Salvador Dali i Pablo Picasso – dwaj wielcy Hiszpanie – pozostawili w cieniu swojej światowej sławy wielu mistrzów sztuki XX wieku. O nikim nie pisano, nie mówiono, nie dyskutowano tyle, co o nich; nikt nie może się z nimi równać pod względem liczby książek, albumów, broszur, artykułów opublikowanych na temat pracy tych dwóch tytanów.

Wydawałoby się, że nic nie zapowiadało pojawienia się wielkiego talentu we wczesnych dziełach młodego Salvadora, który przyćmił wszystko, co można sobie wyobrazić, swoją szokującą, wybuchową, cudowną sztuką. Nie ma takiej siły, która nawet teraz mogłaby przeciwstawić się jego fantasmagorii.

Pierwsza retrospektywna wystawa prac Dali z kolekcji Fundacji Salvador Dali Gala. Figueres” w Moskwie, w salach Muzeum Puszkina im. JAK. Puszkin po raz pierwszy zaprezentował swoją pracę rosyjskiej publiczności na tak dużą skalę. Stał się świętem, odkryciem fenomenu wybitnego mistrza dla wszystkich wielbicieli, zwolenników, a nawet niedawnych przeciwników „surrealizmu”.

Napisano już o nim tyle, że mało kto odważyłby się dodać coś nowego do dziesiątek tysięcy stron już wydrukowanych tekstów, ale i tak twórczość Dali jest niewyczerpana, pozostaje tajemnicą, tajemnicą „jednego” geniuszu . Dla wrażliwego serca i dociekliwego umysłu jest niewyczerpanym źródłem fantazji i inspiracji. Nie raz zadamy sobie pytanie: na czym polega fenomen jego sztuki, losów, osobowości i każdy z nas będzie szukał własnej odpowiedzi.

Uniwersalny dar Salvadora Dali, cel talentu wyroczni i umiejętności demiurga pogrążyły się w zamieszaniu, wywołały zachwyt i złość, zaszczepiły jednocześnie nadzieję i rozczarowanie.

Pozwólmy sobie na pewną swobodę w odpowiadaniu na nieskończoną liczbę pytań, które pojawiają się w związku z tym Don Kichotem XX wieku, w odniesieniu do jego fenomenu, w czym tkwi sekret, jedna z tajemnic geniuszu Dali. Wydaje mi się, że w życiu wielkiego Katalończyka najważniejszą rolę odegrała jego Muza - Gala - Elena Dmitrievna Dyakonova (z domu). To właśnie jej, niezwykłej Rosjance, zawdzięczał, jak sam przyznaje, wszystko, co uczyniło go jedynym geniuszem wśród wszystkich współczesnych. Jej pojawienie się w życiu Dali, ona, Gala, jako jej pierwszy mąż, poeta Paul Eluard, co dosłownie tłumaczy się z francuskiego na rosyjski oznacza „wakacje”, obudziła i wyostrzyła w nim nadzmysłową intuicję, pomnożoną przez kompleksy, zaszczepiła wiarę w jego wyjątkowy niezrównany i mesjański cel. Najprawdopodobniej to ona go przedstawiła dziedzictwo literackie NV Gogola i F.M. Dostojewskiego, o późniejszym wpływie, którego można się tylko domyślać i przedstawiać najbardziej niewiarygodne wersje. Miała zostać dla geniusza nie tylko modelką, matką, żoną i kochanką, ale także jego Alter Ego, pełnoprawnym współautorem, o czym wymownie świadczy podwójny podpis Gala Dali, pojawia się na jego obrazach. Elena Dyakonova rozwinęła w nim cudowny dar wirtuoza rysownika, mistrza kompozycji i koloru; być może wiele motywów, wątków i scenariuszy jego obrazów zostało przez nią zasugerowanych. Ale to tylko przypuszczenie.

Duch religijny i racjonalna, materialistyczna świadomość współistniały w niej organicznie; był wyjątkowym improwizatorem i rozważnym pragmatykiem. Swoimi instalacjami, obiektami artystycznymi, akcjami scenicznymi, malowniczymi i graficznymi obrazami Dali nie bawił publiczności, ale ją hipnotyzował. W swoich utworach ironiczną fabułę zamienił w groteskę. Niezrównany kolorysta i rysownik nieustannie zaskakiwał publiczność niepohamowaną wyobraźnią i wirtuozerią w realizacji zawsze intrygującego pomysłu. Nikomu nie schlebiał, z wyjątkiem tej Muzy, Madonny, której był idolem przez całe życie, chociaż w jego otoczeniu byli ludzie najbardziej godni. cała epoka takich jak Pablo Picasso, Luis Buñuel, Garcia Lorca, Guillaume Appolinaire, Rene Magritte, André Breton...

Mikrokosmos wczesnych, niewielkich, a czasem miniaturowych w formacie dzieł Dali zawiera ogromną, uniwersalną otchłań odczuć i myśli autora, pobudzającą wyobraźnię wieloma skojarzeniami. Jego twórczość to genialny przykład intelektualnej gry brawury, a jednocześnie głęboko przemyślanych wariacji i formuł szczególnego znaczenie filozoficzne i skali.

Moim zdaniem jeden z najjaśniejszych charakterystyczne cechy Niezrównany, filigranowy kunszt zawodowy artysty daje nam możliwość nie tylko umysłowego, ale i rzeczywistego powiększenia niemal do niewiarygodnych granic zarówno miniaturowych wizerunków malarza i rysownika, jak i najdrobniejszych szczegółów jego fantastycznych kompozycji.

Brutalność i kruchość, okrucieństwo i pokora - oto wszystko, czym on jest, człowiek o wrażliwym i delikatna dusza, dla którego sztuka była nie tylko formą absolutnej autoekspresji, ale także środkiem ochrony przed obskurantyzmem i hipokryzją, wszechwiedzącą służalczością niemoralnych obyczajów i nieomylnych grzeszników. Jego pozorna zuchwałość nie znała granic, rzucał wyzwanie wszystkiemu, co było mu obce, pozostając jednocześnie osobą łatwo podatną na zranienie. Jego hiszpański temperament pomógł mu walczyć z obydwoma otaczający świat i z ich wewnętrznymi kompleksami.

Autor tych linii miał szczęście być pierwszym Rosjaninem krytycy sztuki pisać bardzo skromne prace monograficzne, z których jedna ukazała się w 1989, druga w 1992. Tylko dzięki odwadze wydawnictw „Wiedza” i „Respublika” oraz ogromnemu, masowemu nakładowi publikacji o sztuce zyskały one dość szeroki rozgłos. Jednym z jej radosnych rezultatów była dla mnie korespondencyjna znajomość z siostra Gala - Lydia Dmitrievna Dyakonova (mężatka z Yarolimkiem). Wspominam o tym na znak pamięci i wdzięczności, a także w związku z tym, że informowała mnie w listach o swoich spotkaniach z Dali io swoich wrażeniach na jego temat.

Pozwolę sobie zacytować dosłownie jej krótką wiadomość otrzymaną z Wiednia, gdzie mieszkała Lidia Dmitriewna: „Teraz jest wiele artykułów i broszur pełnych nieprawdopodobnych historii, wykorzystujących fakt, że był on niezwykle dziwną osobą i wywołujących najrozmaitsze reakcje”. W swoich wspomnieniach o Dali Siostra Gala odnotowała jego skromność, nieśmiałość i niesamowitą responsywność, którą wykazywał w rodzinnym otoczeniu w stosunku do kilku, ale najbliższych mu osób. „Podczas naszych spotkań w Paryżu i we Włoszech potrafił być najsłodszy i najbardziej zwykły człowiek". W tych szczere słowa nie outsiderem, jak w innych swoich wypowiedziach, dzieliła się ze mną wrażeniami życiowymi o nieznanym większości, zamkniętym przed wścibskimi oczami wewnętrzny świat Salvador Dali, co zbiegło się z moimi spekulacjami na temat niego i jego twórczości.

Treść tej więcej niż skromnej dedykacji „jednemu geniuszowi” nie implikuje opisu prac graficznych i malarskich prezentowanych na moskiewskiej ekspozycji (nawiasem mówiąc, w genialnej prezentacji projektowej Borisa Messerera). W ostatnie czasy powstało wiele tłumaczeń m.in twórcze dziedzictwo Dali, w tym książki jego najbliższego asystenta, długie lata współpracujący z nim główny biograf wielkiego mistrza – Roberta Descharnesa, a także twórczość literacka artysty w znakomitych przekładach Natalii Malinowskiej, co w pełni zaspokoi zainteresowanie wielomilionowej publiczności rosyjskich koneserów i miłośników sztuki .

Duchowe, filozoficzne, symboliczne znaczenie twórczości Salvadora Dali ma magiczny urok, wykracza poza konwencjonalne granice określonego czasu, nie tylko dlatego, że świat tworzonych przez niego obrazów jest uwarunkowany historyczną skalą myślenia artystycznego, w którym wady i cnoty ludzkości, dobro i zło, piękno i brzydota są skoniugowane, generując niesamowitą, wszechogarniającą energię opatrzności. Będąc prawdziwym twórcą, geniuszem, posiadał zdolność przewidywania i przewidywania, tworzył własną estetykę znaczeń, ożywiał sztukę minionych epok i stał się prekursorem sztuki przyszłości. Deklarując w tym tekście pewne postulaty, nie oszukamy się w nieskazitelności własne uczucia oraz postrzeganie mitu i rzeczywistości, odzwierciedlające sprzeczną istotę nieznanego i znanego.

Spuścizna Dali jest ogromna, przejawiał się w różnych epistazach świętości i upadku, w malarstwie, grafice, rzeźbie, kinie i literaturze, w sztuce dekoracyjnej i dizajnie, i stał się wszechstronną postacią dramatyczną w kulturze artystycznej XX wieku. Jego twórczość była, jest i będzie nieprzewidywalna, niepodlegająca formalnemu, beznamiętnemu opowiadaniu. W czym tkwi sekret fenomenu doktryny sztuki Dalego – czas pokaże.

„Surrealizm historyczny” stał się jednym z najbardziej znaczących zjawisk kultury artystycznej minionego stulecia. Uchwycił wyraźną tendencję do tworzenia nowej mitologii; zmieniał i poszerzał wyobrażenia o możliwościach i formach percepcji współczesnego człowieka, miał bezpośredni wpływ na ewolucyjne przemiany w sztuce, antycypował pojawienie się transawangardy i najnowsze trendy w postmodernizmie. Oficjalna chronologia ruchu ogranicza się do lat 1924-1968: od otwarcia Biura Badań Surrealizmu i publikacji Manifestu Surrealizmu Andre Bretona do Praskiej Wiosny – w każdym razie te ramy czasowe określają Alain i Odette Virmo .

W swoim encyklopedycznym studium „Mistrzowie surrealizmu światowego” napisali: „Surrealizm bez wątpienia, jak żaden inny ruch, pozostawił najgłębszy ślad w historii XX wieku. Został wchłonięty, czasem mimowolnie, przez kilka kolejnych pokoleń, przekraczając granicę maja 1968 roku, na całej naszej planecie. Świadczą o tym także prace rodzimych mistrzów malarstwa, rzeźby i grafiki, którzy bynajmniej nie są epigonami, bezwarunkowymi wyznawcami surrealizmu czy nosicielami jego postulatów. W odniesieniu do wielu z nich generalnie nieuzasadnione jest mówienie o jakimkolwiek bezpośrednim wpływie koncepcji „czystego automatyzmu umysłowego”, „doktryn paranoiczno-krytycznych” czy innych, warunkowych parafernaliów charakterystycznych dla ocen tego ruchu. Oczywiście w twórczości wielu rosyjskich artystów pokolenia powojennego odnajdujemy pewne echa ze spuścizną Salvadora Dali, Marcela Duchampa, Rene Magritte'a, Paula Delvaux, Victora Braunera, Man Raya, Maxa Ernsta, Juana Miro, co bynajmniej nie oznacza ich bezpośredniego związku z tradycją surrealistyczną, a wręcz przeciwnie, świadczy o niezależnym charakterze takiego zjawiska. Przykładem szczególnego oderwanego paralelizmu, niezależnego od skojarzeń widzów i porównań krytyki sztuki, są prace indywidualne tacy nasi mistrzowie jak Aleksander Rukawisznikow, Siergiej Szarow, Andriej Kostin, Igor Makarevich, Andriej Esionow, Walery Małoletkow, Konstantin Chudyakow. Twórczość każdego z nich jest sama w sobie głęboko indywidualna i oderwana od ogólnych, zbiorowych tendencji. Jednocześnie znamy wielu ciekawych i oryginalnych autorów, którzy nadal, podkreślając swoją rolę, rozwijają idee surrealistyczne, kierując się znanymi zasadami i kanonami, co nie umniejsza walorów ich sztuki. To jest Evgeny Shef (Sheffer), obecnie mieszkający w Berlinie; Viktor Krotov, mieszkający w Moskwie i Paryżu; Siergiej Czajkun, Siergiej Potapow, Oleg Safronow, Ałła Bedina, Michaił Gorszunow, Jurij Jakowienko, Aleksander Kalugin.

Skłonność do fantasmagorii, tajemniczości, błazeństwa, figlarne podłoże twórczości pozwala mówić o pewnej surrealistycznej wizji świata Aleksandra Sitnikowa, zapośredniczone postrzeganie rzeczywistości w twórczości Walerego Wradija z innymi wątkami łączy artystę z tym fenomenem w sztuce, podobnie jak Władimir Łobanow, ale w zupełnie innej perspektywie.

W kulturze artystycznej Rosji można znaleźć wiele genialnych przykładów surrealistycznego myślenia figuratywnego, przede wszystkim w literaturze, w spuściźnie N.V. Gogol, MA Bułhakow, Daniil Kharms. Być może tu należy szukać źródeł, korzeni pluralizmu interpretacyjnego, który był jednym z motywów powstania surrealizmu jako zjawisko historyczne na rosyjskiej ziemi.

w odróżnieniu autorów zagranicznych kultywując różne aspekty, tematy i techniki „surrealizmu historycznego”, Rosjanie zdominowani są przez inne dominanty emocjonalne i semantyczne oraz serie asocjacyjne. Brutalność, agresja – nieodzowne składniki metafizycznego, okultystycznego obrazowania w twórczości zachodnich przedstawicieli tego ruchu – zostały właściwie zredukowane do zera przez naszych mistrzów. W twórczości rosyjskich nosicieli surrealistycznego myślenia dominują inne podświadome motywacje, doznania i przeczucia. Ich sakralna metapsychoza wiąże się ze szczególną wrażliwością romantyczną, ze szczególnym intuicjonizmem. W twórczości rodzimych wyznawców surrealizmu zdarzają się oczywiście dramatyczne metamorfozy, które są raczej potwierdzeniem poświęcenia nie w nazwie, ale wbrew postawom wobec mutacji świadomości duchowej, wobec destrukcyjnego patosu agresywnego oporu wobec wszystko, co istnieje. Mamy więcej sentymentalizmu, samobiczowania i dystansu niż instynktownego podporządkowania się wszystkim i wszystkim jakiemuś superzadaniu.

Kultura gry, metafora i groteskowość sztuki rosyjskiej wnoszą także do surrealistycznej strategii posmak niespełnionych zmysłowych oczekiwań i pragnień, rodzaj biernej, nieziemskiej kontemplacji, choć nie wykluczającej spontanicznego demonizmu i odwagi.

Francuski krytyk literacki, semiotyk, filozof J. Derrida przekonywał: „Znaczenie dosłowne nie istnieje, jego »wygląd« jest funkcją konieczną – i jako takie powinno być analizowane w systemie różnic i metafor”. Oczywiście w większym stopniu słowa te odnoszą się do badań teksty literackie, a mimo to literacka, językowa, filozoficzna metodologia badania materiału w ta sprawa wydaje się akceptowalny dla zrozumienia dziedzictwa sztuki surrealistycznej, klucz do interpretacji dzieł tworzonych przez jej twórców i kontynuatorów.

W związku z tym należy przypomnieć słowa Salvadora Dali. Wielki mistyfikator, mit i rzeczywistość sztuki XX wieku pisał: „...kiedy Renesans chciał naśladować Nieśmiertelną Grecję, wyszedł z tego Rafał. Ingres chciał naśladować Rafaela, stąd wziął się Ingres. Cezanne chciał naśladować Poussina - okazało się, że Cezanne. Dali chciał naśladować Meissoniera. Z TEGO JEST DALI. Nic nie wychodzi z tych, którzy nie chcą niczego naśladować.

I chcę o tym wiedzieć. Po Pop Art i Op Art pojawi się Art Pompier, ale ta sztuka będzie pomnażana przez wszystko, co wartościowe, i przez wszelkie, nawet najbardziej szalone eksperymenty w tej wielkiej tragedii zwanej "Sztuka Nowoczesna".

Surrealizm, jako nowe zjawisko kultury artystycznej, stał się logiczną kontynuacją dadaizmu, poszukiwaniem szczególnego metajęzyka, za pomocą którego można by znaleźć wyjaśnienie lub dokonać analizy innego języka - podmiotu. Jedną z głównych zasług historycznych surrealizmu jest to, że jednoczył on wokół deklarowanych idei wybitnych poetów i artystów, operatorów i muzyków, którzy uosabiają wielka epoka„burza i stres”. Są to Tristan Tzara i Antonin Artaud, Philippe Soupault i Andre Breton, Andre Suri i Luis Buñuel, Andre Masson i Alberto Giacometti, Hans Arp i Eric Satie, Yves Tanguy i Pablo Neruda, Francis Picabia i Pablo Picasso, Paul Eluard i Suze Takiguchi, El Salvador Dali i Rene Magritte, Max Ernst i Man Ray, Wilfredo Lahm i Paul Klee, Pavel Chelishchev i Fritz Van den Berghe, których nazwiska postrzegane są jako synonimy najjaśniejszych luminarzy na niebie sztuki minionego stulecia, świecących na horyzonty egoistycznej globalizacji własnego indywidualizmu. Zaliczamy do nich także naszych rodaków (według klasyfikacji krytyki sztuki, daleko im było jednak do surrealistycznych kazań), jak Wassily Kandinsky, Marc Chagall, Pavel Filonov. „To, co nie rodzi się wewnętrznie”, napisał Kandinsky, „jest martwe”. To właśnie ta teza potwierdza żywotność surrealizmu jako zjawiska ponadczasowego, gdyż cała „awangarda” to nic innego jak intelektualna gra bez reguł.

Przypomnijmy sobie ponownie Salvadora Dali i jego dzieła: czas pokazał niesłabnące zainteresowanie osobowością i twórczością hiszpańskiego geniusza nowego tysiąclecia. Przekonującym potwierdzeniem była wystawa prac mistrza, którą odwiedziły setki tysięcy widzów. Wśród nich jest ekspozycja w Muzeum Puszkina imienia A.S. Puszkina w Moskwie w 2011 roku, największa retrospektywa prac S. Dali w Centre Georges Pompidou w Paryżu w latach 2012-2013, paryska wystawa 22 artystów ulicznych z różnych krajów w Muzeum Dali na Montmartre w latach 2014-2015, na której zaprezentował mało znane prace współczesnych autorów Fred Kalmets, Jerome Menage, Arnaud Rabier, Valeria Attinelli i inni przedstawiciele street artu.

Prawdziwe są słowa Andre Malraux: „Istniejemy po to, by żyć, sztuka – po to, by ożyć” – by ożyć w naszej wyobraźni, podświadomości, pamięci, by być pożądanym. Tak jak Dali inspirował się obrazami stworzonymi przez Berniniego, Vermeera z Delft, Velasqueza, Meissoniera, Milleta, tak nowe pokolenia artystów, dla których pozostaje idolem, zawsze będą podziwiać i dziwić się jego fantastycznym mirażom, tajemnicom, odkrywać w nich dla siebie i dla świata nieskończoną głębię Geniuszu.

Gatunek muzyczny: Studia:

Szkoła sztuki piękne San Fernando, Madryt

Styl: Prace godne uwagi: Wpływ:

Salvador Dali(pełne imię i nazwisko Salvador Felipe Jacinto Fares Dali i Domenech Marquis de Dali de Pubol, Hiszpański Salvador Felipe Jacinto Dalí i Domènech, Marqués de Dalí de Púbol ; 11 maja – 23 stycznia) – hiszpański artysta, malarz, grafik, rzeźbiarz, reżyser. Jeden z najsłynniejszych przedstawicieli surrealizmu. Markiz de Dali de Pubol (). Filmy: „Pies andaluzyjski”, „Złoty wiek”, „Czarownica”.

Biografia

Prace Dali są pokazywane na wystawach, zyskuje na popularności. W 1929 wstąpił do grupy surrealistów zorganizowanej przez André Bretona.

Po dojściu do władzy caudillo Franco w 1936 roku Dali pokłócił się z surrealistami z lewicy i został wykluczony z grupy. W odpowiedzi Dali nie bez powodu deklaruje: „Surrealizm to ja”.

Wraz z wybuchem II wojny światowej Dali wraz z Galą wyjeżdża do Stanów Zjednoczonych, gdzie mieszkają do. W mieście wydaje swoją fabularyzowaną autobiografię” Sekretne życie Salvador Dali". Jego doświadczenia literackie, m.in dzieła sztuki zwykle odnoszą sukces komercyjny.

Po powrocie do Hiszpanii mieszka głównie w swojej ukochanej Katalonii. W 1981 roku rozwija się u niego choroba Parkinsona. Gala umiera w mieście.

Dali zmarł 23 stycznia 1989 roku na zawał serca. Ciało artysty jest zamurowane w podłodze w Muzeum Dali w Figueres. Wielki artysta za życia zapisał, aby go pochować, aby ludzie mogli chodzić po grobie. W tym pokoju nie wolno fotografować z lampą błyskową.

Tablica na ścianie w pokoju, w którym pochowany jest Dali

• Projekt Chupa Chups (1961) Enrique Bernat nazwał swój karmel „Chups” i początkowo był dostępny tylko w siedmiu smakach: truskawkowym, cytrynowym, miętowym, pomarańczowym, czekoladowym, kawowym ze śmietanką i truskawkowym ze śmietanką. Wzrosła popularność „Chupsów”, wzrosła ilość produkowanego karmelu, pojawiły się nowe smaki. Karmel nie mógł dłużej pozostać w swoim oryginalnym, skromnym opakowaniu, trzeba było wymyślić coś oryginalnego, aby każdy rozpoznał „Chupsa”. W 1961 roku Enrique Bernat zwrócił się do swojego rodaka, słynnego artysty Salvadora Dali, z prośbą o narysowanie czegoś niezapomnianego. pomysłowy artysta Nie zastanawiałem się długo i w niecałą godzinę naszkicowałem dla niego obrazek przedstawiający rumianek Chupa Chups, który w nieco zmodyfikowanej formie jest teraz rozpoznawalny jako logo Chupa Chups we wszystkich zakątkach planety. Różnica między nowym logo polegała na jego lokalizacji: nie jest z boku, ale na cukierku
• Krater na Merkurym nosi imię Salvadora Dali.

• W 2003 roku firma Walt Disney Company wydała kreskówka„Przeznaczenie”. Rozwój filmu rozpoczął się od współpracy Dali z amerykańskim animatorem Waltem Disneyem już w 1945 roku, ale został opóźniony z powodu problemów finansowych firmy.

Najbardziej znane i znaczące dzieła

• Portret Luisa Buñuela (1924) Jak „Martwa natura” (1924) czy „Martwa natura purystów” (1924), ten obrazek powstały w trakcie poszukiwań Dali maniery i stylu wykonawczego, jednak klimatem przypomina płótna De Chirico.

• Ciało na kamieniach (1926) Dali nazywał Picassa swoim drugim ojcem. To płótno jest wykonane w nietypowy dla Salwadoru kubistyczny sposób, podobnie jak wcześniej napisany „Autoportret kubistyczny” (1923). Ponadto Salvador namalował kilka portretów Picassa.

• Oprawa i ręka (1927) Eksperymenty z kształtami geometrycznymi trwają. Czuć już tę mistyczną pustynię, sposób malowania pejzażu, charakterystyczny dla Dali z okresu „surrealizmu”, a także niektórych innych artystów (w szczególności Yves Tanguy).

• Niewidzialny człowiek (1929) Nazywany także „Niewidzialnym”, obraz przedstawia metamorfozy, ukryte znaczenia i kontury obiektów. Salvador często wracał do tej techniki, czyniąc z niej jedną z głównych cech swojego malarstwa. Dotyczy to wielu późniejszych obrazów, jak np. „Łabędzie odbite w słoniach” (1937) czy „Wygląd twarzy i miski owoców nad brzegiem morza” (1938).

• Oświecone przyjemności (1929) Jest to interesujące, ponieważ ujawnia obsesje i lęki z dzieciństwa Salwadoru. Używa także obrazów zapożyczonych z własnego „Portretu Paula Eluarda” (1929), „Tajemnic pożądania:„ Moja matka, moja matka, moja matka ”(1929) i kilku innych.

• Wielki masturbator (1929) Uwielbiany przez badaczy obraz, podobnie jak Oświecone przyjemności, jest polem badań nad osobowością artysty.

Obraz „Trwałość pamięci”, 1931

• Trwałość pamięci (1931) Być może najbardziej znanym i dyskutowanym w kręgach artystycznych jest dzieło Salvadora Dali. Podobnie jak wiele innych, wykorzystuje pomysły z poprzedniej pracy. W szczególności jest to autoportret i mrówki, miękki zegarek i wybrzeże Cadaqués, miejsce narodzin Salwadoru.

• Zagadka Williama Tella (1933) Jedna z jawnych kpin Dali z komunistycznej miłości Andre Bretona i jego lewicowych poglądów. Główny bohater według samego Dali jest to Lenin w czapce z ogromnym daszkiem. W Pamiętniku geniusza Salvador pisze, że dziecko to on sam, krzycząc „Chce mnie zjeść!”. Są tu również kule - nieodzowny atrybut twórczości Dalego, który zachował swoją aktualność przez całe życie artysty. Tymi dwoma kulami artysta podpiera przyłbicę i jedno z ud przywódcy. Nie jest to jedyna znana praca nt ten temat. W 1931 roku Dali napisał „Częściową halucynację. Sześć występów Lenina na fortepianie.

• Zagadka Hitlera (1937) Sam Dali mówił o Hitlerze na różne sposoby. Napisał, że pociągały go miękkie, pulchne plecy Führera. Jego mania nie wywołała wielkiego entuzjazmu wśród sympatyzujących z lewicą surrealistów. Z drugiej strony Salwador mówił później o Hitlerze jako o kompletnym masochiście, który rozpoczął wojnę wyłącznie w celu jej przegrania. Według artysty, kiedyś poproszono go o autograf dla Hitlera i postawił prosty krzyż - „całkowite przeciwieństwo złamanej faszystowskiej swastyki”.

• Telefon - Homar (1936) Tak zwany obiekt surrealistyczny to przedmiot, który utracił swoją istotę i tradycyjną funkcję. Najczęściej miało wywołać rezonans i nowe skojarzenia. Dali i Giacometti jako pierwsi stworzyli coś, co sam Salvador nazwał „przedmiotami o funkcji symbolicznej”.

• Twarz Mae West (używana jako pokój surrealistyczny) (1934-1935) Praca została zrealizowana zarówno na papierze, jak iw formie prawdziwego pokoju z meblami w postaci ustnika i innych rzeczy.

• Metamorfozy Narcyza (1936-1937) Albo „Przemiana Narcyza”. Głęboka praca psychologiczna. Motyw ten został wykorzystany jako okładka jednej z płyt Pink Floyd.

• Paranoiczne przemiany twarzy Gala (1932) Jak obrazkowa instrukcja paranoidalnej metody krytycznej Dalego.

• Retrospektywne popiersie kobiety (1933) Surrealistyczny przedmiot. Pomimo ogromnego chleba i kolb - symboli płodności, Salwador niejako podkreśla cenę, za którą to wszystko jest podane: twarz kobiety jest pełna mrówek, które ją zjadają.

• Kobieta z głową róż (1935) Głowa róż jest raczej hołdem złożonym Arcimboldo, artyście ukochanemu przez surrealistów. Arcimboldo na długo przed powstaniem awangardy jako takiej malował portrety dworzan, wykorzystując do ich komponowania warzywa i owoce (bakłażanowy nos, pszeniczne włosy itp.). On (podobnie jak Bosch) był czymś w rodzaju surrealisty przed surrealizmem.

• Konstrukt plastyczny z gotowaną fasolą: przeczucie wojny secesyjnej (1936) Podobnie jak napisany w tym samym roku „Jesienny kanibalizm”, obraz ten jest zgrozą Hiszpana, który rozumie, co dzieje się z jego krajem i dokąd zmierza. To płótno jest podobne do Guerniki autorstwa Hiszpana Pabla Picassa.

• Stół słoneczny (1936) i Poezja Ameryki (1943) Kiedy reklama mocno wkroczyła w życie wszystkich i wszystkich, Dali ucieka się do niej, aby stworzyć efekt specjalny, rodzaj dyskretnej szok kulturowy. Na pierwszym zdjęciu niejako przypadkowo upuszcza paczkę papierosów CAMEL na piasek, a na drugim używa butelki Coca-Coli.

• Wenus z Milo z umywalką (1936) Najbardziej znany przedmiot Dalian. Idea pudełek obecna jest również w jego malarstwie. Potwierdzają to Żyrafa w ogniu (1936-1937), Szafka antropomorficzna (1936) i inne obrazy.

• Targ niewolników z pojawieniem się niewidzialnego popiersia Woltera (1938) Jeden z najsłynniejszych „optycznych” obrazów Dali, w którym umiejętnie bawi się skojarzeniami kolorystycznymi i kątem widzenia. Innym niezwykle znanym tego typu dziełem jest „Gala, patrząca na Morze Śródziemne, z odległości dwudziestu metrów zamienia się w portret Abrahama Lincolna” (1976).

• Sen wywołany lotem pszczoły wokół granatu na sekundę przed przebudzeniem (1944) Ten jasny obraz charakteryzuje się poczuciem lekkości i niestabilności tego, co się dzieje. W tle długonogi słoń. Ta postać występuje także w innych utworach, takich jak Kuszenie św. Antoniego (1946).

• Nagi Dali, kontemplujący pięć uporządkowanych ciał, zamieniających się w cząsteczki, z których nieoczekiwanie powstaje Leda Leonardo, nasycony twarzą Gali (1950) Jeden z wielu obrazów odnoszących się do okresu zamiłowania Salvadora do fizyki. Rozbija obrazy, przedmioty i twarze na sferyczne cząsteczki lub coś w rodzaju rogów nosorożca (kolejna obsesja wykazana w wpisy do pamiętnika). A jeśli Galatea z kulami (1952) lub ten obraz służy jako przykład pierwszej techniki, to Eksplozja głowy Rafaela (1951) jest zbudowana na drugiej.

• Ciało hipersześcienne (1954) Corpus hypercubus – płótno przedstawiające ukrzyżowanie Chrystusa. Dali zwraca się ku religii (a także mitologii, czego przykładem jest Kolos z Rodos (1954)) i po swojemu pisze historie biblijne, wnosząc do obrazów znaczną dozę mistycyzmu. Żona Gali staje się obecnie nieodzowną postacią w obrazach „religijnych”. Jednak Dali nie ogranicza się i pozwala pisać rzeczy dość prowokacyjne. Takich jak Satysfakcja niewinnej dziewczyny Sodomy (1954).

• Ostatnia wieczerza (1955) Najsłynniejsze płótno przedstawiające jedną ze scen biblijnych. Wielu badaczy wciąż spiera się o wartość tak zwanego okresu „religijnego” w twórczości Dali. Obrazy „Matka Boża z Guadalupe” (1959), „Odkrycie Ameryki przez sen Krzysztofa Kolumba” (1958-1959) i „Rada ekumeniczna” (1960) (na których przedstawił się także Dali) są żywymi przedstawicielami obrazy z tamtych czasów.

„Ostatnia wieczerza” to jeden z najbardziej niesamowitych obrazów mistrza. Przedstawia w całości sceny biblijne (właściwa wieczerza, chodzenie Chrystusa po wodzie, ukrzyżowanie, modlitwa przed zdradą Judasza), które zaskakująco łączą się, przeplatając ze sobą. Warto powiedzieć, że temat biblijny w twórczości Salvadora Dali zajmuje znaczącą pozycję. Artysta próbował odnaleźć Boga w otaczającym go świecie, w sobie, przedstawiając Chrystusa jako centrum pierwotnego Wszechświata („Chrystus z San Juan de la Cruz”, 1951).

Spinki do mankietów

• Ponad 1500 obrazów, biografii, zasobów (angielski), plakatów (angielski)
• Salvador Dali w internetowej bazie danych filmów

Fundacja Wikimedia. 2010 .

Artykuł zawiera obrazy Salvadora Dali wraz z tytułami, a także twórczość Salvadora Dali, jego drogę jako artysty oraz drogę do surrealizmu. Poniżej znajdują się linki do bardziej kompletnych kolekcji obrazów Salvadora.

Tak, rozumiem, że powyższy akapit wygląda tak, jakby oczy krwawiły, ale Google i Yandex mają nieco specyficzne gusta (jeśli wiesz, co mam na myśli) i poszło im dobrze, więc boję się coś zmienić. Nie bój się, jest dalej, choć niewiele, ale lepiej.

Dzieło Salvadora Dali.

wyroki, działania, obrazy Salvadora Dali, wszystko miało lekką nutę szaleństwa. Ten człowiek był nie tylko surrealistycznym artystą, on sam był jego ucieleśnieniem surrealizm.

»treść=»«/>

Jednak Dali nie od razu doszedł do surrealizmu. Dzieło Salvadora Dali Zaczęło się przede wszystkim od zamiłowania do impresjonizmu i studiowania technik klasycznego malarstwa akademickiego. Pierwszymi obrazami Dali były pejzaże z Figueres, gdzie nie było jeszcze śladów surrealistycznej wizji świata.

Zamiłowanie do impresjonizmu stopniowo zanikało, a Dali zaczął próbować swoich sił w kubizmie, czerpiąc inspirację z obrazów Pabla Picassa. Nawet w niektórych surrealistycznych dziełach mistrza można prześledzić elementy kubizmu. Duży wpływ na twórczość Salvadora Dali miało również malarstwo renesansu. Wielokrotnie powtarzał, że współcześni artyści są niczym w porównaniu z tytanami z przeszłości (a nawet wcześniej wódka była słodsza, a trawa bardziej zielona, ​​znana piosenka).

Najpierw naucz się rysować i pisać jak dawni mistrzowie, a dopiero potem rób, co chcesz - a będziesz szanowany. Salvador Dali

Kształtowanie się właściwego stylu surrealistycznego w obrazach Salvadora Dali rozpoczęło się mniej więcej w tym samym czasie wraz z wykluczeniem z akademii i jego pierwszą wystawą w Barcelonie. Dopiero pod koniec życia Dali nieco odejść od surrealizmu i powrócić do bardziej realistycznego malarstwa.

Pomimo napiętych relacji między Salvadorem Dali a prawdziwym tłumem surrealistów tamtych czasów, jego wizerunek stał się uosobieniem surrealizmu i wszystkiego, co surrealistyczne w umysłach mas. Wyrażenie Dali „surrealizm to ja” we współczesnym świecie stało się prawdą w oczach milionów. Zapytaj kogokolwiek na ulicy, komu kojarzy się słowo surrealizm – prawie każdy bez wahania odpowie: „Salvador Dali”. Jego nazwisko jest znane nawet tym, którzy nie do końca rozumieją znaczenie i filozofię surrealizmu oraz tym, którzy nie interesują się malarstwem. Powiedziałbym, że Dali stał się swego rodzaju mainstreamem w malarstwie, mimo że filozofia jego twórczości jest dla wielu niezrozumiała.

Sekret sukcesu Salvadora Dali

Salvador Dali miał rzadką umiejętność szokowania innych, był bohaterem lwiej części świeckich rozmów swojej epoki. O artyście mówili wszyscy, od burżuazji po proletariat. Salvador był chyba najlepszy aktor od artystów. Dali można śmiało nazwać geniuszem PR, zarówno czarnym, jak i białym. Salvador miał wielką zdolność sprzedawania i promowania siebie jako marki. Obrazy Salvadora Dali były ucieleśnieniem ekstrawaganckiej osobowości, dziwnej i ekstrawaganckiej, reprezentującej niekontrolowany strumień podświadomości i mającej swoisty rozpoznawalny styl.

Tak poza tym, wczesna praca Dali są bardzo podobne do obrazów Yves Tanguy, ja bym tego nie rozróżniał. Nie jest jasne, kto pożyczył od kogo, jedna babcia powiedziała, że ​​system twierdzi, że Dali zapożyczył styl od Tangi (ale to nieprawda). Więc - kradnij, zabijaj, pożycz mądrze, a sukces czeka na Ciebie. Nie jest jednak tak ważne, kto był pierwszy (a pierwszym był Max Ernst w podobnym stylu – to on wpadł na pomysł starannego wypisywania schizoidalnych obrazów). To jest Salwador, dzięki swojemu doskonałość artystyczna, rozwinął iw pełni urzeczywistnił idee surrealizmu.

Salvador Dali (1904 - 1989) był Hiszpański artysta, który jest najbardziej znany ze swojej pracy w surrealizmie, wpływowym XX-wiecznym ruchu głównie w sztuce i literaturze. Artysta surrealista odrzucił racjonalność w sztuce; i zamiast tego celował w nieświadomość, aby odblokować moc wyobraźni. Dali używał w swojej pracy obszernej symboliki. Powtarzające się obrazy na jego obrazach przedstawiają słonie o kruchych nogach; mrówki, które uważano za symbol rozkładu i śmierci; i stopienie zegara, być może symbolizujące nieliniową ludzką percepcję czasu. Wkład Dali w surrealizm obejmuje metodę krytyczną dla paranoików. Dali stał się najbardziej wpływowym malarzem surrealistycznym; i być może najsłynniejszy artysta XX wieku po Pablo Picasso.

W tym artykule jesteśmy gotowi przedstawić Ci najbardziej znane obrazy Salvador Dali z ich opisem i zdjęciem.

Sen wywołany lotem pszczoły wokół granatu na sekundę przed przebudzeniem

Salvador Dalí powiedział, że utwór miał „po raz pierwszy wyrazić na obrazach odkrycie przez Freuda typowego snu z długą historią, będącego konsekwencją chwilowego wypadku, który powoduje przebudzenie śpiącego”. Pokazuje to unosząca się nad skałą śpiąca postać żony artysty, Gali Dali. Obok jej nagiego ciała w powietrzu unoszą się także dwie krople wody, granat i pszczoła. Sen Gali jest spowodowany brzęczeniem pszczoły i jest przedstawiony w górnej połowie płótna. W sekwencji obrazów granaty otwierają się, by wypuścić gigantyczną czerwoną rybę, z której pyska wychodzą dwa dzikie tygrysy wraz z bagnetem, który wkrótce wybudzi Galę ze spokojnego snu. Słoń, później powracający obraz w pracach Dalego, jest zniekształconą wersją „Słonia i Obelisku”, rzeźby słynnego włoski artysta Gian Lorenzo Berniniego.

Żyrafa w ogniu

Praca „Żyrafa w ogniu” uznawana jest za wyraz osobistych zmagań Salvadora Dali z toczącą się w jego ojczyzna. Płótno przedstawia dwie postacie kobiece z wystającymi z pleców nieokreślonymi formami fallicznymi. Ramiona, przedramiona i twarz najbliższej postaci są przycięte do tkanki mięśniowej pod skórą. Wręcz przeciwnie, szuflady wystające z lewej nogi i klatki piersiowej postaci otwierają się. Salvador Dali był wielkim fanem słynnego neurologa Zygmunta Freuda, a niektóre z jego obrazów były pod wpływem teorii Freuda. Te otwarte pudełka można przypisać psychoanalitycznej metodzie Freuda i odnoszą się one do wewnętrznej, podświadomej części człowieka. Żywy obraz żyrafy w tle został opisany przez Dali jako „męski kosmiczny apokaliptyczny potwór”. Uznał to za zapowiedź wojny.

Metoda krytycznej paranoi to surrealistyczna technika opracowana przez Salvadora Dali na początku lat 30. XX wieku. Artysta wykorzystał go do wykorzystania swojej podświadomości poprzez systematyczne irracjonalne myślenie i samoistny stan paranoiczny. Uważany za jedno z głównych osiągnięć surrealizmu, Dali wykorzystał go w kilku swoich obrazach, zwłaszcza tych z nim związanych iluzje optyczne i inne wielokrotne obrazy. Według mitologii greckiej znany ze swej urody Narcyz zakochał się w swoim odbiciu w wodzie. Interpretacja greckiego mitu Dali, ten obraz przedstawia Narcyza siedzącego w basenie i patrzącego w dół. Obraz „Metamorfozy Narcyza” został namalowany przez Dali w jego paranoiczno-krytycznym okresie i jest jednym z jego najsłynniejszych dzieł.

Łabędzie odbijające się w słoniach

Podwójne obrazy były ważną częścią paranoiczno-krytycznej metody Dalego. Podobnie jak Metamorfoza Narcyza, ten utwór wykorzystuje odbicie w jeziorze, aby stworzyć podwójny obraz. Trzy łabędzie przed drzewami odbijają się w jeziorze, tak że ich szyje stają się słoniami słoni, a drzewa nogami słoni. Krajobraz kontrastuje z bezruchem jeziora, ponieważ Dalí malował wirujące obrazy, aby przedstawić skały i niebo w tle. Łabędzie odbijające słonie są uważane za kultowe obrazy surrealizmu, ponieważ zwiększają popularność stylu podwójnego obrazu. To najsłynniejszy podwójny obraz stworzony przez Salvadora Dali; jego największe arcydzieło wykorzystujące metodę paranoiczno-krytyczną; i jeden z najbardziej znane prace w surrealizmie.

Nawiasem mówiąc, mówiąc o jeziorach, przypominamy, że na naszej stronie znajduje się bardzo ciekawy artykuł ze zdjęciami o niesamowitym kompleksie.

Ten obraz został stworzony przez Salvadora Dali pod koniec jego słynnej kariery i jest uważany za jego ostatnie wielkie arcydzieło. Spędził dwa lata, aby tworzyć dzieła sztuki, w których oprócz surrealizmu używał takich stylów jak action painting, pop-art, puentylizm, abstrakcja geometryczna i sztuka psychodeliczna. w tym zdjęcia starożytna rzeźba grecka we współczesnym kinie obraz „Łapanie tuńczyka” przedstawia zaciekłą walkę między ludźmi a dużymi rybami, jako uosobienie ograniczonego wszechświata. Obraz jest poświęcony Jean-Louisowi Ernestowi Meissonierowi, francuski artysta XIX wieku, znany ze swoich obrazów przedstawiających sceny batalistyczne. Według Dali praca „Łapanie tuńczyka” jest jego najważniejszym dziełem.

W 1929 roku Salvador Dali poznał swoją muzę, która później została jego żoną. To płótno powstało w tym samym roku i uważa się, że odzwierciedla erotyczną przemianę, jaką przeszła artystka w związku z jej pojawieniem się w jego życiu. Główny żółty obszar na obrazie przedstawia sen artysty. Z jego umysłu wyłania się wizja, prawdopodobnie będąca fantazją erotyczną, przedstawiająca nagą postać kobiecą, przypominającą jego muzę, przyciąganą do genitaliów mężczyzny, przypuszczalnie artysty. Jak wiele prac autora, ten dziwaczny autoportret cierpi również na dodatki, takie jak haczyk na ryby, krwawiące rany, mrówki pełzające po jego twarzy i przywiązany do twarzy konik polny. Ta praca reprezentuje gloryfikację czegoś, co zwykle jest wyśmiewane i należy do najbardziej kontrowersyjnych obrazów Dali.

Po bombardowaniach atomowych Hiroszimy i Nagasaki Salvador Dali zainspirował się fizyką jądrową i teoriami rozpadu atomu. Był to również czas, kiedy odnowił swoje zainteresowanie katolicyzmem. Zdegradowany do swojego okresu „mistycyzmu nuklearnego”, w którym jego pisma często wykorzystywały idee nowoczesna nauka jako środek racjonalizacji Religia chrześcijańska. Zdając sobie sprawę, że materia składa się z atomów, Dali zmusił swoje prace do rozpadu na kilka atomów. Ten obraz to portret Gali Dali, jego żony i muzy. Jej twarz składa się z gęsto zaludnionych sfer reprezentujących cząstki atomowe, które nadają płótnu wspaniały trójwymiarowy efekt. Tytułowa Galatea odnosi się do nimfy morskiej z mitologii klasycznej o imieniu Galatea, która słynęła z cnót. Galatea z kulami to jeden z najsłynniejszych obrazów okresu nuklearnego mistycyzmu Dalego.

Chrystus Świętego Jana od Krzyża

Ten obraz jest znany jako Chrystus św. Jana od Krzyża, ponieważ jego projekt oparty jest na rysunku XVI-wiecznego hiszpańskiego zakonnika Jana od Krzyża. Kompozycja składa się z trójkąta, który tworzą ręce Chrystusa i poziomego krzyża; i krąg, który tworzy głowa Chrystusa. Trójkąt może być postrzegany jako odniesienie do Trójcy Świętej, podczas gdy koło może reprezentować jedność, czyli wszystko istnieje w trzech. Choć obraz jest obrazem ukrzyżowania, pozbawiony jest gwoździ i krwi. Według Dali inspiracja do obrazu przyszła mu z kosmicznego snu, w którym był przekonany, że wizerunek gwoździ i krwi zepsuł mu obraz Chrystusa. Chrystus św. Jana od Krzyża został wybrany ulubionym obrazem Szkocji w 2006 roku i przez wielu uważany jest za najwspanialszy malarstwo religijne dwudziesty wiek.

Salvador Dali napisał to arcydzieło sześć miesięcy przed rozpoczęciem hiszpańskiej wojny domowej. Twierdził, że wiedział o wojnie z powodu „proroczej mocy jego podświadomości”. Obraz odzwierciedla jego ówczesny niepokój i przepowiada grozę i przemoc wojny. Przedstawia dwa ciała, jedno ciemniejsze od drugiego, w straszliwej walce, w której żadne z nich nie jest zwycięskie. Potworne stworzenie jest autodestrukcyjne, podobnie jak wojna secesyjna. Dali zadbał o to, aby obraz wyglądał bardzo realistycznie, pomimo fantastycznego stworzenia, które przedstawia. Wspomniana również w tytule gotowana fasola na obrazie jest prawdopodobnie interpretacją gulaszu, który jadali biedni mieszkańcy ciężki czas w Hiszpanii. Uważana za jedno z największych arcydzieł Dalego, miękka konstrukcja z gotowanej fasoli słynie z niezrównanego wykorzystania surrealizmu do przedstawiania okropności wojny.

W The Dream Dali odtworzył wygląd dużej, miękkiej głowy i prawie nieobecnego ciała. Jednak w tym przypadku twarz nie jest autoportretem. Sen i sny są doskonałością w sferze nieświadomości. Kule zawsze były znakiem rozpoznawczym Dalego, nawiązując do kruchości podpierających boków, które wspierają „rzeczywistość”, ale tutaj nic, nawet pies, nie wydaje się być z natury stabilne, gdy jest podparte. Wszystko, co jest ukazane na płótnie, poza głową, skąpane jest w bladym niebieskawym świetle, dopełniającym poczucie wyobcowania ze świata dziennego światła i racjonalności. W pracy „Sen” Salvador Dali powrócił do klasyki surrealistyczny motyw. Sny są esencją wielu teorii freudowskich ze względu na ich dostęp do nieświadomości, temat przedprofesjonalny dla surrealistów, w tym Dali.

Trwałość pamięci

Ten ikoniczny i replikowany obraz przedstawia scenę z zegarem powoli topiącym się na skałach i gałęzi drzewa, z oceanem w tle. Dali użył w tym obrazie koncepcji twardości i miękkości. Koncepcję tę można zilustrować na kilka sposobów, na przykład przejście ludzkiego umysłu od miękkości snu do twardości rzeczywistości. W swoim arcydziele Dali używa topniejących zegarów i kamieni, aby przedstawić odpowiednio miękkie i twarde aspekty świata. Przez lata trwałość pamięci była często analizowana, ponieważ Dali nigdy nie wyjaśnił swojej pracy. Topniejący zegar jest uważany za nieświadomy symbol względności czasu i przestrzeni; jako symbol śmiertelności z mrówkami otaczającymi zegar reprezentujący rozkład; i jako irracjonalność snów. Praca „Trwałość pamięci” uznawana jest za jedno z największych arcydzieł sztuki XX wieku. Ta praca nie tylko znajduje się na liście „Najsłynniejszych obrazów Dali”, ale jest również najbardziej słynne dzieło w surrealizmie.

A Wy jakie dzieła wielkiego mistrza surrealizmu lubicie? Napisz o tym w komentarzach.

Od 25 maja Erarta otwiera wystawę rzeźb z brązu wg słynny surrealista Salvador Dali. Galeria przyniosła kolekcję Beniamino Leviego, przyjaciela i mecenasa Dali. To on zaproponował artyście odlewanie fantastycznych obrazów z jego obrazów z brązu. Podpowiadamy, co zobaczyć na wystawie i jak rozumieć prace artysty.

"Adam i Ewa"

Jedna z najwcześniejszych (wśród prezentowanych) prac. Na papierze oryginał wykonano gwaszem w 1968 roku, a rzeźbę odlano w 1984 roku. Dali przedstawia najbardziej dramatyczny moment w Edenie: Ewa oferuje Adamowi posmakowanie zakazanego owocu. On, nie wiedząc jeszcze, jak jego upadek w grzech skończy się dla ludzkości, podnosi rękę w zdumieniu i niezdecydowaniu. Świadomy zbliżającego się wygnania z raju wąż próbuje pocieszyć skazanych na zagładę (a wkrótce śmiertelnych) ludzi i zwija się w kształt serca, przypominając Adamowi i Ewie, że wciąż mają miłość. A ona jest czymś całościowym, czyli zawsze więcej niż kwota poszczególne części.

„Szlachetność czasu”

Jeden z najczęściej powielanych obrazów wymyślonych przez Dali: zegar jest rzucony na gałąź martwego drzewa. Czas surrealisty nie jest liniowy – zlewa się z kosmosem. Miękkość zegarka wskazuje również na psychologiczną percepcję czasu: kiedy jesteśmy znudzeni lub czujemy się niekomfortowo, biegnie wolniej. Limp zegar nie pokazuje już czasu, nie odmierza już jego upływu. Szybkość naszego czasu zależy więc tylko od nas.

Zegar spada na martwe drzewo, którego gałęzie już się odrodziły nowe życie, a korzenie owinęły się wokół kamienia. Pień drzewa służy również jako podpora dla zegarka. Termin „zegarek koronny” w język angielski oznacza również mechaniczne urządzenie, które pozwala ustawić wskazówki i nakręcić zegarek. Ale według zegarka Dali jest to niezmienne - nie da się tego ustalić. Bez ruchu królewska staje się „korona”, która zdobi zegarek i wskazuje, że czas nie służy ludziom, ale nad nimi panuje. Towarzyszą mu dwa powtarzające się fantastyczne symbole: kontemplujący anioł i kobieta owinięta szalem. Czas panuje zarówno nad sztuką, jak i rzeczywistością.

"Alicja w Krainie Czarów"

Podobnie jak bohaterka Carrolla, Dali, uzbrojona w twórczą wyobraźnię, przebyła trudną i długą drogę w krainie snów. Artystę przyciągnęła niesamowita fabuła i ekstrawaganckie postacie z bajki. Alicja jest wiecznym dzieckiem, zdolnym pojąć absurdalną logikę zarówno Krainy Czarów, jak i Poza. W rzeźbie jej skakanka zamieniła się w symboliczny pleciony sznurek życie codzienne. Na jej dłoniach i we włosach kwitły róże, symbolizujące kobiece piękno oraz wieczna młodość. A sukienka peplum przywodzi na myśl antyczne przykłady doskonałości formy.

„Hołd dla mody”

Związek Dali z modą rozpoczął się w latach trzydziestych XX wieku dzięki pracy z Coco Chanel, Elsą Schiaparelli i magazynem Vogue i trwał przez całe życie. Głowę Wenus, zastygłą w pozie supermodelki, zdobią róże – symbol niewinności. Jej twarz jest pozbawiona rysów, co pozwala fanom wyobrazić sobie twarz, którą chcą. Jest „dandysem” i stoi przed nią na jednym kolanie.

„Adoracja Terpsychory”

Muza tańca w interpretacji Dali tworzy dwa lustrzane odbicia: postać miękka przeciwstawiona jest postaci twardej i zamrożonej. Brak rys twarzy podkreśla symboliczne brzmienie kompozycji. Tancerz z gładkością formy klasyczne reprezentuje Łaskę i nieświadomość, podczas gdy kanciasta, kubistyczna druga postać mówi o stale rosnącym i chaotycznym rytmie życia.

„Ślimak i anioł”

Rzeźba nawiązuje do spotkania artysty z Zygmuntem Freudem, którego uważał za swojego duchowego ojca. Idee psychoanalityczne, które wpłynęły na Dalego wczesne stadia rozwój surrealizmu, znajdują odzwierciedlenie w wielu pracach. Ślimak siedzący na siodełku roweru, który znajdował się niedaleko domu Freuda, uderzył w wyobraźnię Dalego. Widział w niej ludzką głowę - samego założyciela psychoanalizy.

Dali miał obsesję na punkcie wizerunku ślimaka, ponieważ zawiera on paradoksalne połączenie miękkości (ciała zwierzęcia) z twardością (jego skorupa). Dlatego ogólnie przyjęty symbol bezczynnej rozrywki otrzymuje od niego skrzydła i łatwo porusza się po falach. A posłaniec bogów, zdolny do rozwijania nieograniczonej prędkości, przez krótką chwilę siedział na grzbiecie ślimaka, obdarzając go darem ruchu.

„Wizja anioła”

Salvador Dali nadaje sens klasycznemu obrazowi religijnemu. Kciuk, z których wyrasta życie (gałęzie drzew), symbolizuje potęgę i dominację Absolutu. Po prawej stronie bóstwa znajduje się ludzkość: człowiek w kwiecie wieku. Za pomocą lewa strona- anioł, symbolizujący ducha kontemplacji; jego skrzydła spoczywają na kuli. Chociaż człowiek jest zjednoczony z Bogiem, boska wiedza wykracza poza jego własną.