Jacy znani kompozytorzy są tam? Najsłynniejsi kompozytorzy świata

Muzyka klasyczna nie jest obecnie tak popularna, jak w jej „złotym wieku” – od XVII do początków XX wieku, ale nadal dla wielu robi wrażenie i stanowi inspirację. Słynni kompozytorzy muzyczni, którzy stworzyli te wspaniałe dzieła, żyli setki lat temu, ale ich arcydzieła pozostają niezrównane.

Znani kompozytorzy niemieccy

Ludwiga van Beethovena

Ludwig van Beethoven to jedno z najważniejszych nazwisk w historii muzyki klasycznej. Był innowatorem swojej epoki, poszerzając zakres symfonii, sonaty, koncertu, kwartetu i w nowy sposób łącząc wokal i instrumenty, choć gatunek wokalny nie był tak bardzo zainteresowany. Publiczność nie od razu zaakceptowała jego nowatorskie pomysły, ale sława nie trwała zbyt długo, więc jeszcze za życia Beethovena doceniono jego twórczość.

Całe życie Beethovena naznaczone było walką o zdrowy słuch, lecz mimo to dopadła go głuchota: niektórzy najważniejsze dzieła wielkiego kompozytora powstały w ciągu ostatnich dziesięciu lat jego życia, kiedy nie mógł już słyszeć. Do najsłynniejszych dzieł Beethovena należą: „ Sonata księżycowa„(nr 14), zagraj „Fur Elise”, symfonię nr 9, symfonię nr 5.

Jana Sebastiana Bacha

Kolejnym światowej sławy niemieckim kompozytorem jest Johann Sebastian Bach, genialny autor, którego twórczość w XIX wieku budziła zainteresowanie nawet wśród tych, którzy nie interesowali się poważną, klasyczną muzyką. Pisał jednak muzykę organową, wokalno-instrumentalną oraz muzykę na inne instrumenty i zespoły instrumentalne gatunek opery nadal udało mu się obejść. Najczęściej zajmował się pisaniem kantat, fug, preludiów i oratoriów, a także aranżacji chorałowych. To właśnie Bach, wraz z Jerzym Fryderykiem Haendlem, byli ostatnimi kompozytorami epoki baroku.

Przez całe życie stworzył ponad tysiąc utworów muzycznych. Najsłynniejsze dzieła Bacha: Toccata i Fuga d-moll BWV 565, Pastorał BWV 590, Koncerty brandenburskie, Kantaty chłopskie i kawowe, Msza Pańska według św. Mateusza.

Ryszarda Wagnera

Wagner był nie tylko jednym z najbardziej wpływowych kompozytorów na całym świecie, ale także jednym z najbardziej kontrowersyjnych – ze względu na swój antysemicki światopogląd. Był zwolennikiem nowa forma opera, którą nazwał „dramatem muzycznym” - połączyły się w niej wszystkie elementy muzyczne i dramatyczne. W tym celu wypracował styl kompozytorski, w którym orkiestra gra z taką samą mocą dramatyczna rola a także piosenkarze-wykonawcy.

Sam Wagner pisał swoje libretta, które nazywał „wierszami”. Większość tematów Wagnera opierała się na europejskich mitach i legendach. Najbardziej znany jest z osiemnastogodzinnego cyklu oper epickich w czterech częściach zatytułowanych Pierścień Nibelunga, opery Tristan i Izolda oraz dramatu muzycznego Parsifal.

Znani rosyjscy kompozytorzy

Michaił Iwanowicz Glinka

Glinka jest powszechnie określana jako założycielka języka rosyjskiego tradycja narodowa w muzyce jednak jego rosyjskie opery oferowały syntezę muzyki zachodniej z rosyjskimi melodiami. Pierwszą operą Glinki było „Życie cara”, która została dobrze przyjęta już w momencie premiery w 1836 r., natomiast druga opera „Rusłan i Ludmiła” z libretto Puszkina nie cieszyła się tak dużym powodzeniem. Odkryła jednak nowy typ dramaturgii – operę heroiczno-historyczną, czyli epopeję.

Glinka stał się pierwszym rosyjskim kompozytorem, który zyskał światowe uznanie. Najbardziej słynne dzieła Michaił Iwanowicz: opera „Iwan Susanin”, walc-fantazja na orkiestrę symfoniczną i uwertura-symfonia na okrągły temat rosyjski.

Piotr Iljicz Czajkowski

Czajkowski jest jednym z najpopularniejszych i najbardziej znanych kompozytorów na całym świecie. Dla wielu jest także najbardziej ukochanym rosyjskim kompozytorem. Twórczość Czajkowskiego jest jednak znacznie bardziej zachodnia niż dzieła innych kompozytorów jego współczesnych, posługiwał się bowiem zarówno rosyjskimi melodiami ludowymi, jak i kierował się dziedzictwem kompozytorów niemieckich i austriackich. Sam Czajkowski był nie tylko kompozytorem, ale także dyrygentem, nauczycielem muzyki i krytykiem.

Żadnych innych znani kompozytorzy Rosja może nie jest tak znana z tworzenia przedstawień baletowych, jak Czajkowski. Najbardziej słynne balety Dzieła Czajkowskiego to: „Dziadek do orzechów”, „Jezioro łabędzie” i „Śpiąca królewna”. Pisał także opery; najbardziej znane to „Dama pik”, „Eugeniusz Oniegin”.

Siergiej Wasiliewicz Rachmaninow

Twórczość Siergieja Wasiljewicza wchłonęła tradycje postromantyzmu i ukształtowała się w stylu unikalnym w kulturze muzycznej XX wieku, niepodobnym do żadnego innego na świecie. Zawsze skłaniał się ku dużym formom muzycznym. Zasadniczo jego dzieła są pełne niepokoju, dramatyzmu, mocy i buntu; często przedstawiały obrazy eposów ludowych.

Rachmaninow był znany nie tylko jako kompozytor, ale także pianista, dlatego też dzieła fortepianowe zajmują w jego twórczości znaczące miejsce. Zaczął uczyć się nut na fortepianie w wieku czterech lat. Gatunkiem definiującym Rachmaninowa był koncert fortepianowy. Najsłynniejsze dzieła Rachmaninowa to Rapsodia na temat Paganiniego i cztery koncerty na fortepian i orkiestrę.

Znani kompozytorzy świata

Giuseppe Francesco Verdiego

Trudno wyobrazić sobie XIX wiek bez muzyki Giuseppe Verdiego, jednego z klasyków włoskiej kultury muzycznej. Przede wszystkim Verdi starał się wprowadzić realizm muzyczny do przedstawień operowych, zawsze współpracował bezpośrednio ze śpiewakami i librecistami, ingerował w pracę dyrygentów i nie tolerował fałszywych wykonań. Mówił, że podoba mu się wszystko, co piękne w sztuce.

Podobnie jak wielu kompozytorów, Verdi największą popularność zdobył dzięki tworzeniu oper. Najbardziej znane z nich to opery „Otello”, „Aida”, „Rigoletto”.

Fryderyk Chopin

Najsłynniejszy polski kompozytor Fryderyk Chopin zawsze w swoich dziełach podkreślał piękno swojej ojczyzny i wierzył w jej wielkość w przyszłości. Jego imię jest dumą narodu polskiego. Chopin wyróżnia się na polu muzyki klasycznej tym, że pisał utwory wyłącznie do wykonania na fortepianie, a nie inne znani kompozytorzy z różnorodnością symfonii i oper; Obecnie dzieła Chopina stały się podstawą twórczości współczesnych pianistów.

Chopin zajmował się pisaniem utwory na fortepian, nokturny, mazurki, etiudy, walce, polonezy i inne formy, a najbardziej znane z nich to „Walc jesienny”, Nokturn cis-moll, Rapsodia wiosenna, Fantazja-impromptu cis-moll.

Edwarda Griega

Słynny norweski kompozytor i postać muzyczna Edvard Grieg specjalizował się w wokalu kameralnym i muzyka fortepianowa. Na twórczość Griega znaczący wpływ miało dziedzictwo niemieckiego romantyzmu. Jasne i rozpoznawalny styl Griega można scharakteryzować takim kierunkiem jak impresjonizm muzyczny.

Tworząc swoje dzieła, Grieg często inspirował się ludowymi opowieściami, melodiami i legendami. Jego twórczość wywarła ogromny wpływ na rozwój norweskiej kultury muzycznej i sztuki w ogóle. Do najsłynniejszych dzieł kompozytora należą: uwertura „Jesienią”, koncert na fortepian i orkiestrę z 1868 r., muzyka do spektaklu „Peer Gynt” oraz suita „Z czasów Holberga”.

Wolfganga Amadeusza Mozarta

I oczywiście najsłynniejsi kompozytorzy wszechczasów nie mogą obejść się bez tego nazwiska, znanego nawet osobom dalekim od muzyki klasycznej. Austriacki kompozytor i wirtuoz wykonawczy Mozart stworzył szereg oper, koncertów, sonat i symfonii, które wywarły ogromny wpływ na muzykę klasyczną i w istocie ją ukształtowały.

Dorastał jako cudowne dziecko: gry na pianinie nauczył się w wieku trzech lat, a już w wieku pięciu lat tworzył małe dzieła muzyczne. Pierwszą symfonię napisał w wieku ośmiu lat, a pierwszą operę w wieku dwunastu lat. Mozart miał fenomenalny słuch do muzyki i niesamowitą umiejętność grania wielu utworów instrumenty muzyczne i improwizacja.

W ciągu swojego życia Mozart stworzył ponad sześćset dzieł muzycznych, z których najbardziej znane to opera „Wesele Figara”, symfonia nr 41 „Jowisz”, 3. część sonaty nr 11 „ Marsz Turecki”, koncert na flet i harfę z orkiestrą oraz „Requiem” d-moll K.626.

Słuchać najlepsze prace muzyka klasyczna świata w tym filmie:

Weź to dla siebie i powiedz swoim znajomym!

Przeczytaj także na naszej stronie:

Pokaż więcej

Czy zdarzyło się kiedyś, że gdzieś to słyszałeś dobra piosenka i pomyślał: „Jak wspaniale byłoby ją zagrać!” Rzeczywiście, znajomość podstaw notacji muzycznej może otworzyć nieograniczone możliwości muzyczne. W naszym artykule dowiesz się, jak uczyć się notatek.

Wiele znani kompozytorzy byli także utalentowanymi wykonawcami. Na przykład Wolfgang Amadeusz Mozart, Ludwig van Beethoven, Franciszek Liszt, Johannesa Brahmsa, Fryderyk Chopin, Charles Walentin Alkan, Siergiej Rachmaninow i inni kompozytorzy byli wirtuozami gry na fortepianie.

Fryderyk Chopin (1810-1849)

M. Wodzińska „Portret Chopina”

Polski kompozytor i wirtuoz pianisty.

Urodzony w podwarszawskim miasteczku, w wyniku wojen napoleońskich, terytorium to weszło w skład Imperium Rosyjskiego.

Już w dzieciństwie Chopin wykazywał niezwykłe zdolności muzyczne. Podobnie jak Mozart zadziwiał otoczenie swoją muzyczną „obsesją”, niezwykłe zdolności po improwizacje wrodzone pianiście. Był niezwykle otwarty na muzykę i podatny na wpływy: potrafił płakać podczas słuchania muzyki, podskakiwać w nocy, aby wybrać zapadającą w pamięć melodię lub akord na fortepianie.

Jedna z gazet warszawskich w swoim styczniowym numerze z 1818 r. zamieściła kilka wersów o tym pierwszym utwór muzyczny, skomponowany przez małego kompozytora: „Autorem tego „Poloneza” jest uczeń, który nie skończył jeszcze 8 lat. To jest ten prawdziwygeniusz muzyki, z największą swobodą i wyjątkowym smakiem. Wykonywanie najtrudniejszych utworów fortepianowych oraz komponowanie tańców i wariacji, które zachwycają koneserów i koneserów. Gdyby to cudowne dziecko urodziło się we Francji lub Niemczech, przyciągnęłoby więcej uwagi”.

W roku 1829 rozpoczęła się działalność artystyczna Chopina. Koncertuje w Wiedniu, Krakowie i Paryżu, wykonując swoje dzieła. W 1830 r. opuścił Warszawę i jak się okazało na zawsze. W Polsce rozpoczęło się powstanie, które wkrótce zostało stłumione, jednak z różnych powodów nie mógł wrócić do ojczyzny, którą bardzo kochał. Zapisał, że po jego śmierci jego serce zostanie przetransportowane do Polski. Wola ta została spełniona: jego serce przechowywane jest w kościele katolickim Świętego Krzyża w Warszawie.

Grób z sercem F. Chopina

Znaczenie sztuki performatywnej F. Chopina

Chopin jest autorem licznych utworów na fortepian. Dokonał reinterpretacji wielu gatunków: ożywił preludium na gruncie romantycznym, stworzył balladę fortepianową, poetyzował i dramatyzował tańce – mazurek, polonez, walc; uczynił scherzo samodzielnym utworem. Wzbogacono harmonię i teksturę fortepianu; połączył klasyczną formę z bogactwem melodycznym i wyobraźnią.

Jego gra na fortepianie łączyła w sobie głębię i szczerość uczuć elegancja, doskonałość techniczna.

Siergiej Wasiljewicz Rachmaninow (1873-1943)

Kompozytor rosyjski, wybitny wirtuoz pianisty, dyrygent. Urodzony w rodzinie szlacheckiej w prowincji Nowogród.

Zainteresowanie muzyką odkryto w wczesne dzieciństwo. Jesienią 1882 r. Rachmaninow wstąpił na młodszy wydział Konserwatorium w Petersburgu, ale następnie został przeniesiony do Moskwy i przyjęty na trzeci rok młodszego wydziału Konserwatorium Moskiewskiego pod kierunkiem profesora N.S. Zverev. Wcześnie zyskał sławę jako kompozytor, pianista i dyrygent. Występował we Włoszech, Niemczech, a w 1909 odbył duże tournée koncertowe po Ameryce i Kanadzie, występując jako pianista i dyrygent. W 1917 otrzymał propozycję wykonania solowego koncertu w Sztokholmie, następnie w Norwegii i Nowym Jorku. Na miejsce stałego zamieszkania wybrał USA, dużo koncertował w Ameryce i Europie i wkrótce zyskał uznanie jeden z najwybitniejszych pianistów swojej epoki i najwspanialszy dyrygent.

Podczas Wielkiej Wojny Ojczyźnianej Rachmaninow dał kilka koncertów w Stanach Zjednoczonych, a cały dochód przekazał na Fundusz Armii Czerwonej. Pieniądze zebrane z jednego ze swoich koncertów przekazał na rzecz Funduszu Obrony ZSRR ze słowami: „Od jednego z Rosjan wszelką możliwą pomoc dla narodu rosyjskiego w walce z wrogiem. Chcę wierzyć, wierzę w całkowite zwycięstwo.” Wiadomo, że za pieniądze kompozytora zbudowano samolot bojowy na potrzeby wojska.

Znaczenie sztuk performatywnych S. Rachmaninowa

Pianista Rachmaninow stał się wzorem dla wielu pokoleń pianistów z różnych krajów i szkół, ustanowił globalny priorytet rosyjskiej szkoły pianistycznej, której charakterystycznymi cechami są:

1) głęboka treść wykonania;

2) dbałość o bogactwo intonacyjne muzyki;

3) „śpiew na fortepianie” – imitacja brzmienia wokalu i intonacji wokalu za pomocą fortepianu.

Pianista Rachmaninow pozostawił nagrania referencyjne wiele dzieł muzyki światowej, na których uczy się wiele pokoleń muzyków.

Rzeźbiarz Oleg Komow.Pomnik Rachmaninowa w Moskwie na bulwarze Strastnoy

Emil Gilels (1916-1985)

rosyjski Radziecki pianista, jeden z najwybitniejsi pianiści XX wieku.

Urodzony w Odessie. Zaczął grać na pianinie w wieku pięciu i pół roku. Odnosząc szybko znaczący sukces, Gilels po raz pierwszy wystąpił publicznie w maju 1929 roku, wykonując dzieła F. Liszta, F. Chopina, D. Scarlattiego i innych kompozytorów. Sława przyszła do muzyka po zwycięstwie w 1933 roku na I Ogólnounijnym Konkursie Muzyków Wykonawczych, po którym odbyły się liczne koncerty w całym ZSRR. W czasie Wielkiej Wojny Ojczyźnianej Gilels brał udział w pracach mecenatu wojskowego, a jesienią 1943 roku koncertował w oblegał Leningrad po zakończeniu wojny powrócił do aktywnej działalności koncertowej i pedagogicznej.

Często występował ze swoją młodszą siostrą, skrzypaczką Elizavetą Gilels. W 1950 wraz z L. B. Koganem (skrzypce) i M. L. Rostropowiczem (wiolonczela) założył trio fortepianowe, a w 1945 po raz pierwszy koncertował za granicą (stając się jednym z pierwszych muzyków radzieckich, któremu pozwolono to robić), odbył tournee we Włoszech, Szwajcarii, Francji i Skandynawii. W 1954 roku jako pierwszy muzyk radziecki wystąpił w sali Pleyela w Paryżu. W 1955 roku pianista jako pierwszy muzyk radziecki przyjechał z koncertami do Stanów Zjednoczonych, gdzie wykonał I Koncert fortepianowy P. I. Czajkowskiego i III Koncert Rachmaninowa z Orkiestrą Filadelfijską pod dyrekcją Yu Hala odniosła ogromny sukces. W latach 60.-70. Gilels był jednym z najbardziej rozchwytywanych na świecie muzyków radzieckich, występującym na koncertach i wycieczki zagraniczne około dziewięciu miesięcy w roku.

Znaczenie sztuk performatywnych E. Gilelsa

Gilels to jeden z najwybitniejszych muzyków XX wieku. Niezwykle szeroki repertuar pianisty obejmował dzieła fortepianowe od epoki baroku (J. S. Bach, D. Scarlatti) aż po muzykę XX wieku. Szczególne znaczenie w jego twórczości miały dzieła Beethovena. Gilels wielokrotnie wykonywał i nagrywał wszystkie koncerty fortepianowe kompozytora, nie miał jednak czasu na dokończenie nagrania wszystkich jego sonat fortepianowych. Jego grę wyróżniała nienaganna technika, jasność i siła wykonawcza, a jednocześnie głęboki liryzm i delikatność interpretacji, subtelne wyczucie stylu.

Van Cliburna (1934-2013)

Amerykański pianista pierwszy zwycięzca Międzynarodowego Konkursu im. Czajkowskiego (1958). Pierwsze lekcje gry na fortepianie pobierał w r wiek trzech lat z matką. Kiedy Cliburn miał sześć lat, rodzina przeniosła się do Teksasu, gdzie w wieku trzynastu lat wygrał konkurs i wkrótce zadebiutował w Carnegie Hall.

Nazwisko Cliburna zyskało światową sławę po sensacyjnym zwycięstwie na I Międzynarodowym Konkursie Czajkowskiego w Moskwie w 1958 roku. Młody pianista zyskał sympatię zarówno jury, jak i publiczności. Było to tym bardziej zaskakujące, że akcja rozgrywała się na wysokości „ zimna wojna„Po powrocie do ojczyzny Cliburn spotkał się ze wspaniałym, entuzjastycznym przyjęciem. Muzyk zakochał się w ZSRR i po konkursie wielokrotnie przyjeżdżał z koncertami do Rosji.

Od 1962 roku w Fort Worth w Teksasie odbywa się Konkurs Pianistyczny im. Van Cliburna.

Międzynarodowe konkursy pianistyczne

Obecnie odbywa się wiele międzynarodowych konkursów pianistycznych:

Międzynarodowy Konkurs Pianistyczny, Genewa (Szwajcaria);

Międzynarodowy Konkurs Pianistyczny im. I. Albeniz, Hiszpania;

Międzynarodowy konkurs im. Brahmsa, Austria;

Międzynarodowy Konkurs Pianistyczny, Szwecja;

Międzynarodowy Konkurs Pianistyczny im. R. Schumana, Włochy;

Międzynarodowy Konkurs Pianistyczny, Japonia;

Międzynarodowy Konkurs Pianistyczny, Norwegia;

Międzynarodowy Konkurs Pianistyczny im. Królowa Elżbieta, Belgia;

Międzynarodowy Konkurs Pianistyczny im. Van Cliburn, USA, Teksas;

Międzynarodowy Amatorski Konkurs Pianistyczny, Kalifornia, USA;

Międzynarodowy Konkurs Pianistyczny „Clara-Haskil”, Szwajcaria;

Międzynarodowy Konkurs Młodych Pianistów im. F.Chopin, Australia;

Międzynarodowy Konkurs Pianistyczny im. Beethoven, Austria;

Międzynarodowy Konkurs Pianistów i Zespołów Fortepianowych im. F. Lista, USA;

Międzynarodowy konkurs pianistyczny „Sezon Rosyjski w Jekaterynburgu” i wiele innych.

Na wszystkich tych konkursach ujawniają się nowe talenty i osobowości twórcze, wzbogacając umiejętności wykonawcze.

Niccolo Paganini (1782-1840)

Włoski kompozytor, skrzypek i wirtuoz gitary. Jedna z najwybitniejszych postaci w historii muzyki XVIII-XIX wieku. Uznany geniusz światowej sztuki muzycznej.

Gdy chłopiec miał pięć lat, ojciec, dostrzegając zdolności syna, zaczął uczyć go muzyki, najpierw na mandolinie, a od szóstego roku życia na skrzypcach, choć sam nie był muzykiem. Według wspomnień samego muzyka, jego ojciec surowo go karał, jeśli nie wykazał należytej staranności, co później odbiło się na jego i tak już złym stanie zdrowia. Jednak sam Niccolo coraz bardziej interesował się instrumentem i pilnie ćwiczył, mając nadzieję, że znajdzie nieznane dotąd kombinacje dźwięków, które zaskoczą słuchaczy. Jako dziecko napisał kilka utworów na skrzypce, które były trudne, ale sam je wykonał z sukcesem.

Niccolo dał swój pierwszy publiczny koncert w 1795 roku w teatrze genueńskim w Sant'Agostino. Korzystając z technik mistrzów przeszłości, Paganini doskonalił się w wykonywaniu przejść, staccato, pizzicato (w tym gam, tryli prostych i podwójnych oraz harmonicznych), niezwykłych akordów, dysonansów, a także dążył do prawidłowego wydobywania dźwięków przy najwyższej prędkości . Ćwiczenia wykonywał po wiele godzin dziennie, aż do całkowitego wyczerpania. W wyniku tych badań Paganini stał się niezrównany skrzypek wirtuoz.

Stopniowo wykształcił swój własny styl wykonawczy. Niezwykły wygląd i zachowanie podczas koncertów przyniosły mu sławę. Sale jego występów wypełniały nie tylko koneserzy sztuki wysokiej, ale także publiczność, zwabiona efektami zewnętrznymi i niesamowitymi technikami gry, które zademonstrował Paganini. Zachowywał się zdecydowanie tajemniczo i z początku nie zapobiegł rozpowszechnianiu najbardziej fantastycznych plotek na swój temat. Pewnego dnia na koncercie nagle pękła struna skrzypiec. Nie zatrzymując się, Paganini kontynuował koncert. Umiał grać nie tylko na trzech, ale i na dwóch, a nawet na jednej strunie. I tak, pełniąc służbę na dworze Elizy Bonaparte, napisał i wykonał sztukę na smyczki „Scena miłosna” la I mi, a później na urodziny cesarza Napoleona – sonata na smyczki sól"Napoleon".

Jego sława wzrosła jeszcze bardziej po podróżach po Niemczech, Francji i Anglii.

Znaczenie sztuk performatywnych N. Paganiniego

Niezrównany sukces Paganiniego wynikał nie tylko z jego talentu muzycznego, ale także z niezwykłej techniki, nienagannej czystości, z jaką wykonywał najtrudniejsze fragmenty, oraz nowych możliwości techniki skrzypcowej, które odkrył. Miał świadomość, że bogate możliwości skrzypiec nie zostały jeszcze w pełni wykorzystane. Zastosował nowe efekty w technice skrzypcowej. Różnorodność barw, szerokie wykorzystanie harmonii naturalnej i sztucznej, szybka przemiana pizzicato z arco, umiejętne i różnorodne wykorzystanie staccato, szerokie wykorzystanie podwójnych nut i akordów, niezwykła różnorodność zastosowań smyczków, gra na smyczkach sól– wszystko to zaskoczyło publiczność, która nigdy nie słyszała takich efektów skrzypcowych. Paganini istniał naprawdę wirtuoz, który miał bystrą osobowość; swoją grę opierał na oryginalnych technikach, które wykonywał z nieomylną czystością i pewnością siebie.

Paganini tak szeroko odsłonił możliwości skrzypiec, że jego współcześni podejrzewali, że posiada on jakąś szczególną tajemnicę, skrywaną przed innymi. Mówiono nawet o nim, że zaprzedał duszę diabłu.

Cała sztuka skrzypcowa kolejnych epok rozwinęła się pod wpływem stylu Paganiniego. Jego własne kompozycje bardzo trudne do wykonania; aby je wykonać, trzeba opanować techniki techniczne Paganiniego.

Ale w naszych czasach jest wielu wykonawców na poziomie Paganiniego, którzy z sukcesem wykonują jego I Koncert D-dur, II Koncert h-moll i 24 Kaprysy.

Paganini posiadał cenną kolekcję skrzypiec Stradivariusa, Guarneri, Amati, z których swoje wspaniałe, najbardziej ukochane i słynne skrzypce Guarneri zapisał swojemu rodzinnemu miastu Genui, nie chcąc, aby grał na nich jakikolwiek inny artysta.

Dawid Ojstrach (1908-1974)

Radziecki skrzypek, altowiolista, dyrygent i pedagog.

Urodzony w Odessie. Od piątego roku życia uczył się gry na skrzypcach i altówce. Ukończył Konserwatorium w Odessie. Jeszcze jako student występował z Odesską Orkiestrą Symfoniczną jako solista i dyrygent. W 1935 D. Ojstrach zwyciężył w II Ogólnounijnym Konkursie Muzyków Wykonawczych i w tym samym roku otrzymał II nagrodę na Międzynarodowym Konkursie Wieniawskiego. Dwa lata później Ojstrach wygrywa konkurs Eugene Ysaïe w Brukseli i zyskuje światową sławę.

Od 1934 Ojstrach wykładał w Konserwatorium Moskiewskim, gdzie wśród jego uczniów byli jego uczniowie syn Igor, zwycięzca I Konkursu Czajkowskiego Walery Klimow, Wiktor Pikaizen, Siemion Snitkowski, Olega Kagana, Michaił Gotsdiner, Leonarda Brusteina, Leonida Feigina, Liana Isakadze, Gidon Kremer, Oleg Krysa, Aleksander Winnicki i inni wybitni skrzypkowie. Ojstrach był stałym przewodniczącym jury w kategorii skrzypiec pierwszych pięciu konkursów im. Czajkowskiego.

Znaczenie sztuk performatywnych D. Ojstracha

Dawid Ojstrach jest jednym z najwybitniejszych przedstawicieli rosyjskiej szkoły skrzypcowej. Jego występ był inny mistrzowskie posługiwanie się instrumentem, umiejętności techniczne, jasny i ciepły dźwięk narzędzie. Jego repertuar obejmował klasykę i dzieła romantyczne(Wykonanie przez Ojstracha sonat skrzypcowych Beethovena wspólnie z pianistą Lwem Oborinem do dziś uważane jest za jedną z najlepszych interpretacji tego cyklu), ale grał także dzieła autorów współczesnych ( Koncert skrzypcowy Hindemitha). Ojstrachowi dedykowane były dzieła S. Prokofiewa, D. Szostakowicza, N. Myaskowskiego, M. Weinberga.

Międzynarodowe konkursy skrzypcowe

Międzynarodowy Konkurs Skrzypcowy im. D. Ojstrach, Moskwa;

Międzynarodowy Konkurs Skrzypcowy im. Michaela Hilla, Nowa Zelandia;

Międzynarodowy Konkurs Skrzypcowy, Monako;

Międzynarodowy Konkurs Skrzypcowy, Niemcy;

Międzynarodowy Konkurs Skrzypcowy, Japonia;

Międzynarodowy Konkurs Skrzypcowy im. F. Lista, Węgry;

Międzynarodowy Konkurs Skrzypcowy w Moskwie im. Paganiniego;

Międzynarodowy Konkurs Skrzypcowy im. Josepha Joachima;

Międzynarodowy Konkurs Skrzypcowy w Moskwie im. D. Ojstrach;

Międzynarodowy Konkurs Skrzypcowy im. Wieniawskiego i innych.

Mścisław Rostropowicz (1927-2007)

Wykonywał cały repertuar muzyki wiolonczelowej. Wiele główni kompozytorzy zainspirował powstanie utworów z solowym wykonaniem wiolonczeli. Około 60 współczesnych kompozytorów zadedykowali swoje dzieła m.in. Rostropowiczowi Szostakowicz, Brittena, Bernsteina.„Nie gram dźwięków, ale emocje, jakie towarzyszyły kompozytorowi, gdy pisał swoje dzieło. Dźwięki to nic innego jak przewody. I wzruszam się już od pierwszej nuty, gdy tylko orkiestra zaczyna grać. Ogólnie rzecz biorąc, sekret występu polega na tym, że wydaje się, że komponujesz muzykę od nowa” – powiedział.

Mścisław Leopoldowicz Rostropowicz na zawsze wszedł do historii muzyki jako znakomity wykonawca, prawdziwy wirtuoz wiolonczele. Jego gra, zawsze dopracowana i pełna emocji, przyniosła mu bez przesady światową sławę. „Wściekły Mścisław” został oklaskiwany przez wszystkich majorów sale koncertowe a nawet kwadraty, monarchowie i prezydenci, muzycy i aktorzy, nauczyciele i uczniowie byli i pozostają jego fanami. Ale M. L. Rostropowicz wszedł w naszą pamięć nie tylko poprzez muzykę: aktywną stanowisko obywatelskie, mecenas sztuki, zainteresowanie i dbałość o historię swojej rodziny.

Międzynarodowy Konkurs im. P. I. Czajkowskiego

Jest to międzynarodowy konkurs muzyków akademickich, organizowany od 1958 roku co 4 lata.

Pierwszy konkurs nazwany imieniem. Czajkowskiego prowadzono w dwóch specjalnościach: fortepian I skrzypce. Od drugiego konkursu w 1962 roku wprowadzono go wiolonczela, od trzeciego w 1966 r. - wokal.

Etapy największe centra muzyczne pokój.

Światowa muzyka klasyczna jest nie do pomyślenia bez dzieł rosyjskich kompozytorów. Rosja, wspaniały kraj z utalentowanymi ludźmi i nie tylko dziedzictwo kulturowe, zawsze należała do czołowych lokomotyw światowego postępu i sztuki, w tym muzyki. rosyjski szkoła kompozytorska, następcą, którego tradycje były sowieckie i dzisiejsze Szkoły rosyjskie, rozpoczęło się w XIX wieku za sprawą kompozytorów, którzy zjednoczyli Europę sztuka muzyczna z rosyjskimi melodiami ludowymi, łącząc europejską formę i rosyjskiego ducha.

O każdym z nich sławni ludzie można powiedzieć wiele, nie każdy jest prosty, a czasem tragiczne losy, ale w tej recenzji staraliśmy się podać jedynie krótki opis życia i twórczości kompozytorów.

1.Michaił Iwanowicz GLINKA (1804—1857)

Michaił Iwanowicz Glinka jest twórcą rosyjskiej muzyki klasycznej i pierwszym rosyjskim kompozytorem klasycznym, który zdobył światową sławę. Jego twórczość opiera się na wielowiekowych tradycjach języka rosyjskiego muzyka ludowa, były nowym słowem w sztuce muzycznej naszego kraju.
Urodzony w województwie smoleńskim, kształcił się w Petersburgu. Kształtowanie się światopoglądu i głównej idei twórczości Michaiła Glinki ułatwiła bezpośrednia komunikacja z takimi osobistościami jak A.S. Puszkin, V.A. Żukowski, A.S. Gribojedow, A.A. Delvig. Impulsu twórczego do jego twórczości dodała wieloletnia podróż do Europy na początku lat 30. XIX w. i spotkania z czołowymi kompozytorami tamtych czasów – V. Bellinim, G. Donizettim, F. Mendelssohnem, a później z G. Berliozem, J. Meyerbeera. Sukces przyszedł do M.I. Glinki po wystawieniu opery „Iwan Susanin” („Życie dla cara”) (1836), która po raz pierwszy została entuzjastycznie przyjęta przez wszystkich w muzyce światowej, rosyjskiej sztuce chóralnej oraz europejskiej symfonii i operze praktyki zostały organicznie połączone, a także pojawił się bohater podobny do Susanin, którego wizerunek podsumowuje najlepsze funkcje charakter narodowy. V.F. Odoevsky określił operę jako „nowy element w sztuce i rozpoczyna się nowy okres w jej historii – okres muzyki rosyjskiej”.
Drugą operą jest epicki „Rusłan i Ludmiła” (1842), utwór, który powstał na tle śmierci Puszkina i w trudnych warunkach życia kompozytora, ze względu na głęboko nowatorski charakter dzieła, został przyjęty niejednoznacznie przez publiczność i władze i przyniosła M.I. Glince trudne doświadczenia. Potem dużo podróżował, mieszkając na przemian w Rosji i za granicą, nie przestając komponować. Jego dziedzictwo obejmuje romanse, dzieła symfoniczne i kameralne. W latach 90. oficjalnym hymnem Federacji Rosyjskiej była „Pieśń patriotyczna” Michaiła Glinki.

Cytat z M.I. Glinki: „Aby tworzyć piękno, sam musisz być czysty w duszy”.

Cytat o M.I. Glince: „Cała rosyjska szkoła symfoniczna, jak cały dąb w żołędziu, zawarta jest w fantazji symfonicznej „Kamarinskaya”. P.I. Czajkowski

Ciekawy fakt: Michaił Iwanowicz Glinka nie cieszył się dobrym zdrowiem, mimo to był bardzo wyluzowany i bardzo dobrze znał geografię, może gdyby nie został kompozytorem, zostałby podróżnikiem. Znał sześć języków obcych, w tym perski.

2. Aleksander Porfiriewicz BORODIN (1833—1887)

Aleksander Porfiriewicz Borodin, jeden z czołowych rosyjskich kompozytorów drugiej połowy XIX wieku, oprócz talentu kompozytorskiego, był chemikiem, lekarzem, nauczycielem, krytykiem i miał talent literacki.
Urodzony w Petersburgu, od dzieciństwa wszyscy wokół niego zauważali jego niezwykłą aktywność, pasję i zdolności różne kierunki, głównie w muzyce i chemii. A.P. Borodin to rosyjski kompozytor-samorodek, nie miał profesjonalnych nauczycieli muzyków, wszystkie jego osiągnięcia muzyczne wynikały z samodzielnej pracy nad opanowaniem techniki komponowania. Na powstanie A.P. Borodina wpłynęła praca M.I. Glinki (jak zresztą wszyscy rosyjscy kompozytorzy XIX wieku), a impuls do intensywnych studiów kompozytorskich na początku lat 60. XIX wieku dały dwa wydarzenia - po pierwsze, jego znajomość i małżeństwo z utalentowaną pianistką E.S. Protopopową, a po drugie, spotkanie z M.A. Bałakirewa i dołączenie do twórczej społeczności rosyjskich kompozytorów, znanej jako „Potężna Garść”. Pod koniec lat 70. i 80. XIX wieku A.P. Borodin dużo podróżował i koncertował w Europie i Ameryce, spotykał się z czołowymi kompozytorami swoich czasów, jego sława rosła, stał się jednym z najbardziej znanych i popularnych rosyjskich kompozytorów w Europie pod koniec XIX wieku wiek.
Centralne miejsce w twórczości A.P. Borodina zajmuje opera „Książę Igor” (1869–1890), będąca przykładem narodowej epopei heroicznej w muzyce, której on sam nie miał czasu ukończyć (ukończył ją jego przyjaciele A.A. Głazunow i N.A. Rimski-Korsakow). W „Księciu Igorze” na tle majestatycznych obrazów wydarzenia historyczne, odzwierciedlał główną ideę całego dzieła kompozytora - odwagę, spokojną wielkość, duchową szlachetność najlepszego narodu rosyjskiego i potężną siłę całego narodu rosyjskiego, przejawiającą się w obronie ojczyzny. Pomimo tego, że A.P. Borodin pozostawił stosunkowo niewielką liczbę dzieł, jego twórczość jest bardzo różnorodna i uważany jest za jednego z ojców rosyjskiego muzyka symfoniczna, który wywarł wpływ na wiele pokoleń kompozytorów rosyjskich i zagranicznych.

Cytat o A.P. Borodinie: „Talent Borodina jest równie potężny i niesamowity w symfonii, operze i romansie. Jego głównymi cechami są gigantyczna siła i szerokość, kolosalny zasięg, szybkość i porywczość w połączeniu z niesamowitą pasją, delikatnością i pięknem”. V.V. Stasow

Ciekawostka: reakcja chemiczna soli srebra nosi imię Borodina kwasy karboksylowe z halogenami, w wyniku czego otrzymano chlorowcowane węglowodory, czego pionierem był w 1861 roku.

3. Modest Pietrowicz MUSORGSKY (1839—1881)

Modest Pietrowicz Musorgski to jeden z najwybitniejszych rosyjskich kompozytorów XIX wieku, członek „ Potężna gromada„. Innowacyjna twórczość Musorgskiego znacznie wyprzedziła swoje czasy.
Urodzony w obwodzie pskowskim. Jak wielu utalentowanych ludzi, od dzieciństwa wykazywał zdolności muzyczne, studiował w Petersburgu i zgodnie z tradycją rodzinną był wojskowym. Decydujące wydarzenie, które zdecydowało, że Musorgski nie urodził się służba wojskowa, a jeśli chodzi o muzykę, było to spotkanie z M.A. Bałakirewem i dołączenie do „Potężnej Garści”. Musorgski jest wielki, ponieważ w swoich wspaniałych dziełach – operach „Borys Godunow” i „Khovanshchina” – uchwycił dramatyczne kamienie milowe w muzyce Historia Rosji z radykalną nowością, jakiej nie znała wcześniej muzyka rosyjska, pokazując w nich połączenie masowych scen ludowych i różnorodnego bogactwa typów, niepowtarzalny charakter narodu rosyjskiego. Opery te, w licznych wydaniach autora i innych kompozytorów, należą do najpopularniejszych oper rosyjskich na świecie. Kolejnym wybitnym dziełem Musorgskiego jest cykl utworów fortepianowych „Obrazy z wystawy”, barwnych i pomysłowych miniatur przesiąkniętych rosyjskim refrenem tematycznym i wiarą prawosławną.

W życiu Musorgskiego było wszystko - zarówno wielkość, jak i tragedia, ale zawsze wyróżniała go prawdziwa duchowa czystość i bezinteresowność. Jego ostatnie lata były trudne – niespokojne życie, brak uznania dla kreatywności, samotność, uzależnienie od alkoholu, to wszystko go zdeterminowało wczesna śmierć w wieku 42 lat pozostawił stosunkowo niewiele dzieł, z których część została ukończona przez innych kompozytorów. Specyficzna melodia i nowatorska harmonia Musorgskiego przewidywały pewne cechy rozwój muzyczny XX wieku i grał ważną rolę w kształtowaniu stylów wielu światowych kompozytorów.

Cytat z MP Musorgskiego: „Dźwięki mowy ludzkiej, jako zewnętrzne przejawy myśli i uczuć, muszą bez przesady i przemocy stać się muzyką prawdziwą, dokładną, ale artystyczną, wysoce artystyczną”.

Cytat o M.P. Musorgskim: „Oryginalne rosyjskie brzmienie we wszystkim, co stworzył Musorgski” N.K. Roerich

Ciekawostka: pod koniec życia Musorgski pod naciskiem swoich „przyjaciół” Stasowa i Rimskiego-Korsakowa zrzekł się praw autorskich do swoich dzieł i przekazał je Tercjuszowi Filippowowi

4. Piotr Iljicz Czajkowski (1840—1893)

Piotr Iljicz Czajkowski, być może największy rosyjski kompozytor XIX wieku, podniósł niespotykana wysokość Rosyjska sztuka muzyczna. Jest jednym z najbardziej ważnych kompozytorówświatowa muzyka klasyczna.
Pochodzący z prowincji Wiatka, choć jego ojcowskie korzenie sięgają Ukrainy, Czajkowski wykazywał zdolności muzyczne od dzieciństwa, ale jego pierwsza edukacja i praca dotyczyła prawoznawstwa. Czajkowski był jednym z pierwszych rosyjskich kompozytorów „profesjonalnych”. Studiował teorię muzyki i kompozycję w nowym Konserwatorium w Petersburgu. Czajkowski uchodził za kompozytora „zachodniego”, w przeciwieństwie do popularnych postaci „Potężnej Garści”, z którymi utrzymywał dobre twórcze i przyjacielskie stosunki, jednak w jego twórczości nie mniej przesiąknięty jest duch rosyjski, udało mu się w unikalny sposób połączyć Zachodnie dziedzictwo symfoniczne Mozarta, Beethovena i Schumanna z tradycjami rosyjskimi odziedziczonymi od Michaiła Glinki.
Kompozytor prowadził aktywne życie – był nauczycielem, dyrygentem, krytykiem, osobą publiczną, pracował w dwóch stolicach, koncertował w Europie i Ameryce. Czajkowski był osobą dość niestabilną emocjonalnie; entuzjazm, przygnębienie, apatia, gorący temperament, gwałtowny gniew - wszystkie te nastroje zmieniały się w nim dość często, będąc osobą bardzo towarzyską, zawsze dążył do samotności.
Aby podkreślić coś najlepszego w twórczości Czajkowskiego – trudne zadanie, ma prawie wszystkie prace o jednakowej wielkości gatunki muzyczne- opera, balet, symfonia, muzyka kameralna. Treść muzyki Czajkowskiego jest uniwersalna: z niepowtarzalną melodyką obejmuje obrazy życia i śmierci, miłości, natury, dzieciństwa, w nowy sposób odsłania dzieła literatury rosyjskiej i światowej, odzwierciedla głębokie procesy życia duchowego.

Cytat kompozytora:
„Jestem artystą, który może i powinien przynosić honor mojej Ojczyźnie. Czuję się świetnie moc artystyczna, nie zrobiłem jeszcze nawet jednej dziesiątej tego, co potrafię. I chcę to zrobić całą siłą duszy.”
„Życie ma piękno tylko wtedy, gdy składa się z naprzemiennych radości i smutków, walki dobra ze złem, światła i cienia, jednym słowem – różnorodności w jedności”.
„Wielki talent wymaga wielkiej, ciężkiej pracy”.

Cytat o kompozytorze: „Jestem gotowy dzień i noc stać jako warta honorowa na werandzie domu, w którym mieszka Piotr Iljicz – i dlatego go bardzo szanuję”. A. P. Czechow

Ciekawostka: Uniwersytet Cambridge nadał Czajkowskiemu tytuł doktora muzyki zaocznie i bez obrony rozprawy doktorskiej, podobnie jak Akademia Paryska Sztuki piękne wybrał go na członka-korespondenta.

5. Nikołaj Andriejewicz RIMSKY-KORSAKOV (1844—1908)

Nikołaj Andriejewicz Rimski-Korsakow to utalentowany rosyjski kompozytor, jedna z najważniejszych postaci w tworzeniu bezcennego rosyjskiego dziedzictwa muzycznego. Jego niepowtarzalny świat i uwielbienie odwiecznego, wszechogarniającego piękna wszechświata, podziw dla cudu istnienia, jedność z naturą nie mają odpowiednika w historii muzyki.
Urodzony w obwodzie nowogrodzkim, zgodnie z tradycją rodzinną został oficerem marynarki wojennej i na okręcie wojennym odwiedził wiele krajów Europy i obu Ameryk. Edukację muzyczną pobierał najpierw od matki, następnie pobierał prywatne lekcje u pianisty F. Canille’a. I znowu, dzięki M.A. Bałakiriewowi, organizatorowi „Potężnej Garści”, który wprowadził Rimskiego-Korsakowa do społeczności muzycznej i wpłynął na jego twórczość, świat nie stracił utalentowanego kompozytora.
Centralne miejsce w spuściźnie Rimskiego-Korsakowa zajmują opery - 15 dzieł ukazujących różnorodność rozwiązań gatunkowych, stylistycznych, dramatycznych, kompozycyjnych kompozytora, posiadających jednak szczególny styl - z całym bogactwem elementu orkiestrowego, z których główne to melodyjne linie wokalne. Twórczość kompozytora wyróżniają dwa główne kierunki: pierwszy to historia Rosji, drugi to świat baśni i eposów, za co otrzymał przydomek „gawędziarz”.
Oprócz bezpośredniego niezależnego działalność twórcza N.A. Rimski-Korsakow jest znany jako publicysta, kompilator zbiorów pieśni ludowe, którym wykazywał duże zainteresowanie, a także jako kompletator dzieł swoich przyjaciół - Dargomyżskiego, Musorgskiego i Borodina. Rimski-Korsakow był twórcą szkoły kompozytorskiej, jako nauczyciel i dyrektor Konserwatorium w Petersburgu wykształcił około dwustu kompozytorów, dyrygentów i muzykologów, m.in. Prokofiewa i Strawińskiego.

Cytat o kompozytorze: „Rimski-Korsakow był bardzo rosyjskim człowiekiem i bardzo rosyjskim kompozytorem. Uważam, że tę jego pierwotnie rosyjską istotę, jego głęboką ludowo-rosyjską bazę należy dziś szczególnie docenić”. Mścisław Rostropowicz

Twórczość kompozytorów rosyjskich końca XIX i pierwszej połowy XX wieku stanowi holistyczną kontynuację tradycji szkoły rosyjskiej. Wraz z tym wymieniono koncepcję podejścia do „narodowej” przynależności tej czy innej muzyki; praktycznie nie ma bezpośredniego cytatu melodii ludowych, ale pozostaje rosyjska intonacja, rosyjska dusza.

6. Aleksander Nikołajewicz SKRYABIN (1872 - 1915)

Aleksander Nikołajewicz Skriabin to rosyjski kompozytor i pianista, jedna z najwybitniejszych osobistości rosyjskiej i światowej kultury muzycznej. Oryginalna i głęboko poetycka twórczość Skriabina wyróżniała się innowacyjnością nawet na tle narodzin wielu nowych nurtów w sztuce związanych ze zmianami w sztuce. życie publiczne na przełomie XIX i XX wieku.
Urodzony w Moskwie, jego matka zmarła wcześnie, ojciec nie mógł zwrócić uwagi na syna, ponieważ był ambasadorem w Persji. Skriabin był wychowywany przez ciotkę i dziadka i od dzieciństwa wykazywał talent muzyczny. Początkowo uczył się w korpusie kadetów, pobierał prywatne lekcje gry na fortepianie, a po ukończeniu korpusu wstąpił do Konserwatorium Moskiewskiego, jego kolegą z klasy był S.V. Po ukończeniu konserwatorium Skriabin całkowicie poświęcił się muzyce – jako pianista-kompozytor koncertował w Europie i Rosji, większość czasu spędzając za granicą.
Szczyt twórczości kompozytorskiej Skriabina przypada na lata 1903-1908, kiedy to ukazała się III Symfonia („Boski poemat”), symfoniczny „Poemat ekstazy”, poematy fortepianowe „Tragiczne” i „szatańskie”, IV i V sonaty oraz inne dzieła. wydany. „Poemat ekstazy”, składający się z kilku tematów-obrazów, skoncentrowany kreatywne pomysły Sryabin jest jego najjaśniejszym arcydziełem. Harmonijnie łączy w sobie zamiłowanie kompozytora do potęgi wielkiej orkiestry i lirycznego, zwiewnego brzmienia instrumenty solowe. Ucieleśnione w „Poemacie ekstazy” jest kolosalne energia życiowa, ognista pasja, silna wola robią na słuchaczu nieodparte wrażenie Dzisiaj zachowuje siłę oddziaływania.
Kolejnym arcydziełem Skriabina jest „Prometeusz” („Poemat ognia”), w którym autor całkowicie zaktualizował swój język harmoniczny, odchodząc od tradycyjnego systemu tonalnego i po raz pierwszy w historii temu utworowi miała towarzyszyć muzyka kolorowa , ale premiera ze względów technicznych odbyła się bez efektów świetlnych.
Ostatnią niedokończoną „Tajemnicą” był plan Skriabina, marzyciela, romantyka, filozofa, aby przemówić do całej ludzkości i zainspirować ją do stworzenia nowego fantastycznego porządku świata, zjednoczenia Ducha Uniwersalnego z Materią.

Cytat A.N. Skriabina: „Powiem im (ludziom) – żeby… nie oczekiwali od życia niczego poza tym, co sami mogą stworzyć… Powiem im, że nie ma nic opłakiwać, żeby nie było straty. Aby nie bali się rozpaczy, która jako jedyna może dać początek prawdziwemu triumfowi. Silny i potężny jest ten, kto doświadczył rozpaczy i ją pokonał.

Cytat o A.N. Skriabinie: „Dzieło Skriabina było jego czasem wyrażonym w dźwiękach, ale kiedy to, co tymczasowe, przemijające, znajduje wyraz w kreatywności wielki artysta nabiera trwałego znaczenia i staje się trwały.” G. V. Plechanow

7. Siergiej Wasiljewicz RACHMANINOW (1873 - 1943)

Siergiej Wasiljewicz Rachmaninow to największy na świecie kompozytor początku XX wieku, utalentowany pianista i dyrygent. Twórczy wizerunek kompozytora Rachmaninowa określany jest często mianem „najbardziej rosyjskiego kompozytora”, podkreślając w tym krótkim sformułowaniu jego zasługi w zjednoczeniu tradycje muzyczne szkół kompozytorskich w Moskwie i Petersburgu oraz w tworzeniu własnych niepowtarzalny styl, który wyróżnia się w światowej kulturze muzycznej.
Urodzony w obwodzie nowogrodzkim, w wieku czterech lat rozpoczął naukę muzyki pod kierunkiem swojej matki. Studiował w Konserwatorium w Petersburgu, po 3 latach studiów przeniósł się do Konserwatorium Moskiewskiego i ukończył je z dużym złotym medalem. Szybko dał się poznać jako dyrygent i pianista oraz komponował muzykę. Katastrofalna premiera nowatorskiej I Symfonii (1897) w Petersburgu spowodowała kryzys twórczy kompozytora, z którego na początku XX w. wyłonił się Rachmaninow z ukształtowanym stylem, który jednoczył rosyjską pieśń kościelną, pozostawiając Europejski romantyzm, nowoczesny impresjonizm i neoklasycyzm - a wszystko to jest pełne złożonej symboliki. W tym okresie twórczym narodziły się jego najlepsze dzieła, m.in. II i III koncert fortepianowy, II Symfonia oraz jego ulubione dzieło – wiersz „Dzwony” na chór, solistów i orkiestrę.
W 1917 r. Rachmaninow wraz z rodziną został zmuszony do opuszczenia naszego kraju i osiedlenia się w USA. Przez prawie dziesięć lat po odejściu nic nie komponował, ale intensywnie koncertował w Ameryce i Europie i został uznany za jednego z najwybitniejszych pianistów swojej epoki i głównego dyrygenta. Mimo wszystkich swoich gorączkowych zajęć Rachmaninow pozostał osobą bezbronną i niepewną, dążącą do samotności, a nawet samotności, unikając irytującej uwagi opinii publicznej. Szczerze kochał i tęsknił za swoją ojczyzną, zastanawiając się, czy nie popełnił błędu opuszczając ją. Nieustannie interesował się wszystkimi wydarzeniami odbywającymi się w Rosji, czytał książki, gazety i czasopisma oraz pomagał finansowo. Efektem są jego ostatnie dzieła – III Symfonia (1937) i „Tańce symfoniczne” (1940). ścieżka twórcza, łącząc w sobie wszystko, co najlepsze w jego niepowtarzalnym stylu i żałobne poczucie nieodwracalnej straty i tęsknoty za ojczyzną.

Cytat S.V.
„Czuję się jak duch wędrujący samotnie po obcym mi świecie”.
„Najbardziej wysoka jakość Cała sztuka jest jej szczerością.”
„Wielcy kompozytorzy zawsze i przede wszystkim zwracali uwagę na melodię jako czołowy start w muzyce. Melodia to muzyka, główna podstawa wszelkiej muzyki... Pomysłowość melodyczna, w najwyższym tego słowa znaczeniu, jest główną cel życiowy kompozytor... Z tego powodu wielcy kompozytorzy przeszłości tak bardzo interesowali się melodiami ludowymi swoich krajów.

Cytat o S.V.
„Rachmaninow został stworzony ze stali i złota: stal jest w jego rękach, złoto jest w jego sercu. Nie mogę o nim myśleć bez łez. Nie tylko podziwiałem wielkiego artystę, ale pokochałem jego osobę”. I. Hoffmana
„Muzyką Rachmaninowa jest Ocean. Jego fale – muzyczne – zaczynają się tak daleko za horyzontem, unoszą cię tak wysoko i opuszczają tak powoli… że czujesz tę Moc i Oddech”. A. Konczałowski

Ciekawostka: podczas Wielkiej Wojny Ojczyźnianej Rachmaninow dał kilka koncerty charytatywne, z którego zebrane pieniądze przekazywano na fundusz Armii Czerwonej na rzecz walki z hitlerowskim okupantem.

8. Igor Fedorowicz STRAWIŃSKI (1882-1971)

Igor Fedorowicz Strawiński to jeden z najbardziej wpływowych światowych kompozytorów XX wieku, przywódca neoklasycyzmu. Strawiński stał się „lustrem” epoka muzyczna w jego twórczości odzwierciedla się wielość stylów, stale przenikających się i trudnych do sklasyfikowania. Swobodnie łączy gatunki, formy, style, wybierając je z wielowiekowej historii muzyki i poddając własnym regułom.
Urodzony pod Petersburgiem, studiował na Wydziale Prawa Uniwersytetu w Petersburgu, samodzielnie studiował dyscypliny muzyczne, pobierał prywatne lekcje u N. A. Rimskiego-Korsakowa, była to jedyna szkoła kompozytorska Strawińskiego, dzięki której opanował do perfekcji technikę kompozytorską . Zawodowo komponował stosunkowo późno, ale jego rozwój był szybki – seria trzech baletów: „Ognisty ptak” (1910), „Pietruszka” (1911) i „Święto wiosny” (1913) natychmiast wyniosła go w szeregi kompozytorów pierwszej wielkości.
W 1914 r. opuścił Rosję, jak się okazało, niemal na zawsze (w 1962 r. odbyły tournée po ZSRR). Strawiński jest kosmopolitą, zmuszony do zmiany kilku krajów – Rosji, Szwajcarii, Francji, aż ostatecznie zamieszkał w USA. Jego twórczość dzieli się na trzy okresy - „rosyjski”, „neoklasyczny”, amerykański ” produkcja seryjna„, okresów nie dzieli się ze względu na czas trwania różne kraje, ale według „pisma” autora.
Strawiński był osobą bardzo wykształconą, towarzyską, ze wspaniałym poczuciem humoru. Do jego grona znajomych i korespondentów należeli muzycy, poeci, artyści, naukowcy, biznesmeni i mężowie stanu.
Ostatnie najwyższe osiągnięcie Strawińskiego – „Requiem” (Hymny żałobne) (1966) wchłonęło i połączyło dotychczasowe doświadczenia artystyczne kompozytora, stając się prawdziwą apoteozą dzieła mistrza.
W twórczości Stawińskiego wyróżnia się jedna wyjątkowa cecha - „niepowtarzalność”, nie bez powodu nazywano go „kompozytorem tysiąca i jednego stylu”, ciągła zmiana gatunku, stylu, kierunku fabuły - każde z jego dzieł jest wyjątkowe , jednak stale powracał do projektów, w których widoczne jest rosyjskie pochodzenie, słychać rosyjskie korzenie.

Cytat I.F. Strawińskiego: „Całe życie mówię po rosyjsku, mam rosyjską sylabę Może nie jest to od razu widoczne w mojej muzyce, ale jest w nią wpisane, ma w sobie ukrytą naturę”.

Cytat o I.F. Strawińskim: „Strawiński jest prawdziwie rosyjskim kompozytorem... Duch rosyjski jest niezniszczalny w sercu tego naprawdę wielkiego, wieloaspektowego talentu, zrodzonego na ziemi rosyjskiej i ściśle z nią związanego…” D. Szostakowicz

Ciekawostka (bajka):
Będąc w Nowym Jorku, Strawiński wziął taksówkę i ze zdziwieniem przeczytał swoje nazwisko na znaku.
-Jesteś krewnym kompozytora? – zapytał kierowcę.
- Czy istnieje kompozytor o takim nazwisku? - kierowca był zaskoczony. - Pierwszy raz to słyszę. Jednak Strawiński to nazwisko właściciela taksówki. Nie mam nic wspólnego z muzyką - nazywam się Rossini...

9. Siergiej Siergiejewicz PROKOFIEW (1891—1953)

Siergiej Siergiejewicz Prokofiew to jeden z największych rosyjskich kompozytorów XX wieku, pianista i dyrygent.
Urodzony w obwodzie donieckim, z muzyką związał się od dzieciństwa. Prokofiewa można uznać za jednego z nielicznych (jeśli nie jedynych) rosyjskich „cudów muzycznych”, od 5 roku życia zajmował się komponowaniem, w wieku 9 lat napisał dwie opery (oczywiście dzieła te są jeszcze niedojrzałe, ale wykazują chęć tworzenia), w wieku 13 lat zdał egzaminy w Konserwatorium w Petersburgu, wśród jego nauczycieli był N.A. Rimski-Korsakow. Początek jego kariery zawodowej wywołał burzę krytyki i niezrozumienia jego indywidualnego, z gruntu antyromantycznego i skrajnie modernistycznego stylu. Paradoksem jest to, że burząc akademickie kanony, struktura jego kompozycji pozostała wierna klasyczne zasady a następnie stał się powstrzymującą siłą modernistycznego, zaprzeczającego wszystkiemu sceptycyzmu. Od samego początku swojej kariery Prokofiew dużo koncertował i koncertował. W 1918 odbył tournée międzynarodowe, m.in. odwiedził ZSRR, by w 1936 powrócić do ojczyzny.
Kraj się zmienił, a „wolna” twórczość Prokofiewa zmuszona była ustąpić realiom nowych żądań. Talent Prokofiewa rozkwitł z nową energią - pisał opery, balety, muzykę do filmów - muzyka ostra, silna, niezwykle precyzyjna, z nowymi obrazami i pomysłami, położyła podwaliny pod sowiecką muzykę klasyczną i operę. W 1948 r. niemal jednocześnie wydarzyły się trzy tragiczne wydarzenia: jego pierwsza żona, Hiszpanka, została aresztowana pod zarzutem szpiegostwa i zesłana do obozów; wydano Uchwałę Polibiura KC Ogólnozwiązkowej Komunistycznej Partii Bolszewików, w której zaatakowano Prokofiewa, Szostakowicza i innych i oskarżono ich o „formalizm” i szkodliwość ich muzyki; Nastąpiło gwałtowne pogorszenie stanu zdrowia kompozytora; udał się na emeryturę do swojej daczy i praktycznie jej nie opuścił, ale nadal komponował.
Do najbardziej uderzających dzieł okresu sowieckiego należały opery „Wojna i pokój” oraz „Opowieść o prawdziwym mężczyźnie”; balety „Romeo i Julia” oraz „Kopciuszek”, które stały się nowym standardem światowej muzyki baletowej; oratorium „Strażnik Pokoju”; muzyka do filmów „Aleksander Newski” i „Iwan Groźny”; symfonie nr 5,6,7; dzieła fortepianowe.
Twórczość Prokofiewa zadziwia wszechstronnością i bogactwem tematów, oryginalnością myślenie muzyczne, świeżość i oryginalność stanowiły całą epokę w światowej kulturze muzycznej XX wieku i wywarły potężny wpływ na wielu kompozytorów radzieckich i zagranicznych.

Cytat z S.S. Prokofiewa:
„Czy artysta może stać z dala od życia?.. Trwam w przekonaniu, że kompozytor, podobnie jak poeta, rzeźbiarz, malarz, powołany jest do służenia człowiekowi i ludowi... On przede wszystkim ma obowiązek być obywatel w swojej sztuce, śpiewać życie ludzkie i poprowadź człowieka do świetlanej przyszłości…”
„Jestem przejawem życia, które daje mi siłę przeciwstawić się wszystkiemu, co nieduchowe”

Cytat o S.S. Prokofiewie: „...wszystkie aspekty jego muzyki są piękne. Ale jest tu jedna rzecz zupełnie niezwykła. Podobno każdy z nas ma jakieś niepowodzenia, wątpliwości, po prostu Zły nastrój. I w takich momentach, nawet jeśli nie gram i nie słucham Prokofiewa, ale tylko o nim myślę, dostaję niesamowity ładunek energii, czuję ogromną chęć życia i działania.” E. Kissin

Ciekawostka: Prokofiew bardzo kochał szachy i wzbogacał grę swoimi pomysłami i osiągnięciami, w tym wymyśloną przez siebie „dziewięcioma” szachami – planszą 24x24, na której umieszczono dziewięć kompletów pionków.

10. Dmitrij Dmitriewicz Szostakowicz (1906 - 1975)

Dmitrij Dmitriewicz Szostakowicz to jeden z najważniejszych i najczęściej wykonywanych kompozytorów na świecie, jego wpływ na współczesną muzykę klasyczną jest niezmierzony. Jego dzieła są prawdziwym wyrazem wewnętrznego dramatu człowieka i kroniką trudnych wydarzeń XX wieku, gdzie to, co głęboko osobiste, splata się z tragedią człowieka i ludzkości, z losami jego ojczyzny.
Urodzony w Petersburgu, pierwszy lekcje muzyki otrzymał od matki, ukończył Konserwatorium w Petersburgu, po wejściu do którego jego rektor Aleksander Głazunow porównał go do Mozarta - więc zadziwił wszystkich swoim pięknym pamięć muzyczna, bystry słuch i dar komponowania. Już na początku lat 20., pod koniec konserwatorium, Szostakowicz miał bagaż własnych dzieł i stał się jednym z najlepszych kompozytorów w kraju. Światowa sława przyjechał do Szostakowicza po zwycięstwie w I Międzynarodowym Konkursie Chopinowskim w 1927 r.
Do pewien okres, a mianowicie przed realizacją opery „Lady Makbet z Mtsenska” Szostakowicz pracował jako artysta wolny – „awangarda”, eksperymentując ze stylami i gatunkami. Dotkliwe rozbiórki tej opery, zorganizowane w 1936 r., i represje z 1937 r. zapoczątkowały późniejszą nieustanną walkę wewnętrzną Szostakowicza o wyrażanie własnych poglądów własnymi środkami w warunkach narzucania przez państwo kierunków w sztuce. W jego życiu polityka i twórczość są ze sobą bardzo ściśle powiązane, był przez władze chwalony i prześladowany, piastował wysokie stanowiska i został z nich usunięty, on i jego bliscy zostali nagrodzeni i groziło im aresztowanie.
Jako człowiek łagodny, inteligentny, delikatny, swoją formę wyrażania zasad twórczych odnalazł w symfoniach, w których mógł możliwie otwarcie mówić prawdę o czasie. Spośród całej rozległej twórczości Szostakowicza we wszystkich gatunkach centralne miejsce zajmują symfonie (15 dzieł); najbardziej dramatyczne są symfonie 5, 7, 8, 10, 15, które stały się szczytem radzieckiej muzyki symfonicznej. Zupełnie inny Szostakowicz objawia się w muzyce kameralnej.
Mimo że sam Szostakowicz był kompozytorem „domowym” i praktycznie nigdy nie podróżował za granicę, jego muzyka, w istocie humanistyczna i prawdziwie artystyczna w formie, szybko i szeroko rozprzestrzeniła się po całym świecie i była wykonywana przez najlepszych dyrygentów. Wielkość talentu Szostakowicza jest tak ogromna, że pełne jego zrozumienie unikalne zjawisko sztuka światowa dopiero nadejdzie.

Cytat z D.D. Szostakowicza: „Prawdziwa muzyka zdolna jest wyrazić tylko ludzkie uczucia, tylko zaawansowane ludzkie idee”.

1. „V Symfonia”, Ludwig van Beethoven

Według legendy Beethoven (1770-1827) przez długi czas nie mógł wymyślić wstępu do V Symfonii. Kiedy jednak położył się, aby się zdrzemnąć, usłyszał pukanie do drzwi i rytm tego pukanie stało się wstępem do tej pracy. Co ciekawe, pierwsze nuty symfonii odpowiadają cyfrze 5, czyli V w alfabecie Morse’a.

2. O Fortuno, Carl Orff

Kompozytor Carl Orff (1895-1982) jest najbardziej znany z tej kantaty z dramatycznym wokalem. Opiera się na XIII-wiecznym poemacie „Carmina Burana”. Jest to jeden z najczęściej wykonywanych dzieła klasyczne na całym świecie.

3. Chór Alleluja, George Frideric Handel

George Frideric Handel (1685-1759) napisał oratorium Mesjasz w 24 dni. Wiele melodii, w tym „Hallelujah”, zostało później zapożyczonych z tego utworu i zaczęto je wykonywać jako utwory niezależne. Legenda głosi, że aniołom grała w głowie Haendla muzyka. Tekst oratorium opiera się na historie biblijne Handel odzwierciedlał życie, śmierć i zmartwychwstanie Chrystusa.

4. „Przejażdżka Walkirii”, Ryszard Wagner

Kompozycja ta pochodzi z opery „Die Walküre”, która jest częścią cyklu operowego „Pierścień Nibelunga” Ryszarda Wagnera (1813-1883). Opera „Walkiria” poświęcona jest córce boga Odyna. Wagner komponował tę operę przez 26 lat, a jest to dopiero druga część wspaniałego arcydzieła składającego się z czterech oper.

5. „Toccata i fuga d-moll”, Johann Sebastian Bach

To chyba najwięcej słynne dzieło Bacha (1685-1750), często wykorzystuje się go w filmach podczas scen dramatycznych.

6. „Mała nocna serenada” Wolfganga Amadeusza Mozarta

6. Aleksander Nikołajewicz SKRYABIN (1872 - 1915)

Aleksander Nikołajewicz Skriabin to rosyjski kompozytor i pianista, jedna z najwybitniejszych osobistości rosyjskiej i światowej kultury muzycznej. Oryginalna i głęboko poetycka twórczość Skriabina wyróżniała się innowacyjnością nawet na tle narodzin wielu nowych nurtów w sztuce związanych ze zmianami w życiu społecznym przełomu XIX i XX wieku.
Urodzony w Moskwie, jego matka zmarła wcześnie, ojciec nie mógł zwrócić uwagi na syna, ponieważ był ambasadorem w Persji. Skriabin był wychowywany przez ciotkę i dziadka i od dzieciństwa wykazywał talent muzyczny. Początkowo uczył się w korpusie kadetów, pobierał prywatne lekcje gry na fortepianie, a po ukończeniu korpusu wstąpił do Konserwatorium Moskiewskiego, jego kolegą z klasy był S.V. Po ukończeniu konserwatorium Skriabin całkowicie poświęcił się muzyce – jako pianista-kompozytor koncertował w Europie i Rosji, większość czasu spędzając za granicą.
Szczyt twórczości kompozytorskiej Skriabina przypada na lata 1903-1908, kiedy to ukazała się III Symfonia („Boski poemat”), symfoniczny „Poemat ekstazy”, poematy fortepianowe „Tragiczne” i „szatańskie”, IV i V sonaty oraz inne dzieła. wydany. „Poemat ekstazy”, składający się z kilku obrazów tematycznych, skupił twórcze pomysły Sryabina i jest jego genialnym arcydziełem. Harmonijnie łączy zamiłowanie kompozytora do potęgi wielkiej orkiestry i lirycznego, napowietrzonego brzmienia instrumentów solowych. Kolosalna energia życiowa, ognista pasja i siła silnej woli zawarte w „Poemacie ekstazy” robią na słuchaczu nieodparte wrażenie i do dziś zachowują moc swojego oddziaływania.
Kolejnym arcydziełem Skriabina jest „Prometeusz” („Poemat ognia”), w którym autor całkowicie zaktualizował swój język harmoniczny, odchodząc od tradycyjnego systemu tonalnego i po raz pierwszy w historii temu utworowi miała towarzyszyć muzyka kolorowa , ale premiera ze względów technicznych odbyła się bez efektów świetlnych.
Ostatnią niedokończoną „Tajemnicą” był plan Skriabina, marzyciela, romantyka, filozofa, aby przemówić do całej ludzkości i zainspirować ją do stworzenia nowego fantastycznego porządku świata, zjednoczenia Ducha Uniwersalnego z Materią.

Cytat A.N. Skriabina: „Powiem im (ludziom) – żeby… nie oczekiwali od życia niczego poza tym, co sami mogą stworzyć… Powiem im, że nie ma nic opłakiwać, żeby nie było straty. Aby nie bali się rozpaczy, która jako jedyna może dać początek prawdziwemu triumfowi. Silny i potężny jest ten, kto doświadczył rozpaczy i ją pokonał.

Cytat o A.N. Skriabinie: „Dzieło Skriabina było jego czasem, wyrażonym w dźwiękach. Ale kiedy to, co tymczasowe, przemijające, znajduje swój wyraz w twórczości wielkiego artysty, nabiera trwałego znaczenia i staje się trwałe”. G. V. Plechanow

A.N. Skriabin „Prometeusz”

7. Siergiej Wasiljewicz RACHMANINOW (1873 - 1943)

Cytat S.V.
„Czuję się jak duch wędrujący samotnie po obcym mi świecie”.
„Najwyższą jakością wszelkiej sztuki jest jej szczerość.”
„Wielcy kompozytorzy zawsze i przede wszystkim zwracali uwagę na melodię jako naczelną zasadę muzyki. Melodia to muzyka, główna podstawa wszelkiej muzyki… Pomysłowość melodyczna, w najwyższym tego słowa znaczeniu, jest głównym celem życiowym kompozytor.... Oto powód, dla którego wielcy kompozytorzy przeszłości tak bardzo interesowali się melodiami ludowymi swoich krajów.

Cytat o S.V.
„Rachmaninow został stworzony ze stali i złota: stal jest w jego rękach, złoto jest w jego sercu. Nie mogę o nim myśleć bez łez. Nie tylko podziwiałem wielkiego artystę, ale pokochałem jego osobę”. I. Hoffmana
„Muzyką Rachmaninowa jest Ocean. Jego fale – muzyczne – zaczynają się tak daleko za horyzontem, unoszą cię tak wysoko i opuszczają tak powoli… że czujesz tę Moc i Oddech”. A. Konczałowski

Ciekawostka: podczas Wielkiej Wojny Ojczyźnianej Rachmaninow dał kilka koncertów charytatywnych, z których dochód przekazał Funduszowi Armii Czerwonej na walkę z nazistowskimi okupantami.

S.V. Rachmaninow. Koncert fortepianowy nr 2

8. Igor Fedorowicz STRAWIŃSKI (1882-1971)

Igor Fedorowicz Strawiński to jeden z najbardziej wpływowych światowych kompozytorów XX wieku, przywódca neoklasycyzmu. Strawiński stał się „lustrem” epoki muzycznej; w jego twórczości odbija się wielość stylów, nieustannie przenikających się i trudnych do sklasyfikowania. Swobodnie łączy gatunki, formy, style, wybierając je z wielowiekowej historii muzyki i poddając własnym regułom.
Urodzony pod Petersburgiem, studiował na Wydziale Prawa Uniwersytetu w Petersburgu, samodzielnie studiował dyscypliny muzyczne, pobierał prywatne lekcje u N. A. Rimskiego-Korsakowa, była to jedyna szkoła kompozytorska Strawińskiego, dzięki której opanował do perfekcji technikę kompozytorską . Zawodowo komponował stosunkowo późno, ale jego rozwój był szybki – seria trzech baletów: „Ognisty ptak” (1910), „Pietruszka” (1911) i „Święto wiosny” (1913) natychmiast wyniosła go w szeregi kompozytorów pierwszej wielkości.
W 1914 r. opuścił Rosję, jak się okazało, niemal na zawsze (w 1962 r. odbyły tournée po ZSRR). Strawiński jest kosmopolitą, zmuszony do zmiany kilku krajów – Rosji, Szwajcarii, Francji, aż ostatecznie zamieszkał w USA. Jego twórczość podzielona jest na trzy okresy - „rosyjski”, „neoklasyczny”, amerykański „produkcja masowa”, okresy dzieli nie czas życia w różnych krajach, ale „pismo ręczne” autora.
Strawiński był osobą bardzo wykształconą, towarzyską, ze wspaniałym poczuciem humoru. Do jego grona znajomych i korespondentów należeli muzycy, poeci, artyści, naukowcy, biznesmeni i mężowie stanu.
Ostatnie najwyższe osiągnięcie Strawińskiego – „Requiem” (Hymny żałobne) (1966) wchłonęło i połączyło dotychczasowe doświadczenia artystyczne kompozytora, stając się prawdziwą apoteozą dzieła mistrza.
W twórczości Stawińskiego wyróżnia się jedna wyjątkowa cecha - „niepowtarzalność”, nie bez powodu nazywano go „kompozytorem tysiąca i jednego stylu”, ciągła zmiana gatunku, stylu, kierunku fabuły - każde z jego dzieł jest wyjątkowe , jednak stale powracał do projektów, w których widoczne jest rosyjskie pochodzenie, słychać rosyjskie korzenie.

Cytat I.F. Strawińskiego: „Całe życie mówię po rosyjsku, mam rosyjską sylabę Może nie jest to od razu widoczne w mojej muzyce, ale jest w nią wpisane, ma w sobie ukrytą naturę”.

Cytat o I.F. Strawińskim: „Strawiński jest prawdziwie rosyjskim kompozytorem... Duch rosyjski jest niezniszczalny w sercu tego naprawdę wielkiego, wieloaspektowego talentu, zrodzonego na ziemi rosyjskiej i ściśle z nią związanego…” D. Szostakowicz

Ciekawostka (bajka):
Będąc w Nowym Jorku, Strawiński wziął taksówkę i ze zdziwieniem przeczytał swoje nazwisko na znaku.
-Jesteś krewnym kompozytora? – zapytał kierowcę.
- Czy istnieje kompozytor o takim nazwisku? - kierowca był zaskoczony. - Pierwszy raz to słyszę. Jednak Strawiński to nazwisko właściciela taksówki. Nie mam nic wspólnego z muzyką - nazywam się Rossini...

I.F. Strawiński. Apartament „Ognisty Ptak”

9. Siergiej Siergiejewicz PROKOFIEW (1891-1953)

Siergiej Siergiejewicz Prokofiew to jeden z największych rosyjskich kompozytorów XX wieku, pianista i dyrygent.
Urodzony w obwodzie donieckim, z muzyką związał się od dzieciństwa. Prokofiewa można uznać za jednego z nielicznych (jeśli nie jedynych) rosyjskich „cudów muzycznych”, od 5 roku życia zajmował się komponowaniem, w wieku 9 lat napisał dwie opery (oczywiście dzieła te są jeszcze niedojrzałe, ale wykazują chęć tworzenia), w wieku 13 lat zdał egzaminy w Konserwatorium w Petersburgu, wśród jego nauczycieli był N.A. Rimski-Korsakow. Początek jego kariery zawodowej wywołał burzę krytyki i niezrozumienia jego indywidualnego, z gruntu antyromantycznego i skrajnie modernistycznego stylu. Paradoksem jest to, że burząc akademickie kanony, konstrukcja jego kompozycji pozostała wierna klasycznym zasadom, by z czasem stać się dziełem sztuki; powstrzymująca siła modernistycznego, zaprzeczającego wszystkiemu sceptycyzmu. Od samego początku swojej kariery Prokofiew dużo koncertował i koncertował. W 1918 odbył tournée międzynarodowe, m.in. odwiedził ZSRR, by w 1936 powrócić do ojczyzny.
Kraj się zmienił, a „wolna” twórczość Prokofiewa zmuszona była ustąpić realiom nowych żądań. Talent Prokofiewa rozkwitł z nową energią - pisał opery, balety, muzykę do filmów - muzyka ostra, silna, niezwykle precyzyjna, z nowymi obrazami i pomysłami, położyła podwaliny pod sowiecką muzykę klasyczną i operę. W 1948 r. niemal jednocześnie wydarzyły się trzy tragiczne wydarzenia: jego pierwsza żona, Hiszpanka, została aresztowana pod zarzutem szpiegostwa i zesłana do obozów; wydano Uchwałę Polibiura KC Ogólnozwiązkowej Komunistycznej Partii Bolszewików, w której zaatakowano Prokofiewa, Szostakowicza i innych i oskarżono ich o „formalizm” i szkodliwość ich muzyki; Nastąpiło gwałtowne pogorszenie stanu zdrowia kompozytora; udał się na emeryturę do swojej daczy i praktycznie jej nie opuścił, ale nadal komponował.
Do najbardziej uderzających dzieł okresu sowieckiego należały opery „Wojna i pokój” oraz „Opowieść o prawdziwym mężczyźnie”; balety „Romeo i Julia” oraz „Kopciuszek”, które stały się nowym standardem światowej muzyki baletowej; oratorium „Strażnik Pokoju”; muzyka do filmów „Aleksander Newski” i „Iwan Groźny”; symfonie nr 5,6,7; dzieła fortepianowe.
Twórczość Prokofiewa uderza wszechstronnością i szerokością tematów; oryginalność jego myślenia muzycznego, świeżość i oryginalność stanowiły całą epokę w światowej kulturze muzycznej XX wieku i wywarły potężny wpływ na wielu kompozytorów radzieckich i zagranicznych.

Cytat z S.S. Prokofiewa:
„Czy artysta może stać z boku życia?.. Trwam w przekonaniu, że kompozytor, podobnie jak poeta, rzeźbiarz, malarz, powołany jest do służenia człowiekowi i ludowi... On przede wszystkim ma obowiązek być obywatel w swojej sztuce, aby gloryfikować życie ludzkie i prowadzić ludzi do świetlanej przyszłości…”
„Jestem przejawem życia, które daje mi siłę przeciwstawić się wszystkiemu, co nieduchowe”

Cytat o S.S. Prokofiewie: „...wszystkie aspekty jego muzyki są piękne, ale jest tu jedna rzecz zupełnie niezwykła. Podobno wszyscy mamy jakieś niepowodzenia, wątpliwości, po prostu zły humor. I w takich momentach „Nawet jeśli nie Nie gram i nie słucham Prokofiewa, ale wystarczy o nim pomyśleć, dostaję niesamowity ładunek energii, czuję wielką chęć życia i działania.” E. Kissin

Ciekawostka: Prokofiew bardzo kochał szachy i wzbogacał grę swoimi pomysłami i osiągnięciami, w tym wymyśloną przez siebie „dziewięcioma” szachami – planszą 24x24, na której umieszczono dziewięć kompletów pionków.

SS Prokofiew. Koncert nr 3 na fortepian i orkiestrę

10. Dmitrij Dmitriewicz Szostakowicz (1906 - 1975)

Dmitrij Dmitriewicz Szostakowicz to jeden z najważniejszych i najczęściej wykonywanych kompozytorów na świecie, jego wpływ na współczesną muzykę klasyczną jest niezmierzony. Jego dzieła są prawdziwym wyrazem wewnętrznego dramatu człowieka i kroniką trudnych wydarzeń XX wieku, gdzie to, co głęboko osobiste, splata się z tragedią człowieka i ludzkości, z losami jego ojczyzny.
Urodzony w Petersburgu, pierwsze lekcje muzyki pobierał u swojej matki, ukończył Konserwatorium w Petersburgu, po wejściu do którego jego rektor Aleksander Głazunow porównał go do Mozarta - dlatego zadziwił wszystkich doskonałą pamięcią muzyczną, bystrym słuchem i talentem dla kompozycji. Już na początku lat 20., pod koniec konserwatorium, Szostakowicz miał bagaż własnych dzieł i stał się jednym z najlepszych kompozytorów w kraju. Światową sławę zyskał Szostakowicz po zwycięstwie w I Międzynarodowym Konkursie Chopinowskim w 1927 roku.
Do pewnego okresu, a mianowicie przed wystawieniem opery „Lady Makbet z Mtsenska”, Szostakowicz działał jako artysta wolny – „awangarda”, eksperymentując ze stylami i gatunkami. Dotkliwe rozbiórki tej opery, zorganizowane w 1936 r., i represje z 1937 r. zapoczątkowały późniejszą nieustanną walkę wewnętrzną Szostakowicza o wyrażanie własnych poglądów własnymi środkami w warunkach narzucania przez państwo kierunków w sztuce. W jego życiu polityka i twórczość są ze sobą bardzo ściśle powiązane, był przez władze chwalony i prześladowany, piastował wysokie stanowiska i został z nich usunięty, on i jego bliscy zostali nagrodzeni i groziło im aresztowanie.
Jako człowiek łagodny, inteligentny, delikatny, swoją formę wyrażania zasad twórczych odnalazł w symfoniach, w których mógł możliwie otwarcie mówić prawdę o czasie. Spośród całej rozległej twórczości Szostakowicza we wszystkich gatunkach centralne miejsce zajmują symfonie (15 dzieł); najbardziej dramatyczne są symfonie 5, 7, 8, 10, 15, które stały się szczytem radzieckiej muzyki symfonicznej. Zupełnie inny Szostakowicz objawia się w muzyce kameralnej.
Mimo że sam Szostakowicz był kompozytorem „domowym” i praktycznie nigdy nie podróżował za granicę, jego muzyka, w istocie humanistyczna i prawdziwie artystyczna w formie, szybko i szeroko rozprzestrzeniła się po całym świecie i była wykonywana przez najlepszych dyrygentów. Ogrom talentu Szostakowicza jest tak ogromny, że pełne zrozumienie tego wyjątkowego fenomenu sztuki światowej jest jeszcze przed nami.

Cytat z D.D. Szostakowicza: „Prawdziwa muzyka zdolna jest wyrazić tylko ludzkie uczucia, tylko zaawansowane ludzkie idee”.

D. Szostakowicz. Symfonia nr 7 „Leningrad”