Dziś przedstawiamy Państwu dwadzieścia obrazów godnych uwagi i uznania. Te obrazy zostały namalowane znany artysta, a powinni je znać nie tylko ci, którzy zajmują się sztuką, ale także zwykli śmiertelnicy, sztuka bowiem barwi nasze życie, a estetyka pogłębia spojrzenie na świat. Daj sztuce należne miejsce w swoim życiu...
1. „Ostatnia wieczerza”. Leonardo Da Vinci, 1495-1498
Monumentalny obraz Leonarda da Vinci przedstawiający scenę ostatniego posiłku Chrystusa z uczniami. Powstał w latach 1495-1498 w klasztorze dominikanów Santa Maria delle Grazie w Mediolanie.
Obraz został zamówiony przez Leonarda u jego patrona, księcia Ludovico Sforzy i jego żony Beatrice d'Este. Lunety nad obrazem, utworzone przez sufit z trzema łukami, są pomalowane herbem Sforzów. Malowanie rozpoczęto w 1495 r., a ukończono w 1498 r.; prace toczyły się z przerwami. Data rozpoczęcia prac nie jest pewna, gdyż „archiwum klasztorne uległo zniszczeniu, a znikoma część dokumentów, którymi dysponujemy, pochodzi z roku 1497, kiedy malowanie było już prawie ukończone”.
Obraz stał się kamieniem milowym w historii renesansu: poprawnie odwzorowana głębia perspektywy zmieniła kierunek rozwoju malarstwa zachodniego.
Uważa się, że obraz ten kryje w sobie wiele tajemnic i wskazówek – zakłada się na przykład, że wizerunek Jezusa i Judasza został skopiowany od tej samej osoby. Kiedy Da Vinci malował obraz, w swojej wizji Jezus uosabiał dobro, podczas gdy Judasz był czystym złem. A kiedy mistrz odnalazł „swojego Judasza” (pijaka z ulicy), okazało się, że według historyków ten pijak kilka lat wcześniej służył za prototyp do namalowania wizerunku Jezusa. Można zatem powiedzieć, że to zdjęcie uchwyciło osobę w różnych okresach jego życia.
2. „Słoneczniki”. Vincenta Van Gogha, 1887
Tytuł dwóch cykli obrazów Holenderski artysta Vincent van Gogh. Pierwsza seria powstała w Paryżu w 1887 roku. Poświęcony jest kwiatom leżącym. Druga seria została ukończona rok później w Arles. Przedstawia bukiet słoneczników w wazonie. Dwa Malowidła paryskie zakupiony przez przyjaciela van Gogha, Paula Gauguina.
Artysta namalował słoneczniki jedenaście razy. Pierwsze cztery obrazy powstały w Paryżu w sierpniu - wrześniu 1887 roku. Duże cięte kwiaty leżą jak jakieś dziwne stworzenia umierające na naszych oczach.
3. „Dziewiąta fala”. Iwan Konstantynowicz Aiwazowski?, 1850.
W Muzeum Rosyjskim przechowywany jest jeden z najsłynniejszych obrazów rosyjskiego malarza morskiego Iwana Aiwazowskiego.
Malarz przedstawia morze po silnej nocnej burzy i rozbitków. Promienie słońca oświetlają ogromne fale. Największy z nich – dziewiąty szyb – gotowy jest zawalić się na ludzi próbujących uciec na wraku masztu.
Pomimo tego, że statek zostaje zniszczony i pozostaje tylko maszt, ludzie na maszcie żyją i nadal walczą z żywiołami. Ciepłe kolory obrazu sprawiają, że morze nie jest tak surowe i dają widzowi nadzieję na uratowanie ludzi.
Powstały w 1850 roku obraz „Dziewiąta fala” natychmiast stał się najsłynniejszym ze wszystkich jego przystani i został zakupiony przez Mikołaja I.
4. „Macha nago”. Francisco Goya, 1797-1800
Obraz Hiszpański artysta Francisco Goya, namalowany około 1797-1800. Pasuje do obrazu „Maja ubrana” (La majavesida). Obrazy przedstawiają Machę, hiszpańską mieszczankę żyjącą w XVIII-XIX w., jeden z ulubionych tematów artysty. „Maha Nude” jest jednym z nich wczesne prace Sztuka zachodnia przedstawiająca całkowicie nagą kobietę bez mitologicznych i negatywnych konotacji.
5. „Lot kochanków”. Marca Chagalla, 1914-1918
Prace nad obrazem „Nad miastem” rozpoczęły się w 1914 roku i ostatnie poprawki Mistrz zastosował go dopiero w 1918 roku. W tym czasie Bella z kochanki zmieniła się nie tylko w uwielbianą żonę, ale także matkę ich córki Idy, stając się na zawsze główną muzą malarza. Związek bogatej córki dziedzicznego jubilera i prostego żydowskiego młodzieńca, którego ojciec utrzymywał się z wyładunku śledzi, można nazwać jedynie mezaliansem, ale miłość była silniejsza i przezwyciężyła wszelkie konwencje. To właśnie ta miłość ich zainspirowała, unosząc ich do nieba.
Karina portretuje jednocześnie dwie miłości Chagalla – kochaną jej sercu Bellę i Witebsk. Ulice przedstawione są w formie domów oddzielonych wysokim, ciemnym płotem. Widz nie od razu zauważy kozę pasącą się po lewej stronie środka obrazu i prostego mężczyznę ze spuszczonymi spodniami pierwszoplanowy– humor od malarza, ucieczka od kontekst ogólny i romantyczny nastrój dzieła, ale to wszystko Chagall...
6. „Oblicze wojny”. Salvadora Dali, 1940.
Obraz hiszpańskiego artysty Salvadora Dali, namalowany w 1940 roku.
Obraz powstał w drodze do USA. Pod wrażeniem tragedii rozgrywającej się na świecie i krwiożerczości polityków kapitan rozpoczyna pracę na statku. Znajduje się w Muzeum Boijmans-van Beuningen w Rotterdamie.
Straciwszy wszelką nadzieję na normalne życie w Europie artysta z ukochanego Paryża wyjeżdża do Ameryki. Wojna ogarnia Stary Świat i ma na celu przejęcie reszty świata. Mistrz jeszcze nie wie, że ośmioletni pobyt w Nowym Świecie uczyni go prawdziwą sławą, a jego dzieła staną się arcydziełami malarstwa światowego.
7. „Krzyk” Edvarda Muncha, 1893
„Krzyk” (norweski Skrik) to seria obrazów norweskiego artysty ekspresjonisty Edvarda Muncha, powstałych w latach 1893–1910. Przedstawiają krzyczącą z rozpaczy postać ludzką na tle krwistoczerwonego nieba i niezwykle uogólnionego tła pejzażowego. W 1895 roku Munch stworzył litografię na ten sam temat.
Czerwone, ogniście gorące niebo pokryło zimny fiord, co z kolei rodzi fantastyczny cień, podobny do jakiegoś potwora morskiego. Napięcie zniekształca przestrzeń, linie są łamane, kolory niespójne, perspektywa zniszczona.
Wielu krytyków uważa, że fabuła obrazu jest owocem chorej wyobraźni osoby chorej psychicznie. Niektórzy widzą w dziele zapowiedź katastrofy ekologicznej, inni decydują, która mumia zainspirowała autora do stworzenia tego dzieła.
8. „Dziewczyna z perłą”. Jana Vermeera, 1665
Obraz „Dziewczyna z perłą” (Holandia: „Het meisje met de parel”) został namalowany około 1665 roku. W dany czas przechowywany w Muzeum Mauritshuis w Hadze w Holandii i jest wizytówka muzeum. Obraz, nazywany holenderską Mona Lisą lub Mona Lisą Północy, jest namalowany w gatunku Tronie.
Dzięki filmowi Petera Webbera „Dziewczyna z perłą” z 2003 r. wielka ilość ludzie dalecy od malarstwa dowiedzieli się o wspaniałym holenderskim artyście Janie Vermeerze, a także o jego najsłynniejszym obrazie „Dziewczyna z perłą”.
9. „Wieża Babel”. Pietera Bruegla, 1563
Słynny obraz artysty Pietera Bruegla. Artysta stworzył co najmniej dwa obrazy o tej tematyce.
Obraz znajduje się w Kunsthistorisches Museum w Wiedniu.
W Biblii jest opowieść o tym, jak mieszkańcy Babilonu próbowali zbudować wysoką wieżę, aby sięgnąć nieba, ale Bóg kazał im mówić różnymi językami, przestali się rozumieć, a wieża pozostała niedokończona.
10. „Algierskie kobiety”. Pabla Picassa, 1955
„Kobiety Algierii” to cykl 15 obrazów powstałych przez Picassa w latach 1954–1955 na podstawie obrazów Eugene’a Delacroix; obrazy wyróżniają się literami nadanymi przez artystę od A do O. „Wersja O” została namalowana 14 lutego 1955 roku; przez pewien czas należał do słynnego amerykańskiego kolekcjonera sztuki XX wieku Victora Ganza.
Obraz Pabla Picassa „Kobiety Algierii (wersja O)” został sprzedany za 180 milionów dolarów.
11. „Nowa planeta”. Konstantin Yuon, 1921
Rosyjski Malarz radziecki, mistrz krajobrazu, artysta teatralny, teoretyk sztuki. Akademik Akademii Sztuk ZSRR. Artysta Ludowy ZSRR. Laureat Nagrody Stalinowskiej I stopnia. Od 1951 członek Ogólnounijnej Partii Komunistycznej.
To niesamowity obraz, powstały w 1921 roku i wcale nie typowy dla realistycznego artysty Yuona „ Nowa planeta” to jedno z najjaśniejszych dzieł, które ucieleśniało obraz zmian, jakie zaszły w drugiej dekadzie XX wieku Rewolucja Październikowa. Nowy system, nowy sposób I nowy wygląd myśląc o nowo powstającym społeczeństwie sowieckim. Co teraz czeka ludzkość? Świetlana przyszłość? Wtedy o tym nie myśleli, ale co sowiecka Rosja a cały świat wkracza oczywiście w erę zmian, podobnie jak szybkie narodziny nowej planety.
12. „Madonna Sykstyńska”. Rafael Santi, 1754
Obraz Rafaela, znajdujący się od 1754 roku w Galerii Starych Mistrzów w Dreźnie. Należy do powszechnie uznawanych szczytów wysokiego renesansu.
Ogromny rozmiar (265 × 196 cm, tak rozmiar obrazu jest wskazany w katalogu) Galeria Drezdeńska) płótno zostało stworzone przez Rafaela na ołtarz kościoła klasztoru św. Sykstusa w Piacenzy na zlecenie papieża Juliusza II. Istnieje hipoteza, że obraz powstał w latach 1512-1513 na cześć zwycięstwa nad Francuzami, którzy najechali Lombardię podczas wojen włoskich i późniejszego włączenia Piacenzy do Państwa Kościelnego.
13. „Pokutująca Maria Magdalena”. Tycjan (Tiziano Vecellio), namalowany około 1565 roku
Obraz namalowany około 1565 roku Włoski artysta Tycjan Vecellio. Należy Państwowe Muzeum Ermitażu w Petersburgu. Czasami jako datę powstania podaje się „lata 60. XVI wieku”.
Modelką obrazu była Julia Festina, która zadziwiła artystę burzą złocistych włosów. Gotowe płótno zrobiło na księciu Gonzagi ogromne wrażenie, dlatego zdecydował się zamówić jego kopię. Później Tycjan, zmieniając tło i pozę kobiety, napisał jeszcze kilka podobnych prac.
14. „Mona Lisa”. Leonardo Da Vinci, 1503-1505
Portret pani Lisy del Giocondo (wł. Ritratto di Monna Lisa del Giocondo) - obraz Leonarda da Vinci, znajdujący się w Luwrze (Paryż, Francja), jeden z najbardziej znane prace malarstwa świata, za które uważa się portret Lisy Gherardini, żony florenckiego kupca jedwabiu Francesco del Giocondo, namalowany około 1503-1505.
Według jednej z proponowanych wersji „Mona Lisa” jest autoportretem artystki.
15. „Poranek w sosnowym lesie”, Szyszkin Iwan Iwanowicz, 1889.
Malarstwo rosyjskich artystów Iwana Szyszkina i Konstantina Sawickiego. Savitsky malował niedźwiedzie, ale kolekcjoner Paweł Tretiakow usunął swój podpis, tak że autor obrazu często jest wskazywany sam.
Pomysł na obraz podsunął Szyszkinowi Savitsky, który później był współautorem i przedstawił postacie niedźwiadków. Te niedźwiedzie, z pewnymi różnicami w pozach i liczbie (początkowo były dwa), pojawiają się w rysunki przygotowawcze i szkice. Savitsky tak dobrze wyhodował zwierzęta, że nawet podpisał obraz razem z Szyszkinem.
16. „Nie spodziewaliśmy się tego.” Ilja Repin, 1884–1888
Obraz rosyjskiego artysty Ilji Repina (1844-1930), namalowany w latach 1884-1888. Jest częścią kolekcji Państwowej Galerii Trietiakowskiej.
Obraz prezentowany na XII wystawie objazdowej wpisuje się w cykl narracyjny poświęcony losom rosyjskiego rewolucyjnego populisty.
17. „Bal w Moulin de la Galette”, Pierre Auguste Renoir, 1876.
Obraz namalowany przez francuskiego artystę Pierre'a Auguste'a Renoira w 1876 roku.
Miejscem, w którym znajduje się obraz jest Musée d’Orsay. Moulin de la Galette to niedroga tawerna na Montmartre, w której gromadzili się studenci i młodzież pracująca Paryża.
18. „Gwiaździsta noc”. Vincenta Van Gogha, 1889.
De sterrennacht- obraz holenderskiego artysty Vincenta van Gogha, namalowany w czerwcu 1889 roku, przedstawiający widok przedświtowego nieba nad fikcyjnym miasteczkiem ze wschodniego okna domu artysty w Saint-Rémy-de-Provence. Od 1941 r. przechowywany jest w Muzeum Sztuka współczesna w Nowym Jorku. Uważany za jeden z najlepsze prace Van Gogha i jeden z najbardziej znaczące dzieła Malarstwo zachodnie.
19. „Stworzenie Adama”. Michał Anioł, 1511.
Fresk Michała Anioła, namalowany około 1511 roku. Fresk jest czwartą z dziewięciu centralnych kompozycji sufitu Kaplica Sykstyńska.
„Stworzenie Adama” to jedna z najwybitniejszych kompozycji malarstwa Kaplicy Sykstyńskiej. Bóg Ojciec leci w nieskończonej przestrzeni, otoczony bezskrzydłymi aniołami, w zwiewnej białej tunice. Prawa ręka jest wyciągnięta w stronę dłoni Adama i prawie jej dotyka. Ciało Adama leżące na zielonej skale stopniowo zaczyna się poruszać i budzi się do życia. Cała kompozycja skupia się na geście dwóch rąk. Ręka Boga daje impuls, a ręka Adama go przyjmuje, przekazując go całemu ciału energia życiowa. Przez to, że ich ręce się nie stykają, Michał Anioł podkreślił niemożność połączenia tego, co boskie i ludzkie. W obrazie Boga, zgodnie z planem artysty, króluje nie cudowna zasada, ale gigantyczna energia twórcza. Na obraz Adama Michał Anioł celebruje siłę i piękno Ludzkie ciało. Tak naprawdę nie pojawia się przed nami samo stworzenie człowieka, ale moment, w którym otrzymuje on duszę, żarliwe poszukiwanie boskości, głód wiedzy.
20. „Pocałunek w gwiaździstym niebie”. Gustaw Klimt, 1905-1907
Obraz austriackiego artysty Gustava Klimta, namalowany w latach 1907-1908. Płótno należy do okresu twórczości Klimta, zwanego „złotym”, ostatni kawałek autora w jego „złotym okresie”.
Na skale, na skraju kwietnej łąki, w złotej aurze, zakochani stoją całkowicie w sobie zanurzeni, odgrodzeni od całego świata. W związku z niepewnością co do miejsca wydarzeń wydaje się, że ukazana na zdjęciu para przechodzi w kosmiczny stan niepodlegający czasowi i przestrzeni, po drugiej stronie wszelkich historycznych i społecznych stereotypów oraz kataklizmów. Całkowita samotność i odwrócona twarz mężczyzny tylko podkreślają wrażenie izolacji i oderwania w stosunku do obserwatora.
Źródło – Wikipedia, muzei-mira.com, say-hi.me
20 obrazów, które każdy powinien znać (historia malarstwa) aktualizacja: 23 listopada 2016 r. przez: strona internetowa
). Jednakże na potrzeby tego artykułu rozważymy jedynie sztukę obiektową.
Historycznie rzecz biorąc, wszystkie gatunki dzieliły się na wysokie i niskie. DO wysoki gatunek do malarstwa historycznego zaliczano dzieła o charakterze monumentalnym, niosące ze sobą jakąś moralność, znaczącą ideę, ukazujące wydarzenia historyczne, militarne związane z religią, mitologią lub fikcją artystyczną.
DO niski gatunek obejmowało wszystko, co wiąże się z życiem codziennym. Są to martwe natury, portrety, malowanie domu, pejzaże, zwierzęcość, wizerunki nagich ludzi itp.
Animalizm (łac. zwierzę - zwierzę)
Gatunek zwierzęcy powstał w czasach starożytnych, kiedy pierwsi ludzie malowali na skałach drapieżne zwierzęta. Stopniowo ten kierunek przekształcił się w niezależny gatunek, sugerujący wyraziste przedstawienie dowolnych zwierząt. Animaliści zazwyczaj bardzo interesują się światem zwierząt, na przykład mogą być doskonałymi jeźdźcami, hodować zwierzęta lub po prostu przez długi czas studiować swoje nawyki. W zamyśle artysty zwierzęta mogą wyglądać realistycznie lub w formie obrazów artystycznych.
Wśród rosyjskich artystów wielu dobrze znało się na przykład na koniach i. Tak więc w słynnym obrazie Wasnetsowa „Bogatyrs” bohaterskie konie przedstawione z największą umiejętnością: kolory, zachowanie zwierząt, uzdy i ich połączenie z jeźdźcami są starannie przemyślane. Sierow nie lubił ludzi i pod wieloma względami traktował konie lepszy od człowieka, dlatego często portretował ją w różnych scenach. chociaż malował zwierzęta, nie uważał się za zwierzęciela, więc niedźwiedzie były jego sławny obraz„Rano w Las sosnowy” został stworzony przez zoologa K. Savitsky’ego.
W czasach carskich szczególną popularnością cieszyły się portrety ze zwierzętami, które były bliskie człowiekowi. Na przykład na obrazie pojawiła się cesarzowa Katarzyna II ze swoim ukochanym psem. Zwierzęta pojawiały się także na portretach innych rosyjskich artystów.
Przykłady obrazów znanych rosyjskich artystów w gatunku codziennym
Malarstwo historyczne
Gatunek ten obejmuje monumentalne obrazy, których celem jest przekazanie społeczeństwu wspaniałego planu, prawdy, moralności lub demonstracji istotne zdarzenia. Znajdują się w nim dzieła o tematyce historycznej, mitologicznej, religijnej, folklorystycznej, a także sceny militarne.
W starożytnych stanach mity i legendy przez długi czas uważano za wydarzenia z przeszłości, dlatego często przedstawiano je na freskach lub wazach. Późniejsi artyści zaczęto oddzielać rozgrywające się wydarzenia od fikcji, co wyrażało się przede wszystkim w przedstawianiu scen batalistycznych. W Starożytny Rzym, Egipcie i Grecji sceny bohaterskich bitew często przedstawiano na tarczach zwycięskich wojowników, aby zademonstrować ich triumf nad wrogiem.
W średniowieczu, ze względu na dominację dogmatów kościelnych, dominowała tematyka religijna, w okresie renesansu społeczeństwo zwracało się w stronę przeszłości głównie w celu gloryfikacji swoich państw i władców, a od XVIII wieku często zwracano się ku temu gatunkowi. w celu wychowania młodzieży. W Rosji gatunek ten rozpowszechnił się w XIX wieku, kiedy artyści często próbowali analizować życie rosyjskiego społeczeństwa.
W twórczości rosyjskich artystów prezentowane było na przykład malarstwo batalistyczne i. W swoich obrazach poruszał tematy mitologiczne i religijne. Wśród nich dominowało malarstwo historyczne, wśród nich folklor.
Przykłady obrazów znanych rosyjskich artystów z gatunku malarstwa historycznego
Martwa natura (francuska natura - natura i morte - martwa)
Ten gatunek malarstwa kojarzony jest z przedstawianiem obiektów nieożywionych. Mogą to być kwiaty, owoce, naczynia, dziczyzna, przybory kuchenne i inne przedmioty, z których artysta często tworzy kompozycję według swojego planu.
Pierwsze martwe natury pojawiły się w krajach starożytnych. W Starożytny Egipt Zwyczajowo przedstawiano ofiary bogom w postaci różnych potraw. Jednocześnie na pierwszym miejscu było rozpoznanie przedmiotu, dlatego starożytni artyści nie przywiązywali szczególnej wagi do światłocienia czy faktury martwych natur. W Starożytna Grecja a w Rzymie kwiaty i owoce znaleziono na obrazach i domach do dekoracji wnętrz, dzięki czemu były przedstawiane bardziej autentycznie i malowniczo. Powstanie i rozkwit tego gatunku nastąpiło w XVI i XVII wieku, kiedy martwe natury zaczęły zawierać ukryte znaczenia religijne i inne. Jednocześnie pojawiło się wiele ich odmian, w zależności od tematu obrazu (kwiat, owoc, naukowiec itp.).
W Rosji malarstwo martwej natury rozkwitło dopiero w XX wieku, gdyż wcześniej było wykorzystywane głównie do celów edukacyjnych. Ale rozwój ten był szybki i uchwycony, obejmując sztukę abstrakcyjną ze wszystkimi jej kierunkami. Tworzył na przykład piękne kompozycje kwiatowe, preferował, w nich pracował i często „rewitalizował” swoje martwe natury, dając widzowi wrażenie, że naczynia za chwilę spadną ze stołu lub że wszystkie przedmioty zaczną się obracać .
Na przedmioty przedstawiane przez artystów z pewnością wpływały ich poglądy teoretyczne czy światopoglądowe, stan umysłu. Były to więc przedmioty ukazane według odkrytej przez niego zasady perspektywy sferycznej oraz martwe natury ekspresjonistyczne, zachwycające dramatyzmem.
Wielu rosyjskich artystów wykorzystywało martwą naturę głównie do celów edukacyjnych. A więc nie tylko szlifowane umiejętności artystyczne, ale także przeprowadziła wiele eksperymentów, aranżując przedmioty na różne sposoby, pracując ze światłem i kolorem. eksperymentował z kształtem i kolorem linii, czasem odchodząc od realizmu w czysty prymitywizm, czasem mieszając oba style.
Inni artyści łączyli w martwych naturach to, co wcześniej przedstawili, z ulubionymi rzeczami. Na przykład na obrazach można znaleźć jego ulubiony wazon, nuty i stworzony wcześniej portret żony, a także przedstawiał swoje ulubione kwiaty z dzieciństwa.
Na przykład wielu innych rosyjskich artystów pracowało w tym samym gatunku i innych.
Przykłady obrazów znanych rosyjskich artystów z gatunku martwej natury
Akt (francuski akt - nagość, w skrócie nu)
Gatunek ten ma na celu przedstawienie piękna nagiego ciała i pojawił się przed naszą erą. W starożytnym świecie poświęcano temu wiele uwagi rozwój fizyczny ponieważ od tego zależało przetrwanie wszystkiego rasa ludzka. Tak więc w starożytnej Grecji sportowcy tradycyjnie rywalizowali nago, aby chłopcy i młodzi mężczyźni mogli zobaczyć swoje dobrze rozwinięte ciała i dążyć do tej samej doskonałości fizycznej. Około VII-VI w. pne mi. Pojawiły się także posągi nagich mężczyzn, uosabiające fizyczną siłę mężczyzny. Wręcz przeciwnie, postacie kobiece zawsze pojawiały się przed publicznością w szatach, gdyż dla wyeksponowania kobiece ciało nie został przyjęty.
W kolejnych epokach zmieniał się stosunek do nagości. Tym samym w okresie hellenizmu (od końca VI w. p.n.e.) wytrzymałość zeszła na dalszy plan, ustępując miejsca podziwowi dla męskiej sylwetki. W tym samym czasie zaczęły pojawiać się pierwsze nagie postacie kobiece. W epoce baroku kobiety o krągłej figurze uważano za idealne, w czasach rokoka zmysłowość stała się najważniejsza XIX-XX wiek często zakazano malowania lub rzeźb przedstawiających nagie ciała (zwłaszcza męskie).
Rosyjscy artyści wielokrotnie sięgali w swoich pracach do gatunku aktu. Są to więc tancerze o teatralnych atrybutach, pozujący dziewczęta lub kobiety w centrum monumentalnych scen. Jest tu wiele zmysłowych kobiet, także w parach, jest tu cała seria obrazów przedstawiających nagie kobiety podczas różnych czynności, a to ma dziewczyny pełne niewinności. Niektórzy na przykład przedstawiali zupełnie nagich mężczyzn, chociaż takie obrazy nie były mile widziane przez społeczeństwo tamtych czasów.
Przykłady obrazów znanych rosyjskich artystów z gatunku aktu
Krajobraz (francuski Paysage, z płatów - teren)
W tym gatunku priorytetem jest przedstawienie tego, co naturalne lub stworzone przez człowieka środowisko: obszary przyrodnicze, widoki miast, wsi, zabytków itp. W zależności od wybranego obiektu wyróżnia się krajobrazy naturalne, przemysłowe, morskie, wiejskie, liryczne i inne.
Pierwsze krajobrazy starożytnych artystów odkryto w sztuka naskalna epoki neolitu i były wizerunki drzew, rzek i jezior. Później do dekoracji domu wykorzystano motyw naturalny. W średniowieczu krajobraz został niemal całkowicie zastąpiony motywami religijnymi, a w renesansie wręcz przeciwnie, na pierwszy plan wysunęła się harmonijna relacja człowieka z naturą.
W Rosji pejzaż rozwijał się od XVIII wieku i początkowo był ograniczony (w tym stylu powstawały np. pejzaże), ale później cała plejada utalentowanych rosyjskich artystów wzbogaciła ten gatunek technikami z różne style i wskazówki. stworzył tzw. pejzaż low-key, czyli zamiast gonić za spektakularnymi widokami, ukazywał najbardziej intymne momenty rosyjskiej przyrody. i doszliśmy do lirycznego pejzażu, który zadziwił publiczność subtelnie oddanym nastrojem.
I to jest epicki krajobraz, w którym widzowi ukazuje się cała wspaniałość otaczającego świata. bez końca zwracał się do starożytności, E. Wołkow wiedział, jak zamienić każdy dyskretny krajobraz w poetycki obraz, zadziwił widza swoim cudownym światłem w krajobrazach i mógł bez końca podziwiać leśne zakątki, parki, zachody słońca i przekazywać tę miłość widzowi.
Każdy z pejzażystów skupiał swoją uwagę na pejzażu, który szczególnie go fascynował. Wielu artystów nie mogło zignorować dużych projektów budowlanych i malowało wiele pejzaży przemysłowych i miejskich. Wśród nich znajdują się dzieła,
Wiek XIX pozostawił niezatarte ślady we wszystkich formach sztuki. Nadszedł czas zmian normy społeczne i wymagań, kolosalny postęp w architekturze, budownictwie i przemyśle. W Europie aktywnie przeprowadzane są reformy i rewolucje, powstają organizacje bankowe i rządowe, a wszystkie te zmiany bezpośrednio dotknęły artystów. Artyści zagraniczni Wiek XIX wyniósł malarstwo na nowy, bardziej nowoczesny poziom, stopniowo wprowadzając takie nurty, jak impresjonizm i romantyzm, które musiały przejść wiele prób, zanim stały się uznawany przez społeczeństwo. Artyści minionych stuleci nie spieszyli się z obdarzaniem swoich bohaterów gwałtownymi emocjami, ale przedstawiali ich jako mniej lub bardziej powściągliwych. Ale impresjonizm miał w swoich cechach nieokiełznaną i odważną fantastyczny świat, co zostało jasno połączone z romantyczną tajemnicą. W XIX wieku artyści zaczęli myśleć nieszablonowo, całkowicie odrzucając przyjęte schematy, a ten hart ducha wyrażał się w nastroju ich dzieł. W tym okresie działało wielu artystów, których nazwiska do dziś uważamy za wspaniałe, a ich dzieła niepowtarzalne.
Francja
Hiszpania
Półwysep Iberyjski dał nam także wiele znanych nazwisk, m.in.:
Holandia
Vincent van Gogh to jeden z najwybitniejszych Holendrów. Jak wszyscy wiedzą, Van Gogh cierpiał na poważną chorobę psychiczną, ale nie wpłynęło to na jego wewnętrzny geniusz. Wykonany w niezwykła technika, jego obrazy stały się popularne dopiero po śmierci artysty. Najbardziej znane: „Gwiaździsta noc”, „Irysy”, „Słoneczniki” znajdują się na liście najbardziej drogie dzieła sztuki na całym świecie, chociaż Van Gogh nie miał żadnego specjalnego wykształcenia artystycznego.
Norwegia
Edvard Munch pochodzi z Norwegii i słynie z malarstwa. Twórczość Edvarda Muncha wyraźnie wyróżnia się melancholią i pewną lekkomyślnością. Śmierć matki i siostra Już w dzieciństwie dysfunkcyjne relacje z kobietami miały ogromny wpływ na styl malarski artysty. Na przykład dobrze znane dzieło „Krzyk” i nie mniej popularna „Chora dziewczyna” niosą ze sobą ból, cierpienie i ucisk.
USA
Kent Rockwell jest jednym ze słynnych amerykańskich malarzy pejzażystów. Jego prace łączą w sobie realizm i romantyzm, co bardzo trafnie oddaje nastrój przedstawianej osoby. Można godzinami patrzeć na jego pejzaże i za każdym razem inaczej interpretować symbole. Niewielu artystów było w stanie to przedstawić zimowa natura tak, że ludziom, którzy na nią patrzą, naprawdę robi się zimno. Nasycenie kolorów i kontrast to rozpoznawalny styl Rockwella.
Wiek XIX obfituje w znakomitych twórców, którzy wnieśli ogromny wkład w sztukę. Zagraniczny artyści XIX wieku wieki otworzyły drzwi kilku nowym ruchom, takim jak postimpresjonizm i romantyzm, co w rzeczywistości okazało się trudnym zadaniem. Większość z nich niestrudzenie udowadniała społeczeństwu, że ich twórczość ma prawo istnieć, ale wielu udało się to niestety dopiero po śmierci. Ich nieokiełznany charakter, odwaga i gotowość do walki łączą się z wyjątkowym talentem i łatwością percepcji, jaką im daje wszelkie prawo zajmują znaczącą i znaczącą komórkę.
Wśród wielu artystów rosyjskich i zagranicznych, którzy pracowali w Rosji, można śmiało nazwać wybitnych mistrzów portretu XVIII wieku
AP Antropowa, I.P. Argunova, F.S. Rokotova, D.G. Levitsky, V.L. Borowikowski.
Na swoich płótnach A.P. Antropow i I.P. Argunov starał się przedstawić nowy ideał osoby - otwarty i energiczny. Radość i świąteczność podkreślono jaskrawymi kolorami. Godność przedstawionych osób, ich otyłość została oddana za pomocą pięknych strojów i uroczystych, statycznych póz.
A.P. Antropow i jego obrazy
Autoportret A.P. Antropowa
W pracach A.P. Antropow nadal ma zauważalny związek z malarstwem ikon. Mistrz maluje twarz ciągłymi pociągnięciami, a ubrania, dodatki, tło – swobodnie i szeroko. Artysta nie „opiekuje się” szlachetnymi bohaterami swoich obrazów. Maluje je takimi, jakie są naprawdę, bez względu na to, jakie mają cechy, pozytywne czy negatywne (portrety M.A. Rumiancewy, A.K. Woroncowej, Piotra III).
Wśród najbardziej znane prace portrety malarza Antropowa:
- Izmailowa;
- sztuczna inteligencja i PA Ilościowy;
- Elżbieta Pietrowna;
- Piotr I;
- Katarzyna II z profilu;
- Ataman F. Krasnoszczekow;
- portret księcia Trubeckoj
I.P. Argunov – artysta portretowy XVIII wieku
I.P. Argunov „Autoportret”
Rozwijając koncepcję portretu narodowego, I.P. Argunov szybko i łatwo nauczył się języka Malarstwo europejskie i porzucił stare rosyjskie tradycje. W jego spuściźnie wyróżniają się uroczyste portrety retrospektywne, które namalował na podstawie wizerunków przodków P.B. za życia. Szeremietiew. Jego twórczość przepowiadała także malarstwo następnego stulecia. Staje się twórcą portretu kameralnego, w którym dużą wagę przywiązuje się do wysokiej duchowości obrazu. Był to portret intymny, który stał się bardziej powszechny w XIX wieku.
I.P. Argunov „Portret nieznanej kobiety w stroju chłopskim”
Najbardziej znaczącymi obrazami w jego twórczości były:
- Ekaterina Aleksiejewna;
- P.B. Szeremietiew w dzieciństwie;
- małżeństwo Szeremietiewów;
- Katarzyna II;
- Ekaterina Aleksandrowna Łobanova-Rostowska;
- nieznana kobieta w stroju chłopskim.
F.S. Rokotov – artysta i malarstwo
Nowy etap w rozwoju tej sztuki wiąże się z nazwiskiem rosyjskiego artysty portretowego F.S. Rokotowa. Gra uczuć, zmienność ludzki charakter przekazuje w swoich dynamicznych obrazach. Świat wydawał się malarzowi duchowy, podobnie jak jego bohaterowie: wieloaspektowi, pełni liryzmu i człowieczeństwa.
F. Rokotow „Portret nieznanego mężczyzny w przekrzywionym kapeluszu”
F.S. Rokotov zajmował się portretem półceremonialnym, gdy osoba była przedstawiana od pasa w górę na tle obiektów architektonicznych lub krajobrazu. Do jego pierwszych dzieł należą portrety Piotra III i Grigorija Orłowa, siedmioletniego księcia Pawła Pietrowicza i księżniczki E.B. Jusupowa. Są eleganckie, dekoracyjne, kolorowe. Obrazy utrzymane są w stylu rokoko, charakteryzującym się zmysłowością i emocjonalnością. Dzięki dziełom Rokotowa można poznać historię jego czasów. Cała zaawansowana elita szlachecka chciała zostać uchwycona na płótnach wielkiego malarza.
Kameralne portrety Rokotova charakteryzują się: obrazem sięgającym popiersia, zwróceniem się o ¾ w stronę widza, tworzeniem objętości poprzez skomplikowane modelowanie odcięć i harmonijnym połączeniem tonów. Korzystanie z danych wyraziste środki artysta tworzy pewien rodzaj płótna, które ukazuje honor, godność i duchowy wdzięk człowieka (portret „Nieznanego mężczyzny w kapeluszu Tricorne”).
F.S. Rokotow „Portret A.P. Struyskiej”
Artysta młody i kobiece obrazy, a nawet rozwinął się pewien typ kobiety Rokotowa (portrety A.P. Struyskiej, E.N. Zinowjewej i wielu innych).
Oprócz tych już wspomnianych, następujące prace przyniosły sławę F.S. Rokotovowi:
- W I. Majkowa;
- Nieznany w kolorze różowym;
- VE Nowosilcewa;
- P.N. Lanskoy;
- Surowcewa;
- sztuczna inteligencja i I.I. Woroncow;
- Katarzyna II.
D.G.Levitsky
Autoportret D. G. Levitsky’ego
Powiedzieli, że portrety D. G. Levitsky'ego odzwierciedlają całe stulecie Katarzyny. Kogokolwiek portretował Lewicki, zachowywał się jak subtelny psycholog i z pewnością przekazywał szczerość, otwartość, smutek, a także cechy narodowe ludzi.
Jego najwybitniejsze dzieła: portret A.F. Kokorinowa, seria portretów „Smolanka”, portrety Dyakowej i Markerowskiego, portret Agashy. Wiele dzieł Lewitskiego uważa się za pośrednie między portretami ceremonialnymi a kameralnymi.
D.G. Lewickiego „Portret A.F. Kokorinowa”
Lewicki połączył w swojej twórczości dokładność i prawdziwość obrazów Antropowa i tekstów Rokotowa, dzięki czemu stał się jednym z najwybitniejszych mistrzów XVIII wieku . Jego najbardziej znane dzieła to:
- E. I. Nelidova
- M. A. Lwowoj
- N. I. Novikova
- A. V. Chrapowicki
- Mitrofanowowie
- Bakunina
V.L. Borovikovsky – mistrz portretu sentymentalnego
Portret V.L. Borovikovsky'ego, artysty. Bugaevsky-Blagodatny
Osobowość krajowego mistrza tego gatunku V.B. Borovikovsky jest związany z twórczością sentymentalny portret. Jego miniatury i portrety olejne przedstawiały ludzi z ich przeżyciami, emocjami, oddawały wyjątkowość ich wewnętrznego świata (portret M.I. Lopukhiny). Wizerunki kobiet miały pewną kompozycję: kobieta ukazana była na naturalnym tle, do pasa, oparta o coś, trzymająca w dłoniach kwiaty lub owoce.
V.L. Borovikovsky „Portret Pawła I w stroju Zakonu Maltańskiego”
Z biegiem czasu obrazy artysty stają się typowe dla całej epoki (portret generała F.A. Borowskiego), dlatego artysta nazywany jest także historiografem swoich czasów. Portrety artysty pochodzą z Peru:
- VA Żukowski;
- „Lisanka i Daszenka”;
- G.R. Derzhavina;
- Paweł I;
- A.B. Kurakina;
- „Bez brody z córkami”.
Dla rozwoju języka rosyjskiego malarstwo XVIII stulecie się stało punkt zwrotny. Portret staje się gatunkiem wiodącym . Artyści przejmują techniki malarskie i podstawowe techniki od swoich europejskich kolegów. Ale uwaga skupia się na osobie z jej własnymi doświadczeniami i uczuciami.
Rosyjscy portreciści starali się nie tylko przekazać podobieństwa, ale także odzwierciedlić na swoich płótnach uduchowienie i wewnętrzny świat ich modele. Jeśli Antropow i Argunow starali się przezwyciężyć konwencje i zgodnie z prawdą przedstawić osobę, Rokotow, Lewicki i Borovikowski poszli dalej. Ze swoich płócien wychodzą zainspirowane osobowości, których nastrój został uchwycony i oddany przez artystów. Wszyscy dążyli do ideału i śpiewali piękno w swoich dziełach, ale piękno fizyczne było jedynie odbiciem człowieczeństwa i duchowości nieodłącznie związanej z narodem rosyjskim.
Podobało ci się? Nie ukrywaj swojej radości przed światem – dziel się niąStrona prezentuje najwięcej znane obrazy Rosyjscy artyści XIX wieku z nazwiskami i opisami
Różnorodne malarstwo rosyjskich artystów od początku XIX wieku przyciąga uwagę w świecie krajowym swoją oryginalnością i wszechstronnością. sztuki piękne. Mistrzowie malarstwa tamtych czasów nie przestali zadziwiać wyjątkowym podejściem do tematu i pełnym szacunku podejściem do uczuć ludzi, rodzima przyroda. W XIX wieku kompozycje portretowe z niesamowita kombinacja emocjonalny obraz i epicko spokojny motyw.
Obrazy rosyjskich artystów są wspaniałe pod względem umiejętności i naprawdę piękne w odbiorze, zdumiewająco dokładnie odzwierciedlając oddech swoich czasów, niepowtarzalny charakter ludzi i ich pragnienie piękna.
Najpopularniejsze płótna malarzy rosyjskich: Aleksander Iwanow to wybitny przedstawiciel biblijnego ruchu malarstwa, opowiadający kolorowo o epizodach z życia Jezusa Chrystusa.
Karl Bryullov – malarz popularny w swoich czasach, jego kierunek malarstwo historyczne, motywy portretowe, dzieła romantyczne.
Malarz morski Iwan Aiwazowski, jego obrazy doskonale i można powiedzieć, że po prostu niezrównanie odzwierciedlają piękno morza z przezroczystymi falami, morskimi zachodami słońca i żaglówkami.
Twórczość słynnego Ilyi Repina, który stworzył dzieła gatunkowe i monumentalne, odzwierciedlające życie ludzi, wyróżnia się wyjątkową wszechstronnością.
Bardzo malownicze i wielkoformatowe obrazy artysty Wasilija Surikowa, opis historii Rosji jest jego kierunkiem, w którym artysta podkreślił epizody w kolorach ścieżka życia Rosjanie.
Każdy artysta jest wyjątkowy, na przykład malarski mistrz baśni i eposów Wiktor Wasniecow, wyjątkowy w swoim stylu - są to zawsze bogate i jasne, romantyczne płótna, których bohaterami jesteśmy wszyscy znani bohaterowie ludowe opowieści.
Każdy artysta jest wyjątkowy, na przykład malarski mistrz baśni i eposów Wiktor Wasniecow, wyjątkowy w swoim stylu - są to zawsze bogate i jasne, romantyczne płótna, których bohaterami są bohaterowie znanych nam wszystkim opowieści ludowych. Obrazy artysty Wasilija Surikowa są bardzo malownicze i wielkoformatowe, jego kierunkiem jest opis historii Rosji, w którym artysta podkreślił w malarstwie epizody ze ścieżki życiowej narodu rosyjskiego.
W malarstwie rosyjskim XIX wieku taki trend jak krytyczny realizm, podkreślając kpinę, satyrę i humor w fabułach. Był to oczywiście nowy trend, nie każdego artysty było na to stać. W tym kierunku zdecydowali się tacy artyści jak Pavel Fedotov i Wasilij Perow
Swoją niszę zajęli także artyści krajobrazu tamtych czasów, a wśród nich Izaak Lewitan, Aleksiej Sawrasow, Arkhip Kuindzhi, Wasilij Polenow, młody artysta Fiodor Wasiliew, malowniczy mistrz lasu, leśne polany z sosnami i brzozami z grzybami, Iwan Szyszkin . Wszystkie barwnie i romantycznie odzwierciedlały piękno rosyjskiej przyrody, której różnorodność form i obrazów wiąże się z kolosalnym potencjałem otaczającego świata.
Według Lewitana w każdej nucie rosyjskiej natury kryje się niepowtarzalna paleta barw, stąd ogromna swoboda twórcza. Być może w tym tkwi tajemnica, że płótna powstające na rozległych przestrzeniach Rosji wyróżniają się pewną wyrafinowaną surowością, ale jednocześnie przyciągają dyskretnym pięknem, od którego trudno oderwać wzrok. Albo obraz Lewitana „Mlecze”, który wcale nie jest zawiły i raczej nie krzykliwy, zdaje się zachęcać widza do myślenia i dostrzegania piękna w prostocie.
