Ważną rolę w formacji odgrywa kostium teatralny pozytywny wizerunek teatr do docelowej widowni.

Kostium teatralny to szerokie pojęcie i obejmuje wszystko, co sztucznie zmienia wygląd człowieka, przylegając do jego ciała - to cały kompleks rzeczy: fryzura, makijaż, buty, nakrycie głowy i sama sukienka. Znaczenie semantyczne garnituru jako maski ciała potwierdza leksykalne znaczenie słowa „garnitur”: „słowo to zostało zapożyczone od włoskiego „kostiumu”, co oznacza „zwykły”, „zwyczajowy”, „zwyczajowy” i W mnogi- „moralność” Kokuashvili N.B. Odzież jako zjawisko kulturowe // Znaki życia codziennego. - Rostów nad D., 2001. - s. 38-44..

Kostium teatralny zawsze odzwierciedla epokę, w której rozgrywa się przedstawienie. Aby stworzyć kostium teatralny artyści dekoratorzy korzystają z różnych źródeł informacji: fresków, rzeźb, obrazów, źródeł pisanych.

Kostium teatralny to jedyny system, który potrafi sztucznie zmienić wygląd człowieka, podkreślić lub zniszczyć harmonijną jedność ciała lub jego poszczególnych części i stworzyć obraz artystyczny. Załóżmy taką realną sytuację: widząc dziewczynę w sukience, która nadaje jej sylwetce kształt bliski ideału, możemy zawołać: „Co za piękna dziewczyna!”, co będzie oznaczać, że garnitur ten spełnił swoją „funkcję estetyczną”, uczynił człowieka pięknym. Liczne niefunkcjonalne detale, np. wzór, krój materiału, jego kolor, faktura, koronka, marszczenia, ozdobne guziki, hafty, aplikacje, naszywki, kwiaty itp. na pierwszy rzut oka stanowią jedynie elementy dekoracyjne detali kostiumu, jednak po wnikliwej analizie okazuje się, że pomagają one kształtować wizerunek, a figuratywna doskonałość jest w tym przypadku jednym z potężnych źródeł piękna jeden aspekt estetyczny kostiumu teatralnego niepostrzeżenie przekształca się w inny, który można nazwać funkcję artystyczną garnitur, zaprojektowany tak, aby kreować indywidualny wizerunek i styl.

Bez opracowania typologii kostiumu teatralnego nie da się zbadać jego roli w kształtowaniu wizerunku teatru. Różnorodność kostiumów teatralnych można porównać z różnorodnością sytuacji życiowych lub postacie ludzkie, które są ucieleśnione na scenie poprzez ten kostium. Głównym sposobem zrozumienia jego istoty jest typologia, podział na klasy, grupy, typy itp. w różnych płaszczyznach.

Przez tę kwestię brak ukończonych studiów. Chociaż warto zauważyć, że każdy autor, który zaczyna studiować kostium teatralny i kostium w ogóle, klasyfikuje go według jakiegoś kryterium. Większość literatury na temat kostiumów to badania historyczne i etnograficzne, dlatego też kategoryzuje kostiumy według granic geograficznych lub czasowych. W literaturze poświęconej powstaniu elementów ubioru, ich rozwojowi i sposobom kształtowania wizerunku garnitur jest zwykle dzielony ze względu na budowę ciała, konstrukcję i funkcje.

Każdy rodzaj klasyfikacji otwiera nowe obszary badań, ujawniając nieoczekiwane problemy i nowe aspekty kostiumu.

Powiedzieliśmy już, że przez kostium teatralny należy rozumieć wszystko, co sztucznie zmienia wygląd człowieka, przyklejając się do jego ciała, obejmuje to ubrania, nakrycie głowy, buty, fryzurę, biżuterię, akcesoria, makijaż. Definicja zawiera już pierwszą i główną klasyfikację - wymienione są podsystemy skafandra.

Główne płaszczyzny typologii:

1. Antropologiczne

a) w stosunku do ciała

Podstawą klasyfikacji jest stopień bliskości ciała, a co za tym idzie stopień oddziaływania na ciało.

Wymieńmy je od najbliższego do najdalszego: malowanie ciała (tatuaż, makijaż, makijaż), ubrania, buty, czapki, biżuteria, dodatki (też mają inny wpływ: na przykład okulary są bliżej niż torebka).

Wiele systemów, takich jak odzież, również ma różnice w sobie (bielizna i odzież wierzchnia).

Tę podstawę należy brać pod uwagę przy tworzeniu i konsumpcji kostiumów teatralnych, ponieważ organizm ludzki przyjmuje tylko określone materiały, tekstury i substancje. Cała historia produkcji kostiumów rozwija się w kierunku tworzenia najwygodniejszych i bezpiecznych dla zdrowia materiałów i substancji (makijaż, makijaż).

b) w odniesieniu do części ciała (rodzaje odzieży, czapki, buty itp.)

Z taką klasyfikacją spotkaliśmy się już w definicji i dlatego można ją nazwać decydującą w systemowym podejściu do badań kostiumu. Zbudujmy pełną hierarchię systemów i podsystemów kostiumu teatralnego.

Płótno. Zgodnie ze sposobem mocowania do ciała odzież dzieli się na talię (spódnice, spodnie, szorty, majtki itp.) i ramiona (koszule, sukienki, sukienki, płaszcze przeciwdeszczowe, płaszcze, futra, kurtki, T-shirty, swetry itp.) Konfiguracja i plastyczność ciała dyktują różnice w elementach kostiumu. Ubrania umieszcza się na trzech częściach ciała – tułowiu, ramionach i nogach.

Cała odzież jest również podzielona na trzy warstwy: bieliznę, bieliznę i odzież wierzchnią.

Bielizna. Producenci dzielą bieliznę na trzy rodzaje: codzienną (praktyczną, z gęstych materiałów naturalnych lub mieszanych, gładką), odświętną (elegancką, z wszelkiego rodzaju zdobieniami, dopasowaną odzieżą na specjalne okazje) bieliznę intymną (odkrytą, przezroczystą, z wszelkiego rodzaju zdobieniami) , detale nad głową (falbany, kokardki, koronki, koraliki), często z nutą żartu.

W XII wieku pojawiły się eleganckie, intymne stroje domowe (najczęściej do porannego ubierania się): negliż, polonez, peignoir, schmiz, które istnieją do dziś. W XIX wieku w Europie piżamy zasłynęły dzięki podróżom do tropików.

Bielizna. Jest to najliczniejszy dział odzieży, wyliczenie wszystkich jej rodzajów jest trudne i niepraktyczne; cały ten asortyment mieści się pomiędzy bielizną a odzieżą wierzchnią. Należy jednak zwrócić uwagę na następującą cechę, która zależy od klimatu. W gorących krajach bieliznę i bieliznę często łączy się, tworząc raczej odkrywczą odzież, noszoną na co dzień, aby zminimalizować ilość materiałów znajdujących się na ciele. Podczas gdy ubrania mieszkańców północy są wielowarstwowe, co zwiększa liczbę rodzajów odzieży.

Dział marynarski: marynarka, sweter, marynarka, kamizelka, marynarka, sweter, smoking, frak, garnitur (dwuczęściowy, trzyczęściowy, ze spódnicą lub spodniami), koszula (bluzka).

Odzież na nogi: spodnie, szorty, skarpetki, pończochy, rajstopy.

Osobno podkreślamy sukienkę (sukienę) i spódnicę.

Odzież wierzchnia. Różnorodność rodzajów odzieży wierzchniej nie jest tak duża; podział opiera się przede wszystkim na porach roku i oczywiście na kroju i materiale. Wymieńmy główne rodzaje odzieży wierzchniej: kożuch, futro, płaszcz, kurtka, płaszcz, płaszcz przeciwdeszczowy.

Historycy kostiumów identyfikują około siedemnastu rodzajów płaszczy.

Należy także zwrócić szczególną uwagę na poszczególne elementy ubioru, które z reguły mają szczególną moc symboliczną – kołnierzyki, mankiety, krawaty (szaliki, szale), skarpetki (pończochy), paski (paski), rękawiczki (mitenki). Te drobne szczegóły mogą całkowicie zmienić ładunek informacyjny skafandra jako całości.

Buty dzielimy na: szyte, cięte i mocowane do stopy za pomocą różnych zawiesi, wiklinowe.

Z założenia buty dzielą się na sandały i drewniaki, buty, botki i botki.

Kapelusze. Nakrycie głowy zawsze było kojarzone z głową, więc miało moc znaczenie symboliczne. W dziełach sztuki nakrycie głowy mogło służyć jako substytut głowy.

Całość biżuterii dzieli się na: odzieżową (broszki, spinki do mankietów, sprzączki, zapinki, szpilki), biżuterię do ciała (kolczyki, naszyjniki, łańcuszki, wisiorki, pierścionki, bransoletki) oraz biżuterię do włosów (spinki do włosów, tiary itp.).

Według sposobu zapinania świat biżuterii składa się z następujących podsystemów: szyi (łańcuszki, wisiorki, naszyjniki, chokery, wstążki, wisiorki, koraliki, medaliony); ucho (kolczyki, klipsy, wkrętki); bransoletki (na ręce i nogi); palec (pierścionki, sygnety); ozdoby do włosów (spinki, treski, wianki, tiary, pierścionki zausznikowe, wstążki itp.).

Fryzura - dekoracja głowy pod wieloma względami symbolizuje strukturę jej wewnętrznej treści, światopogląd każdej osoby i epokę jako całość.

Włosy na głowie, które zakrywają górę ludzkie ciało, symbolizują siły duchowe, wyższe siły, ucieleśniają stan duchowy osoby. Owłosienie ciała wiąże się z wpływem irracjonalnych, niższych sił, biologicznych instynktów. Włosy oznaczają także płodność. W symbolice hinduskiej oznaczają „linie siły” Wszechświata. Gęste włosy są ucieleśnieniem życiowego impulsu, kojarzonego z chęcią odniesienia sukcesu. Ważny ma kolor włosów. Ciemne włosy mają mroczną, ziemską symbolikę, jasne (złote) kojarzą się z promieniami słońca, czystością i dobrocią, a wszelkie pozytywne mitologiczne i bohaterowie baśni miał blond włosy (Królewna Śnieżka, Śnieżka, Złotowłosa). Miedzianoczerwone włosy wskazują na demoniczny charakter i kojarzą się z Wenus. Przez stulecia panowało przekonanie, że wiedźma musi być rudowłosa i że takim ludziom zawsze przypisuje się szczęście. Wiele rytuałów czarów wiąże się z włosami, jako ludzką energią duchową. Kiedy tracimy włosy, tracimy siły biblijnego Samsona. Wadą wypadania włosów jest to, że jest to dobrowolne poświęcenie. Każdy, kto odrzuca ziemskie życie Aby wejść na drogę absolutnej ascezy, zobowiązany jest ściąć włosy (tonsurę klasztorną). Od czasów starożytnych ludzie przywiązywali dużą wagę do fryzury. Zdaniem Diderota fryzura uatrakcyjnia kobietę, a u mężczyzny podkreśla cechy charakteru.

Makijaż. Poprzez makijaż aktor może zmienić swoją twarz, nadać jej tak wyrazistą formę, która pomoże aktorowi najpełniej i wszechstronnie ujawnić istotę obrazu i przekazać ją widzowi w najbardziej wizualnej formie. Ale makijaż jest ważny nie tylko jako zewnętrzny rysunek charakteru postaci granej przez aktora. Z powrotem proces twórczy podczas pracy nad rolą makijaż jest dla aktora zdecydowanym impulsem i zachętą do dalszego odsłaniania swojego wizerunku.

Początkowe formy makijażu teatralnego powstały na bazie magicznego malowania ciała i rytualnych masek, bezpośrednio nawiązujących do magicznych i animistyczno-religijnych idei człowieka pierwotnego.

2. Demograficzne

Istnieje wyraźny podział na elementy kostiumów męskich i żeńskich, kolorystykę, fakturę i materiały.

Męskie - powściągliwe odcienie, zwykle ciemne, z przewagą czerni, często występują ostre kontrasty, twarde faktury, gęste, ciężkie, nieprzejrzyste tkaniny, geometryczne i techniczne wzory i faktury.

Damskie - pastelowe odcienie, cała paleta różu, lekkie, miękkie tekstury, łatwo drapowane, przezroczyste, z cekinami, haftami, gipiurami, kwiatami, motywy roślinne, kropki i miękkie linie w fakturze i wzorach, perły i masa perłowa - materiał na akcesoria i biżuterię.

Kostium teatralny może różnić się w zależności od płci drobnymi szczegółami (na przykład bokiem zapięcia) lub ogólnie całą formą. Tak więc w XVII wieku mężczyźni powszechnie używali eleganckiej koronki, ale teraz jest to przywilej kobiet, jeden z symboli kobiecości. Znaki kobiecości i męskości oczywiście się zmieniły różne narody i w różnych epokach, ale zawsze były obecne. Być może wyjątkiem jest koniec XX wieku, z jego ideą unisex.

Od dawna istnieją różnice między strojami dla dzieci i dorosłych. W obrębie tych grup występuje gradacja: małe dzieci, młodzież, młodzież, ludzie dojrzały wiek, starsi, starzy ludzie. Kostium zawiera specjalne detale dla starszego pokolenia i specjalne dla młodszego pokolenia. Oto kilka przykładów: kokardka czy śliniaczek to dla nas zawsze symbole dzieciństwa, chusta zawiązana na kobiecej głowie zwykle kojarzy się ze starością, garnitur z wyraźne znaki erotyka może być noszona tylko przez młodych ludzi. Tego typu stereotypowe symbole mocno zakorzeniają się w kulturze.

Podobnie jak w przypadku płci, przyjmuje się podział na dziecięce i dorosłe projekty, kolory, faktury i materiały.

Koncepcja stroju dziecięcego jako samodzielnej grupy powstała dopiero w drugiej połowie XVIII wieku w Anglii. Do tego czasu odzież dziecięca była jedynie mniejszą kopią odzieży dla dorosłych. Podział ten w dużej mierze wynika z dramatycznego skomplikowania kostiumu, przez co był on zbyt niewygodny dla dzieci.

Główne płaszczyzny środowiskowe kostiumu teatralnego.

1. Historyczne (czasowe) - epoki, stulecia, okresy, lata...

Ta klasyfikacja, stosowana do garnituru, jest najczęstsza w nauka historyczna. Przy takim podejściu historię rzeczy i zjawisk bada się z punktu widzenia ich przynależności do określonego czasu. Najbardziej powszechnie uznawane duże gradacje: prymitywność, starożytność, średniowiecze, renesans, XVII, XVIII, XIX, XX wiek. Rozwój kostiumu w tym przypadku rozpatrywany jest jako proces liniowy, skupiono się na cechach odróżniających jedną epokę od drugiej. Uwaga badacza jest skupiona na cechy stylistyczne kostiumy wspólne dla wszystkich sztuk architektonicznych każdego okresu.

W obrębie każdej epoki zwyczajowo wyróżnia się mniejsze okresy, ich nazwy są powszechnie znane.

2. Naturalne.

Przestrzenno-geograficzne. Tutaj najbardziej uderzający jest podział na dwa bieguny - wschód-zachód. Oczywiście różnice wykraczają daleko poza geografię. Wiele prac poświęconych jest problemowi „Wschód-Zachód”, a wszystkie omówione w nich problemy znajdują w ten czy inny sposób odzwierciedlenie w kostiumie. Dalszy podział odbywa się według prostego schematu: kontynenty, kraje, regiony, miasta, wsie, bloki miejskie.

Klimatyczny. Ze względu na to, że jedną z pierwszych funkcji kombinezonu była ochrona ciała przed wpływami naturalnymi, kombinezon zaczął się różnić przede wszystkim możliwością dostosowania do różnych warunków klimatycznych i naturalnych.

Oczywiście płaszczyzny przecinają się w rzeczywistości, tworząc szeroką gamę warunków naturalnych, które wymagają specjalnego kombinezonu. Zimowa noc w południowym lesie i letni dzień w północnych górach, północne i południowe słońce, deszcz i wiatr na stepie i w lesie itp. w dużej mierze determinują różnorodność strojów ludów zamieszkujących naszą planetę.

Wraz z rozwojem działalności człowieka i przemysłu stale pojawiają się nowe kombinezony, specjalnie przystosowane do narażenia na ekstremalne warunki. warunki naturalne, która pozwala ludziom dostać się do najbardziej niedostępnych zakątków Ziemi i niezbadanych środowisk. Ludzkość opracowała sprzęt do zdobywania górskich szczytów, głębiny morza, nieprzejezdne lasy tropikalne, pustynie i bieguny.

3. Etnograficzne – grupy etniczne, ludy, plemiona (obrzędy, zwyczaje). Jest to jedna z powszechnych klasyfikacji kostiumów teatralnych. Większość całej literatury dotyczącej kostiumów to dzieła etnograficzne zawierające szczegółowe opisy kostiumy tego czy innego rodzaju społeczności etniczne oraz związane z nimi zwyczaje i rytuały. Na podstawie takich badań warto zbadać takie zjawisko jak strój narodowy.

4. Odrębne rytuały poszczególnych społeczności etnicznych.

Wiele prac poświęconych kostiumowi teatralnemu danej epoki opiera się na podziale klasowym. Ubiór poszczególnych klas jest początkowo zdeterminowany wrodzonym im sposobem życia, a jego ustalona forma pełni funkcję znaku wskazującego konkretną warstwę społeczeństwa. Przywódca wyróżniał się wśród współplemieńców, był czczony jako wyjątkowa osoba. Krój i szczegóły stroju wskazują na status w społeczeństwie, tradycje rodzinne itp. i w współczesny świat taka funkcja garnituru istnieje (np. w garniturze biznesowym – im cieńszy pasek, tym wyższy status jego właściciela). Błędy tutaj były zawsze wyjątkowo niepożądane i mogły wywołać obrazę. Ludzie byli bardzo wrażliwi na swoją pozycję w społeczeństwie i zawsze starali się ją jakoś podkreślić w garniturze. Często różne klasy mają odmienne zasady etyczne, estetyczne itp. norm, co znalazło także odzwierciedlenie w pozwie. W społeczeństwie klasowym znaki zewnętrzne są po prostu niezbędne do ustalenia natury relacji i komunikacji.

Podczas przejścia od gospodarki na własne potrzeby do struktury rynkowej, z podziałem pracy i wymianą towarów, każde przedsiębiorstwo miało swoich specjalistów, a co za tym idzie, ten sam typ garnituru. Jej forma w dużej mierze zależała od specyfiki działalności i zawierała elementy jednoczące osoby tego samego zawodu w pewną korporację, podkreślając tym samym wspólność zawodów, które odcisnęły piętno na ich charakterze, światopoglądzie i stosunku do innych. Charakteryzujemy nawet grupy ludzi, nazywając je znakami lub elementami ich ubioru, np.: „ludzie w białych fartuchach”, „ludzie w mundurach”, „pracownicy umysłowi” i każdy od razu rozumie, o kim mówimy.

Najbardziej jasno określone i łatwe do rozróżnienia stroje mają następujące zawody: wojsko, pracownicy medyczni, pracownicy transportu, pracownicy gastronomii itp.

Wyznanie. Typologia ta obejmuje badanie ubioru przedstawicieli różnych religii, a także ich odłamów i ruchów heretyckich. Każda religia ustanawia i określa pewne formy ubioru, specjalny krój, sylwetkę, kolory, dodatki i detale.

W zależności od stopnia wpływu religii na życie społeczeństwa w danym okresie, cechy te w taki czy inny sposób wpływają na wszystkie formy i rodzaje ubioru.

5. Estetyka - hierarchia stylów, zmiana mód itp.

Na tej właśnie klasyfikacji opiera się dość obszerna literatura poświęcona kostiumowi teatralnemu. Historia kostiumów teatralnych z reguły opiera się na rozważeniu różnych stylów i mód kostiumowych, które następowały po sobie przez całe istnienie ludzkości. Z tej hierarchii aktywnie korzystają także badacze nowoczesności w swoich pracach, uwzględniając paletę stylów obecnych współcześnie i leżących u podstaw nauki o obrazie. W związku z tym należy zauważyć, że badanie stylu kostiumów opiera się na dwóch kierunkach: stylach historycznych i współczesnych. Pojęcie „nowoczesności” obejmuje nie tylko style, które powstały w ostatnie dziesięciolecia obecnego stulecia, ale całą różnorodność stylów kostiumowych, którymi dysponują nasi współcześni, a także samo podejście do stylu jako narzędzia. Wynika to z faktu, że w dniu nowoczesna scena rozwoju ludzkości styl obecnej epoki można określić jako wielowariantowość, tj. nie da się tego jednoznacznie określić, zależy od wielu przyczyn i łatwo zmienia się w zależności od sytuacji, nastroju itp. Dlatego wymienimy główne style historyczne, które powstały w danej epoce, a następnie główne style, w których współczesny człowiek może się wyrazić. Oczywiście wiele nowoczesnych stylów opiera się na pewnych stylach historycznych.

Podajemy główne style historyczne:

Antyczny. Ciało uważano za zwierciadło, które miało odzwierciedlać doskonałość świata. Kostium przestrzegał praw logiki i harmonii. Styl antyczny jest obrazem „kolumny greckiej”, dążącej ku górze, ku światłu i doskonałości. Zastosowanie tkanin o określonej szerokości zgodnej z wymiarami krosna, ubrania nie są cięte, ale zebrane w pionowe fałdy, strój jest zaprojektowany zgodnie ze strukturą sylwetki ludzkiej, buty są praktycznie na jednej podeszwie.

Romański. Niosło dziedzictwo starożytności, ale z pewnymi ekscesami. Prosta, dopasowana do sylwetki sukienka (uszyta z dwóch części) została obszyta szeroką lamówką.

Gotyk. To właśnie w tym czasie pojawiło się cięcie, które stało się niezwykle złożone i mistrzowskie. Ubrania są dopasowane do Twojej sylwetki. Kostium tamtej epoki nawiązuje do architektury gotyckiej. Przewaga pionowe linie i spiczaste części.

Renesans. Pragnienie harmonii wyrażającej się w symetrii i braku ekscesów. We wszystkim są tylko naturalne proporcje. Współcześni starali się stworzyć bogaty i elegancki kostium, który podkreślałby godność osoby. Po raz pierwszy sukienka damska została podzielona na długa spódnica i stanik. Ubrania wyróżniają się zastosowaniem drogich tkanin, skomplikowanymi zdobieniami, nietypowymi wzorami rękawów oraz połączeniem dwóch kolorów i materiałów.

Barokowy. Pojawienie się nowych materiałów, najpopularniejsze to aksamit i metal. Pragnienie luksusu i ekscentryczności. Formalność, sztywność ciężkich strojów.

Rokoko. Sukienki stają się bardziej eleganckie, ogromne stroje są redukowane do bardziej ludzkich rozmiarów. Bogactwo fałd i połączeń dzięki zastosowaniu satyny, najbogatszej bielizny. Dominacja pastelowych kolorów w strojach i bogactwo dodatków.

Styl imperialny Podążył śladami dawnej mody (dotyczyło to tylko damskich garniturów). Cechy charakterystyczne: prostota linii, pionowe fałdy, przesunięcie talii pod klatką piersiową, bufiaste rękawy, głęboki dekolt. W męskiej garderobie pojawił się ciemny frak, który noszony był z krawatem, wzorzystą kamizelką i cylindrem.

Elegant. Na początku XIX wieku powstał typ skromnie, ale doskonale ubranego dżentelmena – dandys. Główną cechą jest zewnętrzna prostota garnituru w połączeniu z wysokim kosztem i doskonałym krojem. Zwiększona rola krawata, który staje się jedyną przyciągającą wzrok ozdobą śnieżnobiałej koszuli.

Romantyzm. Styl ten najwyraźniej przejawia się w kobiecym garniturze, charakterystyczne cechy uważa się, że ma dopasowany stanik, szerokie rękawy, dużo falbanek, marszczenia i kokardek, jasne odcienie, co stwarza wrażenie zwiewności i delikatności.

Nowoczesny. Ego charakteryzuje się odrzuceniem wszelkich starych norm w garniturze. Art Nouveau wyróżnia sylwetka damskiego garnituru w kształcie litery S, luźne, prześwitujące sukienki, dekoracyjność i ekstrawagancja połączona z fantastycznymi obrazami.

Dziś niektóre style rozwijają się w kostiumie, inne rodzą się i umierają, po prostu nie da się ich wszystkich opisać. Ale nadal można zidentyfikować kilka z nich, które mają charakterystyczne cechy i konsekwentnie występują we współczesnym stroju. Przyjrzyjmy się każdemu z nich i jednocześnie wyjaśnijmy co cechy psychologiczne możemy się spotkać w garniturze w określonym stylu.

Styl biznesowy. Często pasuje do definicji „klasyki”, a także nosi wiele elementów sportowego stylu. Główne cechy to rzeczowy, szanowany, poważny, pewny siebie, przyzwoity, godny zaufania, ściśle elegancki, wygodny. Ten styl wyróżnia się surowymi sylwetkami, przeważnie ciemnymi lub jasnymi, powściągliwą, stonowaną kolorystyką, gładkimi materiałami (dozwolone są tylko niekontrastowe kraty i paski). Często główną rolę odgrywa garnitur biznesowy w połączeniu z umiejętnie dobraną koszulą (bluzką). biały. Nie bez powodu pracowników wiedzy nazywa się „pracownikami umysłowymi”. Szczególną uwagę przywiązuje się do jakości materiałów i wykonania. Ścisłe linie i stonowane niebiesko-szaro-brązowe kolory są obecne we wszystkich akcesoriach i innych systemach kostiumów (fryzura, makijaż). Uosabia i podkreśla racjonalność, logikę, wolę, determinację, powściągliwość.

Styl na co dzień - do pracy, wizyt biznesowych, oficjalnych wyjazdów.

Romantyczny. Można go nazwać całkowitym przeciwieństwem stylu biznesowego, będąc uosobieniem emocjonalności, wrażliwości, marzycielstwa, czułości i sentymentalizmu. Oczywiście jest to najbardziej rozpowszechnione wśród kobiet. Można powiedzieć, że jest uosobieniem kobiecości, podkreślającym wszystkie atuty kobiecej sylwetki. Linie sylwetki są miękkie, gładkie, mnóstwo draperii, różnorodność charakterystycznych wykończeń (falbany, kokardki, falbanki, falbanki, koronki, foremki, falbanki, hafty. Kolory delikatne, miękkie, wszelkie odcienie różu i błękitu Rysunki i tekstury - kwiatowe, roślinne, groszkowe, delikatna fantazja Dodatki, fryzura i makijaż są wyrafinowane, wyrafinowane, pełne wdzięku.

Styl na randkę, relaks, wieczór, kawiarnię, teatr itp.

Lekkoatletyka. Różne sporty dały światu różne rodzaje kostiumów - szorty, T-shirty, czapki z daszkiem, legginsy. Kolejnym źródłem stylu sportowego była odzież do działań wojskowych (ciepłe, wygodne kurtki, kombinezony, hełmy, metalowe okucia, naszywane kieszenie, raglanowe rękawy). Sylwetki tego stylu są proste, trapezowe, rzadziej półdopasowane i dopasowane.

Bogaty paleta kolorów, często występują kontrasty kolorystyczne i fakturowe, mnóstwo okuć, pasków, emblematów, naszytych nakładek. Główne cechy stylu: wygoda, funkcjonalność, luz, dynamika.

Odmiany stylu - „safari”, dżins, morski.

Styl na podróże, wakacje za miastem, do domu, dla osób aktywnych, dynamicznych, które w garniturze cenią przede wszystkim praktyczność i wygodę.

Folklor. Tworzony jest na bazie stroju ludowego. Podstawowe cechy psychologiczne - wyraźny związek z pewnych ludzi, tradycja, mądrość ludowa, spokój, skojarzenia z wartości wieczne. Sylwetki są zazwyczaj proste, z wyrazistymi detalami strojów ludowych. Naturalne materiały i kolory, najczęściej spotykanym wzorem jest geometryczny, który dobrze komponuje się ze strukturą tkaniny. Zastosowanie takich wykończeń jak haft, mereżka, koronka, tkactwo, aplikacja, technika patchworkowa, frędzle, koraliki, elementy metalowe.

Styl ma zastosowanie podczas imprez rekreacyjnych, teatralnych i koncertowych oraz przyjaznej komunikacji z obcokrajowcami.

"Kraj". Pod wieloma względami zbliżony jest do stylu folklorystycznego, choć nie są w nim wyraźnie wyrażone znaki tego czy innego stroju narodowego. Styl ten to raczej fantastyka, wariacja na temat życia wiejskiego, w której czasem można dostrzec cechy wielu strojów ludowych. Przez wpływ psychologiczny Styl ten nawiązuje do duszpasterstwa, promieniującego swobodą, przyjemnego relaksu, beztroski, marzycielstwa, prostoty, romantycznego wyobrażenia o życiu i naturze. Kolory, wzory i materiały są naturalne: płótno, słoma, batyst, kwiaty, pastelowe kolory, wesołe motywy kwiatowe, jasna krata, głównie odcienie szarobrązowe.

6. Produkcja.

Przede wszystkim należy podkreślić sztuczne i naturalne materiały którzy mają różne sposoby walory przetwórcze i konsumenckie.

W większości przypadków materiał radykalnie wpływa na ogólny kierunek i charakter kształtowania. Tutaj podstawą są właściwości fizyczne materiału, które z góry determinują rozwiązanie konstrukcyjno-przestrzenne i plastyczne rzeczy. Różnorodność kształtów znacznie wzrasta, gdy łączy się różne materiały.

Według technologii.

Obróbka materiału determinuje również kształt. Stale udoskonalane technologie pozwalają już na obecnym etapie dokonywać niezwykłych cudów. Ale były chwile, kiedy projekt i wymiary garnituru decydowały szerokość krosna. W historii ludzkości dla celów badawczych można wyróżnić trzy główne okresy: ręczne, maszynowe i informacyjne sposoby wytwarzania.

Biorąc pod uwagę materiały i technologie, umiejscowienie materiału w przestrzeni (projekt) determinuje także różnorodność kształtów.

Powyższe klasyfikacje przecinają się, tworząc złożoną sieć. Nie ujawniają jednak istoty przedmiotów – głębokich zasad ich tworzenia, funkcjonowania i oceny.

Każdy rodzaj tworzenia kostiumów zakłada własne cele, własne zrozumienie doskonałości i piękna rzeczy i opiera się na własnej mierze i systemie zasad. Jeśli biegun praktycznej użyteczności jest całkowicie zdominowany przez racjonalną kalkulację i oparcie się na obiektywnych prawach natury, to przeciwny, artystyczny biegun jest zdominowany przez irracjonalną zasadę - intuicję, subiektywne skojarzenia, podświadomość, konwencjonalne idee itp.

Każda z tych zasad może odgrywać inną rolę, od dominacji po całkowite poddanie się. W zależności od położenia form kostiumowych na tej osi wyróżnia się sześć głównych typów twórczości obiektowej i odpowiednio sześć rodzajów tworzenia kostiumów.

1. Racjonalno-utylitarny. Tutaj praktyczna funkcja garnituru jako rzeczy użytecznej jest maksymalnie ucieleśniona. Dzięki takiemu podejściu realizowany jest jeden cel - zapewnienie ochrony przed wpływami zewnętrznymi i łatwość użytkowania. Zaliczamy tu wodery, hełmy, umundurowanie żołnierskie itp.

2. Racjonalno-estetyczna. Tu obok poprzedniej funkcji pojawia się nastrój piękna rzeczy, rozumianego jako konsekwencja jej wszechstronnej praktycznej doskonałości. Możemy tutaj zaliczyć odzież roboczą, wiele rodzajów odzieży codziennej itp.

3. Holistyczne. Ten rodzaj twórczości ma na celu stworzenie formy, która harmonijnie łączy skrajności, nadając rzeczom artystyczną i praktyczną integralność. Do tego typu zalicza się większość rodzajów kostiumów, które pełnią jednocześnie funkcję rzeczy doskonałej i znaku.

W poniższych typach wiodącą rolę odgrywa zasada artystyczna w kostiumie teatralnym.

4. Stylizacja. W tym typie wyrazista forma przedmiotu często traci związek z jego praktycznym podłożem. W typie piątym przedmioty twórcze nie są już użyteczne praktycznie i materialnie, ale duchowo. Piękno w stroju ozdobnym nie jest już bezpośrednio związane z zasadami praktycznymi. Korzystanie z formularza znane style rzeczom nadano cechy prototypu, aurę skojarzeń z nim związanych. Ten rodzaj garnituru pełni głównie funkcję zestawu znaków tworzących wizerunek właściciela. Często używamy takich ubrań również w życiu codziennym, używając różne style garnitur w zależności od sytuacji i mody.

5. Dekoracyjne. Kostium w dużej mierze traci swoje praktyczne znaczenie, a jego forma zostaje podporządkowana jakiejś idei artystycznej, dla ucieleśnienia której wykorzystuje się różne środki wizualne. Dotyczy to przede wszystkim stroju karnawałowego i rytualnego.

6. Artystyczny. Ten drugi typ przenika w samo jądro iluzorycznego świata figuratywnych modeli rzeczywistości. Aspekty praktyczne pojawiają się dopiero podczas produkcji dzieła, aby zapewnić jego istnienie. Ten typ jest manifestacją” sztuka wysoka", gdzie piękno może ustąpić miejsca innym związkom estetycznym. Kostium pełni rolę dzieła sztuki i spełnia wszystkie funkcje właściwe sztuce, zwłaszcza gdy łączy się z osobą, która go ubrała. Do tego typu zaliczają się kostiumy sceniczne, kolekcje znanych projektantów mody. Są skupiskami pomysłów i obrazów, a ich twórcy nazywani są projektantami kostiumów.

Jak wykazała analiza, klasyfikacji kostiumu teatralnego można dokonywać na różnych płaszczyznach. Wybór płaszczyzny rozważań każdorazowo zależy od celów badania.

Początki kostiumu teatralnego jako takiego sięgają starożytności. Od czasów starożytnych kostium teatralny istniał w teatrze starożytnego Wschodu. W Chinach, Indiach i Japonii klasyczny kostium teatralny ma charakter symboliczny i konwencjonalny. W teatrze ważna jest także symbolika dekoracji, wzory na tkaninie i kolor.

Kostiumy w teatrze tworzone są zazwyczaj pod każde przedstawienie i dla konkretnego aktora, ale zdarzają się też kostiumy teatralne, które są niezmienne i w zasadzie takie same dla wszystkich zespołów.

Europejski kostium teatralny pojawił się po raz pierwszy w starożytnej Grecji, gdzie, jak powszechnie wiadomo, teatr jako taki powstał, a następnie rozwijał się i przechodząc wiele zmian, stał się nowoczesny. Najważniejszą rzeczą w teatrze greckim był kostium odzwierciedlający codzienny ubiór Greków. Również do przedstawień teatralnych potrzebne były duże maski o różnym wyrazie twarzy, aby widzowie z daleka mogli dostrzec emocje aktorów oraz buty na wysokich trybunach – kostkach. Każdy kostium w teatrze greckim miał specjalny kolor, wskazujący na przykład przynależność do określonego rodzaju działalności lub stanowiska. Kostium teatralny zmieniał się w zależności od koncepcji spektaklu.

W tym miejscu warto ujawnić istotę pojęcia „kostium teatralny”.

Do Bolszoj Encyklopedia radziecka podana jest następująca definicja: „kostium w teatrze (z języka włoskiego. Kostium - zwyczaj) to jeden z ważnych elementów projektu spektaklu - ubrania, buty, kapelusze, biżuteria i inne przedmioty, którymi aktor wykorzystuje się do scharakteryzowania obraz sceniczny, stworzony przez niego na podstawie planu dyrektora generalnego; niezbędnym dodatkiem do kostiumu jest makijaż i fryzura.” Kostium w teatrze to szczególny obszar twórczości artysty, w który może się wcielić ogromna ilość obrazy, aby oddać charakter postaci. Kostium teatralny kształtuje wyobrażenie widza o osobowości bohatera, pomaga przeniknąć ducha tamtej epoki i zrozumieć charakterystyczne cechy odzwierciedlone w wyglądzie aktora.

Kostium teatralny według definicji R.V. Zacharżewskiej jest to „składnik wizerunku scenicznego aktora, są to zewnętrzne znaki i cechy portretowanej postaci, które pomagają aktorowi dokonać przemiany; środkiem artystycznego oddziaływania na widza.”

Z biegiem czasu w teatrze rozwinęły się trzy główne typy kostiumów teatralnych: postać, gra i odzież postaci. Istniały już od samego powstania teatru, choć nie nadano im jednoznacznych definicji; tego typu kostiumy przetrwały do współczesnego teatru.

„Kostium postaci To wizualna i plastyczna kompozycja będąca częścią wizerunku aktora-performera. Kostium jest integralną częścią postaci, napędzaną i wyrażaną przez aktora. Prymitywne prototypy strojów postaci były integralną częścią obrzędów i rytuałów w wielu krajach świata. Czasami garnitur może całkowicie ukryć sylwetkę aktora.

Kostium do gry- Jest to sposób na zmianę wyglądu aktora i ważny element odgrywania roli. W przedstawieniach rytualnych i folklorystycznych kostium zabawowy najczęściej miał charakter groteskowo-parodyczny, np. gdy trzeba było podkreślić, ośmieszyć, paradować lub zwrócić uwagę na absurdalność sytuacji. Mężczyźni przebierali się za kobiety i odwrotnie, ludzie przedstawiali różne zwierzęta. Do wykonania takiego kostiumu nadają się wszelkie materiały, które mogłyby podkreślić wizerunek postaci. Używali różnych materiałów i elementów ubioru: czapek z nausznikami, kożuchów, osłonek, różnej sztucznej biżuterii, koralików, dzwonków.

Kostium jako ubranie postaci, jest głównym elementem spektaklu; to na podstawie tego kostiumu tworzone są kostiumy postaci i gier. Teatr zawsze podlegał refleksji nowoczesna moda. Na przykład w praktyce teatralnej często używano kostiumów przypominających stroje z czasu, w którym odbywało się przedstawienie. Technika ta sięga czasów starożytny teatr grecki i jest obecny w teatrze do Dzisiaj. Tworzenie tego typu kostiumów przeprowadzono w oparciu o ruch od formy zbliżonej wyglądem do ubioru (w teatrze renesansowym) do większego podobieństwa do historycznych, stroje narodowe, osiągając dokładność i autentyczność. Później, w teatrze naturalizmu, kostium zaczyna w pełni odpowiadać charakterowi bohatera, oddając go z największą dokładnością stan umysłu wygląd coraz wyraźniej przekazuje elementy obrazu. Kostium zawsze był i pozostaje szczególnym obszarem twórczości artystów, którzy opracowują i wymyślają nie tylko fantastyczne kostiumy, ale nawet, jak się wydaje, tworzą prawdziwe dzieła sztuki z najzwyklejszej odzieży domowej.

Kostium teatralny jest ważną i integralną częścią każdego przedstawienia teatralnego. Teatr jest prawdopodobnie najbardziej publiczną formą sztuki, co oznacza, że został zaprojektowany bardziej z myślą o popisowości. Zwykle widzowie opuszczając salę tak charakteryzują występ: było spektakularnie, doskonała gra aktorska, wspaniała sceneria, doskonała produkcja. Z tego wszystkiego widzimy, że prawie każdy aspekt spektaklu teatralnego ma wpływ na twórczość artysty.

W czasach występów i rytuałów folklorystycznych mistrzowie kostiumów byli bezimiennymi mistrzami, często błazny samodzielnie wymyślały dla siebie strój i ożywiały go za pomocą improwizowanych, niedrogich i dostępnych środków. Teatr nie zawsze był publiczny, rozwój w tym kierunku trwał długo. Aktorów zawodowych było niewielu, a przedstawienia wykonywali głównie aktorzy-samouki. Prawa chroniące bogatych, szlachtę i właścicieli ziemskich, zwalczały włóczęgów, w tym aktorów, aby powstrzymać ucieczki z niskopłatnych zawodów. wynagrodzenie utrudniało to rozwój profesjonalistów teatralnych.

W dobie feudalizmu sztuka teatralna znalazła odzwierciedlenie w przedstawieniach podróżujących artystów. Kostium, który sobie wyobrażali, wyglądał tak samo jak kostium ich biednych rówieśników, ale był ozdobiony jaskrawymi wstążkami i dzwoneczkami. W tym czasie pojawiły się przedstawienia zwane misteriami; charakterystyczną cechą przedstawień była przepych, jasność i dekoracyjność; nie były one także podzielone na akty i moralność. Występy stają się spektaklem dworskim, pięknym i emocjonującym. Scenografia była tylko jedna i nie zmieniała się przez cały spektakl, jak ma to miejsce we współczesnym przedstawieniu teatralnym. Głównym wymaganiem dla kostiumu teatralnego w misterium było bogactwo, luksus i nie ma to znaczenia dla głównego czy drobne role, kostium był konwencjonalny, unikając szczegółów. Strój do moralitetu był skromniejszy ze względu na swoją budującą treść.

Jak wszystkie formy sztuki, w okresie renesansu nastąpił ogromny skok w rozwoju teatru, jednocześnie znaczącym zmianom uległ strój teatralny, na co duży wpływ miała ówczesna moda i scenografia. Aktorzy komediowi wyśmiewali sprawców, nadając bohaterom przedstawień dowcipne, trafne, a czasem złe charaktery. Później, w drugiej połowie XVI w., strój teatralny zbliżył się do stylu ubioru arystokratycznego; w zależności od roli mógł to być strój klauna. Kostiumy teatralne wykonywali już wykwalifikowani rzemieślnicy z wykształceniem: krawcy, artyści, dekoratorzy; było zapotrzebowanie na te zawody.

Głównym gatunkiem teatru klasycznego w XVII wieku była tragedia, aktorzy ubrani byli w kostiumy naśladujące codzienny ubiór dworzan i służby, a na projekt przedstawienia miały wpływ gusta i zainteresowania arystokracji. Ludwik XIV w 1662 r. upowszechnił się występem na festiwalu w Wersalu Teatr europejski nowy rodzaj stroju dla bohaterów tragicznych na sto lat wcześniej, występujący w stylizowanym stroju „rzymskim”, powstałym na bazie stroju dworskiego z dodatkiem kirysu i krótkiej spódnicy. Kostiumy damskie były odzwierciedleniem nowoczesności, jednak bardziej zdobione i haftowane niż na co dzień.

We wszystkich pracach poświęconych historii kostiumu podkreślany jest okres Moliera, a ponieważ moda zawsze znajdowała odzwierciedlenie w teatrze, okres ten stał się znaczący dla kostiumu teatralnego. W kostiumie teatralnym zaczęły pojawiać się realistyczne tendencje; w swoich przedstawieniach Moliere ubierał aktorów w nowoczesne kostiumy z różnych warstw społeczeństwa. Ważnym osiągnięciem w rozwoju kostiumu teatralnego było odrzucenie przez aktora D. Garricka pretensjonalności i przepychu; starał się on zredukować kostium do odgrywanej roli, odsłaniając charakter bohatera, pomagając zrozumieć jego istotę.

W naszej pracy szczególnie interesujący jest wkład Voltaire'a w historię kostiumu teatralnego - pragnienie dokładności historycznej, narodowej i etnograficznej. Odmowa pudrowanych peruk i masywnej biżuterii, w której wspierała go aktorka Clairon. W procesie reformy zmodyfikowano stylizowany strój „rzymski”, rezygnując z tradycyjnego tunelu i wyeliminowano nadmierny przepych krępujący ruch.

W XVIII w. strój ostatecznie uległ zmianie, zrywając z dawnymi tradycjami, kostium stał się zgodny z historią i został wykonany według szkiców artystów, dużą wagę przywiązywano do makijażu i fryzury, ale historyczną dokładność osiągnięto jedynie w poszczególnych szczegółach. Dopiero w XIX wieku, w związku z rozwojem sztuki reżyserskiej, próbowano powiązać kostium z koncepcją spektaklu, zachowując przy tworzeniu spektaklu ducha epoki. Wiadomo, że dramatopisarze osobiście brali udział w realizacji spektaklu i dbali o realizację fabuły, zajmowali się także szkicami scenografii i kostiumów, przyciągając do pomocy znanych artystów. Wśród autorów szkiców kostiumów znaleźli się E. Delacroix, P. Gavarni, P. Delaroche L. i C. Boulanger, A. Deveria i inni. W tym okresie ze szczególnym niepokojem traktowali autentyczność i dokładność, choć nie każdemu się to udało.

W Anglii aktor W.C. przywiązywał dużą wagę do historycznej dokładności kostiumu teatralnego. Macready, aktorka E. Vestris. Niektórzy reżyserzy w przedstawieniach historycznych starali się wiernie oddać scenę akcji, odtwarzać kostiumy zgodnie z duchem czasu, przywiązując dużą wagę do makijażu i fryzury. Naturalnie, tak skupione pragnienie autentyczności, historyczności i dokładności nie mogło nie doprowadzić do fali zaprzeczeń. Pod koniec XIX wieku wielu wybitnych reżyserów i artystów dążyło do odrzucenia rutyny naturalizmu i walczyło z realizmem w sztuce, co doprowadziło do powrotu konwencji i stylizacji. Stało się tak, ponieważ wierzono, że teatr powinien wnosić do życia coś nowego, baśniowego, nierealnego, a nie powtarzać codzienność ludzkiego życia.

Później, na początku XX wieku, wybitni i sławni ludzie zaczęli projektować kostiumy teatralne. znani artyści, wnosząc odzwierciedlenie swojej kreatywności do tego typu sztuki, tworząc prawa wykonania kostiumów, pracując jako pionierzy. Na obecnym etapie rozwoju sztuki teatralne artyści starają się nie tylko odzwierciedlić w swoich dziełach koncepcję spektaklu, ale także uczynić kostiumy teatralne samodzielnym dziełem sztuki, wyrazić siebie, dać upust wyobraźni, ukazać swoją wizję twórczości.

Z historii kostiumu teatralnego widzimy, jak gorliwie artyści traktowali ten rodzaj sztuki, dlatego znaczenie roli kostiumu teatralnego w sztuce nie budzi wątpliwości. W naszych badaniach szczególną uwagę zwróciliśmy na następujących artystów, którzy tworzyli szkice do spektakli teatralnych: L. Bakst, A. Benois, N. Roerich, A. Exter (patrz Załącznik nr 1). Przez cały rozwój kostiumu teatralnego widzimy, jak znani artyści i bezimienni mistrzowie pracowali nad stworzeniem artystycznego obrazu, tworząc dzieła sztuki nawet ze zwykłego kostiumu, pracując twórczo, starając się z każdym szczegółem opowiedzieć widzowi o wyjątkowości i znaczeniu tego charakter. Kostium teatralny to fuzja wielu sztuk, w jego tworzenie zaangażowanych jest wielu rzemieślników różnych kierunków, jeden tworzy szkic, drugi ozdabia haftem, trzeci zajmuje się dodatkami i rekwizytami. Są pewne etapy pracy nad stworzeniem kostiumu teatralnego.

Artysta, zanim zacznie tworzyć kostium teatralny, musi zadać sobie pytanie: co potrzebuje stworzyć, dla kogo i jak? Odpowiedzi na te pytania implikują, że doświadczony artysta posiada wiedzę na temat atmosfery i wizerunku spektaklu, odpowiedzialności wobec publiczności i doskonałej znajomości publiczności, a także wiedzę o wszelkich technikach i technikach, za pomocą których może wszystko wyrazić. Mimo że kostium teatralny jest samodzielnym dziełem sztuki, to jak wszystko inne w przedstawieniu jest podporządkowany całościowej fabule. Pomysł, plan jest w centrum wszystkiego, dyktuje treść każdej postaci, jej status społeczny, moralną stronę jego osobowości, a zatem i jego wygląd, ponieważ wszystko to jest ze sobą powiązane. W praktyce teatralnej istnieją trzy etapy pracy nad stworzeniem kostiumu: praca z literaturą, gromadzenie materiału nt temat ogólny wykonanie, praca nad szkicem i wreszcie wykonanie szkicu w materiale, ucieleśnienie w fakturze. Decydując się na ogólny projekt kostiumu spektaklu, dobierając technikę pracy nad szkicami kostiumów, a nawet dobierając materiały i dodatki, projektantka kostiumów kieruje się główną ideą spektaklu. Idea wyrażona w scenariuszu podporządkowuje wszystko: kostiumy, scenerię, charakterystykę bohaterów.

Ważny warunek w pracy kostiumografa – osiągnięcie jedności idei spektaklu i jego realizacji. W kostiumie teatralnym ważną rzeczą jest stworzenie wizerunku scenicznego. Na obraz sceniczny w kostiumie teatralnym składa się koncepcja reżyserska, podstawa dramaturgiczna, dynamika i rytm. Dynamika obrazu i ewolucja charakteru bohatera oraz wszystko, co dzieje się na scenie, skłania artystę do kilkukrotnej zmiany wyglądu aktora na scenie, nie tylko kostiumu, ale także makijażu i fryzury. Kostium powinien pomóc widzowi przekazać najmniejszą zmianę w wizerunku aktora.

Kostium jest najważniejszą częścią przedstawienia teatralnego, ponieważ jest najbliżej aktora. Nie zapominaj, że kostium jest zewnętrznym wyrazem charakteru postaci, integralną częścią wizerunku scenicznego i tworzy wokół aktorów szczególną atmosferę, ważną nie tylko dla wykonania roli, ale także dla publiczności. Często w podtekście spektaklu pozostają cechy charakteru, które widz rozpoznaje na podstawie kostiumu i jego kostiumu indywidualne szczegóły. Czasem kostium powinien współgrać z wizerunkiem wykreowanym przez aktora, ale zdarza się też, że jest sprzeczny z postacią. Przykładowo na samym początku spektaklu widzimy aktora grającego dobrego człowieka, zachowuje się on przyzwoicie i w wysokim stopniu moralnie, ale jego kostium niepokoi widza i rzeczywiście pod koniec spektaklu okazuje się złoczyńcą albo zdrajca. Pracując nad szkicami, nie zapominaj o indywidualności aktora, wszechstronności i złożoności jego postaci.

Zatem, wyraziste środki kostium teatralny następujące cechy:

Na artystyczny obraz sceniczny składa się koncepcja reżyserska, podstawa dramaturgiczna, dynamika i rytm.

Jest niezależnym dziełem sztuki

Dąży do poprawności historycznej, narodowej i etnograficznej

Jest zewnętrznym wyrazem charakteru postaci;

Zaprojektowany bardziej pod kątem wydajności.

praca

2.1 Kostium teatralny. Rodzaje kostiumów teatralnych

Strój teatralny odgrywa ważną rolę w kształtowaniu pozytywnego wizerunku teatru wśród docelowej publiczności.

Kostium teatralny to szerokie pojęcie i obejmuje wszystko, co sztucznie zmienia wygląd człowieka, przylegając do jego ciała - to cały kompleks rzeczy: fryzura, makijaż, buty, nakrycie głowy i sama sukienka. Znaczenie semantyczne garnituru jako maski ciała potwierdza leksykalne znaczenie słowa „garnitur”: „słowo to zostało zapożyczone od włoskiego „kostiumu”, co oznacza „zwykły”, „zwyczajowy”, „zwyczajowy” i w liczbie mnogiej - „mores” Kokuashvili N.B. Odzież jako zjawisko kulturowe // Znaki życia codziennego - Rostov-on-D., 2001. - s. 38-44.

Kostium teatralny zawsze odzwierciedla epokę, w której rozgrywa się przedstawienie. Aby stworzyć kostium teatralny, artyści dekoratorzy korzystają z różnych źródeł informacji: fresków, rzeźb, obrazów, źródeł pisanych.

Kostium teatralny to jedyny system, który może sztucznie zmienić wygląd człowieka, podkreślić lub zniszczyć harmonijną jedność ciała lub jego poszczególnych części i stworzyć obraz artystyczny. Załóżmy taką realną sytuację: widząc dziewczynę w sukience nadającej jej sylwetce kształt bliski ideału, możemy zawołać: „Jaka piękna dziewczyna!”, co będzie oznaczać, że kostium ten spełnił swoją „funkcję estetyczną”, to uczynił tę osobę piękną. Liczne niefunkcjonalne detale, np. wzór, konstrukcja tkaniny, jej kolor, faktura, koronka, marszczenia, ozdobne guziki, hafty, aplikacje, sztuczne kwiaty itp., na pierwszy rzut oka stanowią jedynie elementy dekoracyjne detali kostiumu, jednak z czasem po wnikliwej analizie okazuje się, że pomagają kształtować wizerunek, a doskonałość wyobraźni jest jednym z najpotężniejszych źródeł piękna. W tym przypadku jeden aspekt estetyczny kostiumu teatralnego niepostrzeżenie przechodzi w inny, co można nazwać funkcją artystyczną kostiumu, mającą na celu kreowanie indywidualnego wizerunku i stylu.

Bez opracowania typologii kostiumu teatralnego nie da się zbadać jego roli w kształtowaniu wizerunku teatru. Różnorodność kostiumów teatralnych można porównać z różnorodnością sytuacji życiowych lub postaci ludzkich, które ten kostium ucieleśnia na scenie. Głównym sposobem zrozumienia jego istoty jest typologia, podział na klasy, grupy, typy itp. w różnych płaszczyznach.

Nie ma kompletnych badań na ten temat. Chociaż warto zauważyć, że każdy autor, który zaczyna studiować kostium teatralny i kostium w ogóle, klasyfikuje go według jakiegoś kryterium. Większość literatury na temat kostiumów to badania historyczne i etnograficzne, dlatego też kategoryzuje kostiumy według granic geograficznych lub czasowych. W literaturze poświęconej powstaniu elementów ubioru, ich rozwojowi i sposobom kształtowania wizerunku garnitur jest zwykle dzielony ze względu na budowę ciała, konstrukcję i funkcje.

Każdy rodzaj klasyfikacji otwiera nowe obszary badań, ujawniając nieoczekiwane problemy i nowe aspekty kostiumu.

Główne płaszczyzny typologii:

1. Antropologiczne

a) w stosunku do ciała

Podstawą klasyfikacji jest stopień bliskości ciała, a co za tym idzie stopień oddziaływania na ciało.

Wymieńmy je od najbliższego do najdalszego: malowanie ciała (tatuaż, makijaż, makijaż), ubrania, buty, czapki, biżuteria, dodatki (też mają inny efekt: na przykład okulary są bliżej niż torebka).

Wiele systemów, takich jak odzież, również ma różnice w sobie (bielizna i odzież wierzchnia).

b) w odniesieniu do części ciała (rodzaje odzieży, czapki, buty itp.)

Cała odzież jest również podzielona na trzy warstwy: bieliznę, bieliznę i odzież wierzchnią.

Dział marynarski: marynarka, sweter, marynarka, kamizelka, marynarka, sweter, smoking, frak, garnitur (dwuczęściowy, trzyczęściowy, ze spódnicą lub spodniami), koszula (bluzka).

Odzież na nogi: spodnie, szorty, skarpetki, pończochy, rajstopy.

Osobno podkreślamy sukienkę (sukienę) i spódnicę.

Historycy kostiumów identyfikują około siedemnastu rodzajów płaszczy.

Buty dzielimy na: szyte, cięte i mocowane do stopy za pomocą różnych zawiesi, wiklinowe.

Z założenia buty dzielą się na sandały i drewniaki, buty, botki i botki.

Kapelusze. Nakrycie głowy zawsze było kojarzone z głową, dlatego ma silne znaczenie symboliczne. W dziełach sztuki nakrycie głowy mogło służyć jako substytut głowy.

Fryzura - dekoracja głowy pod wieloma względami symbolizuje strukturę jej wewnętrznej treści, światopogląd każdej osoby i epokę jako całość.

Włosy na głowie, ponieważ pokrywają górną część ludzkiego ciała, symbolizują siły duchowe, siły wyższe i ucieleśniają stan duchowy człowieka. Owłosienie ciała wiąże się z wpływem irracjonalnych, niższych sił, biologicznych instynktów. Włosy oznaczają także płodność. W symbolice hinduskiej oznaczają „linie siły” Wszechświata. Gęste włosy są ucieleśnieniem życiowego impulsu, kojarzonego z chęcią odniesienia sukcesu. Kolor włosów jest ważny. Ciemne włosy mają ciemną, ziemską symbolikę, jasne (złote) włosy kojarzą się z promieniami słońca, czystością i dobrocią, a wszyscy pozytywni bohaterowie mitologiczni i baśniowi mieli blond włosy (Królewna Śnieżka, Śnieżna Panna, Złotowłosa). Miedzianoczerwone włosy wskazują na demoniczny charakter i kojarzą się z Wenus. Przez stulecia panowało przekonanie, że wiedźma musi być rudowłosa i że takim ludziom zawsze przypisuje się szczęście. Wiele rytuałów czarów wiąże się z włosami, jako ludzką energią duchową. Kiedy tracimy włosy, tracimy siły, jak biblijny Samson. Wadą wypadania włosów jest to, że jest to dobrowolne poświęcenie. Każdy, kto odrzuca życie ziemskie, aby pójść drogą absolutnej ascezy, ma obowiązek ściąć włosy (tonsurę monastyczną). Od czasów starożytnych ludzie przywiązywali dużą wagę do fryzury. Zdaniem Diderota fryzura uatrakcyjnia kobietę, a u mężczyzny podkreśla cechy charakteru.

Makijaż. Poprzez makijaż aktor może zmienić swoją twarz, nadać jej tak wyrazistą formę, która pomoże aktorowi najpełniej i wszechstronnie ujawnić istotę obrazu i przekazać ją widzowi w najbardziej wizualnej formie. Ale makijaż jest ważny nie tylko jako zewnętrzny rysunek charakteru postaci granej przez aktora. Nawet w procesie twórczym pracy nad rolą makijaż jest pewnym impulsem i zachętą dla aktora do dalszego ujawniania obrazu.

2. Demograficzne

Istnieje wyraźny podział na elementy kostiumów męskich i żeńskich, kolorystykę, fakturę i materiały.

Damskie - pastelowe odcienie, cała paleta różu, lekkie, miękkie tekstury, łatwo drapowane, przezroczyste, z błyskotkami, haftami, gipiurami, motywami kwiatowymi, roślinnymi, kropkami i miękkimi liniami w fakturze i wzorach, perły i masa perłowa - materiał na akcesoria i biżuterię.

Kostium teatralny może różnić się w zależności od płci drobnymi szczegółami (na przykład bokiem zapięcia) lub ogólnie całą formą. Tak więc w XVII wieku mężczyźni powszechnie używali luksusowej koronki, ale teraz jest to przywilej kobiet, jeden z symboli kobiecości. Znaki kobiecości i męskości oczywiście zmieniały się u różnych narodów i w różnych epokach, ale zawsze były obecne. Być może wyjątkiem jest koniec XX wieku, z jego ideą unisex.

Od dawna istnieją różnice między strojami dla dzieci i dorosłych. W obrębie tych grup występuje gradacja: małe dzieci, młodzież, młodzież, osoby dojrzałe, osoby starsze, osoby starsze. Kostium zawiera specjalne detale dla starszego pokolenia i specjalne dla młodszego pokolenia. Oto kilka przykładów: kokarda czy śliniaczek jest dla nas zawsze symbolem dziecinności, chusta zawiązana na kobiecej głowie zwykle kojarzy się ze starością, garnitur z wyraźnymi oznakami erotyki może nosić tylko młodzież. Tego typu stereotypowe symbole mocno zakorzeniają się w kulturze.

Podobnie jak w przypadku płci, przyjmuje się podział na dziecięce i dorosłe projekty, kolory, faktury i materiały.

Główne płaszczyzny środowiskowe kostiumu teatralnego.

1. Historyczne (czasowe) - epoki, stulecia, okresy, lata...

Klasyfikacja ta, stosowana do kostiumów, jest najpowszechniejsza w naukach historycznych. Przy takim podejściu historię rzeczy i zjawisk bada się z punktu widzenia ich przynależności do określonego czasu. Najbardziej powszechnie uznawane duże gradacje: prymitywność, starożytność, średniowiecze, renesans, XVII, XVIII, XIX, XX wiek. Rozwój kostiumu w tym przypadku rozpatrywany jest jako proces liniowy, skupiono się na cechach odróżniających jedną epokę od drugiej. Uwaga badaczki skupia się na cechach stylistycznych ubioru, wspólnych dla wszystkich sztuk architektonicznych poszczególnych epok.

W obrębie każdej epoki zwyczajowo wyróżnia się mniejsze okresy, ich nazwy są powszechnie znane.

2. Naturalne.

Wraz z rozwojem działalności człowieka i przemysłu stale pojawiają się nowe kombinezony, specjalnie przystosowane do narażenia na działanie ekstremalnych warunków naturalnych, co pozwala ludziom przedostać się do najbardziej niedostępnych zakątków Ziemi i niezbadanych środowisk. Ludzkość opracowała sprzęt do podboju szczytów górskich, głębin morskich, nieprzejezdnych lasów tropikalnych, pustyń i biegunów.

3. Etnograficzne – grupy etniczne, ludy, plemiona (obrzędy, zwyczaje). Jest to jedna z powszechnych klasyfikacji kostiumów teatralnych. Przeważająca część całej literatury poświęconej kostiumom to dzieła etnograficzne zawierające szczegółowe opisy strojów określonych społeczności etnicznych oraz związanych z nimi zwyczajów i rytuałów. Na podstawie takich badań warto zbadać takie zjawisko jak strój narodowy.

4. Odrębne rytuały poszczególnych społeczności etnicznych.

Wiele prac poświęconych kostiumowi teatralnemu danej epoki opiera się na podziale klasowym. Ubiór poszczególnych klas jest początkowo zdeterminowany wrodzonym im sposobem życia, a jego ustalona forma pełni funkcję znaku wskazującego konkretną warstwę społeczeństwa. Przywódca wyróżniał się wśród współplemieńców; był czczony jako osoba wyjątkowa. Krój i szczegóły stroju wskazują na status w społeczeństwie, tradycje rodzinne itp. A we współczesnym świecie istnieje taka funkcja garnituru (na przykład w garniturze biznesowym - im cieńszy pasek, tym wyższy status jego właściciela). Błędy tutaj były zawsze wyjątkowo niepożądane i mogły wywołać obrazę. Ludzie byli bardzo wrażliwi na swoją pozycję w społeczeństwie i zawsze starali się ją jakoś podkreślić w garniturze. Często różne klasy mają odmienne zasady etyczne, estetyczne itp. norm, co znalazło także odzwierciedlenie w pozwie. W społeczeństwie klasowym potrzebne są po prostu znaki zewnętrzne, które ustalają naturę relacji i komunikacji.

Najbardziej jasno określone i łatwe do rozróżnienia stroje mają następujące zawody: wojsko, pracownicy medyczni, pracownicy transportu, pracownicy gastronomii itp.

W zależności od stopnia wpływu religii na życie społeczeństwa w danym okresie, cechy te w taki czy inny sposób wpływają na wszystkie formy i rodzaje ubioru.

5. Estetyka – hierarchia stylów, zmiana mód itp.

Na tej właśnie klasyfikacji opiera się dość obszerna literatura poświęcona kostiumowi teatralnemu. Historia kostiumów teatralnych z reguły opiera się na rozważeniu różnych stylów i mód kostiumowych, które następowały po sobie przez całe istnienie ludzkości. Z tej hierarchii aktywnie korzystają także badacze nowoczesności w swoich pracach, uwzględniając paletę stylów obecnych współcześnie i leżących u podstaw nauki o obrazie. W związku z tym należy zauważyć, że badanie stylu kostiumów opiera się na dwóch kierunkach: stylach historycznych i współczesnych. Pojęcie „nowoczesności” obejmuje nie tylko style, które powstały w ostatnich dziesięcioleciach bieżącego stulecia, ale całą różnorodność stylów kostiumowych, którymi dysponują nasi współcześni, a także samo podejście do stylu jako instrumentu. Wynika to z faktu, że na obecnym etapie rozwoju człowieka styl obecnej epoki można określić jako poliwariantność, tj. nie da się tego jednoznacznie określić, zależy od wielu przyczyn i łatwo zmienia się w zależności od sytuacji, nastroju itp. Dlatego wymienimy główne style historyczne, które powstały w danej epoce, a następnie główne style, w których współczesny człowiek może się wyrazić. Oczywiście wiele nowoczesnych stylów opiera się na pewnych stylach historycznych.

Jak wspomniano powyżej, kostium teatralny jest elementem konstrukcji spektaklu. Osobliwością każdego kostiumu jest cel, dla którego został stworzony. I w oparciu o cel, zwykle reżyserski, budowany jest obraz artystyczny...

Badanie cech artystycznych i graficznych szkiców kostiumów teatralnych oraz możliwości ich wykorzystania w przedstawieniu stroju współczesnego

Szkic sugeruje sposób noszenia kostiumu, chód, przewiduje niezbędną deformację sylwetki, położenie głowy, ruch rąk i sposób ich trzymania, ostrość rysunku sylwetki, aktora w garnitur. Nawet w przypadku współczesnych sztuk...

Badanie cech artystycznych i graficznych szkiców kostiumów teatralnych oraz możliwości ich wykorzystania w przedstawieniu stroju współczesnego

Niezwykły teatr Misteria, jako twórcze źródło współczesnej kolekcji prac tego kursu, ma na celu przeniesienie kostiumów historycznych i etnicznych z muzeów na scenę teatralną...

Kostium średniowiecza i czasów nowożytnych

Procesy kulturowe na Ukrainie w XX wieku. Kultura narodów Zakaukazia. Cechy sztuki teatralnej

Teatr to rodzaj sztuki scenicznej, która przedstawia życie w przedstawieniu scenicznym, gdy aktorzy występują przed widzami, a także scenerię, w której scena sceniczna jest wystawiana przez śpiewającą grupę artystów oraz pomieszczenia, kabiny itp. przytulić się do widoku...

Podstawowe style taniec jazzowy

Jazz na Broadwayu stał się jednym z popularnych rodzajów tańca współczesnego. Styl ten narodził się jeszcze w latach 20. XX wieku, w czasach, gdy jazz zaczął być grany profesjonalnie...

Początki niemieckiego teatru narodowego sięgają czasów kształtowania się obrzędów ludowych, przedstawień religijnych, różnego rodzaju gier i zabaw świątecznych. Autorem większości przedstawień jarmarkowych był Hans Sachs (1494-1576)...

Cechy rozwoju sztuki teatralnej w Niemczech i Rosji na początku XX wieku

Historia teatru rosyjskiego dzieli się na kilka głównych etapów. Początkowy etap, związany z ludowymi zabawami, rytuałami, świętami, ma swoje korzenie w społeczeństwie plemiennym...

Praktyka korzystania z akcesoriów teatralnych. Kształtowanie zewnętrznego wizerunku teatru

Rozwój kultury w okresie niepodległości w różnych sferach

Teatr jest oczywiście sztuką zbiorową, dlatego ważne jest, aby w jego finalnym produkcie widzieć główną przyczynę sukcesu, aby ukoronować go jako najważniejszy prymat państwa...

Teatry awangardowe

Awangarda teatralna (od francuskiej awangardy - awangarda), termin ten został przeniesiony ze sfery polityki na dziedzinę sztuki w 1885 roku; oznacza nowe, niekonwencjonalne formy sztuki, które pojawiły się pod koniec XIX wieku...

Estetyka teatru Rainera Wernera Fassbindera

Bez wchodzenia do monachijskiej szkoły filmowej R.V. Fassbinder rozpoczął naukę aktorstwa w prywatnej szkole teatralnej, gdzie „trzymał dla siebie” Fassbinder R.-V. Filmy uwolnij głowę: eseje i notatki robocze // Scenariusze filmowe. 2000. N 3. S. 139....

Estetyka teatru Rainera Wernera Fassbindera

Dyrektor estetyczny sceny Fassbinder Choć powstanie Antyteatru było w zasadzie formalną zmianą nazwy Teatru Akcji, grupa miała teraz lidera, niezależnie od tego, jak sam Fassbinder ją odrzucił...

Estetyka teatru Rainera Wernera Fassbindera

W 1969 roku w Bremie – niemieckiej mekce teatralnej lat 60. i 70. – teatr zorganizował trzynastogodzinne wydarzenie – „Pojedynek”, podczas którego pokazano dwa filmy – „Katzelmacher”, „Miłość zimniejsza od śmierci”, dwa przedstawienia – „Kawiarnia”, „Anarchia w Bawarii” „...

TEATR to syntetyczna forma sztuki, która pozwala nie tylko słyszeć, nie tylko wyobrażać sobie, ale także patrzeć i widzieć. Teatr daje nam możliwość bycia świadkiem dramatów psychologicznych oraz uczestniczenia w dokonaniach i wydarzeniach historycznych. Teatr, przedstawienie teatralne, powstaje dzięki wysiłkowi wielu artystów, od reżysera i aktora po scenografa, gdyż spektakl jest „połączeniem różnych sztuk, z których każda ulega w tym planie przekształceniu i zyskuje nową jakość” …”

Kostium teatralny jest składnikiem scenicznego wizerunku aktora; są to zewnętrzne znaki i cechy portretowanej postaci, które pomagają aktorowi dokonać przemiany; środek artystycznego oddziaływania na widza. Dla aktora kostium jest materią, formą inspirowaną znaczeniem roli.

Tak jak aktor słowem i gestem, ruchem i barwą głosu tworzy nowy byt obrazu scenicznego, wychodząc od tego, co podane w spektaklu, tak artysta, kierując się tymi samymi danymi ze spektaklu, ucieleśnia obraz za pomocą swojej sztuki.

W ciągu wielowiekowej historii sztuki teatralnej scenografia konsekwentnie ulegała ewolucyjnym przemianom, spowodowanym nie tylko udoskonaleniem technologii scenicznej, ale także wszelkimi zmiennościami stylów i mody odpowiednich czasów. Zależało to od charakteru struktury literackiej spektaklu, gatunku dramatu, składu społecznego widza, poziomu techniki scenicznej.

Okresy stabilnych budowli architektonicznych starożytności ustąpiły miejsca prymitywnej fazie średniowiecza, która z kolei ustąpiła miejsca królewskim teatrom dworskim z samowystarczalnym luksusem przedstawień. Były występy w ubraniach, w skomplikowanych dekoracjach konstrukcyjnych, tylko w projektowaniu oświetlenia, w ogóle bez dekoracji - na gołej scenie, na platformie, tuż na chodniku.

Rola kostiumu jako „ruchomej” dekoracji zawsze była dominująca. Zmienił się punkt widzenia na jego „związek” z aktorem, czasem i historią, a wreszcie z bezpośrednim „partnerem” – projekt artystyczny sceny.

W procesie postępującego rozwoju sztuki współczesnego teatru, innowacyjności reżyserii, transformacji sposobu projektowania artystycznego, rola sztuki kostiumowej nie maleje – wręcz przeciwnie. Wraz z rozwojem swoich młodszych i bardziej elastycznych braci – kina i telewizji – teatr niewątpliwie zdobywa w swoich poszukiwaniach i torturach nowe formy technik widowiskowych, właśnie takich, które broniłyby i definiowały pozycję teatru jako trwałej wartości sztuki niezależnej formularz. Kostium, jako najbardziej ruchomy element scenografii teatralnej, zajmuje w tych poszukiwaniach pierwsze miejsce.

Wysoka, nowożytna kultura sztuki teatralnej, subtelna i głęboka praca reżyserska nad spektaklami i spektaklami oraz utalentowana gra aktorów wymagają, aby artysta projektujący przedstawienie wnikliwie wnikał w dramaturgię przedstawienia i bliski kontakt z reżyserem. Nowoczesny design nie jest kanonizowany przez reguły. Jest to indywidualne i specyficzne w każdym konkretnym przypadku. „Praca reżysera jest nierozerwalnie związana z pracą artysty. Najpierw reżyser musi znaleźć własną odpowiedź na podstawowe problemy planu. Artysta z kolei musi czuć zadania spektaklu i uparcie poszukiwać środków wyrazu…”

Kostium teatralny powstaje najpierw za pomocą środków wizualnych, czyli szkicu.

KOSTIUM TEATRALNY, element projektu wykonawczego. W historii teatru znane są trzy główne typy kostiumów teatralnych: strój postaci, gra i strój postaci. Te trzy główne typy garniturów istnieją na wszystkich etapach sztuki performatywne– od przedteatru rytualnego i folklorystycznego po współczesną praktykę artystyczną.

Kostium postaci to rodzaj wizualno-plastycznej kompozycji na sylwetce performera, wprawianej przez niego w ruch i udźwiękowionej (poprzez wymowę tekstu lub śpiew), czasami całkowicie zakrywającą jego postać, podobnie jak maska zakrywała jego twarz. Przykłady strojów postaci w rytuałach i ceremoniach różne kraje pokój. Sylwetka stroju indyjskiego w kształcie dzwonu była parafrazą świątyni-namiotu z wieżą Nagara-sakhara i święta góra Menu (centrum i oś świata w mitologii hinduskiej). Chiński - swoją formą, wzorem, zdobnictwem i kolorem wyraża starożytną kosmologiczną symbolikę naturalnej przemiany Światła i Ciemności, połączenia Nieba i Ziemi w akcie stworzenia świata. Szamański kostium ludów Północy ucieleśnia wizerunki fantastycznego ptaka związanego z „wyższym światem” i bestią (mieszkańcem „niższego świata”). Południoworosyjski jest swego rodzaju modelem Wszechświata. W tradycyjne pomysły W Operze Pekińskiej kostium przedstawiał wizerunek groźnego smoka, w japońskim teatrze No – motywy natury, a w epoce baroku XVII wieku. – Sprawiedliwość lub pokój. Jeśli dla obrzędów rytualnych i działań folklorystycznych kostiumy postaci (podobnie jak wszystkie inne elementy scenografii) były owocem twórczości anonimowych twórców ludowych, to w XX wieku od samego początku zaczęto je komponować artyści: I. Bilibin – w opera Złoty Kogucik N. Rimski-Korsakow (1909), K. Frych – w Bure W. Szekspir (1913), W. Tatlin – w Car Maksymilian, P. Filonov - w tragedii Władimir Majakowski wreszcie w projekcie jest K. Malewicz Zwycięstwo nad słońcem(wszystkie trzy przedstawienia 1913). A potem, pod koniec lat 10. XX w. – pierwsza połowa lat 20. XX w. całą serię kostiumów postaci stworzyli włoscy futuryści E. Prampolini, F. Depero i inni, O. Schlemmer z niemieckiego Bauhausu, a w balecie – P. Picasso, który pokazywał groteskowe Menedżerki w Parada E. Satie i F. Leger – Bóstwa murzyńskie w Stworzenie świata D.Millo. Wreszcie kubistyczna „architektura” kostiumowa A. Vesnina nabrała charakteru w przedstawieniach A. Tairowa - w zwiastowanie, własne kompozycje suprematyczne na temat postaci bohaterów Fedra. NA inne sceny - „kombinezony muszlowe” Yu Gaz G. Kaiser i A. Petritsky – w Wij, a także fantastyczne kolaże jako kostiumy postaci do spektaklu Inspektor, które zostały stworzone przez uczniów P. Filonowa (N. Jewgrafowa, A. Landsberga i A. Saszyna) na temat znaczków, herbów, pieczęci, kopert itp. - postać poczmistrza, przepisy kulinarne, podpisy, strzykawki, lewatywy, termometry - postać Doktora, butelki, kiełbaski, szynki, arbuzy itp. - postać Człowieka z Tawerny. W drugiej połowie XX wieku. kostiumy jako niezależne postacie wizualne, ukazane odrębnie od aktorów, jako element scenografii, stworzyli M. Kitaev i S. Stavtseva, a jako różnego rodzaju kompozycje na postaciach aktorów – K. Shimanovskaya, D. Mataiten, Y. Charikow.

Kostium aktorski to sposób na zmianę wyglądu aktora i jeden z elementów jego występu. W aktach rytualnych i folklorystycznych przemiana miała najczęściej charakter groteskowej parodii, gdy mężczyźni przebierali się za kobiety, kobiety za mężczyzn, młodzi mężczyźni za starców, piękności za czarownice lub gdy przedstawiali różne zwierzęta. Jednocześnie wykorzystywano wszystko, co było pod ręką: kurtkę, kożuch, osłonę, kożuch – zawsze wywrócony na lewą stronę, zabawniejszy i zabawniejszy, a także każdą inną, nieco śmieszną, „odwróconą” odzież, na przykład skrajnie skrócone spodnie, zbyt szeroka koszula, dziurawe pończochy, wszelkiego rodzaju szmaty, szmaty, szmaty, torby, liny; Wykorzystano wszystko, co dała natura: trawę, kwiaty, słomę, liście. Wreszcie do ozdabiania używano także różnych sztucznych dekoracji: kolorowego papieru, kory brzozowej, folii, szkła, wstążek, lusterek, dzwonków, piórek itp. Techniki groteskowego ubierania się przekształciły się w performansy starożytne komedie greckie oraz do tradycyjnego teatru Wschodu, gdzie połączono je z urozmaiconą grą aktora z elementami jego kostiumu: długie rękawy i pióra bażanta – w Operze Pekińskiej, pociągi, ręczniki i wachlarze – w języku japońskim nr 1. Przedstawienia włoskiej komedii dell'arte, sztuk Szekspira i Lope de Vegi opierały się na niekończących się przebraniach i przebraniach. Pod koniec XVIII wieku. Emma Hart (Lady Hamilton) swój słynny taniec oparła na zabawie szalem, po czym podobne techniki (manipulacje chustami, narzutami, welonami i innymi podobnymi elementami ubioru) znalazły szerokie zastosowanie w teatrze baletowym XIX wieku, osiągając szczyt artystyczne szczyty w twórczości L.Baksta, którego szkice obrazów choreograficznych obejmowały dynamikę różnorodnych latających tkanin, pasków, szali, spódnic, szali, płaszczy, peleryn, wisiorków, podwiązek. Na scenie dramatycznej tradycję gry kostiumowej wraz z ruchami aktora kontynuował – za pomocą kubofuturystycznej wyrazistości – A. Exter w przedstawieniach Teatru Kameralnego Salome O. Wilde i Romeo i Julia W. Szekspir, a po niej jej uczeń P. Czeliszczew i inni mistrzowie początku lat 20. XX w.: W. Chhodasevich i I. Nivinsky, I. Rabinovich i G. Yakulov, S. Eisenstein i G. Kozintsev wreszcie znów na scenie baletowej , w inscenizacjach K. Goleizovsky'ego - B. Erdmana. Jeśli w tym okresie kostiumy zabawowe ukształtowały cały trend w scenografii, to w drugiej połowie XX wieku. Dość powszechnie wykorzystywali je także artyści i reżyserzy, ale z konieczności, jako element „palety” środków wyrazu, którymi dysponowali. Wśród autorów współczesnych kostiumów zabawowych znajdują się gruzińscy artyści Sameuli, G. Alexi-Meskhishvili i N. Ignatov; przykłady podobnego rodzaju można znaleźć w teatrach innych krajów: w Polsce, Czechach, Niemczech, Włoszech.

Kostium, podobnie jak ubiór postaci, często stanowi podstawę do komponowania omówionych powyżej typów kostiumów (postaci i gry), we wszystkich okresach rozwój historyczny teatr jest w mniejszym lub większym stopniu ucieleśnieniem na scenie tego, co ludzie nosili w danym okresie. Tak było w starożytnych tragediach i tak jest w przedstawieniach naszych czasów. Jednocześnie ogólną ewolucję tego rodzaju ubioru charakteryzowało przejście od konwencjonalnych form prawdziwego ubioru (w epoce baroku i klasycyzmu) do jego rosnącej autentyczności historycznej, geograficznej, narodowej, dokładności i autentyczności. W teatrze naturalizmu i realizmu psychologicznego kostium staje się całkowicie adekwatny do charakteru bohatera, wyrażając nie tylko jego status społeczny, ale także stan psychiczny. Jednocześnie zarówno dziś, jak i w minionych stuleciach strój pozostaje przedmiotem szczególnej twórczości artystów (wśród których znajdują się najwybitniejsi mistrzowie sztuki piękne i scenografia) i je komponują (nawet pozornie codzienne kostiumy codziennego użytku, nie mówiąc już o fantastycznych), nie tylko jako osobna praca, ale jako istotny element spektaklu.

2.1 Kostium teatralny. Rodzaje kostiumów teatralnych

Może Cię zainteresuje