Wśród licznych gatunków i form muzycznych jedno z najbardziej zaszczytnych miejsc należy do symfonii. Wykształcił się jako gatunek rozrywkowy i od początku XIX wieku do dnia dzisiejszego był najbardziej wrażliwy i kompletny, jak żaden inny gatunek. sztuka muzyczna, odzwierciedla swój czas. Symfonie Beethovena i Berlioza, Schuberta i Brahmsa, Mahlera i Czajkowskiego, Prokofiewa i Szostakowicza to zakrojone na szeroką skalę refleksje na temat epoki i osobowości, historii ludzkości i dróg świata.

Cykl symfoniczny, jaki znamy z wielu przykładów klasycznych i współczesnych, ukształtował się około dwieście pięćdziesiąt lat temu. Jednak w tym historycznie krótkim okresie gatunek symfonii przeszedł długą drogę. O długości i znaczeniu tej drogi zadecydował właśnie fakt, że symfonia wchłonęła wszystkie problemy swoich czasów, była w stanie odzwierciedlić złożone, sprzeczne epoki, pełne kolosalnych wstrząsów, ucieleśniać uczucia, cierpienia i zmagania ludzi. Wystarczy wyobrazić sobie życie społeczeństwa połowy XVIII wieku – i przypomnieć sobie symfonie Haydna; wielkie wstrząsy końca XVIII i początku XIX wieku oraz symfonie Beethovena, które je odzwierciedlały; reakcja społeczeństwa, rozczarowanie i symfonie romantyczne; wreszcie wszystkie okropności, jakie ludzkość musiała znosić w XX wieku - i porównaj symfonie Beethovena z symfoniami Szostakowicza, aby wyraźnie zobaczyć tę ogromną, czasem tragiczną ścieżkę. Dziś mało kto pamięta, jak wyglądały początki, jakie były początki tego najbardziej złożonego z gatunków czysto muzycznych, niezwiązanych z innymi sztukami.

Rzućmy okiem muzyczna Europa połowa XVIII wieku.

We Włoszech, klasycznym kraju sztuki, wyznaczającym trendy we wszystkich Kraje europejskie króluje opera. Dominuje tzw. opera seria („poważna”). Nie ma w nim jasnych indywidualne obrazy, brak oryginału dramatyczna akcja. Opera seria jest odmianą czegoś innego stany umysłu, zawarte w konwencjonalnych znakach. Najważniejszą jej częścią jest aria, w której przekazywane są te stany. Są arie gniewu i zemsty, arie narzekania (lamento), żałobne powolne arie i radosne brawurowe. Arie te były tak uogólnione, że można je było przenosić z jednej opery do drugiej bez szkody dla wykonania. Rzeczywiście, kompozytorzy często tak robili, zwłaszcza gdy musieli pisać kilka oper w sezonie.

Elementem opery seria była melodia. Słynna sztuka włoskiego bel canto znalazła tu swój najwyższy wyraz. W ariach kompozytorzy osiągnęli prawdziwe wyżyny ucieleśnienia określonego stanu. Miłość i nienawiść, radość i rozpacz, złość i smutek zostały przekazane w muzyce tak żywo i przekonująco, że nie trzeba było słuchać tekstu, aby zrozumieć, o czym śpiewał piosenkarz. To w istocie przygotowało ostatecznie grunt dla muzyki beztekstowej, mającej ucieleśniać ludzkie uczucia i namiętności.

Z przerywników – scen wstawianych pomiędzy aktami opery seria i niezwiązanych z jej treścią – powstała jej wesoła siostra, miłośnik opery komicznej. Demokratyczny w treści (jego bohaterowie nie byli bohaterowie mitologiczni, królowie i rycerze oraz zwykli ludzie od ludu), świadomie sprzeciwiała się sztuce dworskiej. Opera buffa wyróżniała się naturalnością, żywiołowością akcji, spontanicznością język muzyczny, często bezpośrednio związane z folklorem. Zawierał tupot wokalny, komiczne parodie koloraturowe oraz żywe i lekkie melodie taneczne. Finały aktu rozgrywały się w zespołach, w których pismo Czasem wszyscy śpiewali na raz. Czasami takie zakończenia nazywano „zaplątaniem” lub „zamieszaniem”, ponieważ akcja wkraczała w nie tak szybko, a intryga okazywała się zagmatwana.

We Włoszech rozwinęła się także muzyka instrumentalna, a przede wszystkim gatunek najściślej kojarzony z operą – uwertura. Będąc orkiestrowym wprowadzeniem do spektaklu operowego, zapożyczył z opery jasność, wyrazistość motywy muzyczne, podobnie jak melodie arii.

Uwertura włoska tamtych czasów składała się z trzech części – szybkiej (Allegro), powolnej (Adagio lub Andante) i znowu szybkiej, najczęściej z całego menueta. Nazwali to sinfonią – w tłumaczeniu z greki – współbrzmieniem. Z biegiem czasu uwertury zaczęto wykonywać nie tylko w teatrze przed podniesieniem kurtyny, ale także osobno, jako samodzielne dzieła orkiestrowe.

Pod koniec XVII - początek XVIII wieków we Włoszech pojawiła się wspaniała plejada wirtuozów skrzypków, którzy byli także utalentowanymi kompozytorami. Vivaldi, Yomelli, Locatelli, Tartini, Corelli i inni, biegle władający grą na skrzypcach – instrumencie muzycznym, którego wyrazistość można porównać z głosem ludzkim – stworzyli bogaty repertuar skrzypcowy, składający się głównie z utworów zwanych sonatami (od włoskiego sonara – dźwięk ). W nich, podobnie jak w sonatach klawiszowych Domenico Scarlattiego, Benedetto Marcello i innych kompozytorów, rozwinęły się pewne wspólne cechy konstrukcyjne, które później przekształciły się w symfonię.

Inaczej kształtowało się życie muzyczne Francji. Od dawna kochają muzykę kojarzoną ze słowem i czynem. Wysoki rozwój otrzymał sztukę baletową; Uprawiano szczególny rodzaj opery - tragedię liryczną, na wzór tragedii Corneille'a i Racine'a, która miała piętno specyficznego życia dworu królewskiego, jego etykiety, uroczystości.

Tworząc utwory instrumentalne, francuscy kompozytorzy również skłaniali się ku fabule, programowi i werbalnym definicjom muzyki. „Latająca czapka”, „Żniwiarze”, „Tamburyn” - tak nazywały się utwory klawesynowe, będące albo szkicami gatunkowymi, albo portretami muzycznymi - „Wdzięku”, „Czuły”, „Pracowity”, „Zalotny”.

Większe dzieła, składające się z kilku części, miały swoje korzenie w tańcu. Surowe niemieckie allemande, mobile przypominające przesuwany francuski dzwonek, dostojna hiszpańska sarabanda i szybki jig – ognisty taniec angielskich marynarzy – są od dawna znane w Europie. Stanowiły one podstawę gatunku suity instrumentalnej (od suity francuskiej – sekwencja). Często do kompletu włączano także inne tańce: menuet, gawot, polonez. Przed allemandą rozbrzmiewało wstępne preludium, w środku suity miarowy ruch taneczny przerywany był czasem swobodną arią. Ale rdzeń suity – cztery różnorodne tańce różnych ludów – z pewnością występował w niezmiennej kolejności, zarysowując cztery różne nastroje, prowadząc słuchacza od spokojnej części początku do ekscytującego, szybkiego finału.

Suity pisało wielu kompozytorów, i to nie tylko we Francji. Znaczący hołd złożył im także wielki Jan Sebastian Bach, z którego nazwą, a także w ogóle z niemiecką kulturą muzyczną tamtych czasów, wiąże się wiele gatunków muzycznych.

W krajach języka niemieckiego, czyli w licznych królestwach, księstwach i biskupstwach niemieckich (pruskich, bawarskich, saskich itp.), a także w różne obszary W wielonarodowym Cesarstwie Austriackim, które wówczas obejmowało „lud muzyków” – zniewoloną przez Habsburgów Republikę Czeską – muzyka instrumentalna była od dawna kultywowana. Każde miasteczko, miasteczko, a nawet wieś miało swoich skrzypków i wiolonczelistów, a wieczorami można było podziwiać utwory solowe i zespołowe, z entuzjazmem wykonywane przez amatorów. Kościoły i ich szkoły stawały się zwykle ośrodkami muzykowania. Nauczycielem był z reguły także organista kościelny, który występował w święta fantazje muzyczne najlepiej jak potrafisz. W dużych niemieckich ośrodkach protestanckich, takich jak Hamburg czy Lipsk, rozwinęły się także nowe formy muzykowania: koncerty organowe w katedrach. Nie zabrakło preludiów, fantazji, wariacji, aranżacji chóralnych i, co najważniejsze, fug.

Fuga - jak najbardziej złożony wygląd muzyka polifoniczna, która osiągnęła swój szczyt w twórczości I.S. Bacha i Handla. Jego nazwa pochodzi od łacińskiego fuga – bieganie. To utwór polifoniczny, oparty na jednym temacie, który porusza się (przebiega!) od głosu do głosu. Każda linia melodyczna nazywana jest głosem. W zależności od liczby takich wersów fuga może być trzy-, cztero-, pięciogłosowa itp. W środkowej części fugi, gdy temat zabrzmi całkowicie we wszystkich głosach, zaczyna się on rozwijać: wtedy jego początek pojawi się i zniknie ponownie, następnie się rozwinie (każda z tworzących się nut stanie się dwa razy dłuższa), następnie się skurczy – nazywa się to tematem wzrastającym i motywem malejącym. Może się zdarzyć, że w ramach tematu opadające ruchy melodyczne staną się wznoszące i odwrotnie (temat w obiegu). Ruch melodyczny przechodzi z jednego klawisza na drugi. A w końcowej części fugi – Reprise – temat znów brzmi niezmieniony, jak na początku, wracając do głównej tonacji utworu.

Przypomnijmy jeszcze raz: o czym mówimy około połowy XVIII wieku. W głębi arystokratycznej Francji szykuje się eksplozja, która wkrótce zmiata monarchia absolutna. Nadejdzie nowy czas. I choć nastroje rewolucyjne dopiero w ukryciu są przygotowywane, myśliciele francuscy wypowiadają się przeciwko istniejącemu porządkowi. Domagają się równości wszystkich ludzi wobec prawa oraz głoszą idee wolności i braterstwa.

Sztuka odzwierciedlająca zmiany życie publiczne, jest wrażliwy na zmiany w atmosferze politycznej w Europie. Przykładem tego są nieśmiertelne komedie Beaumarchais. Dotyczy to również muzyki. To właśnie teraz, w trudnym okresie, naznaczonym wydarzeniami o kolosalnym znaczeniu historycznym, w głębi starych, ugruntowanych od dawna gatunków i form muzycznych rodzi się nowy, prawdziwie rewolucyjny gatunek – symfonia. Staje się jakościowo, zasadniczo inny, ponieważ ucieleśnia nowy typ myślenia.

Należy pomyśleć, że to nie przypadek, że mając przesłanki w różnych regionach Europy, gatunek symfoniczny ostatecznie ukształtował się w krajach języka niemieckiego. We Włoszech opera była sztuką narodową. W Anglii duch i znaczenie tego, co się tam wydarzyło procesy historyczne najpełniej odzwierciedlały oratoria Jerzego Handla, Niemca z urodzenia, który stał się narodowym kompozytorem angielskim. We Francji na pierwszy plan wysunęły się inne sztuki, zwłaszcza literatura i teatr, które były bardziej konkretne, bezpośrednio i wyraźnie wyrażały nowe idee, które ekscytowały świat. dzieła Woltera”, Nowa Eloise„Rousseau, „Listy perskie” Monteskiusza w zawoalowanej, ale całkiem zrozumiałej formie przedstawiły czytelnikom ostrą krytykę istniejącego porządku i zaproponowały własne opcje struktury społeczeństwa.

Kiedy kilkadziesiąt lat później zaczęto mówić o muzyce, pieśń dołączyła do szeregów oddziałów rewolucyjnych. Bardzo świecący przykład do tego należy Pieśń Armii Renu stworzona z dnia na dzień przez oficera Rougeta de Lisle, która zasłynęła na całym świecie pod pseudonimem Marsylianka. Po piosence pojawiła się muzyka do masowych uroczystości i ceremonii żałobnych. I wreszcie tzw. „opera zbawienia”, której treścią było pogoń za bohaterem lub bohaterką przez tyrana i ich ocalenie w finale opery.

Symfonia wymagała zupełnie innych warunków zarówno do powstania, jak i do pełnego odbioru. „Środek ciężkości” myśl filozoficzna, który najpełniej oddawał głęboką istotę przemian społecznych tamtej epoki, trafił do Niemiec, z dala od burz społecznych.

Tam najpierw Kant, a później Hegel stworzyli swoje nowe systemy filozoficzne. Tak jak systemy filozoficzne, symfonia - najbardziej filozoficzny, dialektyczno-procesualny gatunek twórczości muzycznej - ostatecznie ukształtowała się tam, gdzie docierały jedynie odległe echa zbliżających się burz. Gdzie zresztą rozwinęły się silne tradycje muzyka instrumentalna.

Jednym z głównych ośrodków powstania nowego gatunku było Mannheim, stolica bawarskiego elektoratu Palatynatu. Tutaj, na genialnym dworze elektora Karola Teodora, w latach 40. i 50. XX wieku lata XVIII wieku, mieściła się w nim znakomita orkiestra, być może najlepsza wówczas w Europie.

W tym czasie orkiestra symfoniczna dopiero nabierała kształtu. A w kaplicach dworskich i katedrach nie istniały zespoły orkiestrowe o stałym składzie. Wszystko zależało od środków, jakimi dysponował władca czy urzędnik, od gustów tych, którzy potrafili wydawać rozkazy. Orkiestra początkowo pełniła jedynie rolę użytkową, towarzysząc występom dworskim lub festiwalom ceremonie. I uważano go przede wszystkim za zespół operowy lub kościelny. Początkowo w skład orkiestry wchodziły altówki, lutnie, harfy, flety, oboje, rogi i bębny. Stopniowo skład się powiększał, liczba instrumenty smyczkowe. Z biegiem czasu skrzypce zostały wymienione antyczna wiola i wkrótce objął czołową pozycję w orkiestrze. Mosiądz drewniane narzędzia- flety, oboje, fagoty - połączono w osobną grupę, pojawiły się też miedziane - trąbki, puzony. Obowiązkowym instrumentem w orkiestrze był klawesyn, który tworzył harmoniczną podstawę brzmienia. Za nim zwykle stał lider orkiestry, który podczas gry jednocześnie wydawał instrukcje dotyczące wprowadzenia.

Pod koniec XVII wieku upowszechniły się zespoły instrumentalne istniejące na dworach szlacheckich. Każdy z licznych małych książąt rozdrobnionych Niemiec chciał mieć własną kaplicę. Rozpoczął się szybki rozwój orkiestr, pojawiły się nowe techniki gry orkiestrowej.

Orkiestra Mannheim składała się z 30 instrumentów smyczkowych, 2 fletów, 2 obojów, klarnetu, 2 fagotów, 2 trąbek, 4 rogów i kotłów. To jest kręgosłup współczesnej orkiestry, kompozycja, dla której swoje dzieła tworzyło wielu kompozytorów kolejnej epoki. Prowadził orkiestrę wybitny muzyk, czeski kompozytor i wirtuoz skrzypiec Jan Vaclav Stamitz. Wśród artystów orkiestry znaleźli się także najwięksi muzycy swoich czasów, nie tylko wirtuozi instrumentaliści, ale także utalentowani kompozytorzy Franz Xaver Richter, Anton Filz i inni. Ustalili oni doskonały poziom umiejętności wykonawczych orkiestry, która zasłynęła ze swoich niesamowitych walorów – nieosiągalnej wcześniej równości uderzeń skrzypiec, najlepszych gradacji dynamiczne odcienie, wcześniej w ogóle nie używany.

Według współczesnego krytyka Bosslera „dokładne przestrzeganie zasad fortepianu, forte, rinforzando, stopniowe rozszerzanie i intensyfikowanie dźwięku, a następnie ponowne zmniejszanie jego siły aż do ledwo słyszalnego dźwięku – wszystko to można było usłyszeć tylko w Mannheim”. Bernie, angielski miłośnik muzyki, który w połowie XVIII wieku odbył podróż do Europy, powtarza go: „Ta niezwykła orkiestra ma wystarczająco dużo przestrzeni i faset, aby zademonstrować wszystkie swoje możliwości i wywołać wspaniały efekt. To tu Stamitz, zainspirowany twórczością Yomelliego, po raz pierwszy wyszedł poza zwykłe uwertury operowe... próbowano wszystkich efektów, jakie mogła wywołać taka masa dźwięków. To tu narodziło się crescendo i diminuendo oraz fortepian, który wcześniej służył głównie jako echo i był z nim zwykle synonimem, a forte uznano za barwy muzyczne mające swoje własne odcienie…”

To właśnie w tej orkiestrze po raz pierwszy zabrzmiały czterogłosowe symfonie – dzieła budowane według jednego typu i mające ogólne wzorce, który wchłonął wiele cech istniejących wcześniej gatunków i form muzycznych i stopił je w coś jakościowo odmiennego; nowa jedność.

Pierwsze akordy są zdecydowane, pełne głosu, jakby wzywające do uwagi. Następnie szerokie, zamaszyste ruchy. Znów akordy zastąpione ruchem arpeggiowym, a potem żywa, elastyczna melodia niczym rozwijająca się sprężyna. Wydaje się, że można to ciągnąć w nieskończoność, jednak mija ono szybciej, niż życzyłaby sobie tego plotka: niczym gość przedstawiony właścicielom domu podczas hucznego przyjęcia, oddala się od nich, ustępując miejsca podążającym za nimi innym. Po chwili pojawia się ogólny ruch nowy temat- delikatniejszy, kobiecy, liryczny. Ale nie brzmi to długo, rozpadając się na fragmenty. Po pewnym czasie znów widzimy pierwszy temat, nieco zmieniony, w nowej tonacji. Strumień muzyczny płynie szybko, powracając do pierwotnej, głównej tonacji symfonii; Drugi temat organicznie wpisuje się w ten nurt, teraz zbliżając się charakterem i nastrojem do pierwszego. Pierwsza część symfonii kończy się pełnymi, radosnymi akordami.

Część druga, andante, rozwija się powoli i melodyjnie, wydobywając ekspresję instrumentów smyczkowych. Jest to rodzaj arii na orkiestrę, w której dominuje liryzm i elegijna refleksja.

Część trzecia to elegancki, szarmancki menuet. Stwarza uczucie odprężenia i odprężenia. A potem, jak ognista trąba powietrzna, wybucha ognisty finał. To była, ogólnie rzecz biorąc, symfonia tamtych czasów. Jego pochodzenie można bardzo wyraźnie prześledzić. Część pierwsza najbardziej przypomina uwerturę operową. Ale jeśli uwertura jest jedynie progiem wykonania, to tutaj sama akcja rozwija się w dźwiękach. Typowo operowy obrazy muzyczne uwertury - heroiczne fanfary, wzruszające lamenty, burzliwe zabawy bufonów - nie kojarzące się z konkretnymi sytuacjami scenicznymi i nie mające charakteru charakterystycznego indywidualne cechy(pamiętajcie, że nawet słynna uwertura do „ Do fryzjera sewilskiego„Rossini nie ma nic wspólnego z treścią opery i został pierwotnie napisany dla innej opery!), oderwał się od przedstawienia operowego i zaczął niezależne życie. Łatwo je rozpoznać we wczesnej symfonii – zdecydowane, odważne intonacje arii bohaterskich w tematach pierwszych, zwanych głównymi, delikatne westchnienia arii lirycznych w drugim, tzw. tematach wtórnych.

Zasady opery znajdują także odzwierciedlenie w fakturze symfonii. O ile w dotychczasowej muzyce instrumentalnej dominowała polifonia, czyli polifonia, w której jednocześnie brzmiało kilka niezależnych, przeplatających się ze sobą melodii, to tutaj zaczął się rozwijać inny rodzaj polifonii: jedna melodia główna (najczęściej skrzypce), wyrazista, znacząca, z towarzyszeniem akompaniament, który ją wyróżnia, podkreśla jej indywidualność. We wczesnej symfonii całkowicie dominuje ten typ polifonii, zwany homofonicznym. W dalszej części symfonii pojawiają się techniki zapożyczone z fugi. Jednak w połowie XVIII wieku można ją było raczej skontrastować z fugą. Temat był z reguły jeden (są fugi podwójne, potrójne i więcej, ale w nich tematy nie są przeciwstawiane, ale porównywane). Powtarzano to wiele razy, ale nic temu nie zaprzeczało. Był to w istocie aksjomat, teza wielokrotnie formułowana, nie wymagająca dowodu. W symfonii odwrotnie: w wyglądzie i dalszych zmianach motywy muzyczne i obrazach słychać spory i sprzeczności. Być może właśnie tam najlepiej widać znak czasu. Prawda nie jest już czymś danym. Trzeba szukać, udowadniać, uzasadniać, porównywać różne opinie, dowiadywać się różne punkty wizja. To właśnie robią encyklopedyści we Francji. Na tym opiera się filozofia niemiecka, w szczególności metoda dialektyczna Hegla. A sam duch epoki poszukiwań odbija się w muzyce.

Symfonia więc wiele czerpała z uwertury operowej. W szczególności uwertura nakreśliła zasadę naprzemiennego kontrastowania sekcji, które w symfonii zamieniły się w niezależne części. W pierwszej części znajdują się różne strony, różne uczucia człowieka, życie w jego ruchu, rozwoju, zmianach, kontrastach i konfliktach. W drugiej części następuje refleksja, skupienie, a czasami teksty. W trzecim - relaks, rozrywka. I wreszcie finał - obrazy zabawy, radości, a jednocześnie - wynik muzycznego rozwoju, dokończenie cyklu symfonicznego.

Tak będzie wyglądać symfonia początek XIX stulecia, tak najogólniej będzie to na przykład u Brahmsa czy Brucknera. A kiedy się urodziła, najwyraźniej pożyczyła wiele mechanizmów z apartamentu.

Allemande, courante, sarabanda i gigue to cztery obowiązkowe tańce, cztery różne nastroje, które można łatwo dostrzec we wczesnych symfoniach. Walory taneczne są w nich bardzo wyraźnie wyrażone, szczególnie w finałach, które charakterem melodii, tempem, a nawet wielkością taktu często przypominają gigue. To prawda, że czasami finał symfonii jest bliższy błyskotliwemu finałowi opery buffa, ale nawet wtedy nie można zaprzeczyć jej pokrewieństwu z tańcem, na przykład tarantellą. Jeśli chodzi o trzecią część, nazywa się ją menuetem. Dopiero w twórczości Beethovena taniec – szarmancki dworski lub niegrzeczny pospolity – zastąpi scherzo.

Nowonarodzona symfonia wchłonęła w ten sposób cechy wielu gatunków muzycznych i gatunków, w których się urodziła różne kraje Oh. A powstanie symfonii miało miejsce nie tylko w Mannheim. Istniała szkoła wiedeńska, którą reprezentował zwłaszcza Wagenseil. We Włoszech Giovanni Battista Sammartini pisał dzieła orkiestrowe, które nazywał symfoniami i przeznaczone do wykonań koncertowych nie kojarzących się z wykonaniem operowym. We Francji młody kompozytor, z urodzenia Belg, François-Joseph Gossec, zwrócił się ku nowemu gatunkowi. Jego symfonie nie spotkały się z odzewem i uznaniem, gdyż w muzyce francuskiej dominowała programowość, ale jego twórczość odegrała rolę w powstaniu symfonii francuskiej, w odnowie i rozbudowie orkiestry symfonicznej. Czeski kompozytor Frantisek Micha, który swego czasu służył w Wiedniu, dużo eksperymentował i z sukcesem poszukiwał formę symfoniczną. Ciekawe eksperymenty przeprowadził jego słynny rodak Józef Myślewicz. Jednak wszyscy ci kompozytorzy byli samotnikami, ale w Mannheim powstała cała szkoła, która miała także do dyspozycji pierwszorzędny „instrument” - słynną orkiestrę. Dzięki temu szczęśliwa okazjaże elektor Palatynatu był wielkim miłośnikiem muzyki i miał dość pieniędzy, aby pozwolić sobie na ogromne wydatki na nią, w stolicy Palatynatu zgromadzili się czołowi muzycy z różnych krajów - Austriacy i Czesi, Włosi i Prusowie - każdy z nich przyczynił się do stworzenie nowego gatunku. W dziełach Jana Stamitza, Franza Richtera, Carlo Toeschiego, Antona Filza i innych mistrzów symfonia wyrosła w tych swoich głównych cechach, które następnie przeszły na twórczość klasyków wiedeńskich – Haydna, Mozarta, Beethovena.

Tak więc w ciągu pierwszego półwiecza istnienia nowego gatunku wyłonił się wyraźny model strukturalno-dramatyczny, który może pomieścić różnorodne i bardzo istotne treści. Podstawą tego modelu była forma zwana sonatą, czyli allegro sonatowym, gdyż pisana była najczęściej w tym tempie, charakterystycznym później zarówno dla symfonii, jak i sonaty i koncertu instrumentalnego. Jego osobliwością jest zestawienie różnych, często kontrastujących ze sobą tematów muzycznych. Trzy główne części formy sonatowej – ekspozycja, rozwinięcie i repryza – przypominają początek, rozwój akcji i zakończenie klasycznego dramatu. Po krótkim wstępie lub bezpośrednio na początku ekspozycji widzom prezentowane są „bohaterowie” spektaklu.

Tematem głównym nazywa się pierwszy temat muzyczny, który brzmi w tonacji głównej utworu. Częściej - główny temat, ale dokładniej - część główna, ponieważ w części głównej, czyli pewnym segmencie formy muzycznej, połączonej jedną wspólnotą tonacyjną i figuratywną, z czasem zaczęła pojawiać się nie jedna, ale kilka różnych melodii. Po partii głównej, we wczesnych próbkach poprzez bezpośrednie porównanie, a w późniejszych poprzez małą partię łączącą, rozpoczyna się partia wtórna. Jego temat lub dwa lub trzy różne tematy kontrastują z głównym. Najczęściej część boczna jest bardziej liryczna, miękka i kobieca. Brzmi w innej tonacji niż główna, wtórna (stąd nazwa partii). Pojawia się poczucie niestabilności, a czasem konfliktu. Wystawę kończy część końcowa, która albo nie występuje we wczesnych symfoniach, albo pełni rolę czysto pomocniczą, jako swego rodzaju punkt, kurtyna po pierwszym akcie sztuki, a następnie, począwszy od Mozarta, nabiera znaczenia niezależny trzeci obraz, wraz z głównym i wtórnym.

Środkowa część formy sonatowej to rozwój. Jak wskazuje tytuł, w nim wątki muzyczne, z którymi słuchacze zapoznali się na wystawie (czyli wcześniej wystawiali), są w niej rozwijane, podlegają zmianom i rozwojowi. Jednocześnie ukazane są z nowych, czasem nieoczekiwanych stron, zmodyfikowane, wyodrębnione z nich indywidualne motywy - te najbardziej aktywne, które później zderzają się. Rozwój jest niezwykle efektywną sekcją. Na koniec następuje kulminacja, która prowadzi do repryzy – trzeciej części formy, swoistego zakończenia dramatu.

Nazwa tej sekcji pochodzi od Francuskie słowo reprendre – odnawiać. Jest to odnowienie, powtórzenie ekspozycji, tyle że zmodyfikowane: obie części brzmią teraz w tonacji głównej symfonii, jakby uzgodnione przez wydarzenia rozwojowe. Czasami w powtórce występują inne zmiany. Można go na przykład obciąć (bez żadnego z tematów wybrzmiewających w ekspozycji), odzwierciedlić (najpierw brzmi część poboczna, a dopiero potem część główna). Pierwsza część symfonii kończy się zwykle kodą – konkluzją ustalającą główną tonację i główny obraz allegra sonatowego. We wczesnych symfoniach koda jest niewielka i stanowi w istocie nieco rozwiniętą część końcową. Później np. u Beethovena nabiera to znacznych rozmiarów i staje się swego rodzaju drugim rozwinięciem, w którym afirmacja osiągana jest na nowo poprzez walkę.

Ta forma okazała się naprawdę uniwersalna. Od czasów symfonii po dzień dzisiejszy z powodzeniem ucieleśnia ona najgłębsze treści, przekazując niewyczerpane bogactwo obrazów, idei i problemów.

Druga część symfonii jest powolna. Jest to zwykle liryczne centrum cyklu. Jego kształt jest zróżnicowany. Najczęściej jest trzyczęściowy, czyli ma podobne odcinki zewnętrzne i kontrastującą część środkową, ale można go zapisać także w formie wariacji lub w innej formie, aż do sonaty, która różni się konstrukcyjnie od pierwszego allegra tylko w wolniejszym tempie i mniej efektywnym rozwoju.

Część trzecia to menuet we wczesnych symfoniach i scherzo od Beethovena do czasów współczesnych, z reguły złożona forma trzyczęściowa. Treść tej części była przez dziesięciolecia modyfikowana i skomplikowana, począwszy od tańca codziennego lub dworskiego, poprzez monumentalne, potężne scherza XIX wieku i później, aż po groźne obrazy zła i przemocy w cyklach symfonicznych Szostakowicza, Honeggera i innych symfoników XX wieku. Zaczynając od drugiego połowa XIX wieku stulecia scherzo coraz częściej zamienia się miejscami wraz z częścią powolną, co zgodnie z nową koncepcją symfonii staje się swoistą duchową reakcją nie tylko na wydarzenia z pierwszej części, ale także na świat figuratywny scherzo (zwłaszcza w symfoniach Mahlera).

Finał będący efektem cyklu we wczesnych symfoniach zapisywany jest często w formie sonaty ronda. Przeplatanie się wesołych epizodów mieniących się zabawą z ciągłym tanecznym refrenem – taka konstrukcja wynikała naturalnie z charakteru obrazów finału, z jego semantyki. Z biegiem czasu, wraz z pogłębianiem się problematyki symfonii, zaczęły się zmieniać wzorce konstrukcji jej finału. Finały zaczęły pojawiać się w formie sonatowej, w formie wariacji, w formie swobodnej, a wreszcie z elementami oratoryjnymi (m.in. z udziałem chóru). Zmieniły się także jego obrazy: nie tylko afirmacja życia, ale czasem także tragiczny koniec (VI Symfonia Czajkowskiego), pogodzenie się z okrutną rzeczywistością lub ucieczka od niej w świat snów, iluzje stały się treścią finału cyklu symfonicznego w ostatnie sto lat.

Wróćmy jednak do początku chwalebnej ścieżki tego gatunku. Powstała w połowie XVIII wieku i osiągnęła klasyczne zakończenie w dziele wielkiego Haydna.

Wśród wielu gatunków muzycznych jedno z najbardziej zaszczytnych miejsc należy do symfonii. Zawsze, od momentu powstania aż po dzień dzisiejszy, z wyczuciem odzwierciedla swój czas: symfonie Mozarta i Beethovena, Berlioza i Mahlera, Prokofiewa i Szostakowicza są refleksją nad epoką, człowiekiem, drogami świata, sposoby życia na ziemi. jako niezależny gatunek muzyczny powstał stosunkowo niedawno, bo jakieś dwa i pół wieku temu. Jednak w tym historycznie krótkim czasie przebył długą drogę.
Słowo symfonia przetłumaczone z języka greckiego oznacza po prostu współbrzmienie. W Starożytna Grecja To jest to, co nazwali przyjemną kombinacją dźwięków. Później zaczęto wyznaczać albo orkiestrę, albo wstęp do suity tanecznej. Na początku XVIII wieku termin ten zastąpił dotychczasową koncepcję uwertury. Pierwsze symfonie w obecnym znaczeniu pojawiły się w centrum Europy w drugiej połowie XVIII wieku. A miejsce i czas jej narodzin nie są przypadkowe. Powstała jednocześnie w różnych częściach Europy, w głębi dawnych, ustalonych wcześniej form muzycznych – suity tanecznej i uwertury operowej, symfonia ukształtowała się ostatecznie w krajach języka niemieckiego.
We Włoszech opera była sztuką narodową. W przedrewolucyjnej Francji, przesiąkniętej już atmosferą wolnomyślicielstwa i buntu, rozwinęły się inne sztuki. Takie jak literatura, malarstwo i teatr - bardziej konkretne, bezpośrednio i wyraźnie wyrażające nowe idee, które ekscytują świat. Kiedy kilkadziesiąt lat później doszło do muzyki, piosenka weszła w szeregi wojsk rewolucyjnych jako pełnoprawny wojownik - „Carmagnola”, „Ca ira”, „La Marseillaise”. Ale – i to do dziś najbardziej złożony ze wszystkich rodzajów muzyki niemających nic wspólnego z innymi sztukami – wymagał do swego powstania innych warunków, do pełnego odbioru: wymagał myślenia, uogólnień – spokojnej i skupionej pracy. To nie przypadek, że ośrodek myśli filozoficznej, będący odzwierciedleniem przemian społecznych w Europie końca XVIII wieku, okazał się w Niemczech, z dala od burz społecznych.
Jednocześnie w Niemczech i Austrii rozwinęły się bogate tradycje muzyki instrumentalnej. To tu pojawiła się symfonia. Powstała w twórczości kompozytorów czeskich i austriackich, ostateczną formę uzyskała w dziełach Haydna, by osiągnąć swój szczyt u Mozarta i Beethovena. Ta klasyczna symfonia (Haydn, Mozart i Beethoven przeszła do historii muzyki jako „klasyka wiedeńska”, gdyż większość ich twórczości związana jest z tym miastem) rozwinęła się jako cykl czterech części, które ucieleśniały różne aspekty ludzkiego życia. Pierwsza część symfonii jest szybka, aktywna, czasami poprzedzona powolnym wstępem. Napisana jest w formie sonatowej (przeczytacie o tym w opowieści o sonacie). Część druga ma charakter powolny – zazwyczaj zamyślony, elegijny lub pastoralny, czyli poświęcony spokojnym obrazom natury, cichemu odpoczynkowi lub snom. Są drugie części, które są żałobne, skoncentrowane i głębokie. Trzecia część symfonii to menuet, a później, u Beethovena, scherzo. To jest gra, zabawa, obrazy na żywo życie ludowe, fascynujący okrągły taniec... Finał jest efektem całego cyklu, zwieńczeniem wszystkiego, co zostało pokazane, przemyślane, odczute w poprzednich częściach. Często zakończenie jest podnoszące na duchu, uroczyste, zwycięskie lub świąteczne. W ogólnym schemacie symfonie różnych kompozytorów są bardzo różne. Jeśli więc symfonie Haydna są w większości pogodne, radosne i tylko w nielicznych ze 104 dzieł tego gatunku, które stworzył, pojawiają się tony poważne lub smutne, to symfonie Mozarta są znacznie bardziej indywidualne. bywają postrzegani jako prekursorzy sztuki romantycznej.
Symfonie Beethovena pełne są obrazów walki. W pełni odzwierciedlały czas - epokę Wielkiego rewolucja francuska, wzniosłe idee obywatelskie inspirowane przez nią. Symfonie Beethovena są dziełami monumentalnymi pod względem głębi treści, szerokości i siły uogólnienia, nie ustępującymi operze, dramatowi czy powieści. Wyróżnia je głęboki dramat, bohaterstwo i patos. W ostatniej symfonii Beethovena, IX, chór śpiewa entuzjastyczny i majestatyczny hymn „Embrace, O Millions”, do wersetów ody Schillera do radości. Kompozytor maluje tu wspaniały obraz wolnej, radosnej ludzkości, dążącej do powszechnego braterstwa. W tym samym czasie co Beethoven, w tym samym Wiedniu, żył inny wspaniały austriacki kompozytor, Franz Schubert. Jego symfonie brzmią jak liryczne wiersze, jak głęboko osobiste, intymne wypowiedzi. Wraz z Schubertem w muzyce europejskiej pojawił się nowy ruch, gatunek symfoniczny - romantyzm. Przedstawicielami romantyzmu muzycznego w symfonii są Schumann, Mendelssohn, Berlioz. Hector Berlioz, wybitny francuski kompozytor, jako pierwszy stworzył symfonię programową (zobacz opowieść o muzyce programowej), pisząc do niej program poetycki w formie opowiadania o życiu artysty. w Rosji jest to przede wszystkim Czajkowski. Jego dzieła symfoniczne to ekscytujące, ekscytujące historie o walce człowieka o życie, o szczęście. Ale to jest Borodin: jego symfonie wyróżniają się epicką rozmachem, siłą i prawdziwie rosyjskim rozmachem. Są to Rachmaninow, Skriabin i Głazunow, którzy stworzyli osiem symfonii - pięknych, jasnych, zrównoważonych. Symfonie D. Szostakowicza ucieleśniają XX wiek z jego burzami, tragediami i osiągnięciami. Odzwierciedlają wydarzenia z naszej historii oraz obrazy ludzi – współczesnych kompozytorowi, budujących, walczących, poszukujących, cierpiących i zwyciężających. Symfonie S. Prokofiewa wyróżniają się epicką mądrością, głębokim dramatyzmem, czystymi i jasnymi tekstami oraz ostrymi dowcipami.
Każda symfonia to cały świat. Świat artysty, który go stworzył. Świat czasu, który go zrodził. Słuchając klasycznych symfonii, stajemy się bogatsi duchowo, poznajemy skarby ludzkiego geniuszu, dorównujące tragediom Szekspira, powieściom Tołstoja, wierszom Puszkina, malarstwu Rafaela. Wśród autorów symfonii radzieckich są N. Myaskowski, A. Chaczaturyan, T. Chrennikow, W. Salmanow, R. Szczedrin, B. Tiszczenko, B. Czajkowski, A. Terteryan, G. Kancheli, A. Schnittke.

Zobacz wartość Symfonia w innych słownikach

Symfonia- I. grecki muzyka harmonia, zgodność dźwięków, współbrzmienie polifoniczne. | Specjalny widok polifoniczny kompozycja muzyczna. Haydena. | na Starym, na Nowym Testamencie, kodeksie, wskazaniu miejsc,......
Słownik wyjaśniający Dahla

Symfonia- symfonie, w. (Symfonia grecka - harmonia dźwięków, współbrzmienie). 1. Duży utwór muzyczny na orkiestrę, składający się zwykle z 4 części, z których pierwsza i często ostatnia.......
Słownik wyjaśniający Uszakowa

Symfonia J.— 1. Duży utwór muzyczny na orkiestrę, składający się zwykle z 3-4 części, różniących się między sobą charakterem muzycznym i tempem. // przenosić Dźwięk harmoniczny............
Słownik wyjaśniający autorstwa Efremowej

Symfonia- -I; I. [z greckiego symphonia - współbrzmienie]
1. Wielkoformatowy utwór muzyczny na orkiestrę (zwykle składający się z czterech części). Zasady budowy symfonii. Dramaturgia........
Słownik wyjaśniający Kuzniecowa

Symfonia— Ta nazwa gatunku muzycznego została zapożyczona z języka francuskiego i sięga wstecz Słowo łacińskie Pochodzenie greckie symfonia, do której (syn – jest (o)”, telefon – „dźwięk, głos”)......
Słownik etymologiczny Kryłowa

Symfonia- (z greckiego symfonia - współbrzmienie) - utwór muzyczny na orkiestrę symfoniczną, napisany w formie sonatowej forma cykliczna; najwyższa forma muzyki instrumentalnej. Zazwyczaj........
Duży słownik encyklopedyczny

Symfonia- - zbiór słów - zbiór w kolejność alfabetyczna wszystkie słowa, wyrażenia i wyrażenia występujące w Biblii, ze wskazaniem, gdzie się pojawiają. Są też S. w Koranie, do.......
Słownik historyczny

Symfonia kameralna- rodzaj symfonii, który powstał na początku. XX wiek jako rodzaj reakcji na wielką cykliczność. Symfonia XIX w i jej przerośnięty ork. aparat. K. s. początek XX wiek charakteryzuje się skromnością............
Encyklopedia muzyczna

Symfonia koncertowa- (włoska symfonia koncertująca, a także koncertująca, niemiecka Konzertante Symphonie, a także Konzertante) - określenie używane w II połowie. XVIII wiek wyznaczyć prace cykliczne dla kilku. instrumenty solowe............
Encyklopedia muzyczna

Symfonia- (z greckiego symponia - współbrzmienie) - muzyka. utwór na orkiestrę, rozdz. przyr. symfoniczny, z reguły, w formie sonatowo-cyklicznej. Zwykle składa się z 4 części; jest S. z dużym.......
Encyklopedia muzyczna

Symfonia- (grecki, dosł. - zbiór słów) - zbiór w kolejności alfabetycznej wszystkich słów, wyrażeń i zwrotów występujących w Biblii, ze wskazaniem miejsca, w którym się znajdują. Są też S.......
Słownik filozoficzny

SYMFONIA— SYMFONIA, -i, w. 1. Duży (zwykle czteroczęściowy) utwór muzyczny na orkiestrę. 2. przeniesienie połączenie harmoniczne, połączenie czegoś. (książka). S. kwiaty. S. kolory............
Słownik wyjaśniający Ożegowa

Publikacje w dziale Muzyka

Słuchanie i rozumienie symfonii

Jaka jest różnica między muzyką klasyczną, akademicką, symfoniczną i filharmoniczną? Czy to możliwe? kwartet smyczkowy uznać za orkiestrę i czy taką „orkiestrę” można w takim razie nazwać orkiestrą skrzypcową? Odpowiedzi na te i inne popularne pytania dotyczące symfonii można znaleźć w materiale na portalu Kultura.RF.

Chodźmy na koncert

Ilia Repin. Kompozytorzy słowiańscy. 1872. Moskiewskie Konserwatorium Państwowe imienia P.I. Czajkowski

Standardowy koncert symfoniczny składa się z uwertury i koncertu na jakiś instrument (zwykle fortepian lub skrzypce) z orkiestrą w pierwszej części i samą symfonią w drugiej. Najczęściej wykonują albo uwertury ze znanych dzieła teatralne, czyli posiadanie własnej fabuły, która pozwala nawet zupełnie nieprzygotowanemu słuchaczowi odbierać muzykę - na pozamuzycznym poziomie semantycznym. Kompozytorzy piszą także koncerty instrumentalne z myślą o masowym odbiorcy. W przypadku symfonii wszystko wydaje się znacznie bardziej skomplikowane, ale tak jest tylko na pierwszy rzut oka.

Pierwsze symfonie w formie, do jakiej jesteśmy przyzwyczajeni, powstały za czasów Josepha Haydna i w dużej mierze dzięki niemu. Samo słowo „symfonia” istniało oczywiście na długo przed powstaniem kompozytora: w tłumaczeniu z języka greckiego oznaczało „wspólne [harmonijne] brzmienie” i służyło do określenia szerokiej gamy form i gatunków muzycznych. Ale to właśnie było w twórczości Haydna, pierwszego z nich Klasyka wiedeńska- symfonia stała się tym, czym jest teraz.

Prawie wszystkie symfonie są zbudowane według tego samego schematu i faktycznie opowiadają ten sam rodzaj fabuły. Schemat ten nazywany jest zwykle cyklem sonatowo-symfonicznym; składa się z czterech niezależnych części muzycznych. Te pojedyncze utwory muzyczne są dosłownie ustawiają się w kolejce, podobnie jak konstrukcje architektoniczne, zgodnie z bardzo specyficznymi i precyzyjnymi prawami matematycznymi. To właśnie te prawa miał na myśli bohater dzieła Puszkina Salieri, gdy mówił, że „wierzy w harmonię z algebrą”.

Z czego składa się symfonia?

Henryk Semiradski. Chopin w salonie księcia Antoniego Radziwiłła w Berlinie w 1829 r. (fragment). 2. połowa XIX wiek. Państwowe Muzeum Rosyjskie

Pierwsza część symfonie są czasami nazywane „allegro sonatowym”, ponieważ jest w nich napisane forma sonatowa i zazwyczaj przebiega w szybkim tempie. Fabuła formy sonatowej składa się z trzech dużych części – ekspozycji, rozwinięcia i repryzy.

W ekspozycja dwa dźwięki z rzędu kontrastujące motywy: Część główna jest zwykle bardziej aktywna, a część poboczna jest często bardziej liryczna. W rozwój Tematy te przeplatają się i oddziałują na siebie w dowolny sposób według uznania kompozytora. A potrącenie od dochodu podsumowuje tę interakcję: w nim partia główna brzmi w swej pierwotnej formie, a partia boczna zmienia się pod wpływem głównej. Na przykład, jeśli w ekspozycji było liryczne, to w repryzie staje się tragiczne (jeśli symfonia jest napisana w tonacji molowej) lub odwrotnie, heroiczne (w przypadku symfonii durowej).

Główną intrygą symfonii pozostaje to, jak dokładnie kompozytor rozwija typową fabułę. I w już znanym eseju możesz się odwrócić szczególną uwagę do interpretacji muzyki przez tego czy innego dyrygenta – to jak oglądanie nowej filmowej adaptacji słynnej powieści.

Druga część symfonie - powolne, o charakterze medytacyjnym. Reprezentuje zrozumienie dramatycznych perypetii pierwszej części - jako odpoczynku po burzy lub jako koniecznego, ale powolnego powrotu do zdrowia po ciężkiej gorączce.

Trzecia część wskazówki konflikt wewnętrzny symfonie do rozdzielczości poprzez ruch zewnętrzny. Dlatego kompozytorzy XVIII wieków pisali go tradycyjnie w trzytaktowym rytmie popularnego wówczas tańca menueta. Forma menueta była tradycyjnie trzyczęściowa, której trzecia część dosłownie powtarzała pierwszą według wzoru „A - B - A”. To powtórzenie czasami nie było nawet spisane nutami, a po drugiej części pisano po prostu „da capo”: oznaczało to, że musieli zagrać całą pierwszą część od początku.

Od czasów Ludwiga van Beethovena menuet był czasami zastępowany szybkim i żywym scherzo (przetłumaczonym z włoskiego jako „żart”), ale nawet w tych przypadkach trzecia część standardowej symfonii często zachowywała trzytaktowy rytm oraz obowiązkowa trzyczęściowa forma „da capo”.

I wreszcie szybko czwarta część Lub finał Symfonia emocjonalnie i wymownie przywraca słuchacza do „kręgu życia”. Sprzyja temu forma muzyczna rondo(z francuskiego rondeau - „okrąg”), w którym najczęściej zapisywane są finały klasycznych symfonii. Zasada ronda opiera się na okresowych powrotach, jakby po okręgu, tematu głównego ( refren), przeplatany innymi fragmentami muzycznymi ( odcinki). Forma ronda należy do najbardziej harmonijnych i pozytywnych i to właśnie ona nadaje życiodajny charakter całej symfonii. .

Nie ma reguł bez wyjątków

Petera Williamsa. Portret Dmitrija Szostakowicza. 1947. Muzeum Centralne kultura muzyczna nazwana na cześć M.I. Glinka

Opisana typowa forma jest charakterystyczna dla zdecydowanej większości symfonii powstałych od końca XVII wieku do czasów współczesnych. Nie ma jednak reguł bez wyjątków.

Jeśli w symfonii coś idzie „nie zgodnie z planem”, zawsze odzwierciedla to szczególną intencję kompozytora, a nie jego nieprofesjonalizm lub niewiedzę. Jeśli na przykład powolna („wymowna”) część symfonii zamienia się miejscami z menuetem lub scherzem, jak to często bywa u kompozytorów romantycznych XIX w., może to oznaczać, że autor przesunął akcent semantyczny całej symfonii „do wewnątrz” ”, gdyż znajdował się w trzeciej ćwiartce musicalu, utwór stanowi punkt kulminacyjny „złotego odcinka” i semantyczną kulminację całej formy.

Innym przykładem odstępstwa od formy standardowej jest dodana „nad planem” kolejna część, jak w Symfonii pożegnalnej (45.) Josepha Haydna, gdzie po tradycyjnym szybkim finale następuje powolna część piąta, podczas której muzycy na zmianę przerywają grę i opuścili scenę, gasząc świece przymocowane do pulpitów muzycznych. Tym naruszeniem formy kanonicznej Haydn, będąc liderem nadwornej orkiestry księcia Esterhazy’ego, zwrócił uwagę swojego pracodawcy na fakt, że muzycy od dawna pensje nie były wypłacane i byli dosłownie gotowi opuścić orkiestrę. Książę, który doskonale znał formę symfonii klasycznej, zrozumiał subtelna wskazówka i sytuacja została rozstrzygnięta na korzyść muzyków.

Orkiestra symfoniczna

Symfonia(z greckiego „konsonans”) – utwór na orkiestrę, składający się z kilku części. Symfonia jest najbardziej muzyczną formą koncertowej muzyki orkiestrowej.

Klasyczna struktura

Ze względu na względne podobieństwo budowy do sonaty, symfonię można nazwać wielką sonatą na orkiestrę. Sonata i symfonia, a także trio, kwartet itp. należą do „cyklu sonatowo-symfonicznego” - cyklicznej formy muzycznej dzieła, w której zwyczajowo prezentuje się przynajmniej jedną z części (zwykle pierwszą) w sonatach formularz. Cykl sonatowo-symfoniczny jest największą formą cykliczną spośród form czysto instrumentalnych.

Podobnie jak sonata, symfonia klasyczna ma cztery części:
- część pierwsza, utrzymana w szybkim tempie, utrzymana jest w formie sonatowej;
- część druga, w części wolnej, napisana jest w formie ronda, rzadziej w formie sonaty lub wariacji;
- część trzecia, scherzo lub menuet w formie trójdzielnej;
- część czwarta, w szybkim tempie, w formie sonatowej lub w formie rondo, rondo sonata.
Jeśli pierwsza część jest napisana umiarkowane tempo, wręcz przeciwnie, może po nim nastąpić szybka druga i powolna część trzecia (na przykład IX symfonia Beethovena).

Zważywszy, że symfonia przeznaczona jest na dużą orkiestrę, każda jej partia jest napisana szerzej i bardziej szczegółowo niż np. w zwykłej sonacie fortepianowej, gdyż bogactwo środków wyrazu orkiestry symfonicznej pozwala na szczegółowe przedstawienie utworu muzycznego. myśl.

Historia symfonii

Terminem symfonia posługiwano się już w starożytnej Grecji, w średniowieczu i głównie na określenie różnych instrumentów, zwłaszcza tych, które potrafią wydobyć więcej niż jeden dźwięk jednocześnie. Tak więc w Niemczech do połowy XVIII wieku symfonia była ogólnym określeniem odmian klawesynów - spinetów i dziewic, we Francji była to nazwa organów beczkowych, klawesynów, bębnów dwugłowych itp.

Słowo symfonia, na oznaczenie utworów muzycznych, które brzmią razem, zaczęło pojawiać się w tytułach niektórych dzieł z XVI i XVII wieku, takich kompozytorów jak Giovanni Gabrieli (Sacrae symphoniae, 1597 i Symphoniae sacrae 1615), Adriano Banchieri (Eclesiastiche Sinfonie, 1607), Lodovico Grossi da Viadana (Sinfonie musicali, 1610) i Heinrich Schütz (Symphoniae sacrae, 1629).

Za pierwowzór symfonii można uznać tę, która ukształtowała się pod koniec XVII wieku za czasów Domenico Scarlattiego. Formę tę zwano już symfonią i składała się z trzech kontrastujących ze sobą części: allegro, andante i allegro, które połączyły się w jedną całość. To właśnie ta forma jest często postrzegana jako bezpośrednia prekursorka symfonii orkiestrowej. Przez większą część XVIII wieku terminy „uwertura” i „symfonia” były używane zamiennie.

Innymi ważnymi przodkami symfonii były suita orkiestrowa, składająca się z kilku części w najprostszych formach i przeważnie w tej samej tonacji, oraz koncert ripieno, forma przypominająca koncert na smyczki i continuo, ale bez instrumentów solowych. W takiej formie powstały dzieła Giuseppe Torelliego, a chyba najsłynniejszym koncertem ripieno jest III Koncert brandenburski Jana Sebastiana Bacha.

Uważany jest za twórcę klasycznego modelu symfonii. W symfonii klasycznej tę samą tonację mają tylko części pierwsza i ostatnia, a środkowe zapisane są w tonacjach spokrewnionych z tonacją główną, która wyznacza tonację całej symfonii. Wybitnymi przedstawicielami symfonii klasycznej są Wolfgang Amadeus Mozart i Ludwig van Beethoven. Beethoven radykalnie rozszerzył symfonię. Jego III Symfonia („Eroica”) ma skalę i rozpiętość emocjonalną przewyższającą wszystkie wcześniejsze dzieła, a jego V Symfonia jest być może najbardziej słynna symfonia, kiedykolwiek napisano. Jego IX Symfonia staje się jedną z pierwszych „symfonii chóralnych” po włączeniu w ostatniej części partii solistów i chóru.

Symfonia romantyczna była połączeniem formy klasycznej z romantycznym wyrazem. Rozwija się także trend oprogramowania. Pojawić się. Dom osobliwość Romantyzm to rozwój formy, kompozycji orkiestry i gęstości brzmienia. Do najwybitniejszych autorów symfonii tej epoki należą Franz Schubert, Robert Schumann, Felix Mendelssohn, Hector Berlioz, Johannes Brahms, P. I. Czajkowski, A. Bruckner i Gustav Mahler.

Począwszy od drugiej połowy XIX w., a zwłaszcza XX w., nastąpiła dalsza transformacja symfonii. Czteroczęściowa struktura stała się opcjonalna: symfonie mogą zawierać od jednej (VII Symfonia) do jedenastu (XIV Symfonia D. Szostakowicza) lub więcej części. Wielu kompozytorów eksperymentowało z wielkością symfonii, dlatego Gustav Mahler stworzył swoją VIII symfonię, zatytułowaną „Symfonia tysiąca uczestników” (ze względu na siłę orkiestry i chórów wymaganych do jej wykonania). Użycie formy sonatowej staje się opcjonalne.
Po IX Symfonii L. Beethovena kompozytorzy coraz częściej zaczęli wprowadzać do symfonii partie wokalne. Jednak skala i treść pozostają niezmienne materiał muzyczny.

Lista wybitnych autorów symfonii
Joseph Haydn – 108 symfonii
Wolfgang Amadeusz Mozart – 41 (56) symfonii
Ludwig van Beethoven – 9 symfonii
Franz Schubert – 9 symfonii
Robert Schumann – 4 symfonie
Feliks Mendelssohn – 5 symfonii
Hector Berlioz - kilka symfonii programowych
Antonin Dvorak – 9 symfonii
Johannes Brahms – 4 symfonie
Piotr Czajkowski – 6 symfonii (w tym symfonia Manfreda)
Anton Bruckner – 10 symfonii
Gustav Mahler – 10 symfonii
- 7 symfonii
Siergiej Rachmaninow – 3 symfonie
Igor Strawiński – 5 symfonii
Siergiej Prokofiew – 7 symfonii
Dymitr Szostakowicz – 15 symfonii (także kilka symfonii kameralnych)
Alfred Schnittke – 9 symfonii

SYMFONIA

1. Duży utwór muzyczny na orkiestrę, składający się zwykle z 4 części, z których pierwsza i często ostatnia zapisana jest w formie sonatowej (muzyka). „Symfonię można nazwać wielką sonatą na orkiestrę”. N. Sołowiew .

3. przeł., Co. Jedna wielka całość, w której różne liczne elementy łączą się i jednoczą. Symfonia kwiatów. Symfonia zapachów. „Te dźwięki połączyły się w ogłuszającą symfonię dnia pracy”. Maksym Gorki .

4. Alfabetyczny indeks słów dla ksiąg kościelnych (kościół, dosł.). Symfonia do Starego Testamentu.

Słownik wyjaśniający Uszakowa.

D.N. Uszakow.:

1935-1940.

Synonimy Zobacz, co „SYMFONIA” znajduje się w innych słownikach:

Zobacz umowę... Słownik rosyjskich synonimów i podobnych wyrażeń. pod. wyd. N. Abramova, M.: Rosyjskie słowniki, 1999. harmonia symfoniczna, zgoda; współbrzmienie, indeks słownika, symphonietta Słownik rosyjskich synonimów ... Słownik synonimów- (współbrzmienie greckie). Duży utwór muzyczny napisany na orkiestrę. Słownik obce słowa

, zawarte w języku rosyjskim. Chudinov A.N., 1910. SYMFONIA Grecka. symfonia, od syn, razem i telefon, dźwięk, harmonia, harmonia dźwięków.… …

Słownik obcych słów języka rosyjskiego Symfonia nr 17: Symfonia nr 17 (Weinberg). Symfonia nr 17 (Mozart), G-dur KV129. Symfonia nr 17 (Myaskowski). Symfonia nr 17 (Karamanow), „Ameryka”. Symfonia nr 17 (Słonimski). Symfonia nr 17 (Hovaness), Symfonia na orkiestrę metalową op. 203... ...Wikipedia symfonia

- i, f. symfonia r. , To. sinfonia łac. symfonia gr. współbrzmienie symfoniczne. Krysin 1998. 1. Duży utwór na orkiestrę, składający się z 3-4 części, różniących się między sobą charakterem muzycznym i tempem. Żałosna symfonia... ... Słownik wyjaśniający Dahla

Historyczny słownik galicyzmów języka rosyjskiego Kobieta, Grek, muzyka harmonia, zgodność dźwięków, współbrzmienie polifoniczne. | Specjalny rodzaj polifonicznej kompozycji muzycznej. Symfonia Haydena. | Symfonia na Starym, na Nowym Testamencie, kod, wskazanie miejsc, w których występuje to samo słowo. Inteligentny... ...

- (łac. symfonia, z greckiego symfonia współbrzmienie, zgoda), utwór na orkiestrę symfoniczną; jeden z głównych gatunków muzyki instrumentalnej. Symfonię typu klasycznego opracowali kompozytorzy wiedeńskiej szkoły klasycznej J.... ... Nowoczesna encyklopedia

Symfonia- (łac. symfonia, z gr. symfonia - współbrzmienie, zgoda), utwór na orkiestrę symfoniczną; jeden z głównych gatunków muzyki instrumentalnej. Symfonię typu klasycznego opracowali kompozytorzy wiedeńskiej szkoły klasycznej - J. ... ... Ilustrowany słownik encyklopedyczny

SYMFONIA i kobieta. 1. Duży (zwykle czteroczęściowy) utwór muzyczny na orkiestrę. 2. przeniesienie Związek harmoniczny, połączenie czegoś n. (książka). S. kwiaty. S. maluje. brzmi S. | przym. symphonic, aya, oe (do 1 wartości). S. orkiestra... ... Słownik wyjaśniający Ożegowa

- (współbrzmienie greckie) nazwa kompozycji orkiestrowej składającej się z kilku części. S. najbardziej rozbudowana forma z zakresu koncertowej muzyki orkiestrowej. Ze względu na podobieństwo w swojej budowie do sonaty. S. można nazwać wielką sonatą na orkiestrę. Jak w... ... Encyklopedia Brockhausa i Efrona

Książki

Symfonia. 1, A. Borodin. Symfonia. 1, Partytura, Na orkiestrę Typ publikacji: Partytura Instrumenty: orkiestra Reprodukcja w oryginalnej pisowni autorskiej wydania z 1862 roku.…