Itd.), dlatego konieczne jest rozróżnienie tych dwóch pojęć, aby uniknąć nieporozumień.

Modernizm w sztukach wizualnych

Modernizm- zespół nurtów artystycznych w sztuce drugiej połowa XIX wieku- połowa XX wieku. Do najważniejszych nurtów modernizmu należał impresjonizm, ekspresjonizm, neo- i postimpresjonizm, fowizm, kubizm i futuryzm. A także późniejsze ruchy - sztuka abstrakcyjna, Dadaizm, surrealizm. W wąskim znaczeniu modernizm uważany jest za wczesny etap awangardy, początek rewizji tradycji klasycznych. Datę narodzin modernizmu często nazywa się rokiem 1863 – rokiem otwarcia „Salonu Odrzuconych” w Paryżu, gdzie przyjmowano dzieła artystów. W w szerokim znaczeniu modernizm - „inna sztuka”, główny cel czyli tworzenie oryginalnych dzieł na podstawie wewnętrzna wolność oraz specyficzną wizję świata autora i wniesienie nowych wyrazistych środków języka figuratywnego, którym często towarzyszy szok i pewne wyzwanie dla ustalonych kanonów.

Modernizm w literaturze

W literaturze modernizm zastąpił klasyczna powieść. Zamiast biografii czytelnikowi zaczęto oferować literackie interpretacje różnych koncepcji filozoficznych, psychologicznych i historycznych (nie mylić z psychologicznymi, historycznymi i historycznymi). powieść filozoficzna, które są klasyczne), pojawił się styl nazwany Strumieniem Świadomości (ang. Strumień świadomości), charakteryzujący się głęboką penetracją wewnętrznego świata bohaterów. Ważne miejsce W literaturze modernizmu podejmowany jest temat rozumienia wojny i straconego pokolenia.

Głównymi prekursorami modernizmu byli: Dostojewski (1821-81) ( Zbrodnia i kara (1866), Bracia Karamazow(1880); Whitmana (1819-92) ( liście trawy) (1855-91); Baudelaire'a (1821-67) ( Kwiaty zła), A. Rimbauda (1854-91) ( Spostrzeżenia, 1874); Strindberga (1849-1912), zwłaszcza jego późniejsze sztuki.

Modernizm w pierwszych trzech dekadach XX wieku pozbył się starego stylu i radykalnie przedefiniował możliwe formy literackie. Główni pisarze tego okresu:

Modernizm w architekturze

Wyrażenie „modernizm w architekturze” jest często używane jako synonim terminu „architektura nowoczesna”, przy czym to drugie określenie jest wciąż szersze. Modernizm w architekturze obejmuje twórczość pionierów architektury nowoczesnej i ich następców w okresie od początku lat dwudziestych XX wieku do lat siedemdziesiątych i osiemdziesiątych XX wieku (w Europie), kiedy to w architekturze pojawiły się nowe trendy.

W literaturze specjalistycznej terminowi „modernizm architektoniczny” odpowiada angielskie określenie „ nowoczesna architektura», « nowoczesny ruch" Lub " nowoczesny", użyte w tym samym kontekście. Wyrażenie „modernizm” bywa czasami używane jako synonim pojęcia „nowoczesna architektura”; lub jako nazwa stylu (w literaturze angielskiej - „ nowoczesny»).

Modernizm architektoniczny obejmuje takie kierunki architektoniczne, takie jak funkcjonalizm europejski lat 20.-30. XX wieku, konstruktywizm i racjonalizm lat 20. XX wieku w Rosji, ruch Bauhaus w Niemczech, architektoniczny styl art deco, styl międzynarodowy, brutalizm, architektura organiczna. Zatem każde z tych zjawisk jest jedną z gałęzi wspólnego drzewa, jakim jest modernizm architektoniczny.

Główni przedstawiciele modernizmu architektonicznego to pionierzy architektury nowoczesnej Frank Lloyd Wright, Walter Gropius, Richard Neutra, Ludwig Mies van Der Rohe, Le Corbusier, Alvar Aalto, Oscar Niemeyer i kilku innych.

Ruchy modernistyczne w sztuce

Krytyka

Przeciwnikami modernizmu byli Maksym Gorki i Michaił Lifszyts.

Zobacz także

Napisz recenzję o artykule "Modernizm"

Notatki

Literatura

• Nilsson Nils Åke. Archaizm i modernizm // Poezja i malarstwo: Zbiór dzieł ku pamięci N. I. Khardzhieva / Opracowanie i ogólna redakcja: M. B. Meilakh i D. V. Sarabyanov. - M .: Języki kultury rosyjskiej, 2000. - s. 75-82. - ISBN 5-7859-0074-2.

Spinki do mankietów

• Lifshits MA

średniowiecze Nowy czas Modernizm Nowoczesny sztuka

Fragment charakteryzujący modernizm

Pierre'a zaprowadzono do dużej, oświetlonej jadalni; kilka minut później rozległy się kroki i do pokoju weszły księżniczka z Nataszą. Natasza była spokojna, chociaż na jej twarzy znów pojawił się surowy, pozbawiony uśmiechu wyraz. Księżniczka Marya, Natasza i Pierre w równym stopniu doświadczyli uczucia niezręczności, które zwykle następuje po zakończeniu poważnej i intymnej rozmowy. Nie da się kontynuować tej samej rozmowy; Wstyd jest mówić o drobnostkach, ale nieprzyjemnie jest milczeć, bo chcesz porozmawiać, ale tą ciszą wydajesz się udawać. W milczeniu podeszli do stołu. Kelnerzy odsunęli się i przysunęli krzesła. Pierre rozłożył zimną serwetkę i decydując się przerwać ciszę, spojrzał na Nataszę i księżniczkę Maryę. Oboje oczywiście jednocześnie postanowili zrobić to samo: zadowolenie z życia i uznanie, że oprócz smutku są też radości, błyszczało w ich oczach.
- Pijesz wódkę, hrabio? - powiedziała księżniczka Marya i te słowa nagle rozproszyły cienie przeszłości.
„Opowiedz mi o sobie” – poprosiła księżniczka Marya. „Opowiadają o tobie takie niesamowite cuda”.
„Tak” - odpowiedział Pierre ze swoim znajomym już uśmiechem delikatnej kpiny. „Opowiadają mi nawet o takich cudach, jakich nigdy nie widziałem w snach”. Marya Abramowna zaprosiła mnie do siebie i opowiadała, co mi się przydarzyło lub co miało się wydarzyć. Stepan Stepanych nauczył mnie też opowiadać różne rzeczy. Ogólnie zauważyłem, że bycie interesującą osobą jest bardzo spokojne (teraz jestem interesującą osobą); dzwonią do mnie i mówią mi.
Natasza uśmiechnęła się i chciała coś powiedzieć.
„Powiedziano nam” – przerwała jej księżniczka Marya – „że straciliście w Moskwie dwa miliony”. Czy to prawda?
„I stałem się trzy razy bogatszy” – powiedział Pierre. Pierre, mimo że długi żony i potrzeba budynków zmieniły jego sprawy, nadal powtarzał, że stał się trzykrotnie bogatszy.
„To, co niewątpliwie wygrałem” – powiedział – „to wolność...” zaczął poważnie; ale zdecydowałem się nie kontynuować, zauważając, że był to zbyt samolubny temat rozmowy.
-Budujesz?
- Tak, rozkazuje Savelich.
– Powiedz mi, czy nie wiedziałeś o śmierci hrabiny, kiedy przebywałeś w Moskwie? - powiedziała księżniczka Marya i natychmiast się zarumieniła, zauważając, że zadając to pytanie po jego słowach, że jest wolny, przypisała jego słowom znaczenie, którego być może nie miały.
„Nie” – odpowiedział Pierre, najwyraźniej nie uznając interpretacji, jaką księżniczka Marya nadała jego wzmiance o jej wolności, za niezręczną. „Nauczyłem się tego w Orelu i nie możesz sobie wyobrazić, jak mnie to uderzyło”. Nie byliśmy wzorowymi małżonkami – powiedział szybko, patrząc na Nataszę i zauważając na jej twarzy ciekawość, jak zareaguje na swoją żonę. „Ale ta śmierć strasznie mnie poruszyła”. Kiedy dwie osoby się kłócą, zawsze winni są oboje. A własna wina nagle staje się strasznie ciężka w obliczu osoby, której już nie ma. A potem taka śmierć... bez przyjaciół, bez pocieszenia. „Bardzo, bardzo mi jej szkoda” – dokończył i z przyjemnością zauważył radosną aprobatę na twarzy Nataszy.
„Tak, znowu jesteście kawalerem i panem młodym” – powiedziała księżniczka Marya.
Pierre nagle zarumienił się szkarłatem i przez długi czas starał się nie patrzeć na Nataszę. Kiedy zdecydował się na nią spojrzeć, jej twarz była zimna, surowa, a nawet pogardliwa, jak mu się wydawało.
– Ale czy naprawdę widziałeś i rozmawiałeś z Napoleonem, jak nam powiedziano? - powiedziała księżniczka Marya.
Pierre roześmiał się.
- Nigdy, nigdy. Każdemu zawsze się wydaje, że bycie więźniem oznacza bycie gościem Napoleona. Nie tylko go nie widziałem, ale i o nim nie słyszałem. Znalazłem się w dużo gorszym towarzystwie.
Kolacja dobiegła końca, a Pierre, który początkowo nie chciał rozmawiać o swojej niewoli, stopniowo wciągnął się w tę historię.
- Ale czy to prawda, że ​​zostałeś, żeby zabić Napoleona? – zapytała go Natasza, uśmiechając się lekko. „Domyśliłem się, kiedy spotkaliśmy cię w Wieży Suchariewa; Pamiętać?
Pierre przyznał, że to prawda i od tego pytania, stopniowo kierując się pytaniami księżniczki Marii, a zwłaszcza Nataszy, wdał się w szczegółową opowieść o swoich przygodach.
Z początku mówił z tym drwiącym, łagodnym spojrzeniem, jakie teraz miał do ludzi, a zwłaszcza do siebie; ale potem, kiedy doszedł do historii o okropnościach i cierpieniach, które widział, nie zauważając tego, dał się ponieść i zaczął mówić z powściągliwą ekscytacją osoby przeżywającej silne wrażenia w swojej pamięci.
Księżniczka Marya spojrzała na Pierre'a i Nataszę z delikatnym uśmiechem. W całej tej historii widziała tylko Pierre'a i jego dobroć. Natasza, wsparta na jej ramieniu, z ciągle zmieniającym się wyrazem twarzy wraz z historią, patrzyła na Pierre'a, nie odwracając ani na chwilę wzroku, najwyraźniej przeżywając z nim to, co opowiadał. Nie tylko jej spojrzenie, ale okrzyki i krótkie pytania, które zadawała, pokazały Pierre'owi, że z tego, co mówił, dokładnie rozumiała, co chciał przekazać. Było jasne, że rozumie nie tylko to, co mówi, ale także to, czego by chciał, a czego nie potrafiłby wyrazić słowami. Pierre opowiedział o swoim epizodzie z dzieckiem i kobietą, dla ochrony której został wzięty w następujący sposób:
– To był straszny widok, dzieci porzucono, niektóre się spaliły… Przede mną wyciągnęli dziecko… kobiety, którym ściągali rzeczy, wyrywali kolczyki…
Pierre zarumienił się i zawahał się.
„Potem przybył patrol i zabrano wszystkich, którzy nie zostali okradzieni, wszystkich mężczyzn. I ja.
– Prawdopodobnie nie mówisz wszystkiego; „Musiałeś coś zrobić…” powiedziała Natasza i przerwała, „dobrze”.
Pierre mówił dalej. Kiedy mówił o egzekucji, chciał uniknąć strasznych szczegółów; ale Natasza zażądała, żeby niczego nie przeoczył.
Pierre zaczął opowiadać o Karatajewie (już wstał od stołu i chodził po okolicy, Natasza patrzyła na niego oczami) i przestał.
- Nie, nie możesz zrozumieć, czego dowiedziałem się od tego analfabety - głupca.
„Nie, nie, mów głośno” – powiedziała Natasza. - Gdzie on jest?
„Zginął niemal na moich oczach”. - I Pierre zaczął opowiadać o ostatnim czasie ich odwrotu, chorobie Karatajewa (jego głos nieustannie drżał) i jego śmierci.
Pierre opowiedział swoje przygody tak, jak nigdy wcześniej nikomu ich nie opowiadał, tak jak nigdy sobie ich nie przypominał. Teraz widział jakby nowy sens wszystkiego, czego doświadczył. Teraz, gdy opowiadał to wszystko Nataszy, doświadczył tej rzadkiej przyjemności, jaką sprawiają kobiety, słuchając mężczyzny - nie mądre kobiety którzy podczas słuchania starają się albo zapamiętać, co im się mówi, aby wzbogacić swój umysł, i czasami powtórzyć to samo, albo dostosować to, co się do nich mówi, i szybko przekazać swoje sprytne przemówienia rozwinięte w ich małej gospodarce umysłowej; ale przyjemność, jaką dają prawdziwe kobiety, obdarzone umiejętnością wybierania i wchłaniania w siebie wszystkiego, co najlepsze, co istnieje w przejawach mężczyzny. Natasza, sama o tym nie wiedząc, była cała skupiona: nie umknęło jej żadne słowo, wahanie w głosie, spojrzenie, drżenie mięśnia twarzy ani gest Pierre'a. W locie złapała niewypowiedziane słowo i wniosła je bezpośrednio do swojego otwartego serca, odgadując tajne znaczenie całej duchowej pracy Pierre'a.
Księżniczka Marya rozumiała tę historię, współczuła jej, ale teraz zobaczyła coś innego, co pochłonęło całą jej uwagę; widziała możliwość miłości i szczęścia między Nataszą i Pierrem. I po raz pierwszy przyszła jej do głowy ta myśl, napełniając jej duszę radością.
Była trzecia nad ranem. Kelnerzy o smutnych i surowych twarzach przyszli wymienić świece, ale nikt ich nie zauważył.
Pierre zakończył swoją historię. Natasza o błyszczących, ożywionych oczach nadal uparcie i uważnie patrzyła na Pierre'a, jakby chciała zrozumieć coś innego, czego być może nie wyraził. Pierre, nieśmiały i szczęśliwy, zawstydzony, od czasu do czasu spoglądał na nią i zastanawiał się, co teraz powiedzieć, aby przenieść rozmowę na inny temat. Księżniczka Marya milczała. Nikomu nie przyszło do głowy, że jest trzecia w nocy i czas spać.
„Mówią: nieszczęście, cierpienie” – powiedział Pierre. - Tak, jeśli teraz, w tej chwili, powiedzą mi: czy chcesz pozostać tym, kim byłeś przed niewoli, czy najpierw przez to wszystko przejść? Na litość boską, znowu niewola i konina. Myślimy, że zostaniemy wyrzuceni z naszej zwykłej ścieżki, że wszystko stracone; i tutaj zaczyna się coś nowego i dobrego. Dopóki istnieje życie, istnieje szczęście. Jeszcze wiele, wiele przed nami. „Mówię ci to” - powiedział, zwracając się do Nataszy.

Pojęcie modernizmu. Prądy modernizmu, ich charakterystyka

Rozczarowanie rzeczywistością życiową i artystycznym realizmem jej odtwarzania doprowadziło do zainteresowania najnowszymi teoriami filozoficznymi i pojawienia się nowych ruchów artystycznych, zwanych dekadenckimi, awangardowymi i modernistycznymi. Francuskie słowo„Dekadencja” oznacza upadek, „awangarda” oznacza zaawansowaną ochronę, a „nowoczesność” oznacza najbardziej nowoczesność. Terminami tymi zaczęto oznaczać jakościowo nowe zjawiska w procesie literackim, które wysuwały się na czoło, stanowiska awangardowe i wiązały się z upadkiem i kryzysem opinii publicznej i kultury, z poszukiwaniem pozytywnych ideałów, zwróceniem się w tych poszukiwaniach ku Bogu. i wiarę, aż po to, co mistyczne i irracjonalne.

Modernizm- ogólna nazwa ruchów artystycznych i literackich końca XIX - początku. XX w., odzwierciedlał kryzys kultury mieszczańskiej i charakteryzował zerwanie z tradycjami realizmu i estetyką przeszłości. Modernizm pojawił się we Francji pod koniec XIX wieku. (Baudelaire, Verlaine, Rimbaud) i rozprzestrzenił się na Europę, Rosję i Ukrainę. Moderniści uważali, że w dziele sztuki nie trzeba szukać logiki ani racjonalnej myśli. Dlatego sztuka modernizmu miała przeważnie charakter irracjonalny.

Protestując przeciwko przestarzałym ideom i formom, moderniści poszukiwali nowych sposobów i środków artystycznego odzwierciedlenia rzeczywistości, znajdowali nowe formy artystyczne i dążyli do radykalnej aktualizacji literatury. Pod tym względem modernizm stał się prawdziwą rewolucją artystyczną i mógł poszczycić się takimi epokowymi odkryciami w literaturze, jak monolog wewnętrzny i obrazy ludzka psychika w postaci „strumienia świadomości”, odkrycie odległych skojarzeń, teoria polifonii, uniwersalizacja określonej techniki artystycznej i jej przekształcenie w ogólną zasada estetyczna, wzbogacenie twórczości artystycznej poprzez odkrycie ukrytej treści zjawisk życiowych, odkrycie tego, co surrealistyczne i nieznane.

Modernizm jest buntem społecznym, a nie tylko rewolucją w dziedzinie formy artystycznej, gdyż wywołał protesty przeciwko okrucieństwu rzeczywistości społecznej i absurdowi świata, przeciwko uciskowi człowieka, broniącego jego prawa do bycia wolną jednostką. Modernizm protestował przeciwko prymitywnemu materializmowi, przeciwko duchowej degeneracji i ubóstwu, głupiemu, samozadowoleniu z przesytu. Jednak modernizm protestując przeciwko realizmowi nie wykluczył wszystkich swoich osiągnięć, ale także je wykorzystał, rozwinął i wzbogacił w poszukiwaniu nowych dróg w sztuce.

Funkcje ogólne modernizm:

o szczególną uwagę do wewnętrznego świata jednostki;

o zaproszone wartości własne człowieka i sztuki;

o preferencja dla twórczej intuicji;

o rozumienie literatury jako wiedzy najwyższej, zdolnej wniknąć w najintymniejsze zakamarki głębin bytu człowieka i uduchowić świat;

o poszukiwanie nowych środków w sztuce (metajęzyk, symbolika, tworzenie mitów itp.);

o chęć odkrywania nowych idei, które przemieniają świat zgodnie z prawami piękna i sztuki. Otrzymały takie skrajne, radykalne ruchy modernistyczne, jak Dadaizm czy Futuryzm

Nazwa awangarda(od francuskiej awangarda – naprzód, garda – stróż, awangarda) – kierunek w kulturze artystycznej XX wieku, który polegał na odrzuceniu istniejących norm i tradycji, przekształceniu nowych środki artystyczne jako cel sam w sobie; ukazanie kryzysu, bolesnych zjawisk w życiu i kulturze w wypaczonej formie. Awangarda jest z natury buntownicza.

Ruchy i ruchy awangardowe (futuryzm, Dadaizm, Surrealizm”, nowa powieść”, „dramat absurdu”, „strumień świadomości” itp.) wzbogacone i zróżnicowane proces literacki, pozostawiając literaturze światowej wiele arcydzieł twórczości artystycznej. Wywarli także znaczący wpływ na pisarzy, którzy nie porzucili artystycznych zasad realizmu: powstały złożone sploty realizmu, symboliki, neoromantyzmu i „strumienia świadomości”. Realiści wykorzystywali w swoich pracach także idee S. Freuda, prowadzili poszukiwania formalistyczne w zakresie formy artystycznej, szeroko stosowali „strumień świadomości”, monolog wewnętrzny, łączyli w jednym dziele różne warstwy czasowe.

Modernizm jako kierunek artystyczny był wewnętrznie heterogenicznym konglomeratem zjawisk artystycznych, które opierały się na wspólnych podstawach ideologicznych, filozoficznych i zasady artystyczne. Pod koniec XIX wieku. powstał impresjonizm, symbolizm i estetyzm. Na początku XX wieku. Dodano do nich ekspresjonizm, futuryzm, kubizm, a w czasie i po I wojnie światowej – Dadaizm, surrealizm, szkołę „strumienia świadomości” i literaturę, do której zaliczał się m.in. antypowieść, „teatr absurdu”.

Impresjonizm(od francuskiego „Impresja”) rozpoczął się w drugiej połowie XIX wieku, a rozkwitł w XX wieku. Powstał jako reakcja na sztukę salonową i naturalizm, najpierw w malarstwie (C. Monet, E. Manet, A. Renoir, E. Degas), skąd rozprzestrzenił się na inne sztuki (A. Rodin w rzeźbie, M. Ravel, C. Debussy, I. Strawiński w muzyce) i literaturze. Tutaj założycielami impresjonizmu byli bracia Goncourt i Paul Verlaine. Wyraźne przejawy impresjonizmu miały miejsce w twórczości Guya de Maupassanta i Marcela Prousta; do impresjonistów należeli także Knut Hamsun, Hugo von Hofmannsthal i J. Tuwim.

Protest przeciwko nadmiernemu poleganiu na prawdziwe życie, wbrew kopiowaniu rzeczywistości, impresjoniści opisywali swoje wrażenia z tego, co widzieli - wizualne i zmysłowe, które były zmienne, podobnie jak sam świat, a także odcienie wrażeń i kolorów, ich wyobrażenia i skojarzenia były często fantastyczne i zawsze podobiektywne. Dzieło impresjonisty nie jest obiektywnym obrazem świata, ale systemem jego złożonych, subiektywnych wrażeń, wyraźnie zabarwionych twórczą indywidualnością artysty. Impresjoniści byli szczególnie wrażliwi na zmysłowe piękno świata, który doskonale odtwarzał naturę; , jego piękno, różnorodność i zmienność życia, jedność natury z ludzką duszą.

Większość z ruchów dekadenckich końca XIX i początku XX wieku. stał się symbolizm. Symbol służył do wyrażania niezrozumiałej istoty zjawisk życiowych oraz tajemnych, a nawet mistycznych osobistych pomysłów, twórczych przemyśleń i irracjonalnych przemyśleń artysty. Symbole uznano za najdoskonalsze ucieleśnienie idei. Obrazy-symbole odtwarzały tajemniczą i irracjonalną esencję dusza ludzka a jej życie, majestatyczny postęp nieuchronnego losu, ukazywało życie pozagrobowe, metafizyczny świat „inności”, napomykało o mistycznej istocie zjawisk życia.

Dla symbolistów poezja, podobnie jak muzyka, była najwyższą formą poznania tajemnic – poszukiwaniem i odkrywaniem „innego istnienia”. Symbol budził liczne skojarzenia, urzekał swoją niejednoznacznością, głęboki ukryte znaczenie, co było trudne lub wręcz niemożliwe do zrozumienia. Symboliści w załączeniu wielka wartość wewnętrzne brzmienie, melodia i rytm słów, euforia i melodia języka, emocjonalne podniecenie, które ogarnęło czytelnika dzięki rytmowi i melodii wiersza, gra różnorodnych skojarzeń. Zaczęła się symbolika Francuscy poeci Paul Verlaine, Mallarmé, Arthur Rimbaud. Po „podbiciu” Francji symbolika szybko rozprzestrzeniła się w całej Europie. W różnych krajach symbolikę reprezentowali Gabrielle diAnnunzio (Włochy), Rilke i Hugo von Hofmannsthal (Austria), Stefan George (Niemcy), Oscar Wilde (Anglia), Emile Verhaerne i Maurice Maeterlinck (Belgia), Gen-bóg Ibsen ( Norwegia), Stanisław Przybyszewski (Polska).

Estetyzm powstał w ostatnią dekadę XIX wiek w Anglii. Dał początek kultowi wyrafinowanego piękna. Twórcy estetyzmu uważali, że realizm jest skazany na całkowity upadek, że problemy społeczne w ogóle nie dotyczą prawdziwej sztuki, i wysuwali hasła „sztuka dla sztuki”, „piękno dla piękna”. Najwybitniejszym przedstawicielem angielskiego estetyzmu był Oscar Wilde.

Ekspresjonizm(z francuskiego „ekspresywność, ekspresja”) powstał także w XIX wieku. Ten awangardowy ruch uzyskał pełnię brzmienia i wagi w pierwszej ćwierci XX wieku. i stał się znaczącym wkładem w rozwój literatury światowej. Ekspresjoniści byli ściśle związani z rzeczywistością – to ich ukształtowało i głęboko niepokoiło. Potępiali brzydkie zjawiska życiowe, okrucieństwo świata, protestowali przeciwko wojnie i rozlewowi krwi, byli pełni człowieczeństwa i głosili pozytywne ideały.

Ale wizja świata ekspresjonistów była wyjątkowa: świat wydawał im się systemem chaotycznym, kierowanym przez niezrozumiałe siły, niepojęte, niepoznawalne, tajemnicze i nie było przed nimi zbawienia. Jedynym realnym był wewnętrzny świat człowieka i artysty, ich uczucia i myśli. To właśnie on powinien być w centrum uwagi pisarza. I należy go reprodukować wyraźnie, żywo, z użyciem pompatycznych obrazów konwencjonalnych, o zaburzonych proporcjach, nadmiernie napiętych, z jak najczystszą intonacją, czyli ukazanych za pomocą wyrazistych obrazów, z wykorzystaniem paradoksalnej groteski i z fantastycznej perspektywy. A może nie najwybitniejszy ekspresjonista Johannes Becher uważał za charakterystyczny dla ekspresjonizmu poetycki obraz „napięcia, ust otwartych w ekstazie”. Tak więc w twórczości ekspresjonistów jest dużo satyry, groteski, dużo horroru, nadmiernego okrucieństwa, uogólnień i subiektywnych ocen rzeczywistości. Ekspresjonizm pojawił się po raz pierwszy w malarstwie (E. Munch, W. Van Gogh, P. Gauguin, P. Cezanne i in.) i muzyce (Richard Strauss), a wkrótce przeniósł się do literatury. Do najliczniejszych ekspresjonistów zaliczają się w Austrii G. Trakl i F. Kafka; I. Becher i A. France w Niemczech; L. Andreev w Rosji.

Imagizm(z francuskiego „Obrazu”) - ruch, który doprowadził do pojawienia się rosyjskiego imagizmu. Pojawił się w Anglii w przededniu I wojny światowej i istniał do połowy lat dwudziestych XX wieku. Imagiści po raz pierwszy pojawili się w Rosji w 1919 roku. Obraz Imagistów i Imagistów głosił, że jest to cel sam w sobie twórczości. „Wiersz nie jest organizmem, ale falą obrazów, można z niego wydobyć jeden obraz i wstawić dziesięć kolejnych” – przekonywał teoretyk rosyjskiego imagizmu W. Szerszeniewicza. Przedstawiciele tego ruchu uważali więc wiersz za „katalog obrazu”, wykwintne splot metafor, metonimii, epitetów, porównań i innych tropów - rodzaj kapryśnej kumulacji kolorów, odcieni, obrazów, rytmów i melodii. Obraziści zepchnęli treść na dalszy plan: „zjada obraz”. Oczywiście imaginizm nie mógł, nawet gdyby chciał, całkowicie zaniedbać treści. Najlepszym potwierdzeniem tej idei jest praca S. Jesienina. Przedstawicielami imagizmu w Anglii i USA są T.S. Eliot, R. Aldington, E. Pound, E. Lowell i inni.

Pojęcie awangardy. Ruchy awangardowe w literaturze światowej

Futuryzm(z łac. „Przyszłość”) powstała w 1909 roku we Włoszech, jej założycielem był F. Marinetti. Stamtąd rozprzestrzenił się po całej Europie, otrzymując we Francji nazwę kubizmu (M. Jacob, B. Cendrars), jego futuryzm i kubofuturyzm w Rosji (I. Severyanin, weź futro, V. Chlebnikov, V. Makhnovsky itp. ), Awangarda w Polsce (J. Przybos i in.). Ukraiński futuryzm, założony przez M. Semenkę, który później otrzymał nazwę „panfuturyzm”.

Futuryści głosili, że stworzyli sztukę przyszłości, która jest zgodna z rytmem nowa era kulturę „drapacz chmur-maszyn-samochodów” i wzywał do odrzucenia tradycji starej kultury, którą lekceważąco nazywali „spluwaczką”. Futuryści śpiewali hymny na cześć postępu technicznego, miasta, samochodów, silników, śmigieł, piękna „mechanicznego” i zwracali uwagę na potrzebę stworzenia nowego człowieka, godnego technologii swoich czasów, człowieka o nowej duszy. Odrzucili tradycje literatury realistycznej, jej język i technikę poetycką. Wprowadzając własny język, nowe słowa i wyrażenia, futuryści doszli nawet do absurdu: z czasem wymyślili słowa bez żadnego znaczenia.

Francuscy kubiści i rosyjscy kubofuturyści byli ściśle związani z malarzami kubistycznymi, którzy próbowali szokować, zadziwiać zwykłych ludzi ostrością kolorów i niezwykłą treścią: to, co przedstawiali, rozkładali na najprostsze elementy geometryczne - sześciany (stąd nazwa), kwadraty, prostokąty, linie, walce, koła itp. Kubiści głosząc kult formy, zepchnęli treść na dalszy plan i wynieśli ją do formy. Pisarze zadziwiali przeciętnego człowieka nie tylko „językiem, którego nikt nie słyszał”, ale także odejściem od eufonii w stronę kakofonii, dysonansu i nagromadzenia trudnych do wymówienia spółgłosek.

Surrealizm od ks. „sur” – powyżej, czyli nadrealizm), który powstał we Francji w latach dwudziestych XX wieku. Jej założycielem i głównym teoretykiem był Francuski pisarz Andre Breton, który wezwał do „zniszczenia istniejącej do dziś sprzeczności między snami a rzeczywistością”. Stwierdził, że jedyny obszar, w którym człowiek może w pełni wyrazić siebie, to akty podświadome: sen, delirium itp., i domagał się od pisarzy surrealistycznych „pisania automatycznego”, czyli na poziomie podświadomości.

Szkoła „strumień świadomości”- to sposób na bezpośrednie ukazanie ludzkiej psychiki, „od środka”, jako procesu złożonego i ciągłego, pogłębiającego się w świat wewnętrzny. Prace takie charakteryzowały się wykorzystaniem wspomnień, monologów wewnętrznych, skojarzeń, dygresji lirycznych i innych technik artystycznych. Przedstawiciele: D. Joyce, M. Proust, W. Wulf i inni.

W „dramat absurdu” rzeczywistość została ukazana przez pryzmat pesymizmu. Ślepy zaułek, ciągłe przeczucie upadku, izolacja od realnego świata to cechy charakterystyczne tej pracy. Zachowanie i mowa bohaterów jest nielogiczna, fabuła jest zniszczona. Twórcy - S. Beckett, E. Ionesco.

Pytania do samokontroli

1. Jak literatura jest na krawędzi XIX-XX wieków jest ściśle powiązany ze wszystkimi perypetiami swoich czasów?

2. Wymień najbardziej zauważalne czynniki rozwoju literatury w pierwszej połowie XX wieku.

3. Daj ogólna charakterystyka literaturę modernistyczną.

4. Jakie ruchy i trendy uznawane są za awangardowe? Podaj ich ogólną charakterystykę.

Modernizm to ruch ideowy w literaturze i sztuce przełomu XIX i XX wieku, który charakteryzuje się odejściem od klasycznych standardów, poszukiwaniem nowych, radykalnych form literackich i stworzeniem zupełnie nowego stylu pisania dzieł. Kierunek ten zastąpił realizm i stał się poprzednikiem postmodernizmu, końcowy etap jego rozwoju datuje się na lata 30. XX wieku.

Główną cechą tego kierunku jest całkowita zmiana klasycznego postrzegania obrazu świata: autorzy nie są już nosicielami absolutnej prawdy i gotowych koncepcji, ale wręcz przeciwnie, demonstrują swoją względność. Zanika liniowość narracji, zastąpiona chaotyczną, fragmentaryczną fabułą, podzieloną na części i epizody, często przedstawianą w imieniu kilku bohaterów jednocześnie, którzy mogą mieć zupełnie przeciwne poglądy na rozgrywające się wydarzenia.

Kierunki modernizmu w literaturze

Modernizm z kolei rozgałęział się na kilka kierunków, takich jak:

Symbolizm

(Somow Konstantin Andriejewicz „Dwie panie w parku”)

Powstała we Francji w latach 70-80-tych XIX wieku, a szczyt swojego rozwoju osiągnęła na początku XX wieku, a najbardziej rozpowszechniona była we Francji. Belgia i Rosja. Autorzy symbolistyczni ucieleśniali główne idee swoich dzieł, posługując się wieloaspektową i polisemantyczną skojarzeniową estetyką symboli i obrazów; często były one pełne tajemniczości, zagadki i niedopowiedzenia. Wybitni przedstawiciele tego nurtu: Charles Baudelaire, Paul Verlaine, Arthur Rimbaud, Lautreamont (Francja), Maurice Maeterlinck, Emile Verhaerne (Belgia), Valery Bryusov, Alexander Blok, Fiodor Sologub, Maximilian Voloshin, Andrei Bely, Konstantin Balmont (Rosja). .

Acmeizm

(Aleksander Bogomazow „Handlarze mąką”)

Powstał jako odrębny ruch modernizmu na początku XX wieku w Rosji, autorzy akmeizmu, w przeciwieństwie do symbolistów, kładli nacisk na wyraźną materialność i obiektywność opisywanych tematów i obrazów, bronili używania precyzyjnych i jasnych słów oraz opowiadał się za odrębnymi i określonymi obrazami. Centralne postacie rosyjskiego akmeizmu: Anna Achmatowa, Nikołaj Gumilow, Siergiej Gorodecki...

Futuryzm

(Fortunato Depero „Ja i moja żona”)

Ruch awangardowy, który powstał w latach 10-20 XX wieku i rozwinął się w Rosji i Włoszech. Główna cecha Autorzy futuryści: zainteresowanie nie tyle treścią dzieł, ile bardziej formą wersyfikacji. W tym celu wymyślono nowe formy wyrazowe, zastosowano wulgarne, potoczne słownictwo, żargon zawodowy oraz język dokumentów, plakatów i plakatów. Za twórcę futuryzmu uważany jest włoski poeta Filippo Marinetti, który napisał wiersz „Czerwony cukier”, oraz jego współpracownicy Balla, Boccioni, Carra, Severini i inni. Rosyjscy futuryści: Władimir Majakowski, Welimir Chlebnikow, Borys Pasternak…

Imagizm

(Georgy Bogdanovich Yakulov – scenografia do operetki J. Offenbacha „Piękna Helena”)

Powstał jako ruch literacki poezji rosyjskiej w 1918 roku, jego założycielami byli Anatolij Mariengof, Wadim Szerszeniewicz i Siergiej Jesienin. Celem twórczości Imagistów było tworzenie obrazów, a za główne środki wyrazu uznano metaforę i łańcuchy metaforyczne, za pomocą których porównywano obrazy bezpośrednie i figuratywne...

Ekspresjonizm

(Erich Heckel „Scena uliczna na moście”)

Ruch modernizmu, który rozwinął się w Niemczech i Austrii w pierwszej dekadzie XX wieku, jako bolesna reakcja społeczeństwa na okropności bieżących wydarzeń (rewolucje, I wojna światowa). Kierunek ten miał na celu nie tyle odtworzenie rzeczywistości, ile oddanie stanu emocjonalnego autora; obrazy bólu i krzyków są bardzo częste w pracach. W stylu ekspresjonizmu pracowali: Alfred Döblin, Gottfried Benn, Ivan Goll, Albert Ehrenstein (Niemcy), Franz Kafka, Paul Adler (Czechy), T. Michinsky (Polska), L. Andreev (Rosja). .

Surrealizm

(Salvador Dali „Trwałość pamięci”)

Powstał jako ruch w literaturze i sztuce lat 20. XX wieku. Dzieła surrealistyczne wyróżniają się zastosowaniem aluzji (figur stylistycznych, które dają podpowiedź lub wskazanie konkretnych wydarzeń historycznych lub mitologicznych) oraz paradoksalnym połączeniem różne formy. Założycielem surrealizmu jest francuski pisarz i poeta Andre Breton, znanymi pisarzami tego nurtu są Paul Eluard i Louis Aragon...

Modernizm w literaturze rosyjskiej XX wieku

Ostatnia dekada XIX wieku upłynęła pod znakiem pojawienia się nowych nurtów w literaturze rosyjskiej, których zadaniem było całkowite przemyślenie starych środków wyrazu i odrodzenie sztuki poetyckiej. Okres ten (1982-1922) zapisał się w historii literatury pod nazwą „srebrnego wieku” poezji rosyjskiej. Pisarze i poeci zrzeszali się w różnych grupach i ruchach modernistycznych, które odegrały ogromną rolę w ówczesnej kulturze artystycznej.

(Kandinsky Wasilij Wasiljewicz „Zimowy krajobraz”)

Symbolika rosyjska pojawiła się na przełomie XIX i XX wieku, jej twórcami byli poeci Dmitrij Mereżkowski, Fiodor Sologub, Konstantin Balmont, Walery Bryusow, później dołączyli do nich Aleksander Blok, Andriej Bieły, Wiaczesław Iwanow. Publikują artystyczny i publicystyczny organ Symbolistów, czasopismo „Waga” (1904-1909), wspierają idealistyczną filozofię Włodzimierza Sołowjowa na temat Trzeciego Testamentu i nadejścia Wiecznej Kobiecości. Dzieła poetów symbolistycznych pełne są skomplikowanych, mistyczne obrazy i skojarzenia, tajemniczość i niedopowiedzenie, abstrakcja i irracjonalność.

Symbolizm zastępuje akmeizm, który pojawił się w literaturze rosyjskiej w 1910 roku, twórcy nurtu: Nikołaj Gumilew, Anna Achmatowa, Siergiej Gorodecki, do tego grona poetów należeli także O. Mandelstam, M. Zenkiewicz, M. Kuzmin, M. Wołoszyn. Akmeiści, w przeciwieństwie do symbolistów, głosili kult prawdziwego życia ziemskiego, jasny i pewny pogląd na rzeczywistość, afirmację estetyczno-hedonistycznej funkcji sztuki, bez dotykania problemów społecznych. Zbiór poezji „Hyperborea”, wydany w 1912 r., Zapowiedział pojawienie się nowego ruchu literackiego zwanego acmeizmem (od „acme” - najwyższy stopień czegoś, czas rozkwitu). Acmeiści starali się, aby obrazy były konkretne i obiektywne, aby pozbyć się mistycznego zamieszania nieodłącznie związanego z ruchem symbolistycznym.

(Władimir Majakowski „Ruletka”)

Futuryzm w literaturze rosyjskiej narodził się jednocześnie z akmeizmem w latach 1910-1912, podobnie jak inne ruchy literackie w modernizmie był pełen wewnętrzne sprzeczności. Do jednej z najważniejszych grup futurystycznych zwanych kubofuturystami należeli tak wybitni poeci srebrnej epoki, jak W. Chlebnikow, W. Majakowski, I. Siewierianin, A. Kruchenich, W. Kamenski i inni. Futuryści ogłosili rewolucję form, całkowicie niezależny od treści, wolności słowa poetyckiego i odrzucenia dawnych tradycji literackich. Przeprowadzono ciekawe eksperymenty w dziedzinie słowa, stworzono nowe formy i obnażono przestarzałe normy i reguły literackie. Pierwszy zbiór poetów futurystycznych, „Uderzenie w twarz publicznego gustu”, przedstawił podstawowe koncepcje futuryzmu i ustanowił go jako jedynego prawdziwego przedstawiciela swojej epoki.

(Kazimierz Malewicz „Dama na przystanku”)

Na początku lat 20. XX wieku na gruncie futuryzmu ukształtował się nowy kierunek modernistyczny – imagizm. Jej założycielami byli poeci S. Jesienin, A. Mariengof, W. Szerszeniewicz, R. Iwniew. W 1919 roku zorganizowali pierwszy wieczór Imagizmu i stworzyli deklarację głoszącą główne zasady Imagizmu: prymat obrazu „jako takiego”, ekspresja poetycka poprzez użycie metafor i epitetów, utwór poetycki powinien być „katalogiem obrazy” – czytamy tak samo jak na początku, a więc i na końcu. Twórcze różnice między imagistami doprowadziły do ​​podziału ruchu na lewe i prawe skrzydło; po opuszczeniu jego szeregów przez Siergieja Jesienina w 1924 r. ugrupowanie stopniowo się rozpadało.

Modernizm w literaturze zagranicznej XX wieku

(Gino Severini „Martwa natura”)

Modernizm jako ruch literacki rozpoczął się na przełomie XIX i XX wieku, w przededniu I wojny światowej, jego rozkwit przypada na lata 20-30 XX wieku, rozwijał się niemal równocześnie w krajach Europy i Ameryki i jest zjawisko międzynarodowe, na które składają się różne ruchy literackie, takie jak imagizm, Dadaizm, ekspresjonizm, surrealizm itp.

Modernizm narodził się we Francji, jego wybitnymi przedstawicielami ruchu symbolistycznego byli poeci Paul Verlaine, Arthur Rimbaud i Charles Baudelaire. Symbolika szybko stała się popularna w innych krajach Europy, w Anglii reprezentował ją Oscar Wilde, w Niemczech Stefan George, w Belgii Emil Verhaeren i Maurice Metterlinck, w Norwegii Henrik Ibsen.

(Umberto Boccioni „Ulica wchodzi do domu”)

Do ekspresjonistów zaliczali się w Belgii G. Trakl i F. Kafka, szkoła francuska – A. France, szkoła niemiecka – J. Becher. Założyciele tego kierunek modernistyczny w literaturze jako imagizm, który istniał od początku XX wieku w języku anglojęzycznym Kraje europejskie, byli angielscy poeci Thomas Hume i Ezra Pound, później dołączyła do nich amerykańska poetka Amy Lowell, młoda Angielski poeta Herbert Reed, Amerykanin John Fletcher.

Za najsłynniejszych pisarzy modernistycznych początku XX wieku uważa się irlandzkiego prozaika Jamesa Joyce’a, twórcę nieśmiertelnej powieści o strumieniu świadomości Ulisses (1922), francuskiego autora siedmiotomowej powieści epickiej W poszukiwaniu zagubionych Time, Marcel Proust i niemieckojęzyczny mistrz modernizmu Franz Kafka, który napisał opowiadanie „Przemiana” (1912), które stało się klasyką absurdu w całej literaturze światowej.

Modernizm w charakterystyce literatury zachodniej XX wieku

Mimo że modernizm dzieli się na dużą liczbę ruchów, ich wspólną cechą jest poszukiwanie nowych form i określenie miejsca człowieka w świecie. Literatura modernizmu, która powstała na styku dwóch epok i między dwiema wojnami światowymi, w społeczeństwie zmęczonym i wyczerpanym starymi ideami, wyróżnia się kosmopolityzmem i wyraża uczucia autorów zagubionych w stale rozwijającym się, rosnącym środowisku miejskim .

(Alfredo Gauro Ambrosi „Portret lotniczy Duce”)

Pisarze i poeci pracujący w tym kierunku nieustannie eksperymentowali z nowymi słowami, formami, technikami i technikami, aby stworzyć nowe, świeże brzmienie, choć tematy pozostały stare i wieczne. Zwykle był to temat samotności człowieka w ogromnym i kolorowym świecie, rozbieżności rytmu jego życia z otaczającą rzeczywistością.

Modernizm jest rodzajem rewolucji literackiej; brali w niej udział pisarze i poeci, deklarując całkowite zaprzeczenie realistycznej prawdziwości i w ogóle wszelkich tradycji kulturowych i literackich. Musieli żyć i tworzyć w trudnych czasach, kiedy wartości tradycyjnej kultury humanistycznej zdezaktualizowały się, kiedy koncepcja wolności w różne kraje miało bardzo dwuznaczne znaczenie, gdy krew i okropności I wojny światowej zdewaluowały ludzkie życie, a otaczający świat ukazał się człowiekowi w całym swoim okrucieństwie i chłodzie. Wczesny modernizm symbolizował czas, w którym zniszczona została wiara w siłę rozumu i nadszedł czas triumfu irracjonalności, mistycyzmu i absurdu wszelkiego istnienia.

W artykule rozważymy takie niejednoznaczne zjawisko kulturowe jak modernizm. Główną uwagę zwraca się na różne style modernizmu, w szczególności na jego przejawy w kulturze rosyjskiej, a zwłaszcza w literaturze, a także na charakterystyczne cechy, które łączą wszystkie te liczne style.

Czym jest modernizm?

Rozwiążmy to. Zanim odpowiemy na pytanie, co łączy różne ruchy modernizmu, warto zdefiniować to zjawisko. Modernizm to bardzo ogólne określenie kultury przełomu XIX i XX wieku. Istnieją jednak różne punkty widzenia na temat ram chronologicznych tego zjawiska; niektórzy badacze uważają, że modernizm jest zjawiskiem wyłącznie XX wieku. Termin ten pochodzi od włoskiego słowa modernismo, które tłumaczy się jako „ruch nowoczesny”, lub, głębiej, od łacińskiego modernus – „nowoczesny”.

Charakterystyka modernizmu

Okres modernizmu nie tylko w sztuce (choć w tym obszarze przejawił się być może najwyraźniej), ale także w filozofii i nauce, wyznacza ostre zerwanie z dotychczasowymi koncepcjami i doświadczeniami, charakteryzujące się chęcią obalenia przestarzałych zasad i ustanowienie odpowiednich, pojawienie się nowych wyrazistych formy artystyczne, które wyróżniały się ogólnością i szkicowością. Czasem poszukiwanie form wyrażenia subiektywnego obrazu rzeczywistości było celem samym w sobie, kosztem wartości ideowej i estetyki dzieła. Wszystkie te cechy modernizmu spowodowały jego negatywny odbiór w społeczeństwie burżuazyjnym. Ruchy te podały w wątpliwość jego wartości. Nastroje burżuazyjne znalazły odzwierciedlenie przede wszystkim w realizmie, a modernizm i realizm są trendami wprost przeciwnymi. Zaprzeczenie tradycji kulturowych, od starożytności po realizm, zwykle określa się jako awangardę (od francuskiego „zaawansowany dystans”), ale koncepcja ta sięga już XX wieku. Jednak związek pomiędzy koncepcjami modernizmu i awangardy jest nadal niejasny; są one postrzegane albo jako wymienne, albo jako całkowicie przeciwne.

Kultura modernistyczna

Modernizm był w istocie wyrazem wszystkich wewnętrznych niespójności i sprzeczności istniejących w społeczeństwie burżuazyjnym. Stało się to zarówno pod wpływem rozwoju nauki i technologii, jak i pod wpływem globalnych katastrof społeczno-politycznych. Konflikty i niezgody w społeczeństwie z pewnością miały wpływ na zmianę psychologii ludzi na początku XX wieku, podobnie jak pojawienie się innowacji technologicznych i narzędzi komunikacji.

Rozwarstwienie kulturowe i społeczne doprowadziło do powstania dwóch subkultur - elitarnej i masowej, na które podział jest nadal obecny w społeczeństwie. W tym samym okresie powstało pojęcie kiczu, ściśle kojarzone z kulturą popularną.

Pomijając na razie sztukę i literaturę, możemy mówić o modernizmie w filozofii, gdzie styka się on głównie z tzw. filozofią życia, a także egzystencjalizmem.

Kultura modernizmu odzwierciedlała tzw. upadek Europy, jednak istota tego ruchu polega nie tylko na ukazaniu kryzysu kulturowego i duchowego, ale także na ciągłym poszukiwaniu dróg wyjścia z niego. A jeśli mówimy o tym, co łączy różne nurty modernizmu, to przede wszystkim jest to fakt, że każdy z nich dostarcza wielu różnych możliwości wyjścia.

Modernizm w sztuce

Termin „nowoczesny” jest zwykle używany do określenia modernizmu w sztuce. Zaczyna się to zmieniać jakościowo: o ile wcześniejsi autorzy przedstawiali głównie kopiowaną rzeczywistość, o tyle od końca XIX wieku na płótnach przekazują własny pogląd na tę rzeczywistość, swoje emocje i uczucia wobec niej, próbując w ten sposób zobrazować rzeczywistą rzeczywistość ukrytą za skorupa zewnętrzna.

Od końca XIX wieku ogromna liczba różnorodność stylów, dla którego używa się ogólnego terminu „modernizm”. Tak gwałtowne pojawienie się nowych trendów stylistycznych może wynikać z faktu, że życie w tym okresie zaczyna się zmieniać niezwykle szybko, wszystko ciągle się zmienia i wraz z rozwojem nauki, stosunków społecznych, polityki powstają, znikają i zmieniają się. różne style w sztuce i architekturze. Powstają idee „sztuki dla sztuki”, „sztuki dla siebie”, a jednocześnie sztuka staje się środkiem rozbioru otaczającej rzeczywistości i przezwyciężania jej sprzeczności.

Do najbardziej znaczących i godnych uwagi należą impresjonizm, postimpresjonizm, kubizm, fowizm, futuryzm, Dadaizm, surrealizm i sztuka abstrakcyjna. Wszystkie te gatunki charakteryzuje zerwanie z obrazem obiektywnej rzeczywistości, skrajnie subiektywny pogląd, elitarność i odrzucenie artystycznego dziedzictwa poprzednich epok – klasycyzmu i realizmu. To ostatnie nie zawsze oznacza jedynie całkowite zerwanie z wczesnymi doświadczeniami artystycznymi, ale także chęć wyrażenia ideałów estetycznych w lepszej formie.

Nowe style powstawały w różnych okresach czasu i w różnych krajach, często wśród artystów tworzących w stylach modernistycznych. Co łączy różne ruchy modernizmu, skoro tak bardzo się od siebie różnią? W istocie często nie łączyło ich nic poza podążaniem za tendencjami antyrealistycznymi i chęcią wyrażenia swojej wizji świata.

Rok powstania tzw. Salonu Odrzuconych – 1863 – jest często wymieniany jako dolna granica pojawienia się modernizmu. Prezentowano tam prace artystów, które nie uzyskały akceptacji jury paryskiego salonu – i to było głównym tematem Sztuka europejska tamtego czasu. Wygląd tego salonu kojarzy się z nazwami znanych impresjonistów Dlatego styl ten jest umownie uważany za pierwszy przejaw modernizmu w malarstwie. Modernizm zaczął zanikać bliżej połowy XX wieku, kiedy zaczął pojawiać się postmodernizm.

Modernizm w literaturze

Modernizm jako ruch literacki narodził się w przededniu I wojny światowej, a swój szczyt osiągnął w latach 20. XX wieku. Podobnie jak w sztuce, modernizm jest ruchem międzynarodowym reprezentowanym przez różne szkoły - ekspresjonizm, Dadaizm, Surrealizm itp.

Za założycieli ruchu modernistycznego w literaturze uważa się trzech pisarzy, którzy wypracowali nowe techniki pracy ze słowem: D. Joyce, F. Kafka i M. Proust. Silny wpływ na literaturę modernizmu wywarł filozof F. Nietzsche oraz koncepcje Z. Freuda i C. Junga.

Literatura modernizmu składa się z wielu różnorodnych grup, które łączy chęć nie opisywania otaczającej rzeczywistości, ale wyrażenia siebie, co ostatecznie pomogło skierować uwagę opinii publicznej na indywidualność każdego człowieka i miało istotny wpływ na zmianę psychologii społeczeństwa.

Rosyjski modernizm

Ciekawym zjawiskiem wydaje się modernizm w Rosji. Tutaj został on przedstawiony przede wszystkim w literaturze i ma wiele cech. W szczególności, jak wszystkie ruchy modernistyczne, interesował się starożytnością obrazy mitologiczne, ale w rosyjskiej wersji modernizmu znalazło to szczególnie wyraźne odzwierciedlenie; pojawiło się w nim wyraźne skupienie na mitologii i folklorze. Rosyjski modernizm był charakterystyczny dla tej części inteligencji, która była najbardziej zeuropeizowana. Podobnie jak zachodni modernizm, modernizm w Rosji był w pewnym stopniu przesiąknięty sentymentami dekadenckimi, co szczególnie dotyczy jednego z największych ruchów – symboliki. A modernizm na całym świecie był reprezentowany przez zwolenników nadchodzącej rewolucji duchowej.

Modernizm w literaturze rosyjskiej

Być może rosyjski modernizm jest najwyraźniej reprezentowany w literaturze XX wieku. Wśród głównych ruchów warto przypomnieć akmeizm, futuryzm i symbolizm. Wszystkie te ruchy noszą charakterystyczne cechy modernizmu – poszukiwanie nowych sposobów przedstawiania rzeczywistości i zaprzeczenie tradycyjnej sztuce.

Symbolizm

Jako ruch w literaturze symbolika pojawiła się pod koniec XIX wieku we Francji. Poezja staje się indywidualna, konsoliduje doraźne wrażenia, stara się być jak najbardziej zmysłowa i wyrazista.

Według symbolistów rzeczywistości zewnętrznej i wewnętrznej nie da się poznać w sposób racjonalny, dlatego artysta-twórca, posługując się symboliką, jest w stanie poznać sekretne znaczenia pokój. Symbolika w Rosji powstała dość nagle, a jej punktem wyjścia jest zwykle artykuł poety D. Mereżkowskiego „O przyczynach upadku i nowych trendach we współczesnej literaturze rosyjskiej”. On, Z. Gippius, W. Bryusow i inni należeli do przedstawicieli starszych symbolistów, których twórczość poruszała głównie tematykę niepowtarzalności drogi twórcy i niedoskonałości świata. Kolejne pokolenie symbolistów - Młodzi Symboliści - wykorzystuje tematykę przemieniania świata za pomocą piękna, połączenia życia i sztuki, wśród przedstawicieli byli Blok, Andriej Bieły, W. Iwanow, to pokolenie poetów można nazwać utopiści. Dzięki przedstawicielom symboliki słowo w poezji otrzymało wiele dodatkowych odcieni semantycznych, język stał się bardziej figuratywny i elastyczny.

Acmeizm

Zjawisko to powstało jako przeciwwaga dla symboliki, opartej na wyobrażeniach o przejrzystości i przejrzystości widzenia rzeczywistości i odpowiadającego jej obrazu. Słowo to, ich zdaniem, nie powinno być dwuznaczne, wręcz powinno być pierwotne znaczenie, styl powinien być lakoniczny, powściągliwy i wyrazisty, struktura pracy powinna być ścisła i wyrafinowana. Początek istnienia akmeizmu wiąże się z pojawieniem się „Warsztatu Poetów”, którego przywódcami byli poeci Gumilow i Gorodecki. Ruch ten nawiązuje do tradycji literackich Złotego Wieku poezji rosyjskiej. Wśród innych przedstawicieli modernizmu można wymienić A. Achmatową, O. Mandelstama, M. Kuźmina.

Futuryzm

Przedstawiciele tego najbardziej awangardowego nurtu dążyli do tworzenia sztuki radykalnie zmieniającej otaczającą rzeczywistość. Wyróżniało ich nie tylko stosowanie eksperymentalnych form twórczości, odważna konstrukcja poetycka i język, ale często także dokonywanie szokujących czynów i prowadzenie niezwykłego trybu życia. Futuryzm podzielono na kilka podgrup: ego-futuryzm, kubofuturyzm, „Wirówka” i obejmowała takich znanych poetów jak W. Majakowski, W. Chlebnikow, D. Burliuk i wielu innych. Za moment powstania tego modernistycznego (a tym bardziej awangardowego) ruchu uznaje się rok 1910, kiedy to ukazał się pierwszy zbiór poezji futurystycznej „Zbiornik sędziów”.

Modernizm w malarstwie rosyjskim

Modernizm znacząco przejawił się nie tylko w literaturze rosyjskiej, ale także w malarstwie. Wśród przedstawicieli modernizmu w tej formie sztuki warto wymienić przede wszystkim M. Vrubela, I. Bilibina, A. Benoisa, V. Vasnetsova – listę można ciągnąć w nieskończoność, zwłaszcza jeśli przypomnimy sobie innych artystów, którzy w ten czy inny sposób zwracali się w różnych okresach ku modernizmowi. Ich praca jednocześnie ujawniła podobieństwa do poszukiwań, które miały miejsce w Europie w tym samym czasie, ale jednocześnie wyraźnie się od nich różniła. Charakteryzuje je pewna konwencjonalna dekoracyjność, wyraźne i rzeźbiarskie twarze oraz postacie postaci na pierwszym planie, zdobnictwo i wielkoskalowe płaszczyzny barwne. Wszystkie te charakterystyczne cechy nadawały obrazom większą wyrazistość i tragedię. Głównymi tematami, którymi poruszali się artyści, były śmierć, żal, sen, legenda i erotyzm. Ponadto w malarstwie pojawiła się pewna wartość w symbolice kolorów i linii.

Cechy wspólne ruchów modernistycznych

Ostatecznie możemy powiedzieć, że różne ruchy modernizmu łączy fakt, że wszystkie przeciwstawiają się realizmowi i wartościom, które realizm odzwierciedla. Dzieła modernizmu, niezależnie od kierunku w sztuce, były eksperymentami oryginalnymi, prawdziwie nowymi, nieoczekiwanymi i niezwykłe zjawisko w kulturze końca XIX wieku, nieustannie poszukujący. Modernizm i jego ruchy stylistyczne chciały stać się stylem odmiennym od innych stylów, które powstały naturalnie i organicznie w kulturze światowej, w zasadzie niezależnie od życzeń twórców. Być może przyczyną tak krótkotrwałego istnienia tego ruchu było to, że kładł on zbyt duży nacisk na indywidualizm.

Wiek XX przeszedł do historii kultury jako wiek eksperymentów, które później często stały się normą. Jest to czas pojawienia się różnorodnych deklaracji, manifestów i szkół, często wkraczających w wielowiekowe tradycje i niezmienne kanony. Krytykowano na przykład nieuchronność naśladowania piękna, o której Lessing pisał w swoim słynnym dziele „Laokoon, czyli o granicach malarstwa i poezji”. Punktem wyjścia estetyki była brzydota.

Termin modernizm pojawia się pod koniec stulecia i jest przypisywany z reguły nierealistycznym zjawiskom w sztuce po dekadzie. Poszukiwania modernizmu poprzedza jednak zarówno precyzja, jak i manieryzm, surrealistyczne freski Hieronima Boscha, „Kwiaty zła” Charlesa Baudelaire’a i programy „sztuki czystej”.

Modernizm jako zjawisko filozoficzne i estetyczne ma następujące etapy: awangarda (między wojnami), neoawangarda (lata 50-60), która jest dość kontrowersyjna, ale ma podstawy, postmodernizm (lata 70-80)

Modernizm kontynuuje nierealistyczny nurt w literaturze przeszłości i przenosi się w drugą połowę XX wieku.

Modernizm jest zarówno metodą twórczą, jak i systemem estetycznym, co znajduje odzwierciedlenie w działalności literackiej szeregu szkół, często bardzo różniących się w swoich wypowiedziach programowych. Cechy wspólne: utrata punktu podparcia, zerwanie zarówno z pozytywizmem stulecia, jak i tradycyjnym światopoglądem chrześcijańskiej Europy, subiektywizm, deformacja świata lub tekstu artystycznego, utrata holistycznego modelu świata, stworzenie modelu świat za każdym razem na nowo według woli artysty, formalizm.

Było to pod koniec stulecia. W literaturze i sztuce pojawiają się ruchy formalistyczne - formalizm, naturalizm . Przyrodnicy opierają ją na filozofii pozytywizmu, która odrzuca uogólnianie wiedzy, ustalanie praw rzeczywistości, a stawia sobie za zadanie jedynie opisywanie rzeczywistości.

Powojenna dewastacja, a potem okres stabilizacji w latach 20-tych. stał się gruntem społecznym, na którym wyrosła sztuka modernistyczna lat 20. i 30. XX wieku. Upadek zwykłych fundamentów życia w pierwszym wojna światowa pociągała za sobą chęć unowocześnienia i przerobienia dawnej sztuki, gdyż nie była ona już w stanie sprostać potrzebom społeczeństwa. Tak powstają ruchy formalistyczne w literaturze i sztuce: futuryzm, Dadaizm i surrealizm itp. Wyrastają ze wspólnego gruntu społecznego, obiektywnie odzwierciedlając zamęt człowieka wytrąconego z rutyny wydarzeniami I wojny światowej. Przestał rozumieć świat, który wcześniej był tak stabilny i możliwy do wyjaśnienia. Jakieś nieznane siły wrzuciły go w krwawy chaos narodów, w wir wydarzeń. Wyszedł z tej masakry żywy, ale zdezorientowany; udało mu się znienawidzić te siły, nie zdając sobie sprawy, że rządzą się one obiektywnymi prawami. Właśnie zdał sobie sprawę, że wszystko na świecie nie jest stabilne.

W obliczu nieznanego niebezpieczeństwa wiele osób ma poczucie niepewności, a jednocześnie chęć buntu, protestu wobec społeczeństwa.

Wszystkie te kierunki początku XX wieku, w których pojawiły się cechy głębokiego kryzysu duchowego i upadku, ducha zwątpienia, nihilizmu, przygnębienia, począwszy od tych, które powstały w XIX wieku impresjonizm i symbolika, działają pod sztandarem innowacji, która najpełniej wyraża najskrytszego ducha nowej ery.

Krytyka, podtrzymująca twierdzenia o nowości, zaczęto nazywać te trendy XX wiekiem. modernizm. Podczas I wojny światowej ruchy modernistyczne ( kubizm, suprematyzm, surrealizm) W duże ilości pojawiają się w literaturze i sztuce. Modernizm jako ruch literacki, który ogarnął Europę na początku stulecia, miał następujące odmiany narodowe: surrealizm francuski i czeski, futuryzm włoski i rosyjski, imagizm angielski i szkoła „strumienia świadomości”, ekspresjonizm niemiecki, prymitywizm szwedzki itp.

Z reguły wszystkie ruchy modernistyczne głosiły „sztukę dla sztuki”, odrzucając ideologię i realizm.

Metodą ich twórczości jest formalizm: zamiast obrazów obiektywnego świata powstają subiektywne skojarzenia, gra podświadomych impulsów.

W okresie stabilizacji szerokie kręgi inteligencji znajdują satysfakcję w odrodzeniu teorii filozoficznych subiektywny idealizm. Są zmęczeni rozumem i prymitywnym realizmem; imponuje im nauka o podświadomych impulsach człowieka, o świecie niekontrolowanym przez rozum. Pragną całkowitej wolności osobistej.

W ten sposób stają się modne teorie Bergsonizmu i Freudaizmu.

Austriacki psychiatra Zygmunt Freud na podstawie swoich wieloletnich doświadczeń tworzy teorię psychoanalizy, która wywarła znaczący wpływ na koncepcję osobowości w literaturze XX wieku. Freud przekształcił teorię psychoanalizy z metody leczenia nerwic w metoda uniwersalna wiedza osobowość człowieka na głębokim poziomie. Jednak filozof Freud jest konsekwentnym subiektywnym idealistą. Twierdzi, że ciemne siły instynktu leżą w sercu ludzkich działań. Freud porównał Homo sapiens z człowiekiem instynktownym i nieświadomym.

Przechodząc do analizy ludzkich doświadczeń psychicznych, Freud za główne zadanie uważa penetrację świata podświadomości i świata instynktów, gdyż jest przekonany, że jedynie badanie tych zasad ludzkiej egzystencji może wyjaśnić ludzkie zachowanie.

Badając w klinice wszelkiego rodzaju zaburzenia psychiczne, Freud doszedł do wniosku, że „świadomość nie jest panem własnego domu”, że najczęściej jest nieobecna, a ludzkie „ja” stara się unikać kłopotów i czerpać przyjemność. Jednocześnie Freud twierdzi, że dominującym początkiem wszystkich ludzkich działań jest jego podświadomość, której przypisuje strach, głód, czyli Freud stara się wyjaśniać zjawiska społeczne kategoriami podświadomości, zaprzeczając wpływowi powody społeczne na ludzkie zachowanie i psychikę. Freud badał mechanizmy patologicznych zachowań u ludzi, badał przejęzyczenia, przejęzyczenia i sny, udowadniając, że zaburzenia psychiczne różnią się od zdrowia psychicznego nie jakościowo, ale ilościowo. Freud wyraził ideę szczególnej misji sztuki: zajmując etap pośredni między zdrowiem a nerwicą, sztuka, zdaniem Freuda, pełni funkcję psychoterapeutyczną, kompensując w działalności duchowej i artystycznej to, co jest nieosiągalne w rzeczywistości.

Modernizm przejął od Freuda psychoanalizę i swobodne skojarzenia jako sposób badania nieświadomości, przyjął koncepcję autonomicznego twórcy, który jest ostatecznym autorytetem.

W literaturze realistycznej wpływ idei Freuda łatwo dostrzec w zwróceniu uwagi na ambiwalencję (antagonizm) uczuć jako zjawisko życie psychiczne(miłość – nienawiść, przyciąganie – wstręt, przyjaźń – zazdrość), w rehabilitacji seksualności, która dzięki psychoanalizie weszła w kulturowy paradygmat stulecia, w zwiększonym zwróceniu uwagi na instynktowność i podświadomość w ludzkich zachowaniach.

Uczeń i naśladowca Freuda, szwajcarski psycholog i psychiatra Carl Gustav Jung (1875-1961), wprowadził pojęcie archetypu – stabilnego i prawie niezmiennego stereotypu ludzkiego zachowania. Ujawnia się na poziomie podświadomości, w tej warstwie psychicznej, w której archaizm starożytnych mitów, fragmenty prymitywnych rytuałów magicznych, obrazy artystyczne i atawistyczne lęki. Szeroko zawarte w kultura artystyczna stulecia, koncepcja nieświadomości wprowadzona przez Junga, która wchłonęła doświadczenie poprzednich pokoleń, doświadczenie, z którym człowiek się rodzi i istnieje, nawet nie wiedząc o tym nic. Nieświadomość zbiorowa jawi się w postaci symboli i archetypów jako uniwersalny język, szyfr i kod całej historii kultury ludzkiej.

Pomysł maski zaproponowany przez Junga, będący kontynuacją idei amerykańskiego psychologa Williama Jamesa (1842-1910), który uważał, że w umyśle normalnego człowieka może istnieć kilka hipostaz, że w praktyce człowiek ma ich tyle samo różne osobowości społeczne, ponieważ istnieją różne grupy ludzi, których zdanie ceni.

Filozofia intuicjonizmu francuskiego filozofa idealisty Henriego Bergsona jest ściśle związana z teorią Freuda.

Henri Bergson, który publikował swoje prace już w XIX wieku, uczy, że czynnikiem determinującym w życiu człowieka nie jest obiektywna świadomość, ale podświadomość, którą można uchwycić jedynie intuicyjnie. Strumień świadomości, do którego niczym strumyki napływają różne mimowolne skojarzenia i wspomnienia, realizuje się dopiero stopniowo – to właśnie, zdaniem Bergsona, powinno stać się przedmiotem badań zarówno filozofa, jak i naukowca. Tylko intuicja może pozwolić na bezpośrednie poznanie prawdy, a wiedza ta zachodzi poza procesem zmysłowego i racjonalnego postrzegania otoczenia. Nauczanie Bergsona wynika z nieufności do intelektu, co ma znaczenie czysto praktyczne. Intelekt nie jest w stanie wyjaśnić głębokich procesów zachodzących w psychice; jest do tego zdolna jedynie intuicja. Język, zdaniem Bergsona, również nie jest w stanie wyrazić wszystkich odcieni przeżyć wewnętrznych, w literaturze analizę rzeczywistości zastępuje artystyczny opis stanów psychicznych.

Rozpowszechniła się szkoła literacka, oparta na teorii S. Freuda, która przyciągała pisarzy szerokimi możliwościami odkrywania ludzkiej psychiki.

„Psychoanaliza” Freuda stała się podstawą ukazywania człowieka w twórczości M. Prousta, Andre Gide’a i dramatach T. Williamsa.

Idee modernizmu w twórczości poszczególnych artystów i szkół, w każdym konkretnym dziele, często otrzymują odmienną interpretację. Modernizm może mieć decydujące znaczenie w całej twórczości pisarza (F, Kafka, D. Joyce) lub może być odczuwany jako jedna z technik mających znaczący wpływ na styl artysty (M. Proust, W. Wolfe). Modernizm pomógł zwrócić uwagę na wyjątkowość wewnętrznego świata człowieka, uwolnić wyobraźnię twórcy jako fenomen realnego świata otaczającego człowieka. Artysta jest nie mniej ważny niż to, co przedstawia – mówił Picasso, który lubił powtarzać, że wie, jak wyglądają jabłka, a w malarstwie Cezanne’a interesuje go coś innego.

W Literatura angielska w dziedzinie powieści modernistycznej najbardziej charakterystycznymi postaciami są James Joyce, Aldous Huxley i przedstawiciele szkoła psychologiczna Virginia Woolf, May Sinclair i Dorothy Richardson.

Nazwisko anglo-irlandzkiego pisarza Jamesa Joyce’a kojarzone jest ze szkołą „strumienia świadomości”. „Strumień świadomości” jako technika pisarska to nielogiczny monolog wewnętrzny, odtwarzający chaos myśli i doświadczeń, najdrobniejsze ruchy świadomości. Jest to swobodny skojarzeniowy przepływ myśli w kolejności, w jakiej powstają, przerywają się nawzajem i są zatłoczone nielogicznymi stosami. Po raz pierwszy termin ten – „strumień świadomości” – pojawił się w pracach Williama Jamesa, gdzie rozwinął on pogląd, że świadomość „nie jest łańcuchem, w którym wszystkie ogniwa są połączone szeregowo, ale rzeką”.

Powieść Joyce’a „Ulisses” została okrzyknięta szczytem sztuki narracyjnej. To monumentalne dzieło, w którym autor stara się przeniknąć do podświadomości swoich bohaterów, przywrócić im bieg myśli, uczuć i skojarzeń. Starożytny świat o Odyseuszu i jego wędrówkach Joyce przekłada na historię dublińskiego mieszczanina Blooma, wędrującego przez jeden dzień po Dublinie, jego żony Marion i niespokojnego artysty Dedalusa (Dedala). Ulisses zawiera 18 odcinków podobnych do Odysei Homera. Powieść została nazwana „największym dziełem naszych czasów”, „wspaniałym, fantastycznym, jedynym w swoim rodzaju dziełem, bohaterskim eksperymentem ekscentrycznego geniusza” (S. Zweig), „wyrazem nieświadomości zbiorowej” i bezsens epoki (C. Jung), „gra z językiem w duchu pop-artu (H. Kenner), „ewangelia estetyki modernistycznej” (E. Genieva). Ogromna objętość powieści, licząca półtora tysiąca stron, opowiada o zaledwie jednym dniu, 16 czerwca 1904 roku, typowym dla bohaterów: nauczyciela historii, intelektualisty Stephena Dedalusa, Leopolda Blooma, ochrzczonego Żyda, agenta reklamy i jego żona, piosenkarka Marion (Molly). Eksplorując labirynty świadomości swoich bohaterów, Joyce poddaje swoich bohaterów niemal rentgenowskiemu skanowaniu za pomocą rozmaitych modyfikacji strumienia świadomości.

Joyce szczegółowo opisuje, co robili bohaterowie, o czym myśleli, przekazuje strumień ich świadomości, ich wewnętrzne monologi, stara się prześledzić niezależne od świadomości impulsy, które nimi kierują, stara się ukazać złożoność erotycznych kompleksów tkwiących w każdego z bohaterów. Dziesiątki stron reprodukują chaotyczny tok myślenia Blooma, Marion i Dedalusa. Joyce nie używa interpunkcji, nie używa w niektórych miejscach wielkich liter i stosuje techniki nagrywania dźwięku. Czasami Joyce, oddając fragmentaryzację i niepewność myśli Blooma, po prostu odrywa frazy i słowa, pozostawiając czytelnikowi samodzielne przemyślenie.

„...pończochy marszczą się w kostkach. Nie mogę tego znieść, to jest takie niesmaczne. Ci pisarze, oni wszyscy mają głowę w chmurach. Mglisto, sennie, symbolicznie. Esteci, tacy właśnie są. Nie zdziwiłbym się, gdyby okazało się, że takie jedzenie wywołuje w mózgu te same poetyckie myśli. Wystarczy wziąć któregokolwiek z tych policjantów, pocących się w koszulach, a nie da się z niego wycisnąć ani linijki poezji. Oni nawet nie wiedzą, czym jest poezja. Potrzebujesz specjalnego nastroju.

Mglista mewa trzepocząca skrzydłami

Lecąc nad falami z przeszywającym krzykiem...

... A może pojechać do starego Harrisa i porozmawiać z młodym Sinclairem? Dobrze wychowany człowiek. Pewnie je śniadanie. Muszę naprawić moją starą lornetkę. Soczewki Hertza, sześć gwinei. Niemcy dotrą wszędzie. Sprzedają tanio, żeby podbić rynek. Ze stratą. Można go było kupić na tę okazję w biurze rzeczy znalezionych na dworcu. To niesamowite, czego ludzie nie zapominają w pociągach i przebieralniach. I o czym myślą? Kobiety też. Niewiarygodne... na dachu banku znajduje się mały zegar, za pomocą którego możesz sprawdzić lornetkę. Ustęp ten jest bardzo charakterystyczny dla maniery Joyce’a i jednocześnie jest jednym z najbardziej przystępnych fragmentów powieści.

Użyte w powieści mitologia grecka, ale sama powieść to także mit, nowoczesny i starożytny. Główną symboliką powieści jest spotkanie ojca i syna, Odyseusza i Telemacha (Bloom zabiera do niego pijanego Dedalusa, ratując go przed policją, i wyobraża sobie, że to jego zmarły syn Rudy). Wyjątkowym symbolem staje się także sceneria powieści, Dublin, która na kartach powieści została z niezwykłą pieczołowitością odwzorowana: schematy, plany dzielnic, ulic, domów. Powieść zawiera wiele materiałów interpolowanych: doniesienia prasowe, dane autobiograficzne, cytaty z traktatów naukowych, opusów historycznych i manifestów politycznych.

Za przywódczynię „szkoły psychologicznej” uznano Virginia Woolf (1882-1941), która w swojej twórczości ukazała różnorodność możliwości powieści psychologicznej. Przedstawiciele „szkoły psychologicznej” za główne zadanie swojej sztuki uważali badanie życia psychicznego człowieka, od którego izolowali środowisko społeczne. Otaczający ich świat interesował ich tylko na tyle, na ile znalazł odzwierciedlenie w umysłach bohaterów.

Wszystkie powieści Woolfa są rodzajem podróży w głąb osobowości, którą czytelnik może zaakceptować lub nie, ale której nie ma prawa narzucać. Wulf, będąc odważnym eksperymentatorem, wytrwale poszukiwał nowych dróg w sztuce, dążąc do ekstremalnej głębi analiza psychologiczna, aby odsłonić nieograniczone głębiny duchowej zasady w człowieku. Stąd swobodna forma dialogów i monologów, impresjonistyczny sposób opisu sytuacji i krajobrazu, oryginalna kompozycja powieści, która opiera się na reprodukcji przepływu uczuć, przeżyć, emocji bohaterów, a nie na przekazywaniu wydarzeń .

Dyskutując z realistami, którzy podążali za typowym lub ogólnym, Woolf przekonywał o konieczności zwracania uwagi na to, co uważane jest za małe – na świat duszy. Wszystkie jej powieści opowiadają o tym życiu wewnętrznym, w którym odnajduje więcej sensu niż w procesach społecznych. Wyjaśniła osobliwości wewnętrznego świata człowieka odwiecznymi cechami natury ludzkiej, ale współczuła ludziom. Postrzegała życie jako dziwaczne, ale naturalne splot światła i ciemności, dobra i zła, piękna i brzydoty, młodości i starości, rozkwitu i przemijania.

Jej najbardziej znane powieści to Pokój Jakuba (1922), Pani Dalloway (1925), Do latarni morskiej (1927) i Fale (1931).

Modernizm jako ruch artystyczny charakteryzuje się subiektywizmem i ogólnie pesymistycznym spojrzeniem na postęp i historię, aspołecznym podejściem do człowieka, naruszeniem holistycznej koncepcji osobowości, harmonii życia zewnętrznego i wewnętrznego, tego, co w nim społeczne i biologiczne . Modernizm światopoglądowy polemizował z apologetycznym obrazem świata i był antyburżuazyjny; jednocześnie był wyraźnie zaniepokojony nieludzkością rewolucyjnej działalności praktycznej.

Modernizm bronił jednostki, głosił jej celowość i suwerenność, immanentną naturę sztuki.

Granica modernizmu i realizmu na szeregu konkretnych przykładów z twórczości współczesnych autorów jest dość problematyczne, gdyż – jak zauważa kijowski krytyk literacki D. Zatonski – „modernizm... nie występuje w postaci chemicznie czystej”. Jest integralną częścią panoramy artystycznej XX wieku.

Szkoły takie jak Dadaizm, Surrealizm i Ekspresjonizm najchętniej wyrażały się w nurcie modernizmu lat 20-30. Porozmawiamy o nich.

Spory z realistami, przynajmniej teoretyczne, można uznać za fundamentalną dla modernizmu jako metody. Marksistowska krytyka literacka (P. Lafargue, G. Plechanow) od końca ubiegłego wieku zajmuje negatywne stanowisko wobec modernizmu, upatrując w nim przejawu kryzysu i upadku kultury burżuazyjnej. W tym samym czasie w Rosji Radzieckiej początkowo wystawiano artystów awangardowych, tłumaczono poetów i prozaików tak odległych od estetyki realistycznej, jak J. Cocteau, J. Joyce, M. Proust; w tamtych latach można było przeczytać Freuda; i Nietzschego. Zwrot w kierunku dyktatury i totalitaryzmu, z jego podejrzliwym podejściem do jednostki, skazał sztukę na dziesięciolecia zniewolenia.

Czym charakteryzuje się awangarda jako etap modernizmu? Awangarda (francuska awangarda – awangarda) to termin mający szersze pole semantyczne w nauce zagranicznej, często stanowiący synonim modernizmu w naszym rozumieniu. Zarysy awangardy, która historycznie jednoczy różne kierunki- od symboliki i kubizmu po surrealizm i pop-art; Charakteryzuje ich psychologiczna atmosfera buntu, poczucie pustki i samotności oraz orientacja na przyszłość, która nie zawsze jest jasno przedstawiona.

Znamienne, że prężnie rozwijająca się w latach 10-20 sztuka awangardowa okazała się wzbogacona ideą rewolucyjną (czasami tylko warunkowo symboliczną, jak u ekspresjonistów piszących o rewolucji w sferze ducha, czyli ogólnie). Napawało to optymizmem awangardę malującą jej płótna na czerwono i przyciągało do niej artystów o poglądach rewolucyjnych, dla których awangarda była przykładem protestu antyburżuazyjnego (Brecht, Aragon, Eluard).

Wiek XX był wiekiem zagłady starego świata i jego sztuki. Bunt został rozwiązany we wszystkim: nieprzypadkowo słowo „dziki” pojawiło się w nazwie teatru, w którym Brecht występował z pieśniami, jako integralna część i koncepcja szkoły malarskiej (fowizm). Sztuka awangardowa uciekała się do maskarady i karykatury. Rozpadowi tradycyjnych form towarzyszyło odrodzenie się nowych gatunków – cyrku, musicalu, pantomimy, black jazzu – i uproszczenie form. Wyrafinowanie kolorystyki impresjonistów nie odpowiadało duchowi czasu: „krzyk” i dysharmonia zakorzeniły się w obrazach ich „spadkobierców” – ekspresjonistów.

Na zewnątrz wydawało się, że awangarda odrzuciła tradycje, jednak jej protest skierowany był przede wszystkim przeciwko kanonom i ustalonym formom. Mówiąc o pragnieniu wyrwania się sztuki z trójwymiarowej przestrzeni, Cocteau porównał Picassa do zbiegłego skazańca, dążącego do wolności poza granicami własnego „ja”.

Awangarda wierzyła, że ​​sztuka nie musi być rozpoznawalna i lubiana od pierwszego wejrzenia. Nie chcieli oszukiwać opinii publicznej i nawoływali do zrozumienia świata, co jest trudniejsze niż rozpoznanie tego, co znane. Co prawda Arystoteles zauważył również, że publiczność cieszy się, gdy widzi coś znajomego.

Awangardeizm nie przekreśla po prostu rzeczywistości, lecz zmierza w jej stronę, opierając się na immanentnych prawach sztuki. Awangarda odrzuciła formy stereotypowe świadomość masowa, nie zaakceptował wojny, szaleństwa technokracji, zniewolenia człowieka.

Ogólnie rzecz biorąc, apolityczną awangardę łączyła idea wolności, choć surrealiści uważali rewolucję rosyjską za „kryzys ministerialny”. Awangarda przeciwstawiała przeciętność i burżuazyjny porządek, kanonizowaną logikę realistów buntem, chaosem i deformacją, a moralność burżuazji wolnością uczuć i nieograniczoną wyobraźnią.

Awangarda wyprzedziła swoją epokę, unowocześniła sztukę XX wieku, wprowadziła tematykę miejską do poezji i nowa technologia, nowe zasady kompozycji i różne funkcjonalne style mowy, projekt graficzny (odmowa interpunkcji, ideogramów), wiersz wolny i jego odmiany, zaktualizowały wersyfikację europejską.