Znani rosyjscy kompozytorzy XX wieku. Współcześni kompozytorzy klasyczni

Melodyjny śpiew ptaków, cichy szept drzew i szum górskich potoków towarzyszą ludzkości od zarania dziejów. Ludzie wzrastali w harmonii naturalnej muzyki i z czasem zaczęli grać muzykę, naśladując naturę. Przejęli pałeczkę tworzenia dzieł muzycznych w XVIII wieku i osiągnęli niespotykane dotąd wyżyny w tworzeniu muzycznych arcydzieł.

Pierwsze zaczęły pojawiać się wraz z rozwojem rosyjskiej szkoły kompozytorskiej na początku XVIII wieku. Opisując ten okres, nie trzeba mówić o własnym dorobku kompozytorskim, gdyż kompozytorzy rosyjscy w większości naśladowali i kopiowali dorobek Kultura zachodnia. Tak rozpoczął się pierwszy etap kształtowania się narodowej tradycji kompozytorskiej. Przedstawicielem tego okresu był Bortnyansky, który w swoich dziełach kopiował twórczość Vivaldiego.

W pierwszej połowie XIX wieku Glinka wniósł nieoceniony wkład w rozwój rosyjskiej szkoły kompozytorskiej, przez co uważany jest za pierwszego wielkiego rosyjskiego kompozytora, któremu udało się wprowadzić do dzieł muzycznych rosyjską tradycję narodową. Rosyjskie melodie i intonacje umiejętnie łączą w swoich błyskotliwych dziełach z nowoczesnymi trendami kompozytorskimi ówczesnej Europy. Biografia rosyjskiego kompozytora zasługuje na uwiecznienie na wieki i studiowanie przez wszystkie pokolenia narodu rosyjskiego.

Na przełomie XIX i XX wieku tradycyjną rosyjską szkołę kompozytorską reprezentowali Rachmaninow, Strawiński i wielu innych. Podjęli tradycję rosyjską i jak przystało na nowe pokolenie, wprowadzili do niej własne poprawki sztuka muzyczna. Teraz rosyjskie melodie nie były już tak wyraźnie wyrażane w utworach, ale ich duch był nadal wyraźnie widoczny w kompozycjach.

W tamtym czasie na muzykę symfoniczną wpływało wiele obiektywnych czynników. Panowała tendencja do większej złożoności kompozycje muzyczne przy jednoczesnym wchłanianiu tradycji kulturowych innych narodowości. Znani przedstawiciele tej epoki to Szczedrin, Denisow i Gawrilin.

Rosyjscy kompozytorzy wzbogacili skarbiec kultury kraju, dając nam wiele znakomitych dzieł muzycznych. Cały świat do dziś z fascynacją słucha kompozycji naszych rodaków. Te dzieła i ci, którzy napisali takie arcydzieła, są przeznaczone życie wieczne w sercach ludzi.

Alexander Varlamov to znany kompozytor, który w ciągu 47 lat życia stworzył około 200 dzieł.

Całą swoją twórczą energię skierował na pisanie romansów i piosenek, które w pełni odzwierciedlały duszę narodu rosyjskiego.

W swoich utworach, opartych na wierszach klasyków rosyjskich, wyraża buntowniczego ducha, który umieszcza w wersach wierszy poetyckich.

Dzieciństwo

Aleksander Jegorowicz urodził się w Moskwie 15 (27) listopada 1801 r. Jego ojciec był drobnym urzędnikiem, a jego korzenie sięgają mołdawskiej szlachty. Już w wczesne lata wykazywał zainteresowanie sztuką muzyczną. Potrafił grać ze słuchu, nie wiedząc o tym notacja muzyczna, skrzypce i gitara.

Gurilev Alexander to wielki rosyjski muzyk, którego liryczne romanse przetrwały dwa stulecia.

Muzyka, która płynęła w jego żyłach i znalazła odbicie na papierze, do dziś zadziwia swoją szczerością i zmysłowością. Prace wokalne napisane na podstawie wierszy wielkich poetów rosyjskich, wyrażają ducha narodowego i bogatą duszę kompozytora.

Dzieciństwo

Chłopiec urodził się w Moskwie w rodzinie muzyka pańszczyźnianego w 1803 roku 22 sierpnia (3 września). Dlatego jego dzieciństwo i młodość upłynęły w trudnych warunkach ciężkiego życia. Ojciec Aleksandra był szefem orkiestry hrabiego V. Orłowa. Tak więc w duszy małego dziecka zrodziła się miłość do muzyki.

Kiedy miał siódmy rok, ojciec całkowicie zaangażował się w edukację muzyczną syna.

Cesar Cui to utalentowany kompozytor, który stworzył swój pierwszy utwór muzyczny jeszcze w okresie dojrzewania.

Poza tym, że zabłysnął sfera kulturowa wniósł znaczący wkład w sprawy wojskowe. W obu obszarach pozostawił po sobie ślad.

Dzieciństwo

Dziecko urodziło się w 1835 roku 6 stycznia na terenie współczesnego Wilna. Jego ojciec był Francuzem, pozostał w Rosji po tym, jak w 1812 roku resztki wojsk napoleońskich, w których był wymieniony, nie wróciły do ojczyzny.

Aleksander Borodin – utalentowana osoba. Na pewno jest utalentowany we wszystkim, pozostawił głęboki ślad w języku rosyjskim Kultura XIX wiek.

Jej odciski można spotkać w zupełnie innych obszarach. Aleksander brał udział w działalności naukowej, politycznej, pedagogicznej i kulturalnej kraju. Jednak cały świat zna tego człowieka jako wielkiego kompozytora.

Wczesne lata

Aleksander urodził się 12 listopada 1833 r. Jego ojcem był książę Gedianow. Chłopiec był nieślubne dziecko. Dlatego został zapisany pod imieniem służącego służącego w ich domu - Borodin.

Kiedy dziecko miało 8 lat, zmarł jego ojciec, dając mu wcześniej wolność. Aleksander dorastał w luksusowym domu podarowanym przez Gedianowa.

Anton Grigoriewicz Rubinstein to osobowość o skali światowej. Kompozytor, dyrygent, pedagog, pianista, osoba publiczna.

Niesamowita energia skłoniła go do tworzenia, działalności charytatywnej, a także poświęcenia się pracy muzycznej i edukacyjnej.

Dzieciństwo

16 (28) listopada 1829 roku na świat przyszło dziecko o imieniu Anton. Wydarzenie miało miejsce w zamożnej rodzinie żydowskiej we wsi Wychwaniec w województwie podolskim (obecnie Dniepr-Mołdawia). Kiedy dziecko miało trzy lata, Rubinsteinowie przyjechali do Moskwy.

Chłopiec wcześnie zaczął wykazywać zainteresowanie muzyką. Uważnie słuchał, gdy jego matka grała muzykę i nuciła ulubione melodie.

Ogromny wpływ na rozwój rosyjskiej sztuki muzycznej miał Aleksander Dargomyżski. Siedząc przy fortepianie, ten człowiek uległ całkowitej przemianie. Zachwycał jednak wszystkich swoją pasją do muzyki i łatwością grania życie codzienne nie zrobił na ludziach dużego wrażenia.

Muzyka to właśnie dziedzina, w której ujawnił swój talent, a następnie dał światu wspaniałe dzieła.

Dzieciństwo

Aleksander urodził się we wsi Troicka w 1813 roku 14.02. Jego rodzina była duża, oprócz niego było jeszcze pięcioro dzieci. Mała Sasza nie mówiła, dopóki nie skończyła pięciu lat. Jego głos był późno uformowany. Przez całe życie pozostawał wysoki, z lekką chrypką, co nie było uważane za wadę, ale pomogło mu poruszyć serca słuchaczy podczas śpiewania.

Siergiej Tanejew – mało znany klasyk Muzyka rosyjska. Dawno, dawno temu jego nazwisko było dobrze znane wśród wykształconej opinii publicznej we wszystkich częściach bezkresu Imperium Rosyjskie. Dziś wiedzą o nim jedynie historycy muzyki oraz uczniowie nielicznych szkół i uczelni muzycznych nazwanych na jego cześć.

Wczesne lata Siergieja Tanejewa

Urodził się Siergiej Iwanowicz Tanejew prowincjonalne miasteczko 13 listopada 1856. Jego ojciec Iwan Iljicz należał do starożytnych rodzina szlachecka, którego historia sięga czasów Iwana Wielkiego. Od dzieciństwa rodzice Siergieja uczyli go gry na pianinie, jak to było w zwyczaju w wielu rodzinach szlacheckich. Kiedy chłopiec miał dziesięć lat, jego rodzice przenieśli się do Moskwy i wysłali syna do nowo otwartego instytucja edukacyjna- oranżeria.

Dzieciństwo i młodość

Przyszły kompozytor urodził się 28 maja 1913 roku w małej miejscowości Jelec (obecnie obwód lipiecki) w rodzinie kupieckiej. Tichon był najmłodszym z dziesięciorga dzieci. Bardzo wcześnie chłopiec pokazał talent muzyczny. W wieku dziewięciu lat zaczął grać na pianinie. Kiedy Tichon miał jedenaście lat, miał nowego nauczyciela - stołecznego pianistę Władimira Agarkowa.

Po tym, jak Agarkov opuścił Yelets, trenuje młody talent Przejęła ją Anna Vargunina. W tym czasie Khrennikov zaczął pisać muzykę. W wieku czternastu lat wyjechał do Moskwy, aby pokazać Agarkowowi swoje pierwsze prace. Nauczyciel pochwalił utalentowanego młodzieńca, ale poradził mu, aby ukończył dziewięcioletnią szkołę rodzinne miasto i dopiero potem myśleć o karierze muzycznej.

AP Borodin wie jak wybitny kompozytor, autor opery „Książę Igor”, symfonii „Bogatyrskaja” i innych dzieł muzycznych.

Dużo mniej znany jest jako naukowiec, który wniósł nieoceniony wkład do nauki z zakresu chemii organicznej.

Pochodzenie. Wczesne lata

AP Borodin był nieślubny syn 62-letni gruziński książę L.S. Genevanishvili i A.K. Antonowa. Urodził się 31 października (12.11) 1833 r.

Został zarejestrowany jako syn sług księcia – małżonków Porfiry Ionovich i Tatyana Grigorievna Borodin. I tak przez osiem lat chłopiec znajdował się w domu ojca jako poddany. Ale przed śmiercią (1840) książę dał synowi wolność, kupił jemu i jego matce Avdotyi Konstantinowej Antonowej czteropiętrowy dom, poślubiając ją wcześniej z lekarzem wojskowym Kleineke.

Chłopiec, aby uniknąć niepotrzebnych plotek, został przedstawiony jako siostrzeniec Awdotyi Konstantinownej. Ponieważ pochodzenie Aleksandra nie pozwalało mu uczyć się w gimnazjum, uczył się w domu wszystkich przedmiotów kursu gimnazjalnego, oprócz języka niemieckiego i francuski otrzymał doskonałe wykształcenie domowe.

Światowa muzyka klasyczna jest nie do pomyślenia bez dzieł rosyjskich kompozytorów. Rosyjska szkoła kompozytorska, której kontynuacją tradycji były szkoły sowieckie i dzisiejsze szkoły rosyjskie, rozpoczęła się w XIX wieku od kompozytorów, którzy łączyli europejską sztukę muzyczną z rosyjskimi melodiami ludowymi, łącząc europejską formę i rosyjskiego ducha.

jak A. S. Puszkin, V. A. Żukowski, A. S. Gribojedow, A. A. Delvig. Twórczego impulsu do jego twórczości dodała wieloletnia podróż do Europy na początku lat 30. XIX w. i spotkania z czołowymi kompozytorami tamtych czasów – V. Bellinim, G. Donizettim, F. Mendelssohnem, a później z G. Berliozem, J. Meyerbeera. Sukces przyszedł M. I. Glinkie po wystawieniu opery „Iwan Susanin” („Życie dla cara”) (1836), która po raz pierwszy została entuzjastycznie przyjęta przez wszystkich w muzyce światowej, rosyjskiej sztuce chóralnej oraz europejskiej symfonii i operze praktyki zostały organicznie połączone, a także pojawił się bohater podobny do Susanin, którego wizerunek podsumowuje najlepsze funkcje charakter narodowy. V. F. Odoevsky scharakteryzował operę jako „nowy element w sztuce i rozpoczyna się nowy okres w jej historii - okres muzyki rosyjskiej”.

Glinka: „Aby tworzyć piękno, sam musisz być czysty w duszy”

Drugą operą jest epicki „Rusłan i Ludmiła” (1842), utwór, który powstał na tle śmierci Puszkina i w trudnych warunkach życia kompozytora, ze względu na głęboko nowatorski charakter dzieła, został przyjęty dwuznacznie przez publiczność i władze i przyniosła M. I. Glince trudne doświadczenia. Potem dużo podróżował, mieszkając na przemian w Rosji i za granicą, nie przestając komponować. Jego dziedzictwo obejmuje romanse, dzieła symfoniczne i kameralne. W latach 90. oficjalnym hymnem Federacji Rosyjskiej była „Pieśń patriotyczna” Michaiła Glinki.

Michaił Iwanowicz Glinka nie cieszył się dobrym zdrowiem, mimo to był bardzo wyluzowany i bardzo dobrze znał geografię; być może, gdyby nie został kompozytorem, zostałby podróżnikiem. Znał sześć języki obce, w tym perski.

Aleksander Porfiriewicz BORODIN (1833-1887)

Urodzony w Petersburgu, od dzieciństwa wszyscy wokół niego zauważali jego niezwykłą aktywność, pasję i zdolności różne kierunki, głównie w muzyce i chemii. A.P. Borodin jest rosyjskim samorodkiem kompozytora, nie miał profesjonalnych nauczycieli muzyków, wszystkie jego osiągnięcia muzyczne są dzięki niezależna praca na temat doskonalenia technik kompozytorskich. Na powstanie A.P. Borodina wpłynęła twórczość M.I. Glinki (jak zresztą wszystkich rosyjskich kompozytorów XIX wieku), a dwa wydarzenia dały impuls do intensywnych studiów kompozytorskich na początku lat 60. XIX wieku - po pierwsze, znajomość i małżeństwo z utalentowanym pianistą E. S. Protopopowa, po drugie, spotkanie z M. A. Bałakirewem i dołączenie do twórczej wspólnoty kompozytorów rosyjskich, zwanej „Potężną Garścią”. Pod koniec lat 70. i 80. XIX wieku A.P. Borodin dużo podróżował i koncertował w Europie i Ameryce, spotykał się z czołowymi kompozytorami swoich czasów, jego sława rosła, stał się jednym z najbardziej znanych i popularnych rosyjskich kompozytorów w Europie pod koniec XIX wieku wiek.

Centralne miejsce w twórczości A. P. Borodina zajmuje opera „Książę Igor” (1869–1890), będąca przykładem narodowej bohaterska epopeja w muzyce, na którego ukończenie sam nie miał czasu (ukończyli go jego przyjaciele A. A. Głazunow i N. A. Rimski-Korsakow). W „Księciu Igorze” na tle majestatycznych obrazów wydarzeń historycznych odzwierciedla się główna idea całego dzieła kompozytora - odwaga, spokojna wielkość, duchowa szlachetność najlepszego narodu rosyjskiego i potężna siła całego narodu rosyjskiego , manifestując się w obronie ojczyzny. Pomimo tego, że A.P. Borodin pozostawił po sobie stosunkowo niewielką liczbę dzieł, jego twórczość jest bardzo różnorodna i uważany jest za jednego z ojców rosyjskiej muzyki symfonicznej, który wywarł wpływ na wiele pokoleń kompozytorów rosyjskich i zagranicznych.

Nazwany na cześć Borodina reakcja chemiczna sole srebra kwasy karboksylowe z halogenami, w wyniku czego otrzymano chlorowcowane węglowodory, czego pionierem był w 1861 roku.

Modest Pietrowicz MUSORGSKY (1839-1881)

Modest Pietrowicz Musorgski to jeden z najwybitniejszych rosyjskich kompozytorów XIX wieku, członek Potężna gromada" Innowacyjne dzieło Musorgskiego znacznie wyprzedzało swoje czasy.

Urodzony w obwodzie pskowskim. Jak wielu utalentowanych ludzi, od dzieciństwa wykazywał zdolności muzyczne, studiował w Petersburgu, był, tradycja rodzinna, wojskowy. Decydujące wydarzenie, które zdecydowało, że Musorgski nie urodził się służba wojskowa, a jeśli chodzi o muzykę, było to spotkanie z M. A. Bałakirewem i dołączenie do „Potężnej Garści”. Musorgski jest wielki, ponieważ w swoich wspaniałych dziełach – operach „Borys Godunow” i „Khovanshchina” – uchwycił w muzyce dramatyczne kamienie milowe historii Rosji z radykalną nowością, jakiej muzyka rosyjska nie znała wcześniej, pokazując w nich połączenie masowego folku sceny i różnorodne bogactwo typów, niepowtarzalny charakter narodu rosyjskiego. Opery te, w licznych wydaniach autora i innych kompozytorów, należą do najpopularniejszych oper rosyjskich na świecie. Kolejnym wybitnym dziełem Musorgskiego jest cykl utwory na fortepian„Obrazy z wystawy”, kolorowe i pomysłowe miniatury, przesiąknięte są rosyjskim refrenem tematycznym i wiarą prawosławną.

W życiu Musorgskiego było wszystko - zarówno wielkość, jak i tragedia, ale zawsze wyróżniała go prawdziwa duchowa czystość i bezinteresowność. Jego ostatnie lata były trudne – niespokojne życie, brak uznania dla kreatywności, samotność, uzależnienie od alkoholu, to wszystko go zdeterminowało wczesna śmierć w wieku 42 lat pozostawił stosunkowo niewiele dzieł, z których część została ukończona przez innych kompozytorów. Specyficzna melodia i nowatorska harmonia Musorgskiego przewidywały pewne cechy rozwój muzyczny XX wieku i odegrał ważną rolę w kształtowaniu stylu wielu światowych kompozytorów.

Pod koniec życia Musorgski pod naciskiem swoich „przyjaciół” Stasowa i Rimskiego-Korsakowa zrzekł się praw autorskich do swoich dzieł i przekazał je Tercjuszowi Filippowowi.

Piotr Iljicz Czajkowski (1840-1893)

Piotr Iljicz Czajkowski, być może największy rosyjski kompozytor XIX wieku, wyniósł rosyjską sztukę muzyczną na niespotykany wcześniej poziom. Jest jednym z najbardziej ważnych kompozytorówświatowa muzyka klasyczna.

Pochodzący z prowincji Wiatka, choć jego ojcowskie korzenie znajdują się na Ukrainie, Czajkowski pokazywał od dzieciństwa zdolności muzyczne jednak moja pierwsza edukacja i praca dotyczyła prawoznawstwa. Czajkowski był jednym z pierwszych rosyjskich kompozytorów „profesjonalnych”. Studiował teorię muzyki i kompozycję w nowym Konserwatorium w Petersburgu. Czajkowski uchodził za kompozytora „zachodniego”, w przeciwieństwie do popularnych postaci „Potężnej Garści”, z którymi utrzymywał dobre twórcze i przyjacielskie stosunki, jednak w jego twórczości nie mniej przesiąknięty jest duch rosyjski, udało mu się w unikalny sposób połączyć Zachodnie dziedzictwo symfoniczne Mozarta, Beethovena i Schumanna z tradycjami rosyjskimi odziedziczonymi od Michaiła Glinki.

Kompozytor prowadził aktywne życie- był nauczycielem, dyrygentem, krytykiem, osobą publiczną, pracował w dwóch stolicach, koncertował w Europie i Ameryce. Czajkowski był osobą dość niestabilną emocjonalnie; entuzjazm, przygnębienie, apatia, gorący temperament, gwałtowny gniew - wszystkie te nastroje zmieniały się w nim dość często, będąc osobą bardzo towarzyską, zawsze dążył do samotności.

Czajkowski: „Wielki talent wymaga wielkiej ciężkiej pracy”

Aby podkreślić coś najlepszego w twórczości Czajkowskiego: trudne zadanie, ma prawie wszystkie prace o jednakowej wielkości gatunki muzyczne- opera, balet, symfonia, muzyka kameralna. Treść muzyki Czajkowskiego jest uniwersalna: z niepowtarzalną melodyką obejmuje obrazy życia i śmierci, miłości, natury, dzieciństwa, w nowy sposób odsłania dzieła literatury rosyjskiej i światowej, odzwierciedla głębokie procesy życia duchowego.

Uniwersytet w Cambridge nadał Czajkowskiemu tytuł doktora muzyki zaocznie i bez obrony rozprawy doktorskiej, podobnie jak Akademia Paryska Sztuki piękne wybrał go na członka-korespondenta.

Nikołaj Andriejewicz RIMSKY-KORSAKOV (1844–1908)

Centralne miejsce w spuściźnie Rimskiego-Korsakowa zajmują opery - 15 dzieł ukazujących różnorodność rozwiązań gatunkowych, stylistycznych, dramatycznych, kompozycyjnych kompozytora, posiadających jednak szczególny styl - z całym bogactwem elementu orkiestrowego, z których główne to melodyjne linie wokalne. Twórczość kompozytora wyróżniają dwa główne kierunki: pierwszy to historia Rosji, drugi to świat baśni i eposów, za co otrzymał przydomek „gawędziarz”.

Oprócz bezpośredniego niezależnego działalność twórcza N. A. Rimski-Korsakow jest znany jako publicysta, kompilator zbiorów pieśni ludowe, którym wykazywał duże zainteresowanie, a także jako dopełniacz dzieł swoich przyjaciół - Dargomyżskiego, Musorgskiego i Borodina. Rimski-Korsakow był twórcą szkoły kompozytorskiej, jako nauczyciel i dyrektor Konserwatorium w Petersburgu wykształcił około dwustu kompozytorów, dyrygentów i muzykologów, m.in. Prokofiewa i Strawińskiego.

Aleksander Nikołajewicz SKRYABIN (1872 - 1915)

Urodzony w Moskwie, jego matka zmarła wcześnie, ojciec nie mógł zwrócić uwagi na syna, ponieważ był ambasadorem w Persji. Skriabin był wychowywany przez ciotkę i dziadka i od dzieciństwa wykazywał talent muzyczny. Początkowo studiowałem na korpus kadetów, pobierał prywatne lekcje gry na fortepianie, po ukończeniu korpusu wstąpił do Konserwatorium Moskiewskiego, jego kolegą z klasy był S. V. Rachmaninow. Po ukończeniu konserwatorium Skriabin całkowicie poświęcił się muzyce – jako pianista-kompozytor koncertował w Europie i Rosji, większość czasu spędzając za granicą.

Szczyt twórczości kompozytorskiej Skriabina przypada na lata 1903-1908, kiedy to III Symfonia („ Boski poemat"), symfoniczne „Poemat ekstazy”, „Tragiczne” i „Szatańskie” poematy fortepianowe, IV i V sonaty oraz inne dzieła. „Poemat ekstazy”, składający się z kilku tematów-obrazów, skoncentrowany kreatywne pomysły Sryabin jest jego najjaśniejszym arcydziełem. Harmonijnie łączy w sobie zamiłowanie kompozytora do potęgi wielkiej orkiestry i lirycznego, zwiewnego brzmienia instrumenty solowe. Ucieleśniony w „Poemacie ekstazy” jest kolosalny energia życiowa, ognista pasja, silna wola robią na słuchaczu nieodparte wrażenie Dzisiaj zachowuje siłę oddziaływania.

Skriabin: „Powiem im, żeby nie oczekiwali od życia niczego poza tym, co sami mogą stworzyć”.

Kolejnym arcydziełem Skriabina jest „Prometeusz” („Poemat ognia”), w którym autor całkowicie zaktualizował swój język harmoniczny, odchodząc od tradycyjnego systemu tonalnego i po raz pierwszy w historii temu utworowi miała towarzyszyć muzyka kolorowa , ale premiera ze względów technicznych odbyła się bez efektów świetlnych.

Ostatnią niedokończoną „Tajemnicą” był plan Skriabina, marzyciela, romantyka, filozofa, aby przemówić do całej ludzkości i zainspirować ją do stworzenia nowego fantastycznego porządku świata, zjednoczenia Ducha Uniwersalnego z Materią.

Siergiej Wasiljewicz RACHMANINOW (1873 - 1943)

Siergiej Wasiljewicz Rachmaninow to największy na świecie kompozytor początku XX wieku, utalentowany pianista i dyrygent. Kreatywny obraz Kompozytora Rachmaninowa często określa się mianem „najbardziej rosyjskiego kompozytora”, podkreślając w tym krótkim sformułowaniu jego zasługi w łączeniu tradycji muzycznych szkół kompozytorskich Moskwy i Petersburga oraz w tworzeniu własnych niepowtarzalny styl, która wyróżnia się na świecie kultura muzyczna.

Urodzony w obwodzie nowogrodzkim, w wieku czterech lat rozpoczął naukę muzyki pod kierunkiem swojej matki. Studiował w Konserwatorium w Petersburgu, po 3 latach studiów przeniósł się do Konserwatorium Moskiewskiego i ukończył je z dużym złotym medalem. Szybko dał się poznać jako dyrygent i pianista oraz komponował muzykę. Katastrofalna premiera nowatorskiej I Symfonii (1897) w Petersburgu spowodowała kryzys twórczy kompozytora, z którego na początku XX wieku wyłonił się Rachmaninow z ukształtowanym stylem, który łączył rosyjską pieśń kościelną, odchodzący romantyzm europejski, nowoczesny impresjonizm i neoklasycyzm - a wszystko to jest pełne złożonej symboliki. W tym okresie twórczym narodziły się jego najlepsze dzieła, m.in. II i III koncert fortepianowy, II Symfonia oraz ulubiony kawałek— wiersz „Dzwony” na chór, solistów i orkiestrę.

Rachmaninow: „Czuję się jak duch, który samotnie wędruje po obcym mu świecie”.

W 1917 r. Rachmaninow wraz z rodziną został zmuszony do opuszczenia naszego kraju i osiedlenia się w USA. Prawie dziesięć lat po odejściu nic nie komponował, ale dużo koncertował w Ameryce i Europie i został uznany za jednego z nich najwięksi pianiści epoki i najwybitniejszy dyrygent. Mimo wszystkich swoich gorączkowych zajęć Rachmaninow pozostał osobą bezbronną i niepewną, dążącą do samotności, a nawet samotności, unikając irytującej uwagi opinii publicznej. Szczerze kochał i tęsknił za swoją ojczyzną, zastanawiając się, czy nie popełnił błędu opuszczając ją. Nieustannie interesował się wszystkimi wydarzeniami odbywającymi się w Rosji, czytał książki, gazety i czasopisma oraz pomagał finansowo. Efektem są jego ostatnie dzieła – III Symfonia (1937) i „Tańce symfoniczne” (1940). ścieżka twórcza, łącząc w sobie wszystko, co najlepsze w jego niepowtarzalnym stylu i żałobne poczucie nieodwracalnej straty i tęsknoty za ojczyzną.

Podczas Wielkiego Wojna Ojczyźniana Rachmaninow dał kilka koncerty charytatywne, z którego zebrane pieniądze zostały przekazane na Fundusz Armii Czerwonej na rzecz walki z hitlerowskim okupantem.

Igor Fedorowicz STRAWIŃSKI (1882-1971)

Igor Fedorowicz Strawiński to jeden z najbardziej wpływowych światowych kompozytorów XX wieku, przywódca neoklasycyzmu. Strawiński stał się „lustrem” epoka muzyczna w jego twórczości odzwierciedla się wielość stylów, stale przenikających się i trudnych do sklasyfikowania. Swobodnie łączy gatunki, formy, style, wybierając je z wieków historia muzyki i według własnych zasad.

Urodzony pod Petersburgiem, studiował na Wydziale Prawa Uniwersytetu w Petersburgu, samodzielnie studiował dyscypliny muzyczne, pobierał prywatne lekcje u N. A. Rimskiego-Korsakowa, była to jedyna szkoła kompozytorska Strawińskiego, dzięki której opanował do perfekcji technikę kompozytorską . Zawodowo komponował stosunkowo późno, ale jego rozwój był szybki – seria trzech baletów: „Ognisty ptak” (1910), „Pietruszka” (1911) i „Święto wiosny” (1913) natychmiast wprowadziła go w szeregi kompozytorów pierwszej wielkości.

W 1914 r. opuścił Rosję, jak się okazało, niemal na zawsze (w 1962 r. odbyły tournée po ZSRR). Strawiński jest kosmopolitą, zmuszony do zmiany kilku krajów – Rosji, Szwajcarii, Francji, aż ostatecznie zamieszkał w USA. Jego twórczość podzielona jest na trzy okresy - „rosyjski”, „neoklasyczny”, amerykański „ produkcja seryjna„, okresów nie dzieli się ze względu na czas trwania różne kraje, ale według „pisma” autora.

Strawiński: „Mój styl jest rosyjski. Może nie jest to od razu widoczne w mojej muzyce, ale jest w nią wpisane.”

Strawiński był osobą bardzo wykształconą, towarzyską wspaniałe uczucie humor. Do jego grona znajomych i korespondentów należeli muzycy, poeci, artyści, naukowcy, biznesmeni i mężowie stanu.
Ostatnie najwyższe osiągnięcie Strawińskiego, Requiem (Hymny żałobne) (1966), wchłonęło i połączyło dotychczasowe doświadczenia artystyczne kompozytora, stając się prawdziwą apoteozą dzieła mistrza.

W twórczości Stawińskiego wyróżnia się jedna wyjątkowa cecha - „wyjątkowość”, nie bez powodu nazywano go „kompozytorem tysiąca i jednego stylu”, ciągła zmiana gatunku, stylu, kierunku fabuły - każde z jego dzieł jest wyjątkowe, jednak stale powracał do projektów, w których widać Pochodzenie rosyjskie, słychać rosyjskie korzenie.

Siergiej Siergiejewicz PROKOFIEW (1891-1953)

Siergiej Siergiejewicz Prokofiew to jeden z największych rosyjskich kompozytorów XX wieku, pianista i dyrygent.

Urodzony w obwodzie donieckim, z muzyką związał się od dzieciństwa. Prokofiewa można uznać za jednego z nielicznych (jeśli nie jedynych) rosyjskich „cudów muzycznych”, od 5 roku życia zajmował się komponowaniem, w wieku 9 lat napisał dwie opery (oczywiście dzieła te są jeszcze niedojrzałe, ale wykazują chęć tworzenia) w wieku 13 lat zdał egzaminy w Konserwatorium w Petersburgu, wśród jego nauczycieli był N. A. Rimski-Korsakow. Początek jego kariery zawodowej wywołał burzę krytyki i niezrozumienia jego indywidualnego, z gruntu antyromantycznego i skrajnie modernistycznego stylu. Paradoks polega na tym, że burząc akademickie kanony, struktura jego kompozycji pozostała wierna klasyczne zasady a następnie stał się powstrzymującą siłą modernistycznego, zaprzeczającego wszystkiemu sceptycyzmu. Od samego początku swojej kariery Prokofiew dużo koncertował i koncertował. W 1918 odbył tournée międzynarodowe, m.in. odwiedził ZSRR, by w 1936 powrócić do ojczyzny.

Kraj się zmienił, a „wolna” twórczość Prokofiewa zmuszona była ustąpić realiom nowych żądań. Talent Prokofiewa rozkwitł z nową energią - pisał opery, balety, muzykę do filmów - muzyka ostra, silna, niezwykle precyzyjna, z nowymi obrazami i pomysłami, położyła podwaliny pod sowiecką muzykę klasyczną i operę. W 1948 r. niemal jednocześnie wydarzyły się trzy tragiczne wydarzenia: jego pierwsza żona, Hiszpanka, została aresztowana pod zarzutem szpiegostwa i zesłana do obozów; wydano Uchwałę Polibiura Komitetu Centralnego Wszechzwiązkowej Komunistycznej Partii Bolszewików (b), w której zaatakowano Prokofiewa, Szostakowicza i innych i oskarżono ich o „formalizm” i szkodliwość ich muzyki; Nastąpiło gwałtowne pogorszenie stanu zdrowia kompozytora; udał się na emeryturę do swojej daczy i praktycznie jej nie opuścił, ale nadal komponował.

Prokofiew: „Kompozytor, podobnie jak poeta, rzeźbiarz, malarz, powołany jest do służenia człowiekowi i narodowi”.

Do najbardziej uderzających dzieł okresu sowieckiego należały opery „Wojna i pokój” oraz „Opowieść o prawdziwym mężczyźnie”; balety „Romeo i Julia”, „Kopciuszek”, które stały się nowym standardem światowej muzyki baletowej; oratorium „Strażnik Pokoju”; muzyka do filmów „Aleksander Newski” i „Iwan Groźny”; symfonie nr 5,6,7; dzieła fortepianowe.

Twórczość Prokofiewa zadziwia wszechstronnością i bogactwem tematów, oryginalnością myślenie muzyczne, świeżość i oryginalność stanowiły całą epokę w światowej kulturze muzycznej XX wieku i wywarły potężny wpływ na wielu kompozytorów radzieckich i zagranicznych.

Prokofiew bardzo kochał szachy i wzbogacał grę swoimi pomysłami i osiągnięciami, w tym wymyślonymi przez siebie „dziewięcioma” szachami – planszą o wymiarach 24x24 pola, na której ułożono dziewięć zestawów figur.

Dmitrij Dmitriewicz SZOSTAKOWICZ (1906 - 1975)

Dmitrij Dmitriewicz Szostakowicz to jeden z najważniejszych i najczęściej wykonywanych kompozytorów na świecie, jego wpływ na współczesny muzyka klasyczna niezmierzony. Jego dzieła są prawdziwym wyrazem wewnętrznego dramatu człowieka i kroniką trudnych wydarzeń XX wieku, gdzie to, co głęboko osobiste, splata się z tragedią człowieka i ludzkości, z losami jego ojczyzny.

Urodzony w Petersburgu, pierwszy lekcje muzyki otrzymał od matki, ukończył Konserwatorium w Petersburgu, po wejściu do którego jego rektor Aleksander Głazunow porównał go do Mozarta - więc zadziwił wszystkich swoim pięknym pamięć muzyczna, bystry słuch i dar komponowania. Już na początku lat dwudziestych, pod koniec konserwatorium, Szostakowicz miał bagaż własnych dzieł i stał się jednym z najlepsi kompozytorzy kraje. Światową sławę zyskał Szostakowicz po zwycięstwie w I Międzynarodowym Konkursie Chopinowskim w 1927 roku.

Do pewien okres, a mianowicie przed produkcją opery „Lady Makbet z Mtsenska” Szostakowicz pracował jako artysta wolny – „awangarda”, eksperymentując ze stylami i gatunkami. Dotkliwe rozbiórki tej opery, zorganizowane w 1936 r., i represje z 1937 r. zapoczątkowały późniejszą nieustanną walkę wewnętrzną Szostakowicza o wyrażanie własnych poglądów własnymi środkami w warunkach narzucania przez państwo kierunków w sztuce. W jego życiu polityka i twórczość są ze sobą bardzo ściśle powiązane, był przez władze chwalony i prześladowany, zajęty wysokie stanowiska i został z nich usunięty, nagrodzony i groził mu areszt dla siebie i swoich bliskich.

Osoba miękka, inteligentna, delikatna, znalazła własną formę ekspresji zasady twórcze w symfoniach, gdzie mógł możliwie otwarcie mówić prawdę o czasie. Spośród całej rozległej twórczości Szostakowicza we wszystkich gatunkach centralne miejsce zajmują symfonie (15 dzieł); najbardziej dramatyczne są symfonie 5, 7, 8, 10, 15, które stały się szczytem radzieckiej muzyki symfonicznej. Zupełnie inny Szostakowicz objawia się w muzyce kameralnej.

Mimo że sam Szostakowicz był kompozytorem „domowym” i praktycznie nigdy nie podróżował za granicę, jego muzyka, w istocie humanistyczna i prawdziwie artystyczna w formie, szybko i szeroko rozprzestrzeniła się po całym świecie i była wykonywana przez najlepszych dyrygentów. Ogrom talentu Szostakowicza jest tak ogromny, że pełne zrozumienie tego wyjątkowego fenomenu sztuki światowej jest jeszcze przed nami.

Wielu z nas udało się przejść z XX do XXI wieku bez wehikułu czasu. Jak mówią, żyjemy na styku dwóch stuleci. Dlatego mówiąc o tym, kim są współczesnych kompozytorów i do jakiego wieku należy je przypisać, należy to wziąć pod uwagę. Niedawno nowoczesność uznawano za wiek XX. Ale kiedy nastał XXI wiek, poprzedni wiek automatycznie stał się przeszłością.

Terminologia

Zanim zaczniesz rozmawiać na zadany temat, powinieneś zdecydować się na niezbędną terminologię. Po pierwsze, czym jest muzyka klasyczna jako taka? Po drugie, kim są współcześni kompozytorzy? Pomogę Ci zrozumieć te kwestie ciekawa opinia Stefan Fry. Jego książki o historii muzyki klasycznej są tak zachwycające, że czasami nie można się od nich oderwać. Bardzo jasno i bardzo jasno definiuje stawiane zagadnienia.

Muzyka klasyczna. Jeśli rozważymy ten termin w wąskim znaczeniu tego słowa, stanie się jasne, że odnosi się on do dość krótkiego okresu klasycyzmu, który dominował w latach 1750–1830. W w szerokim znaczeniu Muzyka klasyczna to każda poważna muzyka wymagająca uwagi i wysiłku emocjonalnego.

Współcześni kompozytorzy. Powszechnie przyjmuje się, że muzyka klasyczna przetrwała próbę czasu. Jak zatem może być nowocześnie? Pewna metamorfoza nastąpiła właśnie wtedy, gdy przenieśliśmy się w wiek XXI, zostawiając wiek XX w przeszłości. Okazuje się więc, że współcześni kompozytorzy klasyczni należą do XX wieku. Co zatem zrobić z muzyką klasyczną w XXI wieku? Chodzi tu o to, że jest ono używane w szerokim znaczeniu tego słowa - jako muzyka poważna, zmuszająca do myślenia i wymagająca pewnego rodzaju wysiłku emocjonalnego.

Wielcy rosyjscy kompozytorzy XX wieku. Lista

Poniższa lista nie jest chronologiczna, ale kolejność alfabetyczna. Oczywiście można wyróżnić lub wskazać te szczególnie wyróżniające się. Ale ponieważ wszyscy ci ludzie są najwybitniejszymi przedstawicielami swojego stulecia, można ich śmiało nazwać - wielkimi współczesnymi kompozytorami XX wieku. Na liście znajdują się nie tylko kompozytorzy urodzeni na przełomie XIX i XX wieku. Ich twórczość była już znana w tym okresie lub ich twórczość rozkwitła w XX wieku.

Zagraniczni kompozytorzy XX wieku. Lista

Rosyjscy kompozytorzy XXI wieku

Nie da się przypisać niektórych twórców muzycznych do konkretnego stulecia. Przecież wiele dzieł współczesnych kompozytorów zostało opublikowanych i zasługiwało na uwagę zarówno w XX, jak i XXI wieku. Dotyczy to zwłaszcza żyjących kompozytorów, którym udało się w ubiegłym stuleciu zasłynąć ze swojej wysoce artystycznej twórczości i nadal komponują muzykę. w obecnym. Chodzi o o Rodionie Konstantinowiczu Szczedrinie, Sofii Asgatovnej Gubajdulinie i innych.

Są jednak też mało znani rosyjscy kompozytorzy XXI wieku, którzy stworzyli wspaniałe kompozycje, ale ich nazwiska nie zyskały popularności.

Batagow Anton.
Bakszy Aleksander.
Ekimowski Wiktor.
Karmanow Paweł.
Korowicyn Włodzimierz.
Markiełow Paweł.
Martynow Włodzimierz.
Pawłowa Alla.
Marek Pekarski.
Sawałow Jurij.
Savelyev Jurij.
Siergiejewa Tatiana.

Listę tę można znacznie rozszerzyć.

O współczesnych kompozytorach

Marek Pekarski (ur. 1940). Zasłynął dzięki swojemu zespołowi instrumenty perkusyjne. Atmosfera na jego koncertach sprzyja śmiechowi, kompozytor bowiem potrafi żartować podczas wykonywania muzyki (i w przerwach).

Martynov Władimir (ur. 1946) – kompozytor minimalistyczny. Łączy w sobie religijność i „postęp”. Współczesny mistrz muzyki poważnej jest w stanie przekazać wiele przy minimalnych środkach.

Ekimowski Wiktor (ur. 1947). Na uwagę zasługują jego prace programowe m.in jasne imiona. Są to „B” (muzyka napisana na flety i fonogram), „Koncert Syjamski” (przeznaczony na dwa fortepiany), „Sublimacje” (na orkiestrę symfoniczną), „27 Destructions” (na instrumenty perkusyjne) i wiele innych.

(ur. 1951). W jej twórczości można wyczuć wpływ muzyki A. Skriabina. Dużo lotu, wibracji, ognia. Drugi koncert fortepianowy przyciąga uwagę słuchaczy dynamicznym rozwojem i nagłym finałem, który przenosi słuchacza do średniowiecza, a następnie przenosi go z powrotem.

Alla Pavlova (ur. 1952) - kompozytorka-emigrantka. Obecnie mieszka w Ameryce. Jej muzyka jest melodyjna, smutna i bolesna jednocześnie. Napisała sześć symfonii w tonacji molowej, które są całymi tragediami.

Jak widać muzyka współczesnych kompozytorów jest różnorodna, niesamowita i atrakcyjna. Wielu twórców uwielbia eksperymenty i poszukuje nowych form. Należą do nich Bakshi Alexander (ur. 1952). Wśród jego dzieł szczególnie wyróżnia się „Nieodebrane wezwanie”, napisane na skrzypce, 6-7 telefony komórkowe i orkiestrę smyczkową.

Markiełow Paweł (ur. 1967). Jedną z jego ulubionych dziedzin jest muzyka sakralna. Napisał symfonie na orkiestrę, sonaty z wierszami wolnymi na fortepian i 20 symfonii dzwonowych.

Współcześni kompozytorzy dla dzieci

Wybitnymi przedstawicielami są Jurij Sawałow, Władimir Korovitsyn, Jurij Savelyev.

Jurij Sawałow był utalentowanym kompozytorem, doskonałym nauczycielem i wspaniałym aranżerem. Z zapałem prowadził orkiestrę w Dziecięcej Szkole Muzycznej. Był także dobrym wykonawcą. Grał na instrumentach klawiszowych i dętych. Każdy z dziewięciu jego utworów na fortepian ma podtytuł: „Matka”, „Spowiedź”, „Wiatr wędrówki”, „Inspiracja”, „Bal w Zamku Książęcym”, „Preludium”, „Marzec”, „Walc”, „Kołysanka” ”. Wszystkie są bardzo ciekawe, różnorodne i piękne.

Włodzimierz Korowicyn urodził się w 1955 r. Jego twórczość składa się z muzyki pisanej w różnych romansach, dzieł duchowych pisanych na chór, kamerę i orkiestrę symfoniczną. Dla dzieci napisał zbiór piosenek dziecięcych pt. „Raduj się w słońcu” i „Album dziecięcy” na fortepian. Spektakle stanowią doskonałe uzupełnienie repertuaru uczniów. Nazwy spektakli wiernie oddają ich charakter i nastrój: „Calineczka”, „Drewniane buty”, „Wariacje o wieśniaku z akordeonem”, „Emelia jedzie na piecu”, „Smutna księżniczka”, „Dziewczęcy okrągły taniec” .

Piosenki dla dzieci

Piosenki dla dzieci współczesnych kompozytorów przepełnione są optymizmem i pogodą ducha. Pomimo tego, że część z nich powstała pół wieku temu, pozostają one nie tylko aktualne, ale i dość nowoczesne. Najbardziej uważani są za V. Shainsky, I. Dunaevsky, D. Kabalevsky, G. Gladkov. Z wielką przyjemnością słuchamy ich wesołych i zabawnych piosenek, śpiewamy je sami i razem z dziećmi.

Nie wszyscy wiedzą, że to G. Gładkow stworzył melodie z tak popularnych filmów i kreskówek jak „Czerwony Kapturek”, „O Fedocie Łuczniku”, „Dzieci Kapitana Granta”, „Po polecenie szczupaka”, „Plastelinowa wrona” i inne.

Inny legendarny twórca współczesne piosenki dla dzieci - V. Shainsky. Ma ich ponad trzysta. Wystarczy posłuchać „The Blue Carriage”, „Piggy”, „Chunga-Changa”, „Antoshka” i wielu innych, aby zrozumieć, jak utalentowanym jest kompozytorem.

Za współczesnych kompozytorów uważa się więc nie tylko żyjących lub niedawno zmarłych kompozytorów XXI wieku, ale także mistrzów XX wieku. Obaj tworzyli muzykę o odmiennych gatunkach i charakterach, godną uwagi słuchaczy i muzykologów.

6. (1872 - 1915)

Aleksander Nikołajewicz Skriabin to rosyjski kompozytor i pianista, jedna z najwybitniejszych osobistości rosyjskiej i światowej kultury muzycznej. Oryginalna i głęboko poetycka twórczość Skriabina wyróżniała się innowacyjnością nawet na tle narodzin wielu nowych nurtów w sztuce związanych ze zmianami życia społecznego przełomu XIX i XX wieku.
Urodzony w Moskwie, jego matka zmarła wcześnie, ojciec nie mógł zwrócić uwagi na syna, ponieważ był ambasadorem w Persji. Skriabin był wychowywany przez ciotkę i dziadka i od dzieciństwa wykazywał talent muzyczny. Początkowo uczył się w korpusie kadetów, pobierał prywatne lekcje gry na fortepianie, a po ukończeniu korpusu wstąpił do Konserwatorium Moskiewskiego, jego kolegą z klasy był S.V. Po ukończeniu konserwatorium Skriabin całkowicie poświęcił się muzyce – jako pianista-kompozytor koncertował w Europie i Rosji, większość czasu spędzając za granicą.
Szczyt twórczości kompozytorskiej Skriabina przypadł na lata 1903-1908, kiedy to ukazała się III Symfonia („Boski poemat”), symfoniczny „Poemat ekstazy”, poematy fortepianowe „Tragiczne” i „szatańskie”, IV i V sonaty oraz inne dzieła. wydany. „Poemat ekstazy”, składający się z kilku obrazów tematycznych, skupił twórcze pomysły Sryabina i jest jego genialnym arcydziełem. Harmonijnie łączy zamiłowanie kompozytora do potęgi wielkiej orkiestry i lirycznego, napowietrzonego brzmienia instrumentów solowych. Kolosalna energia życiowa, ognista pasja i siła silnej woli zawarte w „Poemacie ekstazy” robią na słuchaczu nieodparte wrażenie i do dziś zachowują moc swojego oddziaływania.
Kolejnym arcydziełem Skriabina jest „Prometeusz” („Poemat ognia”), w którym autor całkowicie zaktualizował swój język harmoniczny, odchodząc od tradycyjnego systemu tonalnego i po raz pierwszy w historii temu utworowi miała towarzyszyć muzyka kolorowa , ale premiera ze względów technicznych odbyła się bez efektów świetlnych.
Ostatnią niedokończoną „Tajemnicą” był plan Skriabina, marzyciela, romantyka, filozofa, aby przemówić do całej ludzkości i zainspirować ją do stworzenia nowego fantastycznego porządku świata, zjednoczenia Ducha Uniwersalnego z Materią.

Cytat A.N. Skriabina: „Powiem im (ludziom) – żeby… nie oczekiwali od życia niczego poza tym, co sami mogą stworzyć… Powiem im, że nie ma nic opłakiwać, żeby nie było straty. Aby nie bali się rozpaczy, która jako jedyna może dać początek prawdziwemu triumfowi. Silny i potężny jest ten, kto doświadczył rozpaczy i ją pokonał.

Cytat o A.N. Skriabinie: „Dzieło Skriabina było jego czasem wyrażonym w dźwiękach, ale kiedy to, co tymczasowe, przemijające, znajduje wyraz w kreatywności wielki artysta nabiera trwałego znaczenia i staje się trwały.” G. V. Plechanow

A.N. Skriabin „Prometeusz”

7. (1873 - 1943)

Cytat S.V.
„Czuję się jak duch wędrujący samotnie po obcym mi świecie”.
„Najwyższą jakością wszelkiej sztuki jest jej szczerość.”
„Wielcy kompozytorzy zawsze i przede wszystkim zwracali uwagę na melodię jako naczelną zasadę muzyki. Melodia to muzyka, główna podstawa wszelkiej muzyki... Inwencja melodyczna, w najwyższym tego słowa znaczeniu, jest główną zasadą cel życiowy kompozytor... Z tego powodu wielcy kompozytorzy przeszłości tak bardzo interesowali się melodiami ludowymi swoich krajów.

Cytat o S.V.
„Rachmaninow został stworzony ze stali i złota: stal jest w jego rękach, złoto jest w jego sercu. Nie mogę o nim myśleć bez łez. Nie tylko podziwiałem wielkiego artystę, ale pokochałem jego osobę”. I. Hoffmana
„Muzyką Rachmaninowa jest Ocean. Jego fale – muzyczne – zaczynają się tak daleko za horyzontem, unoszą cię tak wysoko i opuszczają tak powoli… że czujesz tę Moc i Oddech”. A. Konczałowski

Ciekawostka: podczas Wielkiej Wojny Ojczyźnianej Rachmaninow dał kilka koncertów charytatywnych, z których dochód przekazał Funduszowi Armii Czerwonej na walkę z nazistowskimi okupantami.

S.V. Rachmaninow. Koncert fortepianowy nr 2

8. (1882-1971)
Igor Fedorowicz Strawiński to jeden z najbardziej wpływowych światowych kompozytorów XX wieku, przywódca neoklasycyzmu. Strawiński stał się „lustrem” epoki muzycznej; w jego twórczości odbija się wielość stylów, nieustannie przenikających się i trudnych do sklasyfikowania. Swobodnie łączy gatunki, formy, style, wybierając je z wielowiekowej historii muzyki i poddając własnym regułom.
Urodzony pod Petersburgiem, studiował na Wydziale Prawa Uniwersytetu w Petersburgu, samodzielnie studiował dyscypliny muzyczne, pobierał prywatne lekcje u N. A. Rimskiego-Korsakowa, była to jedyna szkoła kompozytorska Strawińskiego, dzięki której opanował do perfekcji technikę kompozytorską . Zawodowo komponował stosunkowo późno, ale jego rozwój był szybki – seria trzech baletów: „Ognisty ptak” (1910), „Pietruszka” (1911) i „Święto wiosny” (1913) natychmiast wyniosła go w szeregi kompozytorów pierwszej wielkości.
W 1914 r. opuścił Rosję, jak się okazało, niemal na zawsze (w 1962 r. odbyły tournée po ZSRR). , zmuszony do zmiany kilku krajów - Rosji, Szwajcarii, Francji i ostatecznie zamieszkał w USA. Jego twórczość podzielona jest na trzy okresy - „rosyjski”, „neoklasyczny”, amerykański „produkcja masowa”, okresy dzieli nie czas życia w różnych krajach, ale „pismo ręczne” autora.
Strawiński był osobą bardzo wykształconą, towarzyską, ze wspaniałym poczuciem humoru. Do jego grona znajomych i korespondentów należeli muzycy, poeci, artyści, naukowcy, biznesmeni i mężowie stanu.
Ostatnie najwyższe osiągnięcie Strawińskiego – „Requiem” (Hymny żałobne) (1966) wchłonęło i połączyło dotychczasowe doświadczenia artystyczne kompozytora, stając się prawdziwą apoteozą dzieła mistrza.
W twórczości Stawińskiego wyróżnia się jedna wyjątkowa cecha - „niepowtarzalność”, nie bez powodu nazywano go „kompozytorem tysiąca i jednego stylu”, ciągła zmiana gatunku, stylu, kierunku fabuły - każde z jego dzieł jest wyjątkowe , jednak stale powracał do projektów, w których widoczne jest rosyjskie pochodzenie, słychać rosyjskie korzenie.

Cytat I.F. Strawińskiego: „Całe życie mówię po rosyjsku, mam rosyjską sylabę Może nie jest to od razu widoczne w mojej muzyce, ale jest w nią wpisane, ma w sobie ukrytą naturę”.

Cytat o I.F. Strawińskim: „Strawiński jest prawdziwie rosyjskim kompozytorem... Duch rosyjski jest niezniszczalny w sercu tego naprawdę wielkiego, wieloaspektowego talentu, zrodzonego na ziemi rosyjskiej i ściśle z nią związanego…” D. Szostakowicz

Ciekawostka (bajka):
Będąc w Nowym Jorku, Strawiński wziął taksówkę i ze zdziwieniem przeczytał na tablicy swoje nazwisko.
-Jesteś krewnym kompozytora? – zapytał kierowcę.
- Czy istnieje kompozytor o takim nazwisku? - kierowca był zaskoczony. - Pierwszy raz to słyszę. Jednak Strawiński to nazwisko właściciela taksówki. Nie mam nic wspólnego z muzyką - nazywam się Rossini...

I.F. Strawiński. Apartament „Ognisty Ptak”

9. (1891—1953)

Cytat z S.S. Prokofiewa:
„Czy artysta może stać z dala od życia?.. Trwam w przekonaniu, że kompozytor, podobnie jak poeta, rzeźbiarz, malarz, powołany jest do służenia człowiekowi i ludowi... On przede wszystkim ma obowiązek być obywatel w swojej sztuce, śpiewać życie ludzkie i poprowadź człowieka do świetlanej przyszłości…”
„Jestem przejawem życia, które daje mi siłę przeciwstawić się wszystkiemu, co nieduchowe”

Cytat o S.S. Prokofiewie: „...wszystkie aspekty jego muzyki są piękne. Ale jest tu jedna rzecz zupełnie niezwykła. Podobno każdy z nas ma jakieś niepowodzenia, wątpliwości, po prostu Zły nastrój. I w takich momentach, nawet jeśli nie gram i nie słucham Prokofiewa, ale tylko o nim myślę, dostaję niesamowity ładunek energii, czuję ogromną chęć życia i działania.” E. Kissin

Ciekawostka: Prokofiew bardzo kochał szachy i wzbogacał grę swoimi pomysłami i osiągnięciami, w tym wymyśloną przez siebie „dziewięcioma” szachami – planszą o wymiarach 24x24, na której ułożono dziewięć zestawów figur.

SS Prokofiew. Koncert nr 3 na fortepian i orkiestrę

10. Dmitrij Dmitriewicz Szostakowicz (1906 - 1975)

Dmitrij Dmitriewicz Szostakowicz to jeden z najważniejszych i najczęściej wykonywanych kompozytorów na świecie, jego wpływ na współczesną muzykę klasyczną jest niezmierzony. Jego dzieła są prawdziwym wyrazem wewnętrznego dramatu człowieka i kroniką trudnych wydarzeń XX wieku, gdzie to, co głęboko osobiste, splata się z tragedią człowieka i ludzkości, z losami jego ojczyzny.
Urodzony w Petersburgu, pierwsze lekcje muzyki pobierał u swojej matki, ukończył Konserwatorium w Petersburgu, po wejściu do którego jego rektor Aleksander Głazunow porównał go do Mozarta - dlatego zadziwił wszystkich doskonałą pamięcią muzyczną, bystrym słuchem i talentem dla kompozycji. Już na początku lat 20., pod koniec konserwatorium, Szostakowicz miał bagaż własnych dzieł i stał się jednym z najlepszych kompozytorów w kraju. Światowa sława przyszła do Szostakowicza po zwycięstwie w 1927 r.
Do pewnego okresu, a mianowicie przed wystawieniem opery „Lady Makbet z Mtsenska”, Szostakowicz działał jako artysta wolny – „awangarda”, eksperymentując ze stylami i gatunkami. Dotkliwe rozbiórki tej opery, zorganizowane w 1936 r., i represje z 1937 r. zapoczątkowały późniejszą nieustanną walkę wewnętrzną Szostakowicza o wyrażanie własnych poglądów własnymi środkami w warunkach narzucania przez państwo kierunków w sztuce. W jego życiu polityka i twórczość są ze sobą bardzo ściśle powiązane, był przez władze chwalony i prześladowany, piastował wysokie stanowiska i został z nich usunięty, on i jego bliscy zostali nagrodzeni i groziło im aresztowanie.
Jako człowiek łagodny, inteligentny, delikatny, swoją formę wyrażania zasad twórczych odnalazł w symfoniach, w których mógł możliwie otwarcie mówić prawdę o czasie. Spośród całej rozległej twórczości Szostakowicza we wszystkich gatunkach centralne miejsce zajmują symfonie (15 dzieł); najbardziej dramatyczne są symfonie 5, 7, 8, 10, 15, które stały się szczytem radzieckiej muzyki symfonicznej. Zupełnie inny Szostakowicz objawia się w muzyce kameralnej.
Mimo że sam Szostakowicz był kompozytorem „domowym” i praktycznie nigdy nie podróżował za granicę, jego muzyka, w istocie humanistyczna i prawdziwie artystyczna w formie, szybko i szeroko rozprzestrzeniła się po całym świecie i była wykonywana przez najlepszych dyrygentów. Ogrom talentu Szostakowicza jest tak ogromny, że pełne zrozumienie tego wyjątkowego fenomenu sztuki światowej jest jeszcze przed nami.

Cytat z D.D. Szostakowicza: „Prawdziwa muzyka zdolna jest wyrazić tylko ludzkie uczucia, tylko zaawansowane ludzkie idee”.

D. Szostakowicz. Symfonia nr 7 „Leningrad”

D. Szostakowicz. Walc nr 2

Wyrównanie tekstu: justifynbsp; tytuł=

Światowa muzyka klasyczna jest nie do pomyślenia bez dzieł rosyjskich kompozytorów. Rosja, wspaniały kraj ze swoimi utalentowanymi ludźmi i dziedzictwem kulturowym, zawsze była jedną z wiodących lokomotyw światowego postępu i sztuki, w tym muzyki. Rosyjska szkoła kompozytorska, której kontynuacją tradycji były szkoły sowieckie i dzisiejsze szkoły rosyjskie, rozpoczęła się w XIX wieku od kompozytorów, którzy łączyli europejską sztukę muzyczną z rosyjskimi melodiami ludowymi, łącząc europejską formę i rosyjskiego ducha.

O każdym z nich sławni ludzie wiele można powiedzieć, każdego spotykają trudne i czasami tragiczne losy, ale w tę recenzję Staraliśmy się podać jedynie krótki opis życia i twórczości kompozytorów.

1.Michaił Iwanowicz GLINKA (1804—1857)

Michaił Iwanowicz Glinka jest twórcą rosyjskiej muzyki klasycznej i pierwszym rosyjskim kompozytorem klasycznym, który zdobył światową sławę. Jego twórczość opiera się na wielowiekowych tradycjach języka rosyjskiego muzyka ludowa, były nowym słowem w sztuce muzycznej naszego kraju.
Urodzony w województwie smoleńskim, kształcił się w Petersburgu. Kształtowanie się światopoglądu i głównej idei twórczości Michaiła Glinki ułatwiła bezpośrednia komunikacja z takimi osobistościami jak A.S. Puszkin, V.A. Żukowski, A.S. Gribojedow, A.A. Delvig. Impulsu twórczego do jego twórczości dodała wieloletnia podróż do Europy na początku lat 30. XIX w. i spotkania z czołowymi kompozytorami tamtych czasów – V. Bellinim, G. Donizettim, F. Mendelssohnem, a później z G. Berliozem, J. Meyerbeera. Sukces przyszedł do M.I. Glinki po wystawieniu opery „Iwan Susanin” („Życie dla cara”) (1836), która po raz pierwszy została entuzjastycznie przyjęta przez wszystkich w muzyce światowej, rosyjskiej sztuce chóralnej oraz europejskiej symfonii i operze praktyki zostały organicznie połączone i pojawił się bohater taki jak Susanin, którego wizerunek podsumowuje najlepsze cechy charakteru narodowego. V.F. Odoevsky określił operę jako „nowy element w sztuce i rozpoczyna się nowy okres w jej historii – okres muzyki rosyjskiej”.
Drugą operą jest epicki „Rusłan i Ludmiła” (1842), utwór, który powstał na tle śmierci Puszkina i w trudnych warunkach życia kompozytora, ze względu na głęboko nowatorski charakter dzieła, został przyjęty niejednoznacznie przez publiczność i władze i przyniosła M.I. Glince trudne doświadczenia. Potem dużo podróżował, mieszkając na przemian w Rosji i za granicą, nie przestając komponować. Jego dziedzictwo obejmuje romanse, dzieła symfoniczne i kameralne. W latach 90. oficjalnym hymnem Federacji Rosyjskiej była „Pieśń patriotyczna” Michaiła Glinki.

Cytat z M.I. Glinki: „Aby tworzyć piękno, sam musisz być czysty w duszy”.

Cytat o M.I. Glince: „Cała rosyjska szkoła symfoniczna, jak cały dąb w żołędziu, zawarta jest w fantazji symfonicznej „Kamarinskaya”. P.I. Czajkowski

Ciekawostka: Michaił Iwanowicz Glinka nie cieszył się dobrym zdrowiem, mimo to był bardzo wyluzowany i bardzo dobrze znał geografię, być może, gdyby nie został kompozytorem, zostałby podróżnikiem; Znał sześć języków obcych, w tym perski.

2. Aleksander Porfiriewicz BORODIN (1833—1887)

Aleksander Porfiriewicz Borodin, jeden z czołowych rosyjskich kompozytorów drugiej połowy XIX wieku, oprócz talentu kompozytorskiego, był chemikiem, lekarzem, nauczycielem, krytykiem i miał talent literacki.
Urodzony w Petersburgu, od dzieciństwa wszyscy wokół niego zauważali jego niezwykłą aktywność, pasję i zdolności na różnych polach, przede wszystkim w muzyce i chemii. A.P. Borodin jest rosyjskim kompozytorem-samorodkiem; nie miał zawodowych nauczycieli-muzyków; wszystkie jego osiągnięcia muzyczne były wynikiem samodzielnej pracy nad opanowaniem techniki komponowania. Na powstanie A.P. Borodina wpłynęła praca M.I. Glinki (jak zresztą wszyscy rosyjscy kompozytorzy XIX wieku), a impuls do intensywnych studiów kompozytorskich na początku lat 60. XIX wieku dały dwa wydarzenia - po pierwsze, jego znajomość i małżeństwo z utalentowaną pianistką E.S. Protopopową, a po drugie, spotkanie z M.A. Bałakirewa i dołączenie do twórczej społeczności rosyjskich kompozytorów, znanej jako „Potężna Garść”. Pod koniec lat 70. i 80. XIX wieku A.P. Borodin dużo podróżował i koncertował w Europie i Ameryce, spotykał się z czołowymi kompozytorami swoich czasów, jego sława rosła, stał się jednym z najbardziej znanych i popularnych rosyjskich kompozytorów w Europie pod koniec XIX wieku wiek.
Centralne miejsce w twórczości A.P. Borodina zajmuje opera „Książę Igor” (1869–1890), będąca przykładem narodowej epopei heroicznej w muzyce, której on sam nie miał czasu ukończyć (ukończył ją jego przyjaciele A.A. Głazunow i N.A. Rimski-Korsakow). W „Księciu Igorze” na tle majestatycznych obrazów wydarzeń historycznych odzwierciedla się główna idea całego dzieła kompozytora – odwaga, spokojna wielkość, duchowa szlachetność najlepszego narodu rosyjskiego i potężna siła całego Naród rosyjski manifestował się w obronie swojej ojczyzny. Pomimo tego, że A.P. Borodin pozostawił po sobie stosunkowo niewielką liczbę dzieł, jego twórczość jest bardzo różnorodna i uważany jest za jednego z ojców rosyjskiej muzyki symfonicznej, który wywarł wpływ na wiele pokoleń kompozytorów rosyjskich i zagranicznych.

Cytat o A.P. Borodinie: „Talent Borodina jest równie potężny i niesamowity w symfonii, operze i romansie. Jego głównymi cechami są gigantyczna siła i szerokość, kolosalny zasięg, szybkość i porywczość w połączeniu z niesamowitą pasją, delikatnością i pięknem”. V.V. Stasow

Ciekawostka: reakcja chemiczna soli srebra kwasów karboksylowych z halogenami, w wyniku której powstają chlorowcowane węglowodory, którą jako pierwszy badał w 1861 r., nosi imię Borodina.

3. Modest Pietrowicz MUSORGSKY (1839—1881)

Modest Pietrowicz Musorgski to jeden z najwybitniejszych rosyjskich kompozytorów XIX wieku, członek „Potężnej Garści”. Innowacyjne dzieło Musorgskiego znacznie wyprzedzało swoje czasy.
Urodzony w obwodzie pskowskim. Jak wielu utalentowanych ludzi, od dzieciństwa wykazywał zdolności muzyczne, studiował w Petersburgu i zgodnie z tradycją rodzinną był wojskowym. Decydującym wydarzeniem, które zdecydowało, że Musorgski urodził się nie dla służby wojskowej, ale dla muzyki, było spotkanie z M.A. Bałakirewem i przyłączenie się do „Potężnej Garści”. Musorgski jest wielki, ponieważ w swoich wspaniałych dziełach – operach „Borys Godunow” i „Khovanshchina” – uchwycił w muzyce dramatyczne kamienie milowe historii Rosji z radykalną nowością, jakiej muzyka rosyjska nie znała wcześniej, pokazując w nich połączenie masowego folku sceny i różnorodne bogactwo typów, niepowtarzalny charakter narodu rosyjskiego. Opery te, w licznych wydaniach autora i innych kompozytorów, należą do najpopularniejszych oper rosyjskich na świecie. Kolejnym wybitnym dziełem Musorgskiego jest cykl utworów fortepianowych „Obrazy z wystawy”, barwnych i pomysłowych miniatur przesiąkniętych rosyjskim refrenem tematycznym i wiarą prawosławną.

W życiu Musorgskiego było wszystko - zarówno wielkość, jak i tragedia, ale zawsze wyróżniała go prawdziwa duchowa czystość i bezinteresowność. Jego ostatnie lata były trudne – niespokojne życie, brak uznania dla twórczości, samotność, uzależnienie od alkoholu, to wszystko zadecydowało o jego przedwczesnej śmierci w wieku 42 lat, pozostawił po sobie stosunkowo niewiele dzieł, z których część została ukończona przez innych kompozytorów. Specyficzna melodia i nowatorska harmonia Musorgskiego antycypowały pewne cechy rozwoju muzycznego XX wieku i odegrały ważną rolę w kształtowaniu się stylów wielu światowych kompozytorów.

Cytat z MP Musorgskiego: „Dźwięki mowy ludzkiej, jako zewnętrzne przejawy myśli i uczuć, muszą bez przesady i przemocy stać się muzyką prawdziwą, dokładną, ale artystyczną, wysoce artystyczną”.

Cytat o M.P. Musorgskim: „Oryginalne rosyjskie brzmienie we wszystkim, co stworzył Musorgski” N.K. Roerich

Ciekawostka: pod koniec życia Musorgski pod naciskiem swoich „przyjaciół” Stasowa i Rimskiego-Korsakowa zrzekł się praw autorskich do swoich dzieł i przekazał je Tercjuszowi Filippowowi

4. Piotr Iljicz Czajkowski (1840—1893)

Piotr Iljicz Czajkowski, być może największy rosyjski kompozytor XIX wieku, wyniósł rosyjską sztukę muzyczną na niespotykany wcześniej poziom. Jest jednym z najważniejszych kompozytorów światowej muzyki klasycznej.
Pochodzący z prowincji Wiatka, choć jego ojcowskie korzenie sięgają Ukrainy, Czajkowski wykazywał zdolności muzyczne od dzieciństwa, ale jego pierwsza edukacja i praca dotyczyła prawoznawstwa. Czajkowski był jednym z pierwszych rosyjskich kompozytorów „profesjonalnych”. Studiował teorię muzyki i kompozycję w nowym Konserwatorium w Petersburgu. Czajkowski uchodził za kompozytora „zachodniego”, w przeciwieństwie do popularnych postaci „Potężnej Garści”, z którymi utrzymywał dobre twórcze i przyjacielskie stosunki, jednak w jego twórczości nie mniej przesiąknięty jest duch rosyjski, udało mu się w unikalny sposób połączyć Zachodnie dziedzictwo symfoniczne Mozarta, Beethovena i Schumanna z tradycjami rosyjskimi odziedziczonymi od Michaiła Glinki.
Kompozytor prowadził aktywne życie – był nauczycielem, dyrygentem, krytykiem, osobą publiczną, pracował w dwóch stolicach, koncertował w Europie i Ameryce. Czajkowski był osobą dość niestabilną emocjonalnie; entuzjazm, przygnębienie, apatia, gorący temperament, gwałtowny gniew - wszystkie te nastroje zmieniały się w nim dość często, będąc osobą bardzo towarzyską, zawsze dążył do samotności.
Wybranie czegoś najlepszego z twórczości Czajkowskiego jest trudnym zadaniem; ma on na swoim koncie kilka równorzędnych dzieł z niemal wszystkich gatunków muzycznych – opery, baletu, symfonii, muzyki kameralnej. Treść muzyki Czajkowskiego jest uniwersalna: z niepowtarzalną melodyką obejmuje obrazy życia i śmierci, miłości, natury, dzieciństwa, w nowy sposób odsłania dzieła literatury rosyjskiej i światowej, odzwierciedla głębokie procesy życia duchowego.

Cytat kompozytora:
„Jestem artystą, który może i powinien przynosić honor mojej Ojczyźnie. Czuję się świetnie w sobie moc artystyczna, nie zrobiłem jeszcze nawet jednej dziesiątej tego, co potrafię. I chcę to zrobić całą siłą duszy.”
„Życie ma piękno tylko wtedy, gdy składa się z naprzemiennych radości i smutków, walki dobra ze złem, światła i cienia, jednym słowem – różnorodności w jedności”.
„Wielki talent wymaga wielkiej, ciężkiej pracy”.

Cytat o kompozytorze: „Jestem gotowy dzień i noc stać jako warta honorowa na werandzie domu, w którym mieszka Piotr Iljicz – i dlatego go bardzo szanuję”. A. P. Czechow

Ciekawostka: Uniwersytet w Cambridge nadał Czajkowskiemu tytuł doktora muzyki zaocznie i bez obrony rozprawy doktorskiej, a paryska Akademia Sztuk Pięknych wybrała go na członka korespondenta.

5. Nikołaj Andriejewicz RIMSKY-KORSAKOV (1844—1908)

Nikołaj Andriejewicz Rimski-Korsakow to utalentowany rosyjski kompozytor, jedna z najważniejszych postaci w tworzeniu bezcennego rosyjskiego dziedzictwa muzycznego. Jego niepowtarzalny świat i uwielbienie odwiecznego, wszechogarniającego piękna wszechświata, podziw dla cudu istnienia, jedność z naturą nie mają odpowiednika w historii muzyki.
Urodzony w obwodzie nowogrodzkim, zgodnie z tradycją rodzinną został oficerem marynarki wojennej i podróżował na okręcie wojennym po wielu krajach Europy i obu Ameryk. Edukację muzyczną pobierał najpierw od matki, następnie pobierał prywatne lekcje u pianisty F. Canille’a. I znowu, dzięki M.A. Bałakiriewowi, organizatorowi „Potężnej Garści”, który wprowadził Rimskiego-Korsakowa do społeczności muzycznej i wpłynął na jego twórczość, świat nie stracił utalentowanego kompozytora.
Centralne miejsce w spuściźnie Rimskiego-Korsakowa zajmują opery - 15 dzieł ukazujących różnorodność rozwiązań gatunkowych, stylistycznych, dramatycznych, kompozycyjnych kompozytora, posiadających jednak szczególny styl - z całym bogactwem elementu orkiestrowego, z których główne to melodyjne linie wokalne. Twórczość kompozytora wyróżniają dwa główne kierunki: pierwszy to historia Rosji, drugi to świat baśni i eposów, za co otrzymał przydomek „gawędziarz”.
Oprócz bezpośredniej niezależnej działalności twórczej N.A. Rimski-Korsakow znany jest jako publicysta, kompilator zbiorów pieśni ludowych, którymi wykazywał duże zainteresowanie, a także jako wykonawca dzieł swoich przyjaciół - Dargomyżskiego, Musorgskiego i Borodina . Rimski-Korsakow był twórcą szkoły kompozytorskiej, jako nauczyciel i dyrektor Konserwatorium w Petersburgu wykształcił około dwustu kompozytorów, dyrygentów i muzykologów, m.in. Prokofiewa i Strawińskiego.

Cytat o kompozytorze: „Rimski-Korsakow był bardzo rosyjskim człowiekiem i bardzo rosyjskim kompozytorem. Uważam, że tę jego pierwotnie rosyjską istotę, jego głęboką ludowo-rosyjską bazę należy dziś szczególnie docenić”. Mścisław Rostropowicz

Twórczość kompozytorów rosyjskich końca XIX i pierwszej połowy XX wieku stanowi holistyczną kontynuację tradycji szkoły rosyjskiej. Jednocześnie nazwano koncepcję podejścia do „narodowej” przynależności tej czy innej muzyki; praktycznie nie ma bezpośredniego cytatu melodii ludowych, ale pozostaje intonacyjna rosyjska podstawa, rosyjska dusza.

6. Aleksander Nikołajewicz SKRYABIN (1872 - 1915)

7. Siergiej Wasiljewicz RACHMANINOW (1873 - 1943)

Siergiej Wasiljewicz Rachmaninow to największy na świecie kompozytor początku XX wieku, utalentowany pianista i dyrygent. Twórczy wizerunek kompozytora Rachmaninowa określany jest często mianem „najbardziej rosyjskiego kompozytora”, podkreślając w tym krótkim sformułowaniu jego zasługi w łączeniu tradycji muzycznych moskiewskiej i petersburskiej szkoły kompozytorskiej oraz w tworzeniu własnego, niepowtarzalnego stylu, który wyróżnia się w światowej kulturze muzycznej.
Urodzony w obwodzie nowogrodzkim, w wieku czterech lat rozpoczął naukę muzyki pod kierunkiem swojej matki. Studiował w Konserwatorium w Petersburgu, po 3 latach studiów przeniósł się do Konserwatorium Moskiewskiego i ukończył je z dużym złotym medalem. Szybko dał się poznać jako dyrygent i pianista oraz komponował muzykę. Katastrofalna premiera nowatorskiej I Symfonii (1897) w Petersburgu spowodowała kryzys twórczy kompozytora, z którego na początku XX wieku wyłonił się Rachmaninow z dojrzałym stylem, łączącym rosyjską pieśń kościelną, odchodzący romantyzm europejski, nowoczesny impresjonizm i neoklasycyzm, a wszystko to w pełni o złożonej symbolice. W tym okresie twórczym narodziły się jego najlepsze dzieła, m.in. II i III koncert fortepianowy, II Symfonia oraz jego ulubione dzieło – wiersz „Dzwony” na chór, solistów i orkiestrę.
W 1917 r. Rachmaninow wraz z rodziną został zmuszony do opuszczenia naszego kraju i osiedlenia się w USA. Przez prawie dziesięć lat po odejściu nic nie komponował, ale intensywnie koncertował w Ameryce i Europie i został uznany za jednego z najwybitniejszych pianistów swojej epoki i głównego dyrygenta. Mimo wszystkich swoich gorączkowych zajęć Rachmaninow pozostał osobą bezbronną i niepewną, dążącą do samotności, a nawet samotności, unikając irytującej uwagi opinii publicznej. Szczerze kochał i tęsknił za swoją ojczyzną, zastanawiając się, czy nie popełnił błędu opuszczając ją. Nieustannie interesował się wszystkimi wydarzeniami odbywającymi się w Rosji, czytał książki, gazety i czasopisma oraz pomagał finansowo. Jego ostatnie dzieła – III Symfonia (1937) i „Tańce symfoniczne” (1940) były efektem jego drogi twórczej, łączącej w sobie wszystko, co najlepsze w jego niepowtarzalnym stylu oraz żałobne poczucie nieodwracalnej straty i tęsknoty za ojczyzną.

Cytat S.V.
„Czuję się jak duch wędrujący samotnie po obcym mi świecie”.
„Najwyższą jakością wszelkiej sztuki jest jej szczerość.”
„Wielcy kompozytorzy zawsze i przede wszystkim zwracali uwagę na melodię jako naczelną zasadę muzyki. Melodia to muzyka, główna podstawa wszelkiej muzyki… Pomysłowość melodyczna, w najwyższym tego słowa znaczeniu, jest głównym celem życiowym kompozytor.... Oto powód, dla którego wielcy kompozytorzy przeszłości tak bardzo interesowali się melodiami ludowymi swoich krajów.

Cytat o S.V.
„Rachmaninow został stworzony ze stali i złota: stal jest w jego rękach, złoto jest w jego sercu. Nie mogę o nim myśleć bez łez. Nie tylko podziwiałem wielkiego artystę, ale pokochałem jego osobę”. I. Hoffmana
„Muzyką Rachmaninowa jest Ocean. Jego fale – muzyczne – zaczynają się tak daleko za horyzontem, unoszą cię tak wysoko i opuszczają tak powoli… że czujesz tę Moc i Oddech”. A. Konczałowski

Ciekawostka: podczas Wielkiej Wojny Ojczyźnianej Rachmaninow dał kilka koncertów charytatywnych, z których dochód przekazał Funduszowi Armii Czerwonej na walkę z nazistowskimi okupantami.

8. Igor Fedorowicz STRAWIŃSKI (1882-1971)

Igor Fedorowicz Strawiński to jeden z najbardziej wpływowych światowych kompozytorów XX wieku, przywódca neoklasycyzmu. Strawiński stał się „lustrem” epoki muzycznej; w jego twórczości odbija się wielość stylów, nieustannie przenikających się i trudnych do sklasyfikowania. Swobodnie łączy gatunki, formy, style, wybierając je z wielowiekowej historii muzyki i poddając własnym regułom.
Urodzony pod Petersburgiem, studiował na Wydziale Prawa Uniwersytetu w Petersburgu, samodzielnie studiował dyscypliny muzyczne, pobierał prywatne lekcje u N. A. Rimskiego-Korsakowa, była to jedyna szkoła kompozytorska Strawińskiego, dzięki której opanował do perfekcji technikę kompozytorską . Zawodowo komponował stosunkowo późno, ale jego rozwój był szybki – seria trzech baletów: „Ognisty ptak” (1910), „Pietruszka” (1911) i „Święto wiosny” (1913) natychmiast wyniosła go w szeregi kompozytorów pierwszej wielkości.
W 1914 r. opuścił Rosję, jak się okazało, niemal na zawsze (w 1962 r. odbyły tournée po ZSRR). Strawiński jest kosmopolitą, zmuszony do zmiany kilku krajów – Rosji, Szwajcarii, Francji, aż ostatecznie zamieszkał w USA. Jego twórczość podzielona jest na trzy okresy - „rosyjski”, „neoklasyczny”, amerykański „produkcja masowa”, okresy dzieli nie czas życia w różnych krajach, ale „pismo ręczne” autora.
Strawiński był osobą bardzo wykształconą, towarzyską, ze wspaniałym poczuciem humoru. Do jego grona znajomych i korespondentów należeli muzycy, poeci, artyści, naukowcy, biznesmeni i mężowie stanu.
Ostatnie najwyższe osiągnięcie Strawińskiego – „Requiem” (Hymny żałobne) (1966) wchłonęło i połączyło dotychczasowe doświadczenia artystyczne kompozytora, stając się prawdziwą apoteozą dzieła mistrza.
W twórczości Stawińskiego wyróżnia się jedna wyjątkowa cecha - „niepowtarzalność”, nie bez powodu nazywano go „kompozytorem tysiąca i jednego stylu”, ciągła zmiana gatunku, stylu, kierunku fabuły - każde z jego dzieł jest wyjątkowe , jednak stale powracał do projektów, w których widoczne jest rosyjskie pochodzenie, słychać rosyjskie korzenie.

Cytat I.F. Strawińskiego: „Całe życie mówię po rosyjsku, mam rosyjską sylabę Może nie jest to od razu widoczne w mojej muzyce, ale jest w nią wpisane, ma w sobie ukrytą naturę”.

Cytat o I.F. Strawińskim: „Strawiński jest prawdziwie rosyjskim kompozytorem... Duch rosyjski jest niezniszczalny w sercu tego naprawdę wielkiego, wieloaspektowego talentu, zrodzonego na ziemi rosyjskiej i ściśle z nią związanego…” D. Szostakowicz

Ciekawostka (bajka):
Będąc w Nowym Jorku, Strawiński wziął taksówkę i ze zdziwieniem przeczytał na tablicy swoje nazwisko.
-Jesteś krewnym kompozytora? – zapytał kierowcę.
- Czy istnieje kompozytor o takim nazwisku? - kierowca był zaskoczony. - Pierwszy raz to słyszę. Jednak Strawiński to nazwisko właściciela taksówki. Nie mam nic wspólnego z muzyką - nazywam się Rossini...

9. Siergiej Siergiejewicz PROKOFIEW (1891—1953)

Siergiej Siergiejewicz Prokofiew to jeden z największych rosyjskich kompozytorów XX wieku, pianista i dyrygent.
Urodzony w obwodzie donieckim, z muzyką związał się od dzieciństwa. Prokofiewa można uznać za jednego z nielicznych (jeśli nie jedynych) rosyjskich „cudów muzycznych”, od 5 roku życia zajmował się komponowaniem, w wieku 9 lat napisał dwie opery (oczywiście dzieła te są jeszcze niedojrzałe, ale wykazują chęć tworzenia), w wieku 13 lat zdał egzaminy w Konserwatorium w Petersburgu, wśród jego nauczycieli był N.A. Rimski-Korsakow. Początek jego kariery zawodowej wywołał burzę krytyki i niezrozumienia jego indywidualnego, z gruntu antyromantycznego i skrajnie modernistycznego stylu. Paradoksem jest to, że burząc akademickie kanony, konstrukcja jego kompozycji pozostała wierna klasycznym zasadom, by z czasem stać się dziełem sztuki; powstrzymująca siła modernistycznego, zaprzeczającego wszystkiemu sceptycyzmu. Od samego początku swojej kariery Prokofiew dużo koncertował i koncertował. W 1918 odbył tournée międzynarodowe, m.in. odwiedził ZSRR, by w 1936 powrócić do ojczyzny.
Kraj się zmienił, a „wolna” twórczość Prokofiewa zmuszona była ustąpić realiom nowych żądań. Talent Prokofiewa rozkwitł z nową energią - pisał opery, balety, muzykę do filmów - muzyka ostra, silna, niezwykle precyzyjna, z nowymi obrazami i pomysłami, położyła podwaliny pod sowiecką muzykę klasyczną i operę. W 1948 r. niemal jednocześnie wydarzyły się trzy tragiczne wydarzenia: jego pierwsza żona, Hiszpanka, została aresztowana pod zarzutem szpiegostwa i zesłana do obozów; wydano Uchwałę Polibiura KC Ogólnozwiązkowej Komunistycznej Partii Bolszewików, w której zaatakowano Prokofiewa, Szostakowicza i innych i oskarżono ich o „formalizm” i szkodliwość ich muzyki; Nastąpiło gwałtowne pogorszenie stanu zdrowia kompozytora; udał się na emeryturę do swojej daczy i praktycznie jej nie opuścił, ale nadal komponował.
Do najbardziej uderzających dzieł okresu sowieckiego należały opery „Wojna i pokój” oraz „Opowieść o prawdziwym mężczyźnie”; balety „Romeo i Julia” oraz „Kopciuszek”, które stały się nowym standardem światowej muzyki baletowej; oratorium „Strażnik Pokoju”; muzyka do filmów „Aleksander Newski” i „Iwan Groźny”; symfonie nr 5,6,7; dzieła fortepianowe.
Twórczość Prokofiewa uderza wszechstronnością i szerokością tematów; oryginalność jego myślenia muzycznego, świeżość i oryginalność stanowiły całą epokę w światowej kulturze muzycznej XX wieku i wywarły potężny wpływ na wielu kompozytorów radzieckich i zagranicznych.

Cytat z S.S. Prokofiewa:
„Czy artysta może stać z boku życia?.. Trwam w przekonaniu, że kompozytor, podobnie jak poeta, rzeźbiarz, malarz, powołany jest do służenia człowiekowi i ludowi... On przede wszystkim ma obowiązek być obywatel w swojej sztuce, aby gloryfikować życie ludzkie i prowadzić ludzi do świetlanej przyszłości…”
„Jestem przejawem życia, które daje mi siłę przeciwstawić się wszystkiemu, co nieduchowe”

Cytat o S.S. Prokofiewie: „...wszystkie aspekty jego muzyki są piękne, ale jest tu jedna rzecz zupełnie niezwykła. Podobno wszyscy mamy jakieś niepowodzenia, wątpliwości, po prostu zły humor. I w takich momentach „Nawet jeśli nie Nie gram i nie słucham Prokofiewa, ale wystarczy o nim pomyśleć, dostaję niesamowity ładunek energii, czuję wielką chęć życia i działania.” E. Kissin

Ciekawostka: Prokofiew bardzo kochał szachy i wzbogacał grę swoimi pomysłami i osiągnięciami, w tym wymyśloną przez siebie „dziewięcioma” szachami – planszą o wymiarach 24x24, na której ułożono dziewięć zestawów figur.

10. Dmitrij Dmitriewicz Szostakowicz (1906 - 1975)

Dmitrij Dmitriewicz Szostakowicz to jeden z najważniejszych i najczęściej wykonywanych kompozytorów na świecie, jego wpływ na współczesną muzykę klasyczną jest niezmierzony. Jego dzieła są prawdziwym wyrazem wewnętrznego dramatu człowieka i kroniką trudnych wydarzeń XX wieku, gdzie to, co głęboko osobiste, splata się z tragedią człowieka i ludzkości, z losami jego ojczyzny.
Urodzony w Petersburgu, pierwsze lekcje muzyki pobierał u swojej matki, ukończył Konserwatorium w Petersburgu, po wejściu do którego jego rektor Aleksander Głazunow porównał go do Mozarta - dlatego zadziwił wszystkich doskonałą pamięcią muzyczną, bystrym słuchem i talentem dla kompozycji. Już na początku lat 20., pod koniec konserwatorium, Szostakowicz miał bagaż własnych dzieł i stał się jednym z najlepszych kompozytorów w kraju. Światową sławę zyskał Szostakowicz po zwycięstwie w I Międzynarodowym Konkursie Chopinowskim w 1927 roku.
Do pewnego okresu, a mianowicie przed wystawieniem opery „Lady Makbet z Mtsenska”, Szostakowicz działał jako artysta wolny – „awangarda”, eksperymentując ze stylami i gatunkami. Dotkliwe rozbiórki tej opery, zorganizowane w 1936 r., i represje z 1937 r. zapoczątkowały późniejszą nieustanną walkę wewnętrzną Szostakowicza o wyrażanie własnych poglądów własnymi środkami w warunkach narzucania przez państwo kierunków w sztuce. W jego życiu polityka i twórczość są ze sobą bardzo ściśle powiązane, był przez władze chwalony i prześladowany, piastował wysokie stanowiska i został z nich usunięty, on i jego bliscy zostali nagrodzeni i groziło im aresztowanie.
Jako człowiek łagodny, inteligentny, delikatny, swoją formę wyrażania zasad twórczych odnalazł w symfoniach, w których mógł możliwie otwarcie mówić prawdę o czasie. Spośród całej rozległej twórczości Szostakowicza we wszystkich gatunkach centralne miejsce zajmują symfonie (15 dzieł); najbardziej dramatyczne są symfonie 5, 7, 8, 10, 15, które stały się szczytem radzieckiej muzyki symfonicznej. Zupełnie inny Szostakowicz objawia się w muzyce kameralnej.
Mimo że sam Szostakowicz był kompozytorem „domowym” i praktycznie nigdy nie podróżował za granicę, jego muzyka, w istocie humanistyczna i prawdziwie artystyczna w formie, szybko i szeroko rozprzestrzeniła się po całym świecie i była wykonywana przez najlepszych dyrygentów. Ogrom talentu Szostakowicza jest tak ogromny, że pełne zrozumienie tego wyjątkowego fenomenu sztuki światowej jest jeszcze przed nami.

Cytat z D.D. Szostakowicza: „Prawdziwa muzyka zdolna jest wyrazić tylko ludzkie uczucia, tylko zaawansowane ludzkie idee”.

Dzieciństwo

Dzieciństwo

Dzieciństwo

Wczesne lata

Dzieciństwo

Dzieciństwo

Wczesne lata Siergieja Tanejewa

Dzieciństwo i młodość

Pochodzenie. Wczesne lata

Terminologia

Wielcy rosyjscy kompozytorzy XX wieku. Lista

Zagraniczni kompozytorzy XX wieku. Lista

Rosyjscy kompozytorzy XXI wieku

O współczesnych kompozytorach

Współcześni kompozytorzy dla dzieci

Piosenki dla dzieci

1.Michaił Iwanowicz GLINKA (1804—1857)

2. Aleksander Porfiriewicz BORODIN (1833—1887)

3. Modest Pietrowicz MUSORGSKY (1839—1881)

4. Piotr Iljicz Czajkowski (1840—1893)

5. Nikołaj Andriejewicz RIMSKY-KORSAKOV (1844—1908)

6. Aleksander Nikołajewicz SKRYABIN (1872 - 1915)

7. Siergiej Wasiljewicz RACHMANINOW (1873 - 1943)

8. Igor Fedorowicz STRAWIŃSKI (1882-1971)

9. Siergiej Siergiejewicz PROKOFIEW (1891—1953)

10. Dmitrij Dmitriewicz Szostakowicz (1906 - 1975)

Może Cię zainteresuje