimi starożytnymi bogami.

Ludzie prosili swoich bogów o udane polowanie lub obfite zbiory. Często ruchy takich tańców naśladowały ruchy robotnicze i odgrywano całe „sceny” polowań lub żniw.

Tańce ludowe

Wywodzi się ze starożytnych tańców rytualnych tańce ludowe, które służyły zabawie i straciły swoje rytualne znaczenie. Zachowały się jednak w nich ślady starożytnych tańców. Na przykład prawie każdy kraj ma swój własny okrągłe tańce. Ich główną cechą jest poruszanie się koło. Dawno, dawno temu, w czasach starożytnych, taki ruch miał magiczne, rytualne znaczenie: symbol koła słoneczny.

Każdy naród ma swoje własne tańce. Odzwierciedlają cechy różnych narodów. Wszystkie narody mają tańce szybkie, szybkie i wolne, płynne. Ale jednocześnie ludy południowe, bardziej temperamentne, charakteryzują się szybszymi, ognistymi tańcami. Na przykład gruziński Lezginka lub włoski tarantela. Wśród ludów północnych dominują tańce bardziej powściągliwe, zgodne z ich spokojnym temperamentem.

Prawdopodobnie nie da się wymienić wszystkich tańców wszystkich narodów. Nawet prosta lista najbardziej podstawowych, dobrze znanych tańców zajmie kilka stron. Bardzo duże kraje, takich jak Rosja, mieszkańcy regionów południowych i północnych mogą mieć całkowicie różne tańce, Z różne nazwy. Ale są tańce znane we wszystkich regionach kraju.

DO Rosjanie popularne tańce ludowe w całej Rosji, można przypisać Trepak, Kamarynska, okrągły taniec.

Trepak i Kamarinskaya tańczą szybko i wesoło. Inne narody również mają podobne tańce: ukraiński Hopak, szkocki Strathspey, norweski hala I wiosenny taniec. Kompozytorzy często sięgali po melodie tańca ludowego. A czasem sami komponowali melodie przypominające tańce ludowe.

Przykład 91
P.I. Czajkowski. TREPAK z baletu „Dziadek do orzechów”

Przykład 92
M.I.Glinka. KAMARIŃSKA

Przykład 93
E.Grieg. HALOWANIE

Przykład 94
E.Grieg. WIOSENNY TANIEC

Okrągły taniec nazwa zwyczajowa powolne tańce w kręgu. Tańce te, jak już wspomnieliśmy, wywodzą się z obrzędów kultu Słońca. Tańce te są również powszechne na całym świecie: rosyjski i czeski okrągły taniec, ukraińskiego i polskiego hodowca krów, bułgarski Dobry, serbsko-chorwacki kolor, Mołdawski chór, gruziński Chorumi I perhuli, Azerbejdżan halas, francuski ronda I Branle, niemiecki królować i wiele innych.

Często towarzyszą tańcom okrągłym piosenki. Pieśniom czasami towarzyszą inne tańce, zwłaszcza rosyjskie i gruzińskie.

Taniec towarzyski

Dawno, dawno temu królowie, bogata szlachta i prości chłopi ubrani w ten sam sposób, śpiewali te same pieśni i tańczyli te same tańce. A arystokraci wyróżniali się jedynie bogactwem i władzą. Ale z biegiem czasu bogate pałace i majątki wykształciły własną modę, narodziły się własne maniery, zaczęto organizować bale, na których tańczyli po swojemu, sala balowa taniec. Tańce te znacznie różniły się od ludowych.

Ale skąd wziął się taniec towarzyski? Od ludzi. Tak, wszystkie tańce towarzyskie wywodzą się z tańców ludowych i nawet zachowały swoje nazwy. I menuet, I gawot, I walc, I mazurek, a nawet smutny, zamyślony Sarabanda były kiedyś tańcami ludowymi, ale brzmiały inaczej i też inaczej je tańczono.

Pojawił się taniec towarzyski XV wiek V Włochy, a nieco później w XVII wiek, rozsiane po całym w całej Europie. W Rosja na początku pojawiły się bale i taniec towarzyski XVIII wiek za panowania Piotra I.

Jeśli tańce ludowe był każdy kraj ma swój własny, zatem wyjątkowy ten sam taniec towarzyski były znane w całej Europie.

Dowiesz się więcej nt taniec towarzyski w kolejnych rozdziałach.

Państwowa instytucja edukacyjna wyższego wykształcenia zawodowego „Moskiewski Państwowy Uniwersytet Humanitarny im. MAMA. Szołochowa” Wydział Kultury i Sztuki Muzycznej

ZATWIERDZAŁEM
Kierownik działu,
Profesor Rapatskaya L.A.

__________________________
„______”_________________ 2012

Taniec rytualny w historii rozwoju różnych kultur

Końcowa praca certyfikacyjna zgodnie z programem zawodowym
przekwalifikowanie „Choreograf-reżyser”

Zakończony:
Słuchacz zgodnie z programem
profesjonalny
przekwalifikowanie
"Choreograf"
Borzowa Julia Władimirowna

Opiekun naukowy:
Kandydat nauk pedagogicznych, profesor nadzwyczajny Naidyonysheva G.E.

Moskwa 2012
Treść
Wstęp…………………………………………..……. …....……..…………….3
Sekcja 1. Historia powstania i rozwoju tańców rytualnych wśród ludów różne kultury…………….………………….…………….……… ………………..5
1.1 Miejsce i rola tańca rytualnego w historii rozwoju sztuki tańca………………………………………………………………………..……5
1.2 Tańce orientalne…………………………………………………….……… 15
1.3 Tańce indyjskie. Bharatanatyam (Bhangra, Bollywood)…………… …...21
Rozdział 2. Cechy tańców rytualnych różnych kultur…...…….…..28
2.1 Rytualny „taniec orłów” wśród Tuvanów….…………………………………………………….…28
2.2 Wietnamski taniec rytualny z bębnem „doo”…..……………..…..35
2.3 Nowozelandzka Haka Ka Mate………………………………………..37
2.4 Egipski taniec narodowy Tanura…………………………………..40
Zakończenie……………………………………………………… …………...……45
Referencje............................................ ....... . ................................................. 47

Wstęp
Wiadomo, że sztuka tańca wyrosła ze starożytnego poczucia, że ​​wszystko, co istnieje, podlega prawom rytmu. Już dla naszych odległych przodków rytm był integralną cechą istnienia, każdy proces w przyrodzie żywej i nieożywionej przebiegał zgodnie z prawami rytmu, a harmonia kosmosu zakładała przede wszystkim jego rytmiczną organizację. Próba podporządkowania życia własnego ciała kosmicznym rytmom prawdopodobnie doprowadziła do powstania tańca prymitywnego, który początkowo obywał się zapewne bez muzyki, ograniczając się do akompaniamentu najprostszych instrumentów perkusyjnych.
Taniec ten generował mistyczne poczucie pokrewieństwa, jedności ludzi ze sobą, co z kolei dostarczało energii niezbędnej do pełnienia najważniejszych funkcji społecznych. Rytmicznie zorganizowane ruchy ciała znacznie ułatwiały trudne operacje porodowe; te same ruchy ciała były integralnym elementem rytualnych tańców wojskowych lub tańców poprzedzających niebezpieczne polowanie. Mistyczne poczucie pokrewieństwa, jakie generował taniec rytualny, sankcjonowało najważniejsze wydarzenia inicjacyjne w życiu człowieka, na przykład małżeństwo. Dlatego starożytny taniec miał wyraźny charakter rytualny, a okoliczność ta poprzedzała pojawienie się religijnych, komunikacyjnych, estetycznych i innych funkcji tańca. Dokładniej, wszystkie te funkcje były reprezentowane przez rytuał, ale nie można było jeszcze ich od siebie oddzielić.
Taniec rytualny zawsze odgrywał rolę ważną rolę w czynnościach rytualnych. Ponadto taniec determinował kulturę ruchu i był metodą niedyrektywnego treningu psychofizycznego członków społeczności. Niniejsza praca skupia się na ukazaniu niektórych charakterystycznych cech tańca rytualnego w historii rozwoju różnych kultur. Do dziś w niektórych krajach taniec rytualny nie stracił na znaczeniu. Ale przede wszystkim pod wpływem różnych czynników taniec rytualny rozwinął się w tańce ludowe różnych stylów, przeznaczone już raczej do występów scenicznych niż do celów rytualnych.
Trafność tematu praca wiąże się ze znacznym rozpowszechnieniem tańców rytualnych w naszych czasach i brakiem wymaganej ilości dostępnych informacji na ten temat.
Przedmiotem badań pracy dyplomowej jest taniec rytualny.
Przedmiotem badań pracy dyplomowej jest specyfika tańców rytualnych ludów różnych kultur.
Celem pracy jest rozważenie i zbadanie cech charakterystycznych tańców rytualnych ludów różnych kultur.
Cele pracy w związku z tym celem to badanie, studiowanie i systematyzacja tańców rytualnych ludów różnych kultur.
Metody badawcze stosowane w pracy magisterskiej to badanie, synteza i analiza literatury specjalistycznej.

Sekcja 1. Historia powstania i rozwoju tańców rytualnych wśród ludów różnych kultur
1.1. Miejsce i rola tańca rytualnego w historii rozwoju sztuki tańca
Powszechne rozpowszechnienie tańca w nieprofesjonalnych, codziennych środowiskach świadczy o tym, że jest to najstarsza ze sztuk. O tym, że taniec jest naprawdę najstarszą formą twórczości ludów, świadczą dane związane z jego pochodzeniem.
Kwestię genezy i istoty tańca, jego roli w życiu społeczeństwa podejmowali autorzy różnych publikacji epoki historyczne. I tak Platon w dialogu „Alcybiades”, dokonując paraleli między ludźmi i zwierzętami, przekonywał, że ruch jest ich istotą, dlatego też korzeni tańca należy szukać w samej naturze ludzi. Badacze z nowszych czasów wyrażają różne opinie na ten temat. Tak więc rosyjski badacz tańca XIX wieku.
S.N. Chudekow argumentował, że taniec pojawił się wraz z ludzkością, najpierw dla rozrywki, a dopiero potem jako sposób oddawania czci bogom. Uważał ponadto, że symbolika tańca sugeruje sposoby kształtowania ludzkiej mowy.
Istnieją także całkowicie słuszne stwierdzenia, że ​​taniec podlega regułom kalkulacji, porządku, czyli istnieje w ramach prawa ogólne wszechświata. Najprostsze formy ruchu tanecznego i ich kombinacje (pas) mierzone są w tym samym czasie trwania co muzyka. Organizacja tańca podlega prawom pewnego systemu muzycznego.
Współczesne badania pokazują, że początki tańca częściowo miały miejsce w świecie zwierząt. W tym przypadku mamy na myśli różnorodność zjawisk tanecznych w życiu różnych gatunków zwierząt i ptaków.
Zatem zdaniem etologów u zwierząt i ptaków występują ruchy przypominające taniec. Częściej kojarzą się z zabawami godowymi i rywalizacją pomiędzy osobnikami tej samej płci. Oczywiście tak zwane „taniece” ptaków i zwierząt to tylko rodzaj biokomunikacji. Jednocześnie za pomocą takiego połączenia realizowane są i realizowane są ważne funkcje życiowe niektórych gatunków biologicznych. Biokomunikacja umożliwia przyciągnięcie osób płci przeciwnej i poprzez konkurencję wyłonienie najbardziej odpowiedniego partnera do małżeństwa. Jednak w odróżnieniu od samego tańca ludzkiego, „taniec” nie pełni ani nie pełni żadnej funkcji „estetycznej” czy „poznawczej” w świecie zwierząt i ptaków.

W społeczeństwo ludzkie każdy taniec odpowiadał charakterowi, duchowi ludzi, z których powstał. Wraz ze zmianą ustroju społecznego i warunków życia zmieniał się jego charakter i tematyka.
Taniec powstał wraz z pojawieniem się pierwszych ludzi. Życie prymitywnego człowieka było ściśle powiązane z naturą i zależało od jej łaski. Miało to wpływ na sztukę tańca. Poprzez taniec prymitywny człowiek wyraził swoje uczucia. Taniec służył także jako środek komunikacji między ludźmi a światem zewnętrznym.
Taniec ludowy, będący jednym z najstarszy gatunek sztuka ludowa, zrodziła się z potrzeb, idei i zainteresowań, którymi żyli ludzie. W różne okresy W historii narodów taniec czerpał z różnych źródeł. Zatem na początkowym (starożytnym) etapie dziejów takim źródłem był rytuał.
Na tym etapie taniec był częścią rytuału łączącego muzykę, taniec, śpiew i dramat.
Rytuał odzwierciedlał także jednolity światopogląd, czyli pogląd człowieka (i ludzi) na otaczający go świat i jego w nim miejsce. W tamtej epoce dominował światopogląd religijno-mitologiczny, dlatego wyrażał się między innymi w formie rytuałów. Różnorodne czynności rytualne, szeroko wówczas praktykowane, były reprodukcjami czynów bogów, duchów itp., jednak użyte wizerunki miały swoje źródło w otaczającym świecie, przede wszystkim w żywej przyrodzie. Jeśli więc rytuał wiązał się z kultem elementów naturalnych, wówczas ten element naturalny znajdował w nim odzwierciedlenie w specyficzny sposób.
Z rytuałami związane są różne tańce rytualne. Przykładem i echem takich tańców rytualnych, które przetrwały stulecia, jest np. cejloński taniec ognia, Taniec norweski z pochodniami, słowiańskie tańce okrągłe (związane z rytuałami zwijania brzozy, tkania wianków, rozpalania ognisk) itp.
Rytuały starożytne odzwierciedlały wczesne wierzenia religijne, zwłaszcza totemizm. Totemizm to wiara w nadprzyrodzone pokrewieństwo ludzi i niektórych gatunków zwierząt, ptaków, a czasem roślin, a nawet zjawisk przyroda nieożywiona. Stanowi to podstawę kultu totemicznych zwierząt i ptaków, a co za tym idzie, jego odzwierciedlenie w tańcach rytualnych. Na przykład cześć ptaka jako totemu znalazła odzwierciedlenie w tańcu orła: tancerz odtwórca roli, uosabiający orła, przedstawiał orła krążącego nad ofiarą, walkę z wrogiem itp. Przedmiotem tańca mogły być także zwierzęta, ptaki, ryby, na które polowało plemię.
Ludzie wierzyli, że poprzez taniec nawiązują kontakt ze swoimi bogami, gdyż wierzyli, że taniec wraz z różnego rodzaju darowiznami przebłaga bogów, którzy z kolei pomogą im w proces pracy, wyleczą chorobę, ześlą szczęście na wojnie itp. Dlatego tak zwana sztuka neolityczna, której przykłady są dobrze znane naukowcom, np. Pena de Candamo w Hiszpanii, jaskinia Cambarelles (Dordogne) we Francji, częściej przedstawiała sceny rytualne, których częścią był taniec. Taniec w życiu człowieka w prymitywnym i tradycyjnym społeczeństwie jest sposobem myślenia i życia. Na przykład podczas tańca przedstawiającego określone zwierzęta rozwinęli techniki łowieckie. Ponadto tańcem wyrażano modlitwy o płodność, zesłanie deszczu lub zaspokojenie innych pilnych potrzeb. Będąc częścią natury, ludzie z wyczuciem odczuwali i postrzegali jej rytmy, naśladując różne jej przejawy w tańcu.
W społeczeństwie prymitywnym i tradycyjnym nie było performerów, artystów we właściwym tego słowa znaczeniu, chociaż w niektórych plemionach istniał rodzaj zawodowych tancerzy, którzy nie mieli żadnych obowiązków poza wykonywaniem określonych tańców rytualnych. To oni z czasem stali się prawdziwymi mistrzami tańca.
Tańce prymitywne wykonywano zwykle w grupach. Tańce społeczeństw prymitywnych i tradycyjnych miały bardzo konkretne cele: wypędzanie złych duchów, uzdrawianie chorych, odpędzanie kłopotów od plemienia itp. To z góry określiło najpopularniejszy, uniwersalny ruch taneczny - tupanie. Powszechne były również kucanie, kręcenie się i skakanie.
Chociaż prymitywne plemiona nie miały uregulowanej techniki tańca, wytrzymałość i odpowiedni trening fizyczny pozwoliły tancerzom całkowicie poświęcić się tańcu i tańcowi z całkowitym oddaniem. Ciągłe podskakiwanie i wirowanie często doprowadzało tancerzy do stanu ekstazy i utraty przytomności. Ale to nie przestraszyło ludzi: wierzyli, że w takim stanie mogą komunikować się z duchami. Tancerze byli zazwyczaj ubrani w specjalne stroje, maski, wyszukane nakrycia głowy, a ich ciała były rytualnie malowane. Towarzyszyło mu tupanie, klaskanie, a także gra na prostych instrumentach muzycznych (różnego rodzaju bębny, piszczałki, dudy itp.).
Do niedawna takie tańce, o charakterze rytualnym, były wykonywane, a w niektórych przypadkach nadal są wykonywane. Takie były i są powszechne, przynajmniej wśród ludów rolniczych, okrągłe tańce wokół drzewa (związane ze starożytnym i powszechnym kultem drzewa świata). Tak więc okrągły taniec wokół „słupa majowego” jako forma powitania, spotkania budzącej się natury jest charakterystyczny dla wszystkich narodów Europy, a jego początki sięgają starożytnych greckich świąt dionizyjskich. Naśladowanie walki zimy z latem znalazło odzwierciedlenie w starożytnym greckim rytuale pogańskim, gdzie najważniejszy był taniec wojenny. Innym przykładem tańca bliskiego typologicznie jest szkocki pojedynczy taniec męski z mieczami. Podobną tradycję religijną oddawania czci naturze odzwierciedla taniec wokół ogniska wykonywany w noc Iwana Kupały. To samo tyczy się południowosłowiańskiego „kolo” (rodzaj tańca okrężnego symbolizującego krąg słońca), tańców okrężnych – amuletów Słowian wschodnich (podczas pierwszego wypasu bydła na polu, w czasie zarazy, suszy, podczas chrztów , wesela itp.), tańce wokół zabitych zwierząt przez myśliwych itp.
Jedność tańca oraz przedstawień religijnych i magicznych przetrwała bardzo długo, przetrwawszy archaiczny etap rozwoju społeczeństwa. Tak więc w tańcach narodów świata (na przykład Czechów, Słowaków) występują tańce z podskakiwaniem: zgodnie z magiczną zasadą, podobnie jak przyczyny, im wyższe skoki, tym wyższe będą pożyteczne rośliny.
Wraz ze zmianą światopoglądu (zmiana przekonań, pojawienie się najwcześniejszej wiedzy naukowej) nastąpiła erozja dotychczasowego światopoglądu, co doprowadziło do upadku starożytnego kompleksu synkretycznego, który niegdyś służył jako duchowe wsparcie istnienia wczesnej świadomości. Każdy ze składników tego kompleksu, tracąc swoje dotychczasowe funkcje, zyskał niezależne życie. Dotyczy to pieśni, tańca, zabawy, które kiedyś stanowiły jedną całość.
Wraz z odejściem od dotychczasowych, dawnych czynności rytualnych, zmianami w życiu społecznym i przemysłowym, jego komplikacjami, nowymi treściami odzwierciedlającymi nowe parametry i cechy życia, wypełniła się także sztuka ludowa. Zmieniła się rola dotychczasowych źródeł tańca, w szczególności przyrody. Tak więc ludy zajmujące się hodowlą zwierząt (lub hodowlą bydła), a także polowaniem, które zachowało swoje znaczenie od czasów starożytnych, odzwierciedlały obserwacje świata zwierząt w tańcu. Charakter i zwyczaje zwierząt, ptaków, a później zwierząt domowych zostały przekazane w niezwykle wyrazisty i przenośny sposób. W tych tańcach, nawet jeśli miały oczywiste starożytne magiczne pochodzenie, fakt nadprzyrodzoności zeszedł na dalszy plan, a nawet po prostu zniknął w głębinach już zmienionego światopoglądu. Niemniej jednak starożytne tańce rytualne wielu ludów świata nadal cieszą się dużym zainteresowaniem: taniec bawołów Indianie Ameryki Północnej, indonezyjski pencak (tygrys), taniec niedźwiedzia jakuckiego, taniec orła pamirskiego, tańce pawi chińskich i indyjskich. Rosyjski „żuraw” i „gąsior”, norweska „walka kogutów”, fiński „taniec byka” itp. należą do tego samego kręgu. Natura (w w szerokim znaczeniu) został tu użyty do stworzenia plastyczności obrazu artystycznego lub charakterystyki choreograficznej osoby, a nie do przebłagania go (jak poprzednio).
Naturalne i klimatyczne warunki życia, różne zjawiska naturalne były źródłem plastyczności tańca, na przykład tańców rosyjskich, takich jak „sosenka”, „kaczątko” oraz etnochoreografii wielu innych ludów.
Pomimo różnic historycznych, tańce etniczne z różnych krajów często miały wiele wspólnego pod względem struktury rytmicznej i schematu ruchów. Te podobieństwa lub różnice wynikały czasami ze wspomnianych warunków geograficznych.
Źródłem zasilania ludowej sztuki tańca była aktywność zawodowa ludności. W szczególności tematyka tzw. tańców pracy odzwierciedlała proces pracy, jego poszczególne etapy, powiązania między ludźmi w pracy, ich stosunek do pracy i jej produktów.
Wraz ze zmianą i złożonością produkcji i życie społeczne Związane było z pojawieniem się tańców o tematyce pracy rolniczej i życia codziennego: łotewskiego tańca żniwiarza, huculskiego „tańca drwala”, białoruskiego „lyanoka”, mołdawskiego „poame” (winogrona), uzbeckiego „jedwabnika” i „ maślanka” (bawełna) itp.
Chociaż taniec folklorystyczny mogła być realizowana także w miastach; jej początki niemal zawsze wiązały się ze wsią.
Wraz z rozwojem życia miejskiego, pojawieniem się rzemiosła i pracy w fabrykach powstały nowe tańce ludowe - ukraiński „bednarz”, estoński „szewc”, niemiecki „taniec dmuchaczy szkła”, karelski „jak tkają sukno” itp. .
Najważniejszym źródłem choreografii etnicznej była sposób na życie ludzie, ich zwyczaje, moralność, etyka. W tańcu zostało to odzwierciedlone i przekazane poprzez ukazanie warunkowego, żartobliwego charakteru relacji. Tańce te wyrażały popularne idee i koncepcje dotyczące relacji społecznych między ludźmi. Często stosowali figuratywne, czasem symboliczne gesty i pozy, a także posługiwali się przedmiotami, które pomagały wyrazić relację między uczestnikami. Tańce tej grupy obejmują liczne kadryle, lancery, tańce zabawowe i tańce okrągłe.
Źródłem treści tańców ludowych była także sfera domowa. Mężczyzna w swoim życie codzienne stale zajmował się niektórymi przedmiotami i narzędziami gospodarstwa domowego. Nic dziwnego, że często przedstawiał je w swoich pracach, aby odtworzyć atmosferę otaczającego życia. Tańce tego typu są powszechnie znane wśród wielu ludów, choć pod różnymi nazwami, ale w istocie podobne: „ogrodzenie z plecionki”, „kapusta”, „ulica”, „baldachim”, „brama”, „wrzeciono”, „koło”, itp. Sama nazwa mówi wiele o tym, co leży u podstaw ich wizerunku, plastyczności i nastroju.
Pozostała część życie ludowe, muzyka, śpiew, teatr ludowy i oczywiście taniec ostatecznie stworzył coś, co nazywa się folklorem. Dlatego taniec etniczny ma wszystkie te cechy, znaki i funkcje, które są charakterystyczne dla całego folkloru.
Jeden z cechy charakterystyczne lub oznaki tańca były jego narodowością. Profesjonalna sztuka choreograficzna w dużej mierze nosiła piętno indywidualności choreografów (przede wszystkim wybitnych). Arystokracja (góra społeczna) (na przykład kraje europejskie w epoce feudalizmu) bawiła się niemal tymi samymi tańcami, co było naturalnym odzwierciedleniem tego samego sposobu życia. Jeśli chodzi o zwykłych ludzi, to oni tworzyli i wykonywali tańce, które odzwierciedlały cechy ich stylu życia, odmiennego od arystokratycznego.
Jednocześnie taniec ludowy charakteryzował się zmiennością (wariacją): dzięki tej właściwości próbki choreografii etnicznej mogły istnieć jednocześnie w kilku wersjach (na przykład w różnych obszarach osadnictwa grupy etnicznej). Na zmienność wpływało także zewnętrzne środowisko etniczne: kultura etnochoreograficzna stanowiła swego rodzaju ciągłość, gdyż tańce ludów sąsiednich (zwłaszcza tych bliskich charakterem i sposobem życia) pozostawały pod silnym wpływem siebie nawzajem.
Każdy choreograf zna głęboko emocjonalną charakterystykę tańca ludowego podaną przez N.V. Gogol w swoim dziele „Notatki petersburskie”
1836": "...Hiszpan tańczy inaczej niż Szwajcar, Szkot jak... Niemiec, Rosjanin, nie jak Francuz, jak Azjata. Nawet w prowincjach tego samego stanu taniec się zmienia. ...Skąd wzięła się taka różnorodność tańców? Narodziło się z charakteru ludzi, ich życia i sposobu działania. Naród, który prowadził dumne i pełne obelg życie, wyraża tę samą dumę w swoim tańcu; wśród beztroskiego i wolnego narodu ta sama bezgraniczna wola i poetyckie zapomnienie o sobie odbijają się w tańcach; Mieszkańcy ognistego klimatu pozostawili w swoim tańcu narodowym tę samą błogość, pasję i zazdrość”.
O charakterze i treści tańca etnicznego decydowała jego cel w życiu ludzi, to, co wyrażał i potwierdzał w formie emocjonalnej i przenośnej oraz w jakim konkretnym otoczeniu był wykonywany. Zatem koniec ważnego procesu pracy może zakończyć się pieśniami, a także tańcami. Rolnicy obchodzili święta związane z wiosną, odradzaniem się przyrody itp., wiosennymi tańcami na łonie natury. Wręcz przeciwnie, tańce na wieczorze panieńskim, które odzwierciedlały pożegnanie dziewczyny z dziewczęcością i przyjaciółmi, są przepełnione smutkiem.
W tańcach różnych narodów odtworzono dość typowe uczucia - dumę narodową, godność. Bardzo liczne były także tańce odzwierciedlające ducha militarnego, waleczność, bohaterstwo, gotowość do obrony ojczyzny, sceny batalistyczne (tańce „pyrrusowe” starożytnych Greków, łączące sztukę tańca z technikami szermierczymi i stanowiące obowiązkowy element greckiego starożytnego przedstawienia teatralnego , gruzińskie „khorumi”)” i „berikaoba”, szkockie „taniec z mieczami”, tańce kozackie itp.).
Ale największa grupa były to tańce, w których ujawniały się relacje między ludźmi. Ich treść była wyrazem relacji w pracy, życiu codziennym, życiu publicznym, relacji między kochankami, przedstawicielami starszego pokolenia i młodzieżą itp.
W sztuce tańca ludowego temat miłości zajmował naprawdę poczesne miejsce. Co więcej, w najwcześniejszym okresie historii ludzkości tańce o podobnej treści i orientacji miały charakter jawnie erotyczny, gdyż odzwierciedlały panujące wówczas pogańskie kulty płodności. Później, wraz z utratą starożytnych wierzeń, pojawiły się tańce wyrażające szlachetność uczuć, pełen szacunku i szacunku stosunek do kobiet (odpowiadają temu gruzińskie „kartuli”, polskie „Mazu” i rosyjskie „kwadryle Baynovskiej”).
Związki te wyrażają się na różne sposoby: w niektórych tańcach manifestują się one w sposób konwencjonalny (ikoniczny charakter tańca ludowego), w innych – wykorzystując elementy dramatu.
Wyraźnym przykładem umowności relacji w tańcu mogą być niektóre tańce młodzieżowe, w których młody człowiek (zgodnie z normami zachowania istniejącymi w tradycji danego narodu) w umownej formie przyjętej w tańcu wyrażał swój stosunek do dziewczyna (przede wszystkim uwaga i szacunek) . Te relacje (i ich odbicie w tańcu) mogły i powinny pozostać niezmienione, dlatego też nie dawały praktycznie żadnego powodu dramatyczny rozwój. Dlatego charakteryzowała je statyczna kultura wykonania. Plastyczność i kompozycja każdej figury podobny taniec mogło być inaczej i dawało młodemu mężczyźnie możliwość okazania swojej uwagi dziewczynie w różnych formach, co jednak nie zmienia się w trakcie tańca, tak jak niezmienione pozostają popularne wyobrażenia o właściwym charakterze ich związku. Charakter relacji był zatem stały i za każdym razem wyrażał się inaczej.
Powtórzenie figur, ale jednocześnie swoboda improwizacji (przekazanie tego samego obrazu relacji za pomocą środków wyrazu) typowa cecha ludowe, tzw. tańce domowe.
Nie mniej charakterystyczne są tańce, w których relacje między uczestnikami rozwijały się za pomocą środków dramatycznych i które tym samym wykazywały rozwój dramatyczny. Przykładem tego były dobrze znane rosyjskie tańce w parach: w nich przy każdym nowym kolanie manifestowała się chęć przetańczenia przeciwnika (jednocześnie przebieg i wynik akcji tanecznej nie są do końca oczywiste) .
Tradycja była ważnym elementem życia ludowego, zapewniającym zachowanie tańca ludowego. Dzięki takiej cesze jak ciągłość (przekazywanie z pokolenia na pokolenie) taniec mógł pozostać częścią życia ludzi, przetrwać wraz z nimi granice czasu i różne wpływy kulturowe, w tym także etniczne, zachowując przy tym swoją specyfikę.
Każdy naród wypracował własne tradycje taneczne, własny plastyczny język choreografii, który powstaje m.in. dzięki specjalnej koordynacji ruchów, wybranym sposobom powiązania ruchu z muzyką. Dla niektórych narodów konstrukcja frazy tanecznej jest synchroniczna z muzyką, podczas gdy dla innych (na przykład Bułgarów) nie jest synchroniczna. Oryginalność tańca etnicznego przejawiała się także w sposobie skorelowania ruchów ciała, rąk i nóg. A więc tańce narodów Europa Zachodnia opierały się na ruchu nóg (ręce i ciało zdają się im towarzyszyć), natomiast w tańcach ludów Azji Środkowej (i innych krajów Wschodu) główną uwagę zwracano na ruch ramion i ciała .
W taniec ludowy Zawsze dominowała zasada rytmiczna, co tancerka podkreślała (czyli tupanie, klaskanie, bicie w pierścienie, dzwonki itp.).
Choreografia ludowa nie istniała chaotycznie, ale narodziła się i rozwinęła zgodnie z obiektywnymi prawami życia danej grupy etnicznej, co stworzyło możliwość klasyfikacji tańców etnicznych. Choreografia wykorzystuje różne rodzaje klasyfikacji tańców etnicznych: rytualne, codzienne, fabularne, tańce bez fabuły, indywidualne, w parach, zbiorowe itp.
1.2 Tańce orientalne

Tańce orientalne (bliskowschodnie) to tańce ludowe wywodzące się z tradycji określonej części kraju wschodniego lub jego regionu, odzwierciedlające cechy narodowe, zwyczaje, zwyczaje, muzykę, stroje i historię społeczności zamieszkującej ten obszar. Pochodzenie tańców orientalnych można porównać do początków życia na ziemi - wiele legend, sprzecznych informacji i teorii, a ani jednego dokumentu potwierdzającego, że wszystko było dokładnie tak, a nie inaczej. Wzmianki o tańcach, np. orientalnych, można znaleźć wśród ludów Himalajów i Tybetu, w starożytnych pismach słowiańskich, na rysunkach starożytnego Egiptu oraz wśród znalezisk archeologicznych wśród wymarłych ludów zamieszkujących terytorium współczesnych państw islamskich. Według jednej z hipotez tańce takie pojawiły się u schyłku cywilizacji Hittida w Tybecie około 11 tysięcy lat przed naszą erą.
Hittis była cywilizacją wojowników i tańce te były wówczas częścią męskich tańców wojowników. W ten sposób tańce te trafiły do ​​Pacifidy, gdzie przejęły je kobiety. Kobiety radykalnie zmieniły schemat ruchu, sprawiając, że taniec urzekał i urzekał mężczyzn. W tej formie taniec pojawił się w Japonii w V tysiącleciu p.n.e. Około 4,5 tysiąca lat p.n.e. taniec w nieco uproszczonej formie rozpoczął swoją podróż po świecie. Przeszedł przez Wietnam, Koreę, Chiny, Turcję, Arabię, Afrykę, Amerykę Południową i dotarł do starożytnych Słowian 3,5 tysiąca lat p.n.e. Wielcy kapłani i nauczyciele Słowian zmienili charakter ruchów i całego tańca – z tańca pokusy, kusiciela, zamienił się w taniec dla ukochanego mężczyzny. Od Kshatriyi stał się tańcem Vaishya. Tego tańca uczyło się wiele słowiańskich dziewcząt w wieku
15-17 lat, trwało to około 1000 lat.
Około 2,3 tysiąca lat p.n.e. Taniec zmodyfikowany przez kapłanów po raz pierwszy staje się rytuałem. Wykonywany jest wyłącznie w czas wieczorny i tańczony przez żonę dla męża w rocznicę ślubu. Kiedy plemiona słowiańskie wyemigrowały do ​​południowej Azji około 300 lat przed nadejściem chrześcijaństwa, słowiańskie dziewczęta przyniosły tam słowiańską rytualną wersję tańca. Tak go rozpoznali Türkiye i mieszkańcy Półwyspu Arabskiego. Przez prawie 400 lat (do I wieku n.e.) taniec zachował swoje ezoteryczne znaczenie. W ciągu kolejnych 350 lat (do około V w. n.e.) taniec ten stał się znany we wszystkich krajach Wschodu, m.in. w Indiach, Cejlonie, Japonii, Afganistanie, a także w Afryce (Egipt, Etiopia, Tanzania, Botswana, Nigeria), Europie (Hiszpania, Włochy) i na ziemiach Dalekiego Wschodu. Jego początków można doszukiwać się w freskach starożytnych świątyń Mezopotamii, która znajdowała się w zachodniej Azji. Na freskach zachowały się piękne wizerunki tańczących ludzi. Podobne freski, których wiek datuje się na około 1000 lat przed narodzinami Chrystusa, znajdują się także w starożytnych świątyniach egipskich. Powszechnie przyjmuje się, że murale te opisują starożytny taniec rytualny plemion afrykańskich poświęcony płodności i narodzinom nowego życia - miały one przyspieszyć i ułatwić poród. Kapłanki tańczące w świątyniach czasami służyły jako „święte prostytutki”, które poprzez swój taniec zwracały się do ducha Wielkiej Bogini. Tańce sakralne i rytualne rozwinęły się później w tańce ludowe różnych stylów, na które wpływ miało wiele grup etnicznych. Tysiące tańców ludowych, które rozwinęły się na Bliskim Wschodzie, to tańce kobiece, polegające na izolowanych ruchach bioder i brzucha. Wśród starożytnych rękopisów greckich można znaleźć także opis tancerzy Nilu, którzy w swoim tańcu stosowali różnego rodzaju drżenie i wibracje. Ciekawe, że w starożytności tańce etniczne na Hawajach (Hula), oddzielonych oceanem od Eurazji, obserwuje się także elementy tańców orientalnych. Możliwe, że w tańcach wykonywanych przez tancerzy współczesnych zachowały się niektóre ruchy tańców orientalnych. Zazwyczaj taniec ludowy składa się z ruchów, których może się nauczyć duża liczba osób. Taniec ten w tamtych czasach miał spełniać różne funkcje społeczne i nie był przeznaczony na scenę.
Wśród najbardziej znanych stylów ludowych taniec orientalny możemy wyróżnić Nubię, Beledi, Saidi, Khaliji, Dabka, Ghavazi, Hagala, Bandari, Shamadan, Fellahi, Tribal, taniec sufi, taniec andaluzyjski, taniec aleksandryjski, taniec faraonów, taniec z talerzami, taniec z tamburynem, taniec z bronią , Taniec siedmiu zasłon, Taniec z szalem, Taniec ze skrzydłami, Taniec z darbuką, Taniec z ogniem, Taniec z wężem, Taniec z wachlarzem itp. Taniec ludowy musi być wykonywany do muzyki danej narodowości, w kostiumie właściwym dla tego stylu i zawierającym charakterystyczne ruchy.
W VII wieku. OGŁOSZENIE nazwa „Arab” niemal powszechnie zakorzeniła się w tańcach orientalnych i doszli do niej wszyscy dobrzy tancerze Kraje arabskie. Tańce arabskie wykonywały wyłącznie kobiety. Mężczyźni nie tańczyli tych tańców publicznie, ale uczyli ich kobiet jako nauczycieli i mistrzów tańca. W X wieku OGŁOSZENIE uzupełnili tańce arabskie krokami z chińskich i tajskich rytualnych tańców kobiecych. Od XII wieku. OGŁOSZENIE i do dziś tańce arabskie nie zmieniły się znacząco. W wielu krajach zachodnich wszelkie odniesienia do tańca wschodniego (bliskowschodniego) są często błędnie nazywane „tańcem brzucha”. Pojęcie „taniec orientalny” (Oryantal danse) obejmuje dziesiątki tańców różnych kultur, różnych ludów, z których wiele już nie istnieje. „Taniec brzucha” (taniec brzucha) to jedna z odmian tańca orientalnego, powstała właśnie z połączenia różnych stylów tańca orientalnego. Niektóre ruchy tańca orientalnego, wywodzące się z tańców rytualnych plemion afrykańskich, przedostały się do tańca brzucha dzięki mieszkańcom północnej Afryki, którzy często byli łapani jako niewolnicy i sprzedawani w całej południowo-wschodniej części Eurazji. Znaczący wkład w rozwój orientalnego tańca brzucha wniosły także słowiańskie dziewczęta, które również nie opuściły ojczyzny z własnej woli.

Sądząc po zachowanych danych historycznych, istniały różne kasty tancerzy brzucha. Tancerze Ghavazi (podobnie jak Cyganki) i niemuzułmańskie dziewczęta występowały dla publiczności na ulicach i targowiskach. Z reguły nie wyróżniały się wykształceniem. W tym czasie władzę sprawował Egipt Imperium Osmańskie w kraju znajdowała się duża armia turecka.
Tancerze Ghavazi nie mogli przegapić okazji do zarobienia pieniędzy tańcząc dla żołnierzy osmańskich. Tańce te charakteryzowały się prowokacyjnym strojem i dość odkrywczymi ruchami, z podtekstem erotycznym. Wszystko to spowodowało niezadowolenie tureckiego paszy, a Gavazi zostali wypędzeni na południe Egiptu do Esny. Avalim byli tancerzami na zupełnie innym poziomie. Alma (liczba pojedyncza od Avalim) to imię tancerki, która otrzymała specjalny taniec i edukacja muzyczna. Z reguły Avalim umieli grać na różnych instrumentach muzycznych; ponadto byli dobrze zorientowani w poezji i potrafili wykonywać wiersze i piosenki własnego autorstwa, niczym gejsze w średniowieczna Japonia. Każdy, kto chciał mieć jednego z Avalimów, musiał za tę przyjemność zapłacić, a to wcale nie było tanie. Kapłanki świątyń i dziewczęta z dobrych rodzin uczyły się także tańca brzucha. W takim tańcu wszystkie ruchy miały na celu zarządzanie własną energią; taniec pomagał rozwiązywać problemy duchowe, poprawiać zdrowie, a nie tylko własne. Odzież była zatem bardziej zamknięta. Celem tego tańca było obudzenie uśpionej energii lub wręcz przeciwnie, jej uspokojenie. Kobieta mogła wykonać taki taniec tylko dla jednego mężczyzny – swojego męża lub podczas rytuału świątynnego.

W latach 80. XIX wieku taniec brzucha, zwany wówczas tańcem Salome, rozpowszechnił się w Europie za sprawą utalentowanej performerki Maty Hari. W tamtych czasach używanie w uprzejmym towarzystwie słów „kobiece uda” i „brzuch” było uważane za niedopuszczalne. Tancerze z reguły występowali w długie sukienki biodra podkreślono szalikiem. Zmiana rozpoczęła się znacznie później obraz tańca. Po raz pierwszy w hollywoodzkich filmach pojawiły się tancerki z otwartym brzuchem, haftowanym stanikiem i paskiem w talii. Tancerze egipscy częściowo zmodyfikowali ten obraz, obniżając pas od pasa do bioder poniżej pępka. Wszystko to pozwoliło znacznie lepiej zobaczyć ruchy taneczne. W latach 20. XX wieku w Egipcie zaczęto kręcić filmy, w których uczestniczyli także tancerze. To zapoczątkowało rozwój choreografii na Bliskim Wschodzie, ponieważ wcześniej taniec brzucha był improwizowany od początku do końca. W tym czasie w Egipcie nasiliły się nastroje islamskie, co doprowadziło do ostrzejszego podejścia do tańca brzucha. Jednak na Bliskim Wschodzie powstały dwa centra tańca – Bahrajn i Libia, gdzie nie obowiązywały ścisłe zasady dotyczące tego tańca. W Turcji taniec brzucha rozwinął się bardziej w stylu kabaretowym, a kostiumy tancerzy były bardziej otwarte i uwodzicielskie niż w innych stylach. Wielu znanych tancerzy wpłynęło na styl tańca brzucha, wykorzystując jako dodatki welon, miecz lub węże, ale nie mogli mieć na to decydującego wpływu sztuka starożytna- taniec brzucha kształtował się na przestrzeni wielu wieków, a każdy z krajów i narodów Wschodu wniósł do niego coś swojego.
Dziś istnieje około 50 głównych rodzajów tańca arabskiego, 8 dużych szkół – tureckiej, egipskiej, pakistańskiej, botswańskiej, tajskiej, bhutańskiej, adeńskiej i jordańskiej, a także wiele małych. Spośród tych szkół tańca arabskiego praktycznie tylko szkoła jordańska rozwija się czysto „nieseksualnie”. kierunek tańca- zatańcz „dla swojego mężczyzny”. W innych Szkołach dominuje kierunek otwartego przyciągania wszystkich mężczyzn i jawna walka tancerzy z widzami o męska uwaga i energia. Europejczycy, którzy mieli własne wyobrażenie o tym, czym powinien być taniec brzucha, dodali do jego powstania swój własny akcent - we wschodnich klubach i innych lokalach rozrywkowych w Europie i Ameryce dziewczęta tańczą w formie obecnie uważanej za „klasyczną”. Wizerunek tańca współczesnego uzupełniali hollywoodzcy choreografowie w filmach o tematyce orientalnej oraz emigranci z krajów Bliskiego Wschodu, Egiptu i Indii. W ten sposób tańce orientalne narodziły się z ziaren najcenniejszej rzeczy, która znajdowała się w tańcu każdego narodu, tworząc magiczne, niepowtarzalne, wieloaspektowe tańce, które są obecnie tańczone niemal na całym świecie.

2.3 Tańce indyjskie. Bharatanatyam (Bhangra, Bollywood)

Bharatanatyam to dynamiczny, przyziemny i bardzo precyzyjny styl tańca. Posiada różnorodne ruchy, z naciskiem na tupanie, skakanie i obracanie się. Główne postacie przyjmują zrównoważone pozy z wyciągniętymi rękami i nogami, co nadaje tańcowi pewną liniowość. W tym tańcu piękno i siła, powolność i szybkość, czysty taniec i pantomima są odczuwalne w równym stopniu. Ten styl jest odpowiedni zarówno do występów solowych, jak i grupowych.
Profesjonalni tancerze głęboko rozumieją ideologiczną i filozoficzną treść indyjskich mitów i legend, a ponadto doskonale władają techniką tańca. Przenoszenie różnych form tekst poetycki stanowi prawdziwy sprawdzian umiejętności zawodowych tancerza. Ona odgrywa tę rolę główny bohater działa i przedstawia jej różne stany. Aby móc wyrazić najmniejsze odcienie uczuć, tancerz musi być osobą naprawdę kreatywną, inspirującą. To właśnie umiejętność tancerza przekazania fabuły tańca na różnych poziomach semantycznych przyciąga uwagę publiczności. Na występ solowy indywidualność interpretacji uzależniona jest od wieku tancerki, jej wyszkolenia, gustu artystycznego, doświadczenia, wiedzy i talentu.
Powszechnie uważa się, że nazwa stylu Bharata Natyam oznacza „taniec indyjski”. To nieporozumienie wynika z powszechnego uznania tego klasyczny styl taniec Tamil Nadu zarówno w Indiach, jak i za granicą. Jednak jego wierni fani zauważają, że nazwa ta pojawiła się nie więcej niż pięćdziesiąt lat temu. Wcześniej nazywano to sadir kacheru (sadir – tancerz, kacheru – widzowie), następnie chinnamela (mała publiczność, w przeciwieństwie do peruyamela – duża liczba widzów), następnie dasiatta – od świątynnego devadasis (tancerzy), którzy ją wykonywali. Bardziej prawdopodobna wersja jest taka, że ​​Bharata składa się z pierwszych sylab następujących słów: bhava (uczucie), raga (melodia) i tala (rytm) – i zdaje się jednoczyć trzy filary, na których opiera się ten styl. Istnieje inna hipoteza, według której styl Bharata Natyam, który ściśle przestrzega wskazań Natyashastry, otrzymał swoją nazwę na cześć mędrca Bharaty, kompilatora tej starożytnej księgi.
Bharata Natyam ma swoje korzenie w hinduizmie, a dokładniej w hinduskich mitach i rytuałach. Jest to szczególnie widoczne w wybranych do performansu tekstach, w rzeźbiarskich wizerunkach tancerzy w starożytnych świątyniach hinduskich oraz w samej filozofii tej sztuki. styl tańca. Rzeźby w świątyniach południowych Indii opowiadają historię przekazywania ludziom muzyki i tańca przez samych bogów i boginie.
Dlatego jest całkiem oczywiste, że nie można ignorować duchowego znaczenia Bharaty Natyama. Hinduizm nazywany jest „żywą religią”. Każdy mit ma morał, który po prostu uczy etyki życia codziennego i jego związku z tym, co transcendentne. Wydarzenia rozwijają się na bardzo prostym, ludzkim poziomie, co doprowadziło do pewnego uproszczenia w wykonaniu tańca; przy tej interpretacji wzniosłość może wydawać się bardzo przyziemna.
Do początków XX wieku taniec stanowił integralną część rytuałów świątynnych. Według tradycji świątyni patronował miejscowy władca lub najwyższy przedstawiciel władz lokalnych. Tancerka, jej guru i ich muzycy cieszyli się dużym szacunkiem i opieką świątyni. Podczas procesji religijnych tancerka występowała przed wozem, na którym niesiono wizerunek bóstwa. Znała doskonale rytuał świątynny, zasady składania ofiar i modlitw, a także odgrywała ważną rolę jako nosicielka ofiar składanych wizerunkowi bóstwa. Tancerka była czczona jako żona boga, a jej najważniejszym obowiązkiem było uczestnictwo w ceremoniach związanych z jego kultem. Przypominało to pozycję wysokich kapłanek w świątyniach starożytnej Grecji. Nazywano ją Devadasi, służebnicą Boga. Sam taniec, oprócz skomplikowanych ceremonii rytualnych, wykonywany był także przy innych okazjach, w odpowiednich momentach, w sprzyjających okolicznościach, np. z okazji święta, koronacji, ślubu, narodzin syna czy wstąpienia do nowe miasto lub w domu. Teren wokół świątyni uznawano za jedyne dogodne miejsce, w którym ludzie mogli gromadzić się, aby obejrzeć taniec. Sama tancerka była osobą bogatą i szanowaną.
Podczas panowania brytyjskiego taniec zaczyna tracić swój rytualny cel. Devadasi zaczął tańczyć na dworach książąt i w domach bogatych właścicieli ziemskich. Poeci kwieciście śpiewali o wielkości swoich patronów, a tancerze tańczyli do swoich wierszy. Tancerz świątynny został dworzaninem, często cieszącym się złą sławą. Trudna sytuacja polityczna w kraju oraz nowe rozumienie wartości społeczno-kulturowych wśród wykształconych i zamożnych Hindusów negatywnie wpłynęło na ich stosunek do sztuki tańca. Status społeczny tancerza spadł, cień padł na samą sztukę, a społeczeństwo na wiele lat zostało pozbawione możliwości cieszenia się Bharatą Natyam.
Być może to właśnie groźba całkowitego zniknięcia Bharaty Natyama stała się przyczyną zaostrzenia ruchu w celu jego odrodzenia i przywrócenia tańca do dawnej świetności. Inicjatywę Balasaraswati i Rajalakshmi podjęli Rukmini Devi i I. Krishna. Akademia Muzyczna w Madras wniosła ogromny wkład w odrodzenie tańca, udostępniając Balasaraswati platformę do publicznych występów. Nadmierne nastawienie do erotyzmu wkrótce zostało skorygowane, a występ Bharaty Natyama powrócił dobry gust i estetyczna subtelność. Pierwsze publiczne wystąpienie Rukmini Devi w 1935 roku oznaczało nieodwracalność powrotu do starych zwyczajów.
Bharata Natyam to wieloaspektowa forma sztuki. Obejmuje muzykę, poezję, dramat i pantomimę. Rozważając najważniejszy aspekt tego stylu, czyli nritta (czysty taniec), należy przede wszystkim wziąć pod uwagę ułożenie ciała i ramion, ruchy tancerza w powiązaniu z kontekstem muzycznym. Rytm, główny element tańca, jest wpleciony w melodię, dlatego ważne jest, aby wiedzieć, jaki rodzaj muzyki i jakie rytmy towarzyszą nritcie. Nritya jest sercem stylu tanecznego, a nritya jest jego duszą. Melodia, rytm i poezja są jego stałym towarzyszeniem i źródłem inspiracji.
Według Abhinaya Darpana, której wyznawcy Bharata Natyam nadal ściśle się trzymają, istnieje dziesięć podstawowych pozycji ciała. Jednak nattuvanars (nauczyciele tańca) rzadko używają terminów sanskryckich, woląc uciekać się do prostszej terminologii tamilskiej podczas nauczania uczniów. Dlatego zamiast ayat zwykle używają apaumandi, co w języku tamilskim oznacza po prostu „półsiedzenie”. W ten sam sposób muramandi oznacza „w pełni siedzący” i jest pozycją kucącą, w której tancerka siedzi na palcach z kolanami rozłożonymi na boki. Z tej pozycji wykonawca przechodzi do motita, kiedy kolana naprzemiennie opuszczają się na podłogę, lub parshvasuchu, gdy jedno kolano opiera się na podłodze, lub samasuchu, gdy oba kolana opierają się na podłodze. Guru i tancerze mogą interpretować i wykonywać te pozycje na różne sposoby. Jednak czysto wizualne postrzeganie głównych pozycji daje jasne wyobrażenie o stylistycznych granicach tego tańca. To podstawowa struktura, w ramach której pracuje tancerz.
System formacji adavu, czyli seria statycznych pozycji połączonych ze sobą w taki sposób, aby wywołać ruch, został po raz pierwszy jasno sformułowany około czterdzieści lat temu. Nauczanie ich miało charakter przypadkowy i w niektórych szkołach taka sytuacja trwa do dziś. Studenci często studiowali przedmiot jako całość, badając każdy ruch z osobna tylko wtedy, gdy pojawiał się w choreografii. Brak dobre korzyści i nadmierny pośpiech w ukończeniu kursu ze strony nauczycieli już teraz prowadzą do niedostatecznego opanowania przez uczniów alfabetu stylu. W rezultacie tancerze często mają dość niejasne pojęcie o strukturze stylu tanecznego. Na szczęście guru zaczęli teraz usystematyzować swoje programy, co umożliwiło korzystanie z nich uczniom z różnych szkół.
Rukmini Devi była pierwszą systematyzatorką nauk Bharaty Natyam. Opracowała swój system „rozwoju adavu”, tak aby uczeń stopniowo odchodził od niego proste ruchy po bardziej złożone: od figur statycznych po figury wykonywane w ruchu; od ruchów wykonywanych w araimandi, przez ruchy w bardziej złożonych pozycjach, następnie zwroty i skoki, aż w końcu do figur z bardzo złożoną kombinacją pozycji rąk i nóg. Jej wkład w nauczanie Bharaty Natyam jest niezmierzony, a różnorodność ruchów i figur tego stylu tańca dzisiaj wiele zawdzięcza jej talentowi i twórczemu geniuszowi.
Podczas treningu bardzo ważne jest także trzymanie się systemu, w którym uczeń opanowuje każdy ruch, przechodząc przez trzy prędkości jego wykonania. Daje jej to poczucie równowagi i pozwala tancerce opanować podstawowy rytm już na bardzo wczesnym etapie treningu.
Połączenie figur w tańcu pozwala na szybką zmianę kierunku ruchu ciała. Lila Samson. Bharat Natyam. Niektóre figury wydają się energiczne, inne miękkie, niektóre wykonywane są na miejscu w rytm tańca, inne z niego wypadają, niektóre pozycje zapewniają większą swobodę ruchu na boki, jeszcze inne tancerz wykonuje ze specyficznym celu przejścia do przodu z tyłu sceny. Obroty i podskoki umożliwiają poruszanie się po scenie i poruszanie się po podłodze. Wszystko to zapewnia choreografowi bogate możliwości komponowania różnorodnych kompozycji. Dobry tancerz może bardzo skutecznie zatańczyć nawet małą kombinację nritta. Wykonywanie długich kombinacji nie świadczy o umiejętnościach tancerki, raczej świadczy o jej wytrzymałości i samokontroli.
Bharata Natyam opiera się na systemie muzycznym Karnataka i jego cyklach rytmicznych, czyli talach. Akompaniament muzyczny musi zawierać potencjał rytmiczny dla tańca czystego i odpowiednią treść literacką dla tańca fabularnego. Głównym instrumentem perkusyjnym jest mridangam. południowe Indie- jeden korpus, w przeciwieństwie do tabli północnej, która składa się z dwóch odrębnych części - z dolnym i wyższym rejestrem, z których każdą gra się jedną ręką. Sylaby, czyli rytmiczne dźwięki mridangamu, są charakterystyczne dla Bharata Natyam; wymawia się je lub śpiewa jako dodatek do abstrakcyjnych części tańca – nritta.
Tak jak w muzyce nuty nazywane są „sa-ri-ga-ma-pa-dha-ni”, tak w tańcu występują sylaby perkusyjne: tat-dhita, taka-dhimi, naka-jham, tadhin-jina itp. Różne kombinacje Zagrane te frazy nadają fragmentom czystego tańca – nritta – pikanterii i wyrazistości. Kombinacje takich fraz nazywane są jatis, a w każdym przedstawieniu tanecznym o wirtuozerii i umiejętnościach nattuvanary decyduje prawidłowe uformowanie tych jati w złożone figury rytmiczne w określonym cyklu czasowym.
Słowo tala pochodzi od słowa oznaczającego „powierzchnię dłoni”, za pomocą której wybijany jest rytm. Istnieje hipoteza dotycząca słowa tala, według której składa się ono z pierwszych sylab dwóch słów: tandava i lasya, co romantycznie implikuje fuzję męskich i żeńskich zasad lub form rytmu. Jest siedem tali. Każdy z nich może skorzystać z dowolnego z pięciu wariantów jati, co daje nam w sumie 35 różnych tali.
W przeszłości tancerce na scenie towarzyszyła orkiestra. Składał się z jednego lub dwóch nattuvanarów, którzy grali na cymbałach i śpiewali piosenki, chłopca, którego jedynym zadaniem było utrzymywanie za pomocą małego pudełka monotonnego dźwięku, czyli shrutu (tonu), oraz klarnecisty. Klarnet, niegdyś bardzo popularny, został później zastąpiony fletem. Tego wymagała Abhinaya Darpana i taki stan utrzymał się do lat dwudziestych XX wieku, kiedy to zmieniły się konwencje sceniczne. W
itp.............

Poza tym, że rosyjski taniec narodowy jest częścią sztuki ludowej, niesie w sobie także dziedzictwo tajemnej wiedzy mistycznej, religijnej narodów, wplecione w oryginalny rosyjski charakter. Odzwierciedlają ich sposób życia, bliski związek ze światem zewnętrznym, cześć przodków, czyli wszystko, co składa się na duszę ludu.

Taniec rosyjski jest dramatyczny. Odgrywa się to jako przemyślana akcja, gdyż w dawnych czasach miała ona charakter rytualny i odzwierciedlała sakralny stosunek wykonawców do natury i wydarzeń z ich życia. Jego temperament i charakter są odmienne kultura tańca innych narodów i polega na wyrazie rzeczywiście istniejącej wiary Bożej.

Nigdy nie powielał fikcyjnych historii, nie było w nim nic udawanego ani przesadzonego. Według rosyjskiego przekonania patrzenie w przyszłość i przedstawianie mitycznych obrazów jest niedopuszczalne, dlatego taniec rosyjski to przypływ emocji odzwierciedlających doświadczenia życia codziennego, życia codziennego i wydarzeń z przeszłości. Przekazuje rytualną komunikację z naturą, kult bogów, którzy dali święto, oraz wyraz uczuć miłości i smutku.

Zbudowany na dramatycznej podstawie taniec ludowy zawsze był pełen silnych i szczerych emocji, dlatego nieustannie zaskakiwał publiczność. Pierwsze zagraniczne wspomnienia opisują taniec niedźwiedzia wykonywany przez Rosjan na cześć zwycięstwa nad Grekami na początku X wieku. Dokument odnotowuje jego wieloaspektowy charakter, wyrażając śmiałość i radość ze zwycięstwa nad wrogiem.

Są też tańce smutne, które wykonywano w czasie porażek, i liryczne – podczas rozstań czy spotkań z bliskimi.

Eksplorując taniec rosyjski, trzeba mieć na uwadze, że jest to zawsze czynność ceremonialno-rytualna. Wiosną otworzyli cykl świąt, aby oddać cześć duchom rolnictwa, aby przebłagać bogów płodności. Latem wychwalali Kupalę i prosili go, aby pomógł dojrzewać owocom. Początek żniw był gloryfikowany w niektórych tańcach rytualnych, a jego koniec był poprzedzony innymi rytuałami.

Wiosną były to okrągłe tańce wokół brzozy, która delikatnie wyrzuciła swoje pierwsze kolczyki. Poprosili ją, aby podzieliła się swoją mocą wzrostu. W świąteczną letnią noc po wspólnych polach tańczyły okrągłe tańce, urzekając śpiewem i tańcem i zabawą odganiając złe duchy. Po zakończeniu okrągłego tańca i zebraniu na siebie tych duchów, ludzie udali się nad rzekę, rozpalili ogniska i tańczyli wokół nich, przeskakując ogień, aby spalić zebrane zło, a następnie zanurzyli się w wodzie, obmywając się z niej, aby aby zachować czystość i pozyskać żniwa przed żniwami. dobre siły natura. Po ablucji prowadzili inne okrągłe tańce przy różnych melodiach.

Nie ma wątpliwości, że taniec okrągły był przodkiem wszystkich rodzajów choreografii ludowej. Po pierwsze, rosyjski okrągły taniec jest obdarzony bardzo potężną świętą mocą. Jego rysunek składa hołd Słońcu i odzwierciedla jego ruch. Po drugie, usuwa granice osobiste i jednoczy władzę ludzi. Po trzecie, następuje przekazywanie i dzielenie się emocjami, co zwiększa ogólną energię.

Pomimo tego, że dziś tańce okrągłe nie mają znaczenia rytualnego, nadal wykonuje się je na uroczystościach dziecięcych i rodzinnych w niezmienionej od czasów starożytnych formie, a podczas wykonywania grupy taneczne na scenach całego świata zachwycają publiczność.